Spread – Vivi Per Miracolo

Spiazzante. È una delle prime parole (ben accetti anche i sinonimi) che ci viene in mente ascoltando l’ultima fatica in studio degli Spread, band bergamasca che non ha un nome accattivante ma dietro il microfono e gli strumenti ci sa fare. Ascoltare il loro terzo disco, Vivi Per Miracolo – “un titolo che può risultare d’impatto e costituisce quasi una resurrezione per noi, rispetto al precedente”, spiega il quartetto – che segue nell’ordine un demo autoprodotto e i dischi Anche I Cinghiali Hanno La Testa (2009) e C’è Tutto Il Tempo Per Dormire Sotto Terra (2011) recensito da noi a questa pagina equivale ad immergersi nel variegato universo artistico di un gruppo solido, con una buona gavetta alle spalle, che ha diviso il palco con band del calibro di Afterhours, Diaframma, Marlene Kuntz e Verdena, solo per fare qualche nome. E sono proprio i Verdena, anche loro bergamaschi, uno dei gruppi a cui gli Spread si ispirano maggiormente. Una considerazione che si rafforza alla luce di Vivi Per Miracolo, album registrato e mixato proprio da Alberto Ferrari dei Verdena – con suo fratello Luca nel ruolo di assistente in studio – pubblicato per l’etichetta Go Down Records e distribuito da Music For The People. Dieci tracce nelle quali la line-up formata da Roberto Longaretti, Valentino Novelli, Paolo Fusini, Paolo Colleoni dà fondo a tutte le proprie risorse, destreggiandosi tra generi differenti. Mentre Anche I Cinghiali Hanno La Testa miscelava grunge e stoner rock e C’è Tutto Il Tempo Per Dormire Sotto Terra virava sul rock progressivo e sperimentale, Vivi Per Miracolo – il cui significato, a mo’ di equilibrista, oscilla tra il miracolo di respirare e l’ansia che deriva dall’inevitabile precarietà esistenziale – è difficilmente etichettabile.

Un disco spiazzante, appunto, già dalla cover dove campeggia una scritta stile Hollywood e una coppia di mucche (omaggio all’immortale Atom Heart Mother dei Pink Floyd?) pascola sulla superficie del lago. Addentrandoci nelle canzoni, la sensazione è quella di una continua sorpresa, senza avere il tempo di indovinare quale sarà la mossa (il genere?) seguente. La band lombarda – che parlando dell’ultimo album riconosce: “c’è molto più spazio per le sfumature di colore” – spazia dal rock al progressive, dall’elettronica al pop-beat alla new wave. Sperimentando. Ma il rischio, in questi casi, è di non “procedere” né avanti né indietro, restando statici e, soprattutto, poco concreti. Un po’ come quando un grande attaccante, a porta sguarnita, rischia il colpo ad effetto piuttosto che appoggiare comodamente la palla in rete. Ecco, la sensazione ascoltando gli Spread è questa: una band tecnicamente valida, che però tende a “piacersi troppo”, (ri)specchiandosi tra raffinatezze non sempre utili alla causa.

Tra i brani più convincenti ci sono l’orientaleggiante Trumpolino, che apre il disco, Cifre Uniche, diluita salsa funk e Spaghetti Aglio E Odio, dove gli effetti elettronici e l’interessante voce in falsetto di Longaretti la fanno da padrone. Se gli Spread faranno proprio il concetto “less is more” (coniato dall’architetto tedesco Ludwig Mies van der Rohe), secondo cui il “di più” si ottiene investendo sull’essenzialità (“il meno”), nel prossimo disco ne vedremo delle belle.

Il Corpo Docenti – Scivoli

Il giovane terzetto milanese Il Corpo Docenti si presenta con cinque tracce ben concepite e ben prodotte, incluse nell’EP che prende il titolo dall’ultimo brano. Piacevole scoperta perché a dispetto di quanto il nome del progetto e l’artwork potevano far immaginare, non siamo di fronte alla classica indie band con decine di metri quadrati di pedaliere e arpeggi senza soluzione di continuità vestiti da sperimentazioni post-rock. Il Corpo Docenti picchia duro sull’alternative rock più compatto e convincente, testi in italiano e riff accesi che si aggrappano alla nostra sete di rock e la trascinano fino ad uno stato di piena soddisfazione. Ci piace Canzone Per Litigare, un brano che non è propriamente da band esordiente, con delle liriche che incrociano le parti ritmate per nulla istintive e che esplode sul finire nemmeno fosse un pezzo dei Voina.

