TV Lumière – Avrei Dovuto Odiarti

Mi piace andare alle mostre. E prima ancora che perdermi davanti le opere mi affascina vedere come reagiscono le altre persone. E nel 90% dei casi, quando qualcuno non capisce…passa oltre. E di questi, il 90% codifica l’opera come brutta. Siamo nell’era dell’immagine e dell’apparire ma soprattutto siamo nell’era in cui il libero arbitrio può in assoluto decretare. Il bello prende il posto di qualitativo. Il “mi piace è la nuova religione imperante. Io non faccio parte di quella schiera di persone. Non me ne vanto, non sono un presuntuoso…ho solo scoperto (anzi ri-scoperto) quanto è appagante fare domande. E per raccontarvi questo disco dovrei prima fare tante domande. Sono sicuro invece che alla maggior pare delle persone, coloro i quali avranno capito poco o niente, etichetteranno questo quarto disco dei TV Lumière come brutto. Ed invece penso proprio che sia un lavoro interessante. Bello o brutto lascia il tempo che trova ed io non ho tempo da perdere. Ho sulla pelle la stessa sensazione vissuta dopo l’ascolto dell’ultimo lavoro di Nero Kane…che tra l’altro, macchiandosi di quell’America dannata e ferrosa, sembra camminare nella stessa direzione di questo disco. Avrei Dovuto Odiarti è il quarto lavoro della band di Terni che ormai ha quasi 20 anni di carriera alle spalle, tra derive e riconfigurazioni, cambi di marcia e vestiti di scena. Archiviamo le note di ufficio citando il buon Carlo Zambon tra le guide artistiche di questo lavoro che probabilmente configura il suono in un risultato “nuovo” per i Nostri e qui, ascoltando come niente è a caso, preme immergersi nel loro passato e capire quanto e come la trasformazione ha prodotto rivoluzione. E questa è la prima domanda.

Tutto molto poco casuale e per niente lasciato alla semplice funzione estetica e lo percepisco in due momenti precisi: in La Strage Di San Valentino, questo lungo strumentale che non annoia ma narra, ricco di dettagli che sono importanti e visionari. Questo intro di ululati di ferro e di polvere solitaria (armonici di violino?) che tornano nel brano mescolandosi in quelle marce country di pieno paesaggio west mi mostrano la città vecchia, disabitata, mi mostrano la solitudine di una ricerca personale ma anche il confronto per niente facile con il futuro industriale. Certo, visto anche il continuo richiamo con un certo passato, avrei preferito maggiore rispetto didascalico a quel primo impatto western e invece – la parte di drumming soprattutto – diviene molto psichedelico e indie trasportandomi in una notte che potrebbe somigliare ad una di quelle uscite dal film de Il Corvo. E il secondo punto che dimostra la cura letteraria dei dettagli è nella traccia finale Sonny J. Barbieri dove si fa determinante e assolutamente caratterizzante il dialogo tra batteria e pianoforte. Mi ha colpito questo ricamo armonico e quest’arrangiamento che allo stesso tempo disegna una scena epica (nel battere greve della tonica), speranza di soluzione (nel piccolo fraseggio in maggiore sulle ottave medio alte) e poi quel certo gusto jazz che mi parla di perplessità e di scoperta. Ma queste sono solo mie chiavi di lettura, magari assolutamente fuori tema…ma potente è il carico visionario di questo disco.

Le canzoni che per il resto dell’ascolto si dispiegano sono canzoni cattedratiche, eucaristiche, in cui la voce è assai penalizzata nella produzione, quasi intellegibile il più delle volte e questo mi dispiace assai perché penso che in questi 9 inediti ci siano storie e leggende, eroi e anatemi. Un disco da anacoreti o sacerdoti dell’occulto con queste linee vocali che richiamano inevitabilmente la parte pop dei Baustelle o dei più giovani Siberia, con melodie che spesso abbracciano il più storico folk o le più eleganti forme della canzone d’autore. E girando e rigirando il brano Un Sicario che trovavo questa bellissima costruzione melodica della strofa, assai caratterizzante, e sfogliando e risvegliando la memoria ecco uscire fuori Memories And Dust di Paolo Preite che, nel DNA del suo scheletro, ha confezionato qualcosa di simile nelle sue consuete vesti pop rock. Non cito plagi o furti ma è una buona scusa per far conoscere altra musica che, in modo del tutto sconnesso e personale, ha in qualche modo usato colori simili. Che poi questa costruzione è assai tradizionale… sono sicuro di ritrovarla in qualsiasi disco di folk irlandese ad esempio. E proprio i dettagli tornano vincenti nei suoni e negli arrangiamenti di Fondo Alle Ancore dove qui, più di prima, si resta fedeli a questa immagine western e si aggiunge, senza peccare di incoerenza, questo sapore un poco hawaiano e un poco piratesco.

