Management Del Dolore Post-Operatorio – Un Incubo Stupendo

I MaDeDoPo sono tornati. Cambiati?! Gli stessi? Potremo dire che hanno rivisto alcune coordinate ma con molta coerenza. Un Incubo Stupendo è l’erede di I Love You (recensito da noi a questa pagina), quell’album che poteva essere inteso di rottura, che andava ascoltato più volte per essere assorbito (a differenza del diretto e provocatorio McMAO recensito da noi a questa pagina). Ma non sempre dopo la rottura c’è un percorso diverso. Anche qui, come due anni fa, l’album si apre con un brano dai toni drastici o, come direbbero loro che sa di presagio; ancora, anche qui l’accoppiata chitarra-voce gioca un ruolo centrale, forse ancora di più oggi che la line-up è stravolta e Luca e Marco sono ricorsi al gemellaggio con IMURI, trio che li accompagna in sede live. L’approccio ai temi è rimasto per lo più invariato, realismo cinico ma a volte di una spontaneità disarmante, e in quanto reale di per sé lontano da ogni forma di vittoria (“è andrà a finire male, succede quasi sempre a quelli che amano la vita disperatamente”); in parte sembra essere cambiato il loro rapporto nei confronti dell’amore, infatti dopo “Ed io non riesco più a guardarti negli occhi, te ne accorgi quando facciamo sesso” e Se Ti Sfigurassero Con L’Acido adesso arrivano parole più morbide (“stare con te è un posto bellissimo…un incubo stupendo” oppure “nel tempo delle cose inutili l’unica cosa preziosa è il tempo che ho passato con te”) ad eccezione di pochissimi momenti come Una Canzone D’odio, che su di un riff in stile orientale sputa il veleno tipico dei Management. Molto interessante Il Mio Corpo che potrebbe essere un brano interpretato come semplice espressione di libertà sessuale o anche come una presa di posizione nei confronti dell’eutanasia o di temi più attuali (terrorismo); allo stesso tempo ci piace anche Marco Il Pazzo che probabilmente descrive lo stato d’essere della band all’interno della scena indie/alternative, come un usignolo che canta ad un concerto rap, per alcuni non compresa per altri banale.

Musicalmente ci sono tante melodie, perché è da quelle e dalle liriche che, come dicevamo, sembra essere stato concepito l’album, il che noi lo vediamo come un fattore caratterizzante anche se preferivamo la ritmica intrisa in McMAO. In sede live i nuovi brani attecchiscono, si lasciano cantare (come Esagerare Sempre, usata spesso in chiusura, prima dell’encore), in particolare la prima parte della tracklist che risulta sicuramente più coinvolgente. Nel complesso Un Incubo Stupendo è una prova interessante che mette insieme spensieratezza e profondità ma che frulla tutto con più consapevolezza e maturità (come uomini più che come musicisti), un altro tassello che conferma il loro stile e il loro seguito ma che non supera in qualità I Love You. Ora c’è da chiedersi, per il proprio futuro, se i fan abbiano bisogno di altro o se basta continuare su questi stessi binari.

Tommi E Gli Onesti Cittadini – Mind Kontrol Ultra

Mind Kontrol Ultra. E’ questo il titolo del nuovo album di Tommi E Gli Onesti Cittadini, gruppo attivo dal 2006 e nato come progetto parallelo dello stesso Tommi, cantante dei Pornoriviste. Il nuovo disco segue Uno Ad Uno, pubblicato nel 2014 e considerato il background del protagonista, ma anche quello del batterista Carlame (Skruigners), dunque nomi non da poco per quanto riguarda la scena punk nostrana, ci si aspettava un lavoro molto ruvido e grezzo. Tutt’altro. Tommi & soci realizzano un disco che, pur mantenendo della solide radici “punk”, almeno per quanto riguarda le liriche, pone fortemente il suo sguardo verso un alternative rock, a tratti anche orecchiabile. Questo non va assolutamente considerato come un difetto anzi, ma come un’ulteriore dimostrazione delle qualità e delle attitudini dei tre membri del gruppo lombardo. Una chiara anticipazione di ciò che avremmo ascoltato per intero ci è stata data dall’uscita dei singoli Nei Tombini e Apocalisse, il primo dalle evidenti tinte più rock, e il secondo dalle ritmiche più serrate e ammiccanti verso sonorità più vicine al punk rock. Degni di nota anche Kim Jong-Un, brano che ripercorre, in maniera ironica e irriverente, la vita del leader della Corea del Nord, ma anche Sole Folle, che possiamo considerare il pezzo dal testo più riuscito, e soprattutto più intenso.