In questo EP c’è anche una certa vena di intensità che compare in alcuni frangenti come nella parte iniziale di Per Niente o anche sul finire: Il Muro ad esempio è un crescendo di impeto che solo sul finale trova la sua forma più consona; anche la title track punta su strofe più pacate, lasciando solo al ritornello il ruolo di sfogo propulsivo, di miccia che fa esplodere la restante parte del brano facendolo apparire come incendiario a tutti gli effetti. Una band da tenere sotto controllo perché i presupporti di questo EP sono di quelli che ci lasciano in attesa, presto, di un seguito.

Il Diluvio – Frail Skies

Il rock ha ormai assunto le forme più disparate. Nel progetto Il Diluvio il rock assume un sapore languido, timidamente elettrico. Ascoltando il loro secondo EP, Frail Skies, si potrebbe parlare di alternative rock con delle melodie che sono più incisive della componente elettrica. Le chitarre si collocano bene a nostro parere in quanto a songwriting ma si poteva optare per un suono più corposo; non è questa una critica in senso stretto del termine, la scelta di ammorbidirle è voluta per lasciare spazio da un lato alle tastiere e dall’altro proprio a quelle melodie che rendono la proposta del quartetto più pop rock. Avoid The Worst e Snowflakes sono maestre in questo, l’accento musicale viene posto sulle sfumature, sulle linee vocali, in particolare sulla seconda di queste due tracce che rappresenta un po’ la ballad dell’EP, il pezzo romantico per eccellenza (anche se il testo è triste).

Routes spezza la corsa, un brano acustico che guarda indubbiamente al passato (scena progressive compresa e non solo per l’intermezzo strumentale) e che piace pur non raggiungendo mai vette compositive, l’EP si chiude con No Hill To Climb che pur in versione elettrica ripercorre il medesimo copione, intensità ma che non resta molto impressa. Un EP importante per collaudare il proprio stile ma che meriterebbe un elemento in grado di renderlo unico.

Tritonica – Disforia

Disforia, primo full lenght dei romani Tritonica, è un album complesso e insolito, per fortuna. Differente da tutto quello che può essere considerato “musica italiana”; un concentrato di suoni appartenenti ad altre latitudini ed epoche. Sotto il grande cappello del “rock alternativo” emergono chiare le sonorità grunge e stoner, influenzate notevolmente da incursioni noise e prog. A voler scomodare dei nomi, potremmo dire Kyuss e Tool, senza risultare troppo blasfemi. Un viaggio psichedelico lungo 11 canzoni, con poco utilizzo della voce, di tutti e tre i componenti, che quasi non trova spazio in questa compattezza e pienezza di suoni e strumenti. Alchimia Del Fato è un brano che ben racchiude tutto questo, introspezione, psichedelia e suoni noise. In Jimi si avverte maggiormente il lato 70s sperimentale, mentre brani come Semiramide sono decisamente più grunge e vagamente, per tirare fuori un nome italiano, primi Afterhours.

La copertina è una confusione ordinata di colori e schizzi che rispecchia molto la musica dei Tritonica. L’interno, scarno e poco comprensibile, poteva essere utilizzato molto meglio. Una band decisamente interessante e un album sicuramente non banale; non semplice, graffiante e ubriacante che si fatica davvero a pensare che provenga dalla nostra terra. In bocca al lupo Tritonica, che il vostro seme possa trovare linfa in questa terra arida.

Carmelo Caltagirone – F*ck*d Alien

F*ck*d Alien è una raccolta con il meglio dei primi tre dischi di Carmelo Caltagirone, la cosa strana a un primo ascolto è che per quanto le tracce siano estratte da lavori differenti sembrano tutte far parte dello stesso album, un po’ per i suoni che sembrano non variare e un po’ per la struttura dei brani che partono tutti con un riff duro portante e poi si sviluppano in una serie di assoli stralunati e confusionari che sono il vero trademark di Carmelo. In generale il CD si muove su territori alternative rock con qualche strizzata di occhio al progressive, diciamo che lo stile chitarristico sul quale si concentrano tutti i brani è sicuramente un punto a favore perché permette di riconoscere l’artista dopo poche note, ma il tutto va a discapito della composizione, troppo statica nonostante alcune buone idee. Tirando le somme una raccolta che sicuramente è un buon biglietto da visita per chi si affaccia per la prima volta al mondo di Carmelo, ma di cui onestamente non si sentiva il bisogno in quanto a nostro modestissimo parere il chitarrista dovrebbe prima di tutto dotarsi di una buona band di supporto che possa aggiungere dinamica alle proprie composizioni e contestualmente concentrarsi di più sulle stesse, evitando la formula riff/solo presente in ogni traccia.

Oltre ai brani in studio sono presenti alcune tracce live di dubbia qualità in quanto la registrazione amatoriale delle stesse non permette di capire molto.