E che curiosità resta di conoscere a fondo la letteratura di questo disco che penso sia più che un collante di brani da tenere assieme in un solo disco. Avrei Dovuto Odiarti non sprizza di gioia e di luci accese, non ha figure che la moda riconosce come belle, non ha ritornelli forti e strutture radiofoniche. È un disco che pretende calma e stasi, vuole misurare con tatto il tempo e dare peso ad ogni passaggio: dunque non ascoltatelo se avete tempo da riempire. Ascoltatelo se avete tempo da dedicare. Avrei voluto capirlo di più. Troppo ermetismo in questa voce che si fa comprendere poco, troppo ermetismo in questa scelta di luce soffuse che, se pur restituendo uno scenario curato e molto affascinante, non illuminano secondo me i punti salienti per lasciare tracce e indizi a noialtri per orientarci verso l’uscita. Si resta incastrati dentro il mondo dei Tv Lumiere…e per fortuna è un mondo che mi piace.

Autore: TV Lumière	Titolo Album: Avrei Dovuto Odiarti
Anno: 2019	Casa Discografica: I Dischi Del Minollo
Genere musicale: Gothic, Alternative Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/tvlumiere.band/
Membri band: Federico Persichini – chitarra, voce Ferruccio Persichini – chitarra Alessandro Roncetti – basso Yuri Rosi – batteria	Tracklist: 1. L’indifferenza 2. L’appartamento Sul Lungonera 3. Canzone Bianca 4. La Strage Di San Valentino 5. Un Sicario 6. Fondo Alle Ancore! 7. Il Tranello 8. Ipotesi Di Ritirata 9. Sonny J. Barbieri

Sick Tamburo – Paura E L’Amore

Si sono sempre mossi su di un filo sottile i Sick Tamburo. Da una parte possono essere considerati una band che non ha mai fatto il cosidetto “grande salto”, i passaggi radiofonici in orari di punta ad esempio, ma dall’altra parte si sono confermati nel tempo come uno dei progetti più interessanti ed inossidabili della scena alternativa italiana, pubblicando 5 dischi in 10 anni e fregandosene delle mode che sono andate e venute lungo il loro percorso. Festeggiano quindi il decennale con l’uscita di Paura E L’Amore, accompagnati dagli immancabili passamontagna e dalle loro ormai proverbiali chitarre sintetiche. Scritto ed eseguito sulla falsa riga di Un Giorno Nuovo (penultima pubblicazione della band, di cui avevamo parlato a questa pagina), il disco trasuda malinconia e i soliti toni oscuri e decadenti tipici del combo di Pordenone. Le tematiche toccano punti delicati e virano verso lo sfogo dei più deboli o di situazioni difficili, che passano dai 16 anni di Lisa, ad Andrea che è un “ragazzo speciale” che non riesce ad interagire come gli altri, al difficile rapporto con i genitori e agli abusi che possono segnare intere esistenze. Temi forti insomma, la paura e l’amore, ma che i Sick Tamburo riescono a toccare con la solita dose di astrattismo e con il loro solito mood un po’ oscuro, un po canzonatorio.

Nulla di nuovo, quindi. Non si grida al miracolo e si rimane sui binari a cui i Nostri ci hanno abituato con le ultime uscite, ma chi ha amato ed ama questo gruppo non resterà deluso, neanche un po’. La voce (oramai esclusiva) di Gian Maria Accusani ci accompagna attraverso 9 tracce molto varie ma come sempre legate da sound e tematiche affini, risultando molto compatte e coerenti e componendo un disco davvero valido. Da segnalare sicuramente il singolo pilota Puoi Ancora, ballata malinconica che spezza la tracklist in due, interrompendo l’ottimo quartetto iniziale che porta il marchio di fabbrica tipico dei Sick Tamburo e di cui segnaliamo Baby Blu (dove si sentono influenze punk) e Quel Ragazzo Speciale (quest’ultima davvero meritevole di attenzione). Chiudono il disco altre quattro tracce con poche novità ma tutte ugualmente valide, tra cui attirano l’attenzione Anche Tim Burton La Sceglierà (dove rivivono gli echi elettronici dei primi lavori della band) e Il Più Ricco Del Cimitero ( a nostro avviso la migliore traccia dell’album, già presentata in chiave live con ottimo successo durante l’ultimo tour della band).

