Alberto Milani – Cracks

Discorso diverso invece per Scared Of My Free Time che è un omaggio ai Nirvana, ne segue le orme in ogni dove, dal basso alla batteria che esplode solo nel ritornello, alla linea vocale e infine per Grip Your Gun che suona molto Queens Of The Stone Age e probabilmente è utile in sede live a caricare di più il pubblico. Cracks è un EP sicuramente non banale. Certo, di Jeff Buckley ne nascono uno ogni cento anni, però Alberto ha viaggiato su quei solchi per ideare e registrare questo suo primo EP.

Weg – 90 Degrees

Alangrime – Colpogrosso

Discovolante è invece più in linea con un cantautorato moderno e la voce è accompagnata da una chitarra acustica, mentre Plutone è un brano più magnetico e avvolgente per le sue strane sonorità, vibranti e anche trasgressive. In chiusura Massera, con ancora testi forti e un sound molto elettronico e Unicorn, dove rimane il sound elettronico e anche molto spaziale. Un artista che ha un suo mondo ben definito e ricco di riferimenti impegnati ma anche piccanti e in copertina ha anche il suo fascino di vedere un gustoso donut tra le stelle.

Darman – Necessità Interiore

Con Dora E Picasso siamo sempre dentro l’arte, un pezzo in cui il riferimento è fatto al ritratto che Picasso fece di Dora Maar; infatti Darman qui lascia andare la mente su ciò che abbia potuto provocare la realizzazione dell’opera con un bel rock ritmato e libero che coinvolge chi ascolta. E mentre con Mayday il rock diventa inquieto come gli artisti che si son piegati ad altro evitando i racconti e le scritture di canzoni sugli amori, con Ardhanarishvara si racconta della donna e dell’uomo e delle loro unioni, anche sessuali, con sullo sfondo un corale giocoso ed un rock altrettanto stimolante già dall’apertura che musicalmente, sembra quella dei primi Black Sabbath, band che ha probabilmente dato esempio anche a Darman. E mentre l’artista calabrese con questo pezzo si lascia alle spalle un rock stimolante, la proposta di Silenzi Dimenticati diventa forse la traccia più interessante di Necessità Interiore perché, nel mentre si narra della necessità di beneficiare spesso del silenzio, probabilmente perché tutti ne abbiamo davvero un po’ di bisogno, la quiete diventa il fondamento di ognuno di noi per riscoprire in realtà quello poi che siamo.

Con Tangibile sembra di risentire quei lenti blues del Mississippi elettrici di una volta, un pezzo molto intimista che determina in maniera ben definita la ricerca di ciò che in passato abbiamo vissuto con le persone a noi più care. Ed anche qui, in questo bel pezzo cadenzato, con l’uso dell’elettronica e di un rock che dà puro smalto, Darman riesce benissimo ad intrecciare un testo significativo con una scrittura musicale di tutto rispetto, un brano da ascoltare e riascoltare allo stesso modo di Quotidianità Distorta, un passaggio in cui si parla di donna ed aspirazioni, di voglia di crescita e di lotta con la voce di Caterina Borrelli che, ospitata per l’occasione, riesce ancor di più a fare di questo brano un pezzo forte. E per chi ama i suoni chitarristici questo brano potrebbe essere un incoronamento rock per la presenza di molti riff semplici elementari che Darman propone per innalzare il livello della proposta. Tocca a Deformazioni Assiali la chiusura di questo terzo lavoro di Darman nel quale il cantautore calabrese non si è risparmiato per le proposte diverse presenti in Necessità Interiore. Ed infatti anche questo pezzo di chiusura, pur mancando di un testo, recita il rock e la proposta che Dario Mangiacasale propone al pubblico e che, secondo noi, è ben concepito e realizzato. Ecco perché riteniamo che il voto assegnatogli debba per ora fermarsi lì perché ci aspettiamo nuove sorprese per il futuro.