Piqued Jacks – The Living Past

Italianissimi ma tutt’altro che nostrani in quanto a sound, i Piqued Jacks tornano dopo un periodo difficile, perché la musica vince sempre e la voglia di non mollare gioca un ruolo fondamentale in questa battaglia. La loro carica viene fuori dai nuovi brani di The Living Past, un album profondamente alternativo in cui c’è un’attenzione emotiva incredibile. Ascoltare P.A.I.N.T. ed intenderla come lunga coda dell’opener Loner Vs Lover può aiutare molto a capire il senso compositivo che i ragazzi vogliono dare alla propria musica, anche se la vena che più ci appassiona al loro sound è quando ritmo ed energia vengono fuori, un po’ come se fossero dei Don Broco italiani, privati del profilo metal a vantaggio di influenze più funk. I ragazzi sanno benissimo che un brano dai toni più morbidi può aprire loro delle porte importanti e per questo realizzano Eternal Ride Of A Heartful Mind, ma a nostro parere il valore aggiunto di questo album si trova nell’adrenalina di pezzi come The Living Past e Mount Bonnel, quest’ultimo che ha diversi passaggi da easy listening (intro, strofa) ma che spinge in altri (ritornello). Ma The Living Past è un album intriso anche di melodia, ascoltate Dusty Shelves per credere, brano che ha tutte le carte per sfondare in una radio statunitense.

Un plauso va decisamente alle linee di basso, sempre incisive e distinte dagli altri strumenti tanto da aggiungere carattere al tutto e barcamenarsi ottimamente tra anima ritmica e melodica. The Living Past è un ottimo lavoro, per alcuni strizzerà troppo l’occhio ai suoni d’oltreoceano ma secondo noi rappresenta ottimamente quello che il rock moderno (e futuro) può regalare in termini di emozioni.

Candies For Breakfast – Candies For Breakfast

Un balzo improvviso negli anni 90. Da una parte c’era il grunge, dall’altra qualcosa di “alternativo” e che spesso aveva una voce femminile. Per fare un nome potremmo usare quello dei No Doubt di Gwen Stefani. Nome che è più che facile abbinare ai Candies For Breakfast, da Cremona. Il cantato di Giulia Dagani è fortemente riferibile a quello della band californiana. Ma nella ricetta delle “caramelle a colazione” i sono altri ingredienti, sempre provenienti da quel campo. Se in California e Xin Xin l’impressione è stata quella di avere (ri)trovato i No Doubt, con l’andare avanti delle tracce ritroviamo influenze, sempre femminili, come Garbage, Paramore, Pretty Reckless, con un pizzico di Alanis Morrissette e di Hole. Preparato l’impasto, siamo pronti per goderne gli zuccheri. Dopo una partenza a razzo, l’album sembra aver bisogno di rallentare e lo fa con Are You Cryin’? e Time Keeps Going On , ballaone alternative in vero stile 90s, capaci di esaltare la voce nella sua parte più melodica. Si torna a saltellare su Everytime e I’m Gonna Stay, quest’ultima on un ritornello-cantilena che sembra funzionare parecchio. Chiudono la rabbiosa The Death Of Me And You, bella tirata e gridata, e (l’ennesima) ballad, We’ve Lost – Wake Me Up, che poi si trasforma in una ghost track, Stand Talking, interessante brano noise tenuto nascosto.

Nel complesso l’album, autoprodotto anche attraverso una campagna di crowdfunding, risulta assolutamente piacevole anche se un pizzico fuori epoca; ma si sa, tutto è ciclico e tutto ritorna. La copertina è molto molto bella. Un Churchill pop che fuma un marshmallow con colori saturi e forti. Semplice e d’impatto (anche se, apparentemente, poco c’entra con l’album). Avrei voluto definire questo Candies For Breakfast come un album indie, ma temevo l’incomprensione dovuta al significato che viene dato oggi a questa parola, rispetto a quello che aveva negli anni 90, al quale questo album si rifà. Questo è un bell’album di musica alt rock. E a noi piacciono le cose alternative, come le caramelle a colazione.

La Scatola Nera – Istantanea Estesa

Arriva al primo full-lenght il quartetto La Scatola Nera, dopo GNU!, EP pubblicato tre anni fa. Istantanea Estesa è un lavoro che se fosse uscito sul finire del secolo scorso sarebbe stato inserito nel calderone dell’alternative rock; sulla base di un punto di vista più attuale potremo accostarlo di più alla scena psych rock, di quella che crede fermamente nelle trame rock perché è quello l’elemento principe di questo lavoro, più imponente rispetto agli inserti psichedelici e molto più presente rispetto alle linee vocali che sono solo di contorno, sia in termini quantitativi che per il loro suono poco pulito e in secondo piano rispetto alla musica. Riff a iosa in diversi momenti (Cocktail, Roche), apprezziamo un uso sapiente della chitarra che non si limita a proporre il classico pattern da strofa ma cerca di arricchire il suono senza annullare gli altri strumenti che irrobustiscono comunque il suono complessivo. Al di là di quest’analisi dettagliata di suoni e strumenti è difficile andare perché le tracce nel complesso non lasciano molto il segno, la vena elettrica viene fuori ma è difficile che resti impressa una canzone, complice anche la secondarietà delle linee vocali, come detto.