Non sono cambiati, insomma, i Sick Tamburo. E meno male, ci verrebbe da dire. Alla faccia di chi alza le vele dove tira il vento, dei suoni e dei generi che durano un paio di stagioni, tanti auguri per i vostri primi 10 anni!

Autore: Sick Tamburo	Titolo Album: Paura E L’Amore
Anno: 2019	Casa Discografica: La Tempesta Dischi
Genere musicale: Alternative Rock	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/Sick-Tamburo-52564921680/
Membri band: Gian Maria Accusani – voce, chitarra Sick Tamburo crew: Elisabetta Imelio, Gloria Abbondi, Faisal Moro, Claudio Marino, Mirko Di Cataldo, Davide Buonavita, Andrea Calabrese	Tracklist: 1. Lisa Ha 16 Anni 2. Baby Blu 3. Quel Ragazzo Speciale 4. Agnese Non Ci Sta Dentro (feat. Hardcore Tamburo) 5. Puoi Ancora 6. Anche Tim Burton La Sceglierà 7. Impermanente 8. Mio Padre Non Perdona 9. Il Più Ricco Del Cimitero

Leda – Memorie Dal Futuro

Con Memorie Dal Futuro oltre ad esordire i Leda, che potremmo dire essere già una bella band marchigiana matura, esordisce anche l’etichetta discografica Il Piccio Records, che ha fiutato un lavoro capace di sorprendere ed impressionare sin dal primo ascolto se si considera che, generalmente, gli esordi di una giovane band sono sempre pieni di interrogativi. Qui però ci troviamo di fronte ad un bel rock che pur pescando da influenze ben più importanti, lascia una bella impronta al suo passaggio. E ciò grazie anche alla bella voce di Serena Abrami ma anche soprattutto al resto della band che ci sembra essere composta da ottimi musicisti. Sempre più importanza qui in Italia rivestono le band che in questi ultimi tempi sono apparse sulla scena, e sempre più il rock, che addirittura per qualcuno sembrava tramontato, è ben presente nelle sue diverse sfaccettature. Tutto ciò sicuramente perché il segno della creatività giovanile è ormai un dato di fatto, un concetto per nulla astratto dove trovano posto, e sempre più spesso, etichette indipendenti che hanno davvero coraggio ad intraprendere strade del genere. Lo dimostra pienamente l’esempio dei Leda e de Il Picchio Records che non si sono per nulla lasciati influenzare nel contrarre questo matrimonio.

Ma se da un lato i contratti sono una cosa ormai assodata, dall’altra vi è il lato prettamente musicale che dimostra come i Leda, che propongono un alternative rock piacevole, non fuoriescono mai dal principio base che solo sulla musica si sviluppano ottimi testi che portano, spesso, a far riflettere. Il loro poi è un rock molto ricercato nei suoni e nell’eleganza con cui ci vengono presentati, molto curati come lo sono i testi che portano chi ascolta a viaggiare su atmosfere che a volte sembrano sfiorare brevi viaggi psichedelici di epoche andate, perfettamente coincidenti con il senso di intimità che ogni tanto fa bene. Tutti i brani del disco, come ad esempio Distanze, Tu Esisti, ma anche in pezzi tiratissimi come Assedio, sembrano che siano stati composti lasciando libertà assoluta ad ogni membro della band, con quella istintività che spesso negli studi di incisione è difficile da trovare. Eppure Memorie Dal Futuro sembra essere proprio questo, un viaggio spontaneo tra le percezioni sensoriali più intime che oggi mancano sempre di più grazie alla tempesta di informazioni ed influenze alle quali ogni giorno siamo sottoposti. Potremmo dire che l’album in questione sia nato in una sorta di eremo fuori dal tempo e fuori da ogni luogo se non fosse che a noi piace stare con i piedi per terra, come lo sono anche questi ragazzi marchigiani che, sinceramente, per ora, ci son piaciuti.

Speriamo che mantengano questa loro “innocenza compositiva” senza perdersi, come spesso accade, nella ricerca di un posto a tutti i costi. Suggerimenti: non ci sono particolari suggerimenti in merito ai brani da ascoltare perché, per noi questo è un album che va ascoltato tutto poi, dopo la prima volta, chissà cosa potrebbe accadere. Intanto i Leda con Memorie Dal Futuro hanno pienamente dimostrato di che pasta siano fatti. Speriamo in meglio per il futuro!