Mind Kontrol Ultra vede dunque Tommi E Gli Onesti Cittadini pervasi da una certa curiosità nel voler esplorare nuovi orizzonti sonori, e con una vena quasi sperimentale. Magari, anzi, siamo quasi certi che il disco potrebbe anche far storcere il naso agli integralisti del punk rock duro e puro, ma l’idea di questo disco, e del sound proposto, appare assolutamente convincente. Ogni aspetto di questo lavoro è stato curato in maniera quasi maniacale e i risultati si vedono, ed è per questo che siamo convinti del fatto che il disco merita un attento ascolto. Sai mai che qualche neofita verrà loro incontro.

Poveroalbert – Ma È Tutto Ok

Campani, focosi, sovrastrutturati. Una volta l’alternative rock era cupo e manifestava il disagio giovanile attraverso melodie e liriche scelte non a caso e, per fortuna dopo la ventata di positività degli anni ’00, c’è qualche realtà che ne ripesca le ambientazioni e le propone con la stessa irruenza elettrica. I Poveroalbert ci convincono per questo, per quel sapore disperato rimarcato dalla sei corde e creazioni incisive ma al tempo stesso ispirate. Compaiono momenti ritmati ma anche passaggi più calibrati (come Disparirò e il suo incedere quasi new wave) ma la mezz’ora compressa del loro debut album dice molto: arpeggi e melodie sono ben concepiti e collocati proprio quando le tracce hanno bisogno di un maggior respiro, in questo il brano Canzone Per La Tua Sicurezza acquista un fascino particolare nel quale ogni strumento riesce a crearsi il proprio spazio e all’unisono emerge un feeling particolare capace di viaggiare all’unisono con la successiva ghost track. Non è questione di riff sferzati ma di aperture compositive che cambiano pelle da un brano all’altro e che dimostrato vari strati sollo la pelle dei Poveroalbert. Allo stesso tempo però i ragazzi cercano spesso di creare un trait d’union tra i diversi passaggi come a sottolineare uno stile, un marchio di fabbrica che sicuramente risulta un carattere distintivo, fino ad arrivare ai due momenti sperimentali sul finale.

Una bella prova, multiforme che può essere sezionata e approfondita a piccole dosi o ingerita nel suo complesso e appresa con calma, con il defluire delle note.

Granada – Silence Gets Louder

Premessa: una delle scelte più sbagliate che una band emergente possa adottare è quella di riportare sul proprio artwork il titolo dell’album prima (o con caratteri più grandi) rispetto al moniker ufficiale del progetto. A meno che non siate i Metallica o che abbiate un nome riconoscibilissimo, la maggior parte di chi si imbatterà nel vostro lavoro penserà che il titolo dell’album sarà il nome del vostro gruppo, e questo può essere davvero fatale per il vostro seguito. E’ proprio il caso dei Granada che pubblicano il loro primo full-lenght Silence Gets Louder (e non il contrario) e che, superate le considerazioni di forma, può indubbiamente piacere. Il quartetto risente di influenze inglesi molto forti, un rock che sì pesca dal precedente secolo ma che possiede tutti i suoni e gli effetti che abbiamo importato oltremanica. Smile apre subito il sipario su un post-rock colorato da una ritmica indie rock: in altri termini i Granada usano una buona dose elettrica ma con un tappeto di melodie in background che ne regge il portamento e ne contraddistingue lo stile. Anche Angel possiede un bell’appiglio, creato con un occhio ai brani di MTV dei tempi d’oro: potenti riff distorti che poi si assentano nelle strofe per dare più respiro alle parole e rientrano in gioco nei ritornelli in modo da elargire quella carica esplosiva tanto necessaria in sede live.