Più ragionato è Scogliera, un pezzo in cui i singoli contributi escono dalla coltre elettrica e cercano di esprimere una propria personalità, un buon esercizio per certi versi più complesso da approcciare ma che traccia uno stile più personale, senza eliminare del tutto l’esplosione sonora. Istantanea Estesa è un album che si avvicina molto ad un lavoro di rock strumentale e per questo motivo, a nostro parere, più propenso per un ambito live.

Superportua – Resterai Sempre Uno

I Superportua, dopo aver collaudato le proprie forze con due EP, giungono al primo full-lenght dal titolo Resterai Sempre Uno. Molti sono gli elementi che ci colpiscono di quest’album e che a parer nostro rendono davvero interessante l’uscita. Il primo è il fatto di voler ripescare quell’alternative rock degli anni 90, quando il sapore era intenso, i ritmi si rilassavano, le influenze (del passato) erano molteplici e le linee vocali ti tuffavano in un senso di disperazione che nemmeno il post-punk aveva regalato. Le linee vocali, un altra carta vincente dei Superportua, non si parla di note né di intonazione, quello che ci trasmette Michele Romanello è un sapore scuro di disperazione a cui già grandi del passato si erano ispirati (Ferretti, Smith…) seppur in maniera profondamente diversa. La cura dei brani, anche questo viene fuori da Resterai Sempre Uno, il fatto che la band abbia chiesto supporto a tanti musicisti diversi (per strumenti e per estrazione musicale) per aggiungere un contributo, un effetto, una partitura e rendere più ricco il piatto. Pensate a quelle one man band in cui il leader è l’unico a comporre i brani e si sente il suo imprinting non solo nelle singole tracce ma anche in album diversi della discografia; ecco, i Superportua sono l’esatto opposto. Bello il contributo del violino che entra sempre in punta di piedi ma sa dove intervenire rendendo più affascinante e decadente il risultato finale.

Un rock alternativo in quanto legato ad una certa intenzione poetica e brani come Luce sono la conferma di questo approccio, il rock che viene fuori ma a cui la struttura strofa-ritornello-strofa gli sta stretta e preferisce altre soluzioni. Certo ci sono anche momenti avvicinabili da un pubblico più ampio, come Secondo Amore, ma anche in questi passaggi non vi sono segni di sdoganamento della propria proposta musicale, piuttosto di un’altra visione. Difficile il testo narrativo, messaggi che non sono facili da interpretare. Su questo probabilmente la band potrebbe lavorare per affezionare in un certo senso gli ascoltatori facendo in modo che si possano immedesimare più facilmente nei loro racconti.

Cabbage – Nihilistic Glamour Shots

Poche nuove band possono dividere l’opinione come i Cabbage. Per alcuni i loro irriverenti spettacoli dal vivo carichi di sudore sono una cosa prodigiosa, per altri sono semplicemente offensivi, il cui post-punk risulta un po’ stantio. L’album di debutto Nihilistic Glamour Shots non si adatta facilmente a nessuna etichetta. Iniziamo con i lati positivi. La produzione di James Skelly è ben eseguita, minimalista con pochi svolazzi in mostra tra la chitarra dal suono “represso” che talvolta aumenta in un grezzo crescendo impetuoso, come in  Molotov Alcopop e Obligatory Castration. Troppo spesso, però, Nihilistic Glamour Shots è semplicemente dimenticabile. La ritmica è troppo dilatata e piatta, senza dinamica, la voce confusa, che attraversa la linea dell’isteria ma confusa. La band indugia troppo sull’orlo dell’irriverenza e dell’ipnosi ossessiva, che a volte dimentica di cosa si tratti in realtà, come in Reptiles State Funeral e Post Modernist Caligula.

L’album trae sicuramente ispirazione dalla scena di Manchester e dalle sonorità garage britanniche, la band tenta di essere irriverente ma ne scaturisce una rabbia troppo cerebrale che si avvita su se stessa senza melodia. In sintesi quindi Nihilistic Glamour Shots è un disco discreto, ma non particolarmente memorabile o emozionante. Indicato per chi predilige musica grezza, minimale, rabbiosamente ossessiva.