Autore: Leda	Titolo Album: Memorie Dal Futuro
Anno: 2019	Casa Discografica: Il Piccio Records
Genere musicale: Alternative Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: http://www.ledamusic.com/
Membri band: Enrico Vitali – chitarra, voce Serena Abrami – voce, synth, chitarra Fabrizio Baioni – batteria, voce Mirko Fermani – basso	Tracklist: 1. Ho Continuato 2. Distanze 3. Pulviscolo 4. Nuovi Simboli 5. Nembutal 6. Tu Esisti 7. Assedio 8. Deriva 9. Icaro 10. Solchi 11. Il Sentiero (con Marino Severini)

Egon – Leicht

Tornano gli Egon, una band prolifica come poche e che riesce a tenere alto il livello qualitativo della propria musica. Sembrava ieri quando avevamo parlato a questa pagina di 100000 Km Di Vene e prima ancora di Il Cielo Rosso È Nostro e il quartetto dà alla luce Leicht. Probabilmente “dare alla luce” non è l’azione corretta da usare per iniziare a descrivere un nuovo album degli Egon, una band che fa dell’introspezione e della visione musicale dark due armi solenni della propria proposta, rafforzata dai testi recitati già nell’opener, come era avvenuto anche nei precedenti lavori. Ma Amnesia (seconda traccia) esplode e fa arrivare subito la carica elettrica degli Egon, un brano che ci proietta in un futuro lontano quando le cose che vediamo oggi ci potranno essere molto più chiare (“c’era un tempo dove gli umani creavano infinità“) e finiremo, per certi versi, a riconoscerne il valore; tematiche riprese anche nella successiva Nove Aprile. Da qui si muovono le coordinate esistenziali su cui si costruisce il messaggio degli Egon targati 2019, la consistenza della nostra vita osservata da diversi punti di vista (in primis il fattore tempo che è la vera lente di ingrandimento usata dalla band, non sarà un caso che i titoli di molte song sono delle date) e pesata attraverso uno spessore esistenziale che è esso stesso difficile da determinare.

Il momento più intimo si chiama Nottambuli, un brano in cui vengono fuori tutte le qualità che l’ottima produzione riesce ad estrarre, e un ritornello che ci riporta indietro nel tempo mentre i testi della strofa guardano ad un momento in cui sembra non esserci un dopo. Musicalmente confermiamo il grande interesse artistico che gli Egon dimostrano, anche con questo nuovo lavoro, riuscendo inoltre ad essere più incisivi nella scena rock e non solo in quella popolata da proposte più ricercate. Eclettici, espressivi, emozionanti. Egon.

Autore: Egon	Titolo Album: Leicht
Anno: 2019	Casa Discografica: MizarElektricWaves
Genere musicale: Alternative Rock	Voto: 7,25
Tipo: CD	Sito web: http://egonband.bandcamp.com
Membri band: Marcello Meridda – batteria Francesco Pintore – basso Marco Falchi – voce, chitarra Davide Falchi – chitarra	Tracklist: 1. Quindici Gennaio 2. Amnesia 3. Nove Aprile 4. Nottambuli 5. Ventinove Novembre 6. Sfera 7. Ventisei Novembre 8. Via Di Fuga 9. Sedici Maggio

Shy Of A Spark – Escape

Gli Shy Of A Spark sono una band pescarese formatasi nel lontano 2014 da un’intuizione di Daniel Panara, bassista del gruppo, e dell’ex chitarra Francesco Parenzan. I due inizialmente miravano ad un sound che avesse un tocco di modernità ma anche con considerevoli rimandi al passato. A loro si aggiunse poi Cristina De Gregorio che possedeva e possiede una voce dalle tonalità sorprendenti e che ben si addicono alle atmosfere rock che Panara e Parezan avevano intenzione di realizzare. In passato, su questo stesso sito, ma anche su altri con cui collaboriamo, abbiamo avuto modo di recensire dischi di band, anche emergenti, dal sound che si avvicina molto a quello degli Shy Of A Spark, ma quello al quale ci troviamo ora di fronte è un rock che si mantiene su semplici tracciati senza mai uscire fuori da quella linea sonora che la band propone con questo loro primo lavoro. Ed è proprio la bella voce di Cristina che dà alla band, grazie ad una tecnica considerevole, quel tocco definitivo che conduce i dodici pezzi contenuti in Escape a prendere quella forma musicale che ci si attente. Ma ciò lo affermiamo perché abbiamo ascoltato e riascoltato il disco diverse volte anche per la necessità di catturarne l’essenza prima di trasporre a parole la musica.