The Incredulous Eyes – Mad Journey

Però, i puristi del genere, mi diranno che quel tanto celebrato Grace di rotture ne aveva a iosa, forse più di quante ne abbiamo riconosciute negli anni. Fantasia: che bella parola questa. Quanta fantasia manca nei dischi di oggi? Tantissima. Beh in questo Mad Journey ne ho trovata parecchia, come anche tantissima è l’ispirazione che arriva più dal modo libero e leggero di gestire i suoni e di interpretare gli sviluppi dei brani (quel frantumare di cui sopra, spesso ostentato ma con maturità) che nel modo di vestire i panni degli “artisti” in cerca di consensi pubblici. L’arroganza che mi arriva è solo questione di quel ferro che trasuda da un suono “suonato” alla vecchia maniera e brani come Vision Of Halet penso siano il vero completamento di bellezza di questo lavoro che, se fosse figlio di altri tempi, non avrebbe bisogno di elemosinare spazi e attenzioni. Se penso che l’ultimo brano di Dylan non l’ha sottolineato “nessuno” e dopo pochi giorni è praticamente sparito nel dimenticatoio, figuratevi un trio che arriva dal nostro caro Abruzzo che fatica deve fare. Mi è piaciuto il modo di edulcorare la forma canzone che c’è, spesso, non sempre ma spesso, di questi lunghi momenti strumentali che narrano e non riempiono soltanto; planiamo senza soluzione di continuità dentro uno scenario in cui la voce diviene strumento e non portatore di senso estetico, in cui diviene vettore di rabbia e mi richiama alla mente la “dannazione” dei poeti beat, “l’urlo” delle parole con quella grazia capace di dialogare con il resto del suono.

Inaspettata e decisamente bellissima la chiusa con Brother John che personalmente mi riporta al mood dei Duncan Shake e a quel certo modo inglese di scrivere melodie che si chiudono con accordi interrogativi. E poi Dalik’s Aggression – Guilty con questo rock dalle chitarre rockabbilly nelle vene che segna un momento “sporco” e cattivo di questo ascolto; e “June”, tanto per prendere un altro brano a bandiera, che se non fosse troppo ruvida nei suoni, avrebbe un che di beatlesiana bellezza. Ho come l’impressione di mancare il bersaglio e la religione di questo disco, ho come l’impressione che sia come uno scrigno di tantissime cose importanti mascherate in volto con allegorie che il tempo sfuggente di oggi neanche ci ha più educati a codificare. Ho come l’impressione che Mad Journey sia figlio di un passato recente e di recenti metropoli in cui il rock d’autore, che raccoglieva l’eredità di chi aveva ascoltato ed esasperato linee guida come Astral Weeks, veicolava rabbia sociale, romanticismo dannato e la fantasia di raccontare per raccontarsi. Mi è piaciuto proprio questo disco, intelligente e colto quanto basta per non trovare (spero di sbagliarmi) punti di appiglio nelle giovani menti invasate dei social di oggi.

The Nest – Ad Astra

Mimica – Barriera Relativa

Non stona la collaborazione con il rapper Guzman nel brano Incubo perché non snatura la proposta della band, si intuisce che si tratta di una contaminazione e non di una virata su altri terreni per cercare di conquistare un pubblico diverso; e se avete qualche dubbio ascoltate il ritornello. I Mimica danno alla luce un EP con una manciata di brani ma che da solo riesce a scrivere tantissime pagine nel rock italiano, lasciando per strada decine di progetti emergenti andati anche oltre l’album di debutto ma che hanno decisamente meno da dire. L’asticella in Italia si è alzata e questo anche grazie a band come i Mimica. Davvero da tenere sotto controllo.