E’ questo l’animo della band, musicisti che ci sembrano molto consapevoli di quanto sia necessario per far attecchire le proprie canzoni: non a caso The Sky Is Falling In, forte della sua non indifferente lunghezza, chiama in causa le lezioni di anni dei Radiohead ma in una forma più pop, per risultare leggeri pur citando i grandi maestri del rock moderno; ancora più leggeri altri momenti come Siren che strizzano l’occhio al post-grunge più orecchiabile possibile. Nelle loro costruzioni semplificate (si noti l’attenzione riposta nelle strofe e nei ritornelli che hanno un’anima specifica in quasi tutte le tracce, come detto prima) e nei loro riff distorti che coprono quintalate di melodie si racchiude lo stile dei Granada, uno stile che in sede live può attirare l’attenzione in quanto a freschezza ma che temiamo possa essere un primo passo verso un’evoluzione (più rock o più pop) imboccata dal combo nelle prossime produzioni.

Ardan – Voyage D’Une Seule Nuit

Messo in cantiere il progetto Following Friday (che avevamo conosciuto a questo link) nasce una nuova coppia di binari dal nome Ardan che cambia completamente le idee iniziali dei due musicisti protagonisti. Se infatti i FF ci avevano abituati a sonorità punk rock, nel nuovo album si opta per uno stile più sperimentale; anche il tempo perde ogni cognizione a differenza del loro passato in cui c’erano solo EP veloci. Ascoltare brani come Omens ci fa intuire l’approdo ad una costruzione sonora più complessa, fatta di passaggi pacati, intimi e rari seppur ben calibrati scatti (e in questo Launch! è evidentissima) che affilano le lame del rock e danno ritmica. Questa doppia visione del loro rock è interessante ed intrigante, tiene alta la curiosità durante l’ascolto e piace perché dimostra una sovrapposizione di idee ma ben amalgamate insieme. Anche se va detto che la seconda visione è maggiormente collocabile con i suoni, i quali sono generati in simbiosi con il concept ideale dell’album, ovvero un viaggio di un bambino intorno alla Terra che prende forma proprio nei suoni e negli effetti “NASA-like” che si trovano in diverse tracce; a questo si associa anche l’idea di inserire “tracce intermezzo” che creano empatia da un lato e ricalcano i solchi del viaggio nello spazio (“spazio” che qui potrebbe essere colto in molteplici accezioni).

Un album quindi sperimentale, in parte elettronico, potremo dire avanguardistico che può stuzzicare l’appetito di palati alla ricerca di gusti molto particolari o potrebbe risultare indigesto per altri. A nostro parere risulta colto ma mancano una manciata di brani che possano davvero restare nella memoria e negli anni (ad esempio al posto di una lisergica Time avremo preferito qualche altra traccia con la ritmica e il carisma di Launch!). Un progetto comunque da seguire.

L.E.D. – L’Irriverente

I L.E.D. sono una band in cui l’elemento numerico si perde (un duo, anche trio ma con ancora altre menti dietro la produzione artistica) a favore di uno stile molto particolare, che almeno per una volta non vuol dire indigesto. Alcune trame pacate, che tentano di entrare in punta di piede nelle nostre emozioni, suggerirebbero scenari post-rock ma la presenza di liriche così come una certa musicalità di fondo ci distaccano da quella scena in cui la sperimentazione è spesso fine a se stessa. Nei L.E.D. più che di sperimentazione si potrebbe parlare di ricercatezza: il sapore alternative è forte, anche e soprattutto nei testi cantati in maniera amara da Max Tordini, ma il punto forte è questa musicalità per nulla banale eppure completa al nostro orecchio, sia nell’ascolto delle chitarre grezze di Prima TV, sia negli arpeggi di 9:30. E’ dietro questo sapore crudo e naturale che si muove il sound dei L.E.D., uno scenario in cui l’ascolto easy si scontra con una necessaria attenzione da riporre allo stile. Difficile per loro restare impressi nella mente di chi ascolta, le melodie sono timide, travestite da struttura (e quindi forma) dei brani, eppure i brani hanno tutti una loro anima particolare. E’ questa forza che dopo vari ascolti ci resta appiccicata su e che permette ai L.E.D. di distinguersi. Da provare.