Certo che, come accade spesso per le band o qualsivoglia artista, anche gli Shy Of A Spark hanno subìto influenze esterne che qui ci sembrano coincidere, per i richiami musicali, con quel sound degli inglesi Arctic Monkeys nome di spicco del post-punk revival inglese che tanto ci piacciono ma che, nel caso negli Shy Of A Spark, portano solo all’ispirazione perché i pezzi contenuti in questo debutto, Escape, è tutto sound proprio…e si sente. Poi l’idea di inserire tre pezzi live all’interno dell’album quali Vegetarian Butcher, Anubis, Last Verses rende completamente l’idea di come questi bravi musicisti sappiano già quello che sul palco è sempre difficile rendere al meglio, vale a dire un suono ed un sound limpido, pulito, senza fronzoli, e che arriva oltre che alle orecchie al cuore del pubblico. Come loro stessi hanno dichiarato in una recente intervista “Escape è fuga dall’omologazione, dal pensiero comune, dalle imposizioni nascoste che la società inietta prepotentemente ad ognuno di noi. Fuga dalla convinzione che giusto o sbagliato siano concetti ben definiti e regolamentati, e quindi fuga dall’idea di fare una qualsiasi cosa perché “qualcuno” ha detto che è giusto così, e soprattutto di accantonarne altri perché per “qualcuno” è sbagliato ed immorale. Ognuno di noi ha la sua unica e forte personalità e originalità, quindi che la gente non rompesse i ……..”.

E questa loro dichiarazione la ritroviamo poi tutta in quei testi che compongono Escape e che narrano di una realtà immorale dove l’individuo è sempre più abbandonato a se stesso grazie anche alla mania di grandezza degli odierni politicanti. Ma ci sono anche storie d’amore di cui si narra, storie che nascono o che finiscono, insomma un vero e proprio spaccato di quello che oggi rappresenta la società e gran parte degli esseri umani. Escape degli Shy Of A Spark è un ascolto che suggeriamo volentieri a chi vuol trascorrere una quarantina di minuti in compagnia di buona musica, e non fa nulla se dopo ritornerete a riascoltarlo, questo è un CD che merita di essere davvero consumato per il continuo uso.

Autore: Shy Of A Spark	Titolo Album: Escape
Anno: 2018	Casa Discografica: Joe Black Production
Genere musicale: Alternative Rock, Punk Rock, Gothic Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito: https://www.shyofaspark.com/
Membri band: Daniel Panara – basso Fabrizio De Gregorio – batteria Cristina Di Gregorio – voce Alessandro Ambrosini – chitarra	Brani: 1. Off The Record 2. The Gardner Off Eden 3. Broken 4. Vegetarian Butcher (Live) 5. False Pretences 6. Krypton 7. Do Not Argue 8. Walk Alone (remix) 9. Anubis (Live) 10. Last Verses (Live) 11. Can’t Help Falling 12. Broken (Acoustic mix)

Ovunque – C’era Una Volta Ovunque

Ci giunge in redazione questo bel prodotto del power duo Ovunque, eugubini di provenienza e capaci di amalgamare suoni d’altri tempi quasi fossero una band con più componenti. Uccellani è davvero un portento alla chitarra, mentre Baldinelli fa da contrappeso a quel sound infuocato di chi ha al posto del sangue musica ad alto potenziale esplosivo. E non ci si mette poi molto ad innamorarsi di questa loro autoproduzione che come primo album è un biglietto da visita davvero eccellente. Il sound di questo combo è molto vicino a quello di un’altra band che conosciamo, gli Sdang!, di cui abbiamo già parlato a questa pagina anche se c’è sempre qualcosa di personale che li separa l’una dall’altra. Come accade spesso per questi gruppi combo non ci sono parole per riuscire a descriverne la proposta perché spesso, per i combo, l’essenzialità è la musica, il rock, quello fatto con il cuore ma che palpita a mille. Si parte con Ragno che sembra essere l’incipit di quella musica che i Black Sabbath inserirono nel loro Vol. IV; la chitarra, dai suoni essenziali, sa però come generare un rock ad alto potenziale ritmico che diventa gioco con l il solismo marcato, distorto ed efficace di Federico Gioacchino Uccellani. Insomma una musica che naviga a suo agio tra dark ed eclettismo.

Spigoli richiama ritmi quasi grunge nell’incipit introduttivo, che diventano da subito una nenia rock capace di farti battere i piedi a pieno ritmo sostenendo i sogni che giungono attraverso le orecchie agli occhi. La cosa che più ammalia di questo bel pezzo è l’essenzialità ritmica che non travisa mai fuori dalle righe lasciando il dovuto spazio al possente rock di Uccellani. Se dovessimo parlare di leader qui non ne riusciamo a trovare perché il duo è l’essenzialità e la complementarietà l’uno dell’altro (non potrebbe esistere Uccellani se non ci fosse Baldinelli e viceversa) e questo è solo di grandi band (potrebbero diventarlo se il combo continua su questa linea). E’ quanto accade anche con il terzo brano di C’era Una Volta Ovunque, La Bestia, un pezzo che abbassa un po’ i toni rispetto ai precedenti ma che si rivela comunque un passaggio fondamentale del CD dove i due musicisti giocano a rincorrersi quasi a rimpiattino in un bel mix di pure rock. Con Maledetta il ritmo torna ad incalzare senza discostarsi molto dal resto dell’album che sembra essere sempre più un perfetto mix di suoni e ritmi. Anche qui il riporto a certe rock band del passato appare chiaro, ma il sound in realtà è sempre personale ed in bilico tra rock, grunge, hard, metal e così via. E poi la chitarra ha a disposizione, al contrario dei primi brani, ben sette minuti per tirare fuori tutti i suoni possibili ed immaginabili, ma sempre ben compattati.

Dopo il passaggio di 18 Soffi giungiamo a Un Luogo Asciutto che ricorda certo iniziale sperimentalismo di stile hendrixiano dove il wah wah ha un ruolo più che di fondamento di rottura con i precedenti stili finora ascoltati. Anche qui ritmi basilari che si muovono tra piatti e charleston a sostegno di una dolcezza puramente ruvida di quella musica che Uccellani tira fuori. Gnu 2 torna agli inizi del disco con una marcata ritmica ed essenziali svisate di chitarra proponendoci un cambio di passo che va dal classico solismo rock ad uno più ricercato ed effettato. Chiude Io Non Porto Cappelli Blu, pezzo dal sound trascinante ed allo stesso tempo poliedrico per la sua capacità di sapersi trasformare. Alla fine di tutto quello che gli Ovunque riescono ad ottenere è un suono semplice ma energico, vario e diverso in ogni passaggio; il fatto poi che il C’era Una Volta Ovunque manchi completamente di qualsiasi pur minimo riferimento vocale la dice lunga su come questa band mette al di sopra tutto il suono superando cosi, completamente, armonie e rime che con il rock hanno poco a che fare. Insomma un bell’esordio, non c’è che dire!

Autore: Ovunque	Titolo Album: C’era Una Volta Ovunque
Anno: 2018	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Strumentale, Alternative Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/ovunqueband/
Membri band: Federico Gioacchino Uccellani – chitarra Jacopo Baldinelli – batteria	Tracklist: 1. Ragno 2. Spigoli 3. La Bestia 4. Maledetta 5. 18 Soffi 6. Un Luogo Asciutto 7. Gnu 2 8. Io Non Porto Cappelli Blu

The Price – A Second Chance To Rise

Il progetto The Price nasce all’inizio del 2017. Dietro tutto questo c’è la mente di Marco Barusso, produttore, arrangiatore, chitarrista che nel suo curriculum può vantare diverse collaborazioni, sia italiane come, tra i tanti, Lacuna Coil, Enrico Ruggeri, Eros Ramazzotti, che internazionali, Thirty Seconds To Mars, Him, Coldplay. Per questo progetto ha voluto invece coinvolgere diversi nomi noti soprattutto nel panorama underground nostrano, dando vita a un disco, intitolato A Second Chance To Rise. Questo album è un viaggio, un concept sulle relazioni umane patologiche, un percorso con dodici tappe, o meglio tracce, dove è l’amore, viscerale o meno, la follia, la malinconia e il tormento ad essere protagonisti. Tutto questo accompagnato da un sound che banalmente potremmo definire alternative rock, ma che porta con sé diverse sfumature tra le quali atmosfere dark, la potenza del grunge di qualche decade fa, ammiccamenti verso un metal più moderno. Vuoi per l’esperienza e le indubbie capacità di Barusso, vuoi per le doti artistiche dei vari musicisti presenti, il progetto The Price riesce con naturalezza a trovare una propria identità, cosa fondamentale in un periodo come quello che sta attraversando la scena musicale. Il sound rimbalza con estrema disinvoltura da momenti più adrenalinici a episodi più malinconici, riuscendo a catturare anima e mente di chi ascolta e portando lo stesso ascoltatore nel viaggio di cui si parlava poc’anzi.