Samsa Dilemma – Everyday Struggle

Quindi ha un senso di scura insoddisfazione e goliardica rabbia repressa questo disco quando suonano brani come Potion Mood, I Need A Map o la più esplicativa Rotten Underneath Reprise. Il punk, il rock alternativo di sfacciato stampo inglese, il mood che non ci sta a fare il bravo ragazzo dentro le divise del collage. E contemporaneamente ha un grande senso di salvezza e di purezza quando suonano brani come 2 AM e il girare in un circolo di accordi maggiori somiglia alle vedute di De Gregori quando canta di Gambadilegno A Prigi (e il rimando sta alla sensazione ovviamente, visto che i due brani sono lontani anni luce) o di quel ondulare sospeso di sogni di una bella ballata, nuovamente, inglese. E ha un grande peso di consapevolezza, di carattere e di raffinata personalità quando si spoglia e non deve dimostrare niente a nessuno, non ha bisogno di ammennicoli e di fuochi pirotecnici ma si mette a nudo: il mio personalissimo momento di riflessione al tramonto quando suonano canzoni come 1000 Nightmares (For Dad) o l’ultimissima 21 November 2018 (In Memory Of Luciano), forse il momento più alto di tutto il disco. E mi affascina l’uso scolastico dell’armonica a bocca con quel fare dylaniano che ci ha dimostrato quanto non è l’estetica a farsi eterna, e mi affascina l’uso di altro che non sia dentro l’organico dei Sesma Dilemma, le trombe come gli archi, i suoni di un ambiente esterno come il richiamo del tanto citato sottomarino giallo, quello famoso per capirci.

Ho denunciato subito l’uso dell’italiano per due brani, varianza questa che ha sempre fatto a cazzotti con il mio personalissimo gusto di coerenza, elemento che – a mio modo di vedere – confonde la faccia e le aspettative (ma restano pur sempre problemi miei) e mi affascina questo non modo a procedere, questa tessitura di brani che cambiano stile e alterano la propria estetica senza mai perdere il filo conduttore. E ho sempre odiato l’uso dell’inglese che questa volta, come raramente accade, sembra avere un senso anche in bocca a italianissimi italiani e sembra davvero non darmi troppo fastidio. Trovo che Everyday Struggle sia un disco davvero ispirato e di un profilo importante che sottolineo con molto piacere, lavandomi di dosso il pregiudizio di avere un timido legame di conoscenza con la voce di Riccardo Pro, cercando davvero di ascoltarlo senza presunzione e vizi di forma. Il direttore sarà contento che per una volta non sputo in faccia le mie frustrazioni agli altri…non l’ho mai fatto ma temo che lo credano in molti. E che si serva la birra!

Bushi – The Flawless Avenger

Dal punto di vista musicale, ci troviamo davanti certamente qualcosa di ricercato, complesso e sperimentale, difficile da catalogare. Un rock alternativo (perché è qui che finiscono spesso i “difficili da catalogare”) con incursioni prog, una grande presenza di basso (che può rimandare un po’ ai Primus) e un sax tenore (Bravery) che ben si amalgamano a chitarra e batteria. L’aria “giapponese” e l’anima samurai sono piuttosto rappresentate, già dall’intro di archi (chiamato proprio Hagakure) e in generale bravura e virtuosismo non sono mai in discussione; anche se si sente la mancanza di momenti di “semplicità” e respiro (cosa che invece in Giappone è molto considerata). Il CD è inserito in un “libro” illustrato e ideato da Francesco Farneselli; le illustrazioni in bianco e nero rendono sicuramente interessante questa soluzione di packaging anche se, considerando il Volume e il Paese ai quali si fa riferimento, qualche accorgimento in più avrebbe impreziosito l’opera; una scelta meno comune della carta (materiale assai considerato in Giappone), un’impaginazione più accorta e delicata nei font e negli spazi (altra materia molto cara ai giapponesi è la scrittura) così come, in ultimo, un formato più adeguato (A5 anziché A4 a mio parere).

In conclusione un lavoro pretenzioso quanto interessate (come l’intero progetto Bushi); sicuramente ben suonato e strutturato ma, ripeto, non semplice.