Megatherium – Superbeast

Un disco autoesplicativo. Un debutto maturo. 11 pezzi da applauso a doppia mano rovesciata. In tre frasi questo è Superbeast. 11 brani pesantissimi e oscuri che portano in dote l’evoluzione del trittico psichedelia/doom/stoner, dove si sentono le influenze dei Black Sabbath più psichedelici di Master Of Reality e tanto altro in temi di oscuro e pesantezza. Decisamente un disco da comprare subito per chi ha voglia di un pugno nello stomaco o di un tuffo nel tritacarne del doom più cupo. E l’immagine del megaterio si sposa bene con la psichedelia cupa del gruppo. Quando ascolti qualcosa di così ben fatto da una parte godi “abbestia” perché il Dio del rock esiste, è qui tra noi e ogni tanto qualche cavaliere dell’apocalisse lo manda anche da noi nello stivale a predicare ritmiche di livello. Dall’altra parte però torni sulla Terra e drammaticamente ti rendi conto che questo tipo di sonorità sono per la coda lunga dei mercati e dei festival di settore internazionali piuttosto che per il mercato italiota dove non esiste e non esisterà mai una massa critica di gente disposta a muoversi per fare un viaggio nella psichedelia di pezzi come Twiceman, che, se in una scala da 1 a 10 sono devastanti con voto 11 sull’album, non oso immaginare cosa possa succedere in presa diretta (evocazioni di vitelli d’oro? Amplificatori in fiamme per abuso di fuzz? Scene da Cabiria?). I Megatherium sono la risposta Italiana che cercavo a band di livellissimo del genere come Kadavar, Dopelord ed Elder. Un rock incazzato, psichedelico e cupo, che molto probabilmente verrà esportato (e deve essere esportato con successo).

Inutile dilungarsi in banalità analitiche, su quanto sia bilanciato il sound e gli effetti sulla voce o ulteriori “supercazzole” da tecnici, la questione è molto diretta e semplice: se dovessi fare una compilation basata solo su nuove uscite per dare una colonna sonora ad un’invasione aliena con annessa distruzione della civiltà umana e schiavitù per chi sopravvive o dare un contorno musicale un’apocalisse nucleare o mettere la colonna sonora per un nuovo capitolo di Borderlands uno dei pezzi sarebbe senza ombra di dubbio preso da Superbeast. Se vi piace il doom e la psichedelia alla Black Sabbath investite su di loro.

Monkey Ranch – Alone

Quartetto italiano che giunge al suo debut sulla lunga distanza dopo la realizzazione di due demo, i Monkey Ranch danno vita al loro Alone lasciandoci soddisfatti e satolli di musica. Il gruppo si muove su sonorità molto grunge (Soundgarden su tutti) che però pestano molto duro, ricordando la compattezza sonora di quei gruppi, sempre formati da quattro elementi, che negli anni ’70 davano vita a quel sound che si trasformerà più avanti nell’heavy metal. E questo lo diciamo per far capire ai lettori dove stiamo andando a parare e in quali lidi i Nostri si aggirano. Alone contiene più di un punto a suo favore: grande esecuzione strumentale di tutti i membri, su cui spiccano sicuramente i solos di chitarra ben realizzati e tecnicamente ineccepibili, sempre coerenti con la canzone in cui si trovano e mai con note in più buttate lì a caso. La produzione, che nella sua cupezza e compattezza, rende al meglio il discorso proposto dai musicisti rendendo tutto molto potente e distinguibile. Sottolineiamo a questo gran lavoro produttivo che centra in pieno l’obiettivo che probabilmente la band si era preposta, riuscendo alla grande.