Gli “ospiti” presenti in questo lavoro sono davvero tanti: Enrico Ruggeri, che ha dato la sua voce in On The Edge Of Madness, primo singolo dell’album, Axel Capurro degli Anewrage, Roberto Tiranti dei Labirynth, Alessio Corrado dei Jellygoat, e altri ancora, compresi diversi strumentisti, ma con un unico comune denominatore, Marco Barusso, presente in tutti i brani nelle vesti non solo di chitarrista, ma anche ai synth e come voce d’accompagnamento. A Second Chance To Rise è un progetto che vuole essere innovativo, a tratti anche molto ambizioso, che può aver come ulteriore punto di forza un approcciò un po’ retrò, ma che riesce con estrema naturalezza ad essere al passo con i tempi. Assolutamente da ascoltare, con testi alla mano, un po’ come si faceva qualche annetto fa.

Autore: The Price	Titolo Album: A Second Chance To Rise
Anno: 2018	Casa Discografica: BRX
Genere musicale: Alternative Rock	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: www.facebook.com/thepriceofficial
Membri band: Marco Barusso – chitarra, synth, voce AA.VV. – voce, basso, batteria	Tracklist: 1. Tear Roll Down 2. Mg Of Stone 3. My Escape 4. Enemy 5. Take Back Or Life 6. Free From Yesterday 7. Lilith 8. Stormy Weather 9. On The Edge Of Madness 10. E.C.P. 11. Under My Skin 12. Strange World

Lo-Fi Poetry – La Mia Band

Lo-Fi Poetry è un trio che propone indie rock alternativo con influenze di elettronica e cantato parlato. Detto così sembra difficile, ma allo stesso tempo interessante. La Mia Band è un mini album di 5 pezzi, diversi e interessanti, ognuno per un motivo differente. La title track che apre questo lavoro è una simpatica collezione di luoghi comuni sulla musica, sul far musica, raccontata su una base quasi ipnotica. Un brano che può funzionare maggiormente dal vivo, magari modificando il testo secondo la necessità, che rinchiuso su un album. La voce femminile su Gli Umori Di Te, e il modo in cui interpreta il pezzo, è decisamente interessante; forse la traccia che preferisco di tutto il disco. Un buon testo e sonorità 90s. Lo spettacolo era orrendo è breve ma aggressivo con un cantato parlato su un ottimo tappeto musicale.

Non Svegliarmi Questa Mattina, invece, è più calma e vuole riportare l’attenzione più sul testo; la musica resta in sottofondo ma è comunque co-protagonista. Un testo molto bello e intenso; visto anche il nome del progetto, è evidente che le parole siano una parte fondamentale e per questo occupano il posto d’onore senza comunque però trascurare la parte strumentale. Quello che rimane è una traccia, questa volta cantata, in stile Bluvertigo con un testo interessante e sonorità più elettroniche; personalmente trovo la soluzione cantata più tradizionale più forte e decisiva rispetto alle canzoni con voce narrante. I testi sono molto ben scritti e arrivano diretti. Nel complesso una band che merita sicuramente attenzione perché ricca di idee e con una buona capacità di scrittura, nei testi ma anche nella musica; poesia lo-fi che in realtà è di alto livello.

Autore: Lo-Fi Poetry	Titolo Album: La Mia Band
Anno: 2019	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Indie Rock, Alternative Rock, Electro Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: http://www.lofipoetry.it/
Membri band: Federico Specht – chitarre, voce, piano, programmazione Marco Matteazzi – chitarra Massimo Milan – voce	Tracklist: 1. La Mia Band 2. Gli Umori Di Te 3. Lo Spettacolo Era Orrendo 4. Non Svegliarmi Questa Mattina 5. Quello Che Rimane

La Scimmia – Ti Farò Del Male

Rock sudato e potente quello de La Scimmia, band trevigiana nata quattro anni fa e giunta già al secondo capitolo discografico. Il rock di questo quartetto arriva dritto e luccicante, più che la opener è la titletrack che ci entra nei timpani senza chiedere permesso, loro lo sanno e i riff esplodono con la giusta dose di deflagrazione. Ma la band ci offre di più perché dietro l’angolo di ogni singola traccia c’è un chorus che ci attende, una strofa che viene adeguatamente evidenziata e che sembra restare impressa nella mente. Un rock pulito e ben prodotto, senza molte ricercatezze compositive a cui molte band ci hanno abituati (Les Fleurs Des Maladives, Maudit…) e che noi troviamo ancora vincente in un periodo in cui la musica “si consuma” e spesso ha bisogno di arrivare al punto prima che girarci intorno. A noi sicuramente piacciono i momenti più decisi, Distante è un pezzo da inserire in playlist e far girare all’infinito, ci riporta al rock anni 90, a quei riff potenti che in questo caso lasciano un adeguato spazio alle liriche, come il rock moderno prevede.

Non c’è solo rock secco e lineare, i passaggi un po’ fuori da questo rock dall’energia adolescenziale si trovano in brani come Parco Comunale, un brano dalla storia (e dalla tonalità) triste che sembra essere un esercizio cantautorale vestito di abiti rock pop. Morbida è Tutto Quello Che Ho, una traccia che viaggia su altre tinte, più melodiche in cui solo il bridge e il ritornello induriscono gli animi ma lo fanno di nuovo con atmosfere cupe (e buoni arrangiamenti), forse in questi passaggi si cela l’animo compositivo del quartetto. A nostro parere la tentazione di scrivere una hit melodica è eccessiva in Non Sono Dove Sono Stato, un brano che vuole solleticare chi ama (e chi non lo ama?!) Buckley figlio, ma che finisce solo per far sconfinare la band in un calderone pop dalla generica identità. Ecco sul finire forse scompare quell’irruenza delle prime tracce, chissà se è questo il percorso che la band ha imboccato di qui in avanti.

Ti Farò Del Male è un album che “suona” e che si lascia apprezzare. Noi crediamo che il potenziale di queste nove tracce sia on stage e vi suggeriamo di seguire questa band live.

Autore: La Scimmia	Titolo Album: Ti Farò Del Male
Anno: 2019	Casa Discografica: Dischi Sotterranei, Dischi Soviet Studio, SISMA
Genere musicale: Alternative Rock	Voto: 6,75
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/LaScimmiaLaBand/
Membri band: Andrea Albani – batteria Gabriele Marino – voce, chitarra Enrico Poletto – tastiere, voce Federico Scuderi – basso, voce	Tracklist: 1. Marnero 2. Ti Farò Del Male 3. Parco Comunale 4. Altro Inverno 5. Distante 6. L’Abisso 7. Tutto Quello Che Ho 8. Non Sono Dove Sono Stato 9. Musica Per Te

Red Llama – Memory Leaks

Per un redattore il momento più bello è quando apri la busta con i dischi che dovrai ascoltare. Non è facile scegliere quale mettere per primo nel lettore, accarezzi i cellophan e cercare di capire di che cosa si tratta. Alla fine scegli, guidato dall’istinto, dal nome, o dalla copertina…chi lo sa. E a questo giro ha vinto Memory Leaks. Un artwork bellissimo quello scelto dai friulani Red Llama, una sorta di rosone accattivante, psichedelico ed oscuro allo stesso tempo. Il loro suono viene direttamente da oltre oceano, prendendo in prestito le metriche di Dave Grohl e i suoni e la timbrica dei Seether, risultando convincente e compatto e non riducendosi solo alla schiettezza del grunge di stampo americano, ma abbandonandosi anche a momenti tecnicamente più elevati come gli assoli di chitarra in Greatest Hints e Nightmares. Il disco si apre con Escape From Bounds e le premesse sono subito ottime, rivelando il miglior brano del disco per orecchiabilità e incisività, dominato da un giro di chitarra davvero convincente che fa da mantra per l’intera durata del pezzo. Se i Red Llama fossero riusciti a mantenere il livello compositivo dell’opener per tutte le tracce (o quasi), staremo parlando ora di un disco davvero pazzesco.

Non è cosi, ma le restanti 8 tracce danno comunque molti spunti interessanti sviluppando un lavoro solido, valido e ben suonato. Ottime le chitarre (che spaziano dai riffoni grunge a suoni più ricercati e sottili, ad assoli di stampo hard rock), ottima la sezione ritmica, e ottimo il sound complessivo. I Red Llama riescono nell’intento di amalgamare suoni e pezzi a tratti diversi in un unico stile ben definito, passando da brani più rockeggianti (The Drowning Girl, No One Cares), all’uso non invadente dei synth (Lost In Boredom) con la voce di Tommie Odorico che si muove agile sul territorio del grunge e del rock, ma la cui timbrica scura e profonda potrebbe benissimo