E qui, per forza di cose, va dato atto ancora alla band di rispecchiare in pieno la coesione e l’impatto sonoro reso in quanto i quattro si muovono come un massiccio monolite senza mai sfilacciarsi o staccarsi, senza mai dare peso più ad uno strumento (voce compresa) piuttosto che ad un altro. I Monkey Ranch hanno davanti un luminoso futuro e non ci dispiacerebbe vederli osare di più in fatto di composizioni o sperimentazioni sonore. Per ora, accontentiamoci del loro ottimo esordio.

Bastard Disco – Warsaw Wasted Youth

Debutto caldo per i Bastard Disco, un basso fuzz apre Warsaw Wasted Youth, otto tracce di rock novantiano ma che non intendono suonare in modo univoco. La sezione ritmica ha un retrogusto indie rock britannico, la chitarra respira noise, le parti vocali sono ispirate dal grunge e dal proto-punk…insomma ce n’è per tutti. Di certo la produzione non estremamente pulita (scelta secondo noi voluta) contribuisce alla particolarità dei suoni finali e conferisce anche quell’identità DIY a tutte le composizioni. Con Canvas si gioca un po’ con le partiture di batteria e i tempi diventano leggermente asimmetrici, Medicine invece è un potenziale singolo capace di piacere a chi ha masticato per anni i Blur così come a chi apprezza il rock nelle forme più moderne. Energia allo stato puro ma esplosa come meno te l’aspetti, i due minuti della title track ad esempio sembrano una bomba ad orologeria anche se contengono un ardore punk solo a tratti. Con l’ultima Towards The Void si rallenta tutto, la proposta diviene lisergica, la psichedelia prende il sopravvento, sembra di sentire un’altra band.

Nel complesso una buona proposta bella ruvida e grezza; buone anche le intenzioni di non aver come riferimento un unico stile, ma alcuni elementi vanno ancora calibrati, linea vocale compresa. Eppure si tratta di un sound che può piacere a molti e dire poco ad altri. Una cosa è certa: il punto interrogativo che emana la copertina.

Red Sun Rising – Polyester Zeal

Non capita di frequente di imbattersi in album che siano non soltanto belli dal punto di vista musicale, ma che risaltino sin da subito all’orecchio la qualità del suono e le capacità tecniche dei singoli. Polyester Zeal degli americani Red Sun Rising è sicuramente uno di questi, poiché pieno zeppo di idee rock interessanti, moderne e al tempo stesso ossequioso della tradizione del passato, capace di trasvolare l’alta scuola di Beatles, Led Zeppelin e Who, di proporre con uno stile proprio tutto il bagaglio sonoro statunitense degli ultimi due decenni e al tempo stesso di attingere dalla grande lezione della scuola grunge di Seattle, sponda Alice in Chains e Stone Temple Pilots. Non è un caso se uno dei credits che ci ha particolarmente colpito riguardi la titolarità della produzione del lavoro affidata a Bob Marlette, mica uno così: parliamo di un personaggio che ha unito il suo nome ad una band del calibro di Black Sabbath e ad altre di assoluto interesse del panorama attuale come Shinedown e Seether. E’ proprio sulla scia sonora di queste ultime due band che i Red Sun Rising sembrano mettersi al guado nel grande e confuso pantano del rock moderno, grazie a questo lavoro che contiene brani che sono già diventati singoli che hanno incontrato un discreto favore da parte del pubblico, come The Otherside, Emotionless ed Amnesia i quali, oltre ad avere un marcato appeal radiofonico, esprimono a forti tinte elettriche tutto il potenziale di Polyester Zeal.

Nell’occasione, ci preme segnalare anche Bliss, brano che parte come una ballata romantica e finisce per esplodere come sonorità vicine ai Foo Fighters e Imitation, traccia che contiene un potenziale grunge che farà felici molti appassionati di queste sonorità che fecero sfaceli negli anni ’90. Di fronte ad un lavoro davvero impressionante per qualità e quantità come questo, non ci rimane che raccomandarvi di tenere d’occhio questo portentoso combo formato da ragazzi con un grande talento artistico. Il futuro è tutto dalla loro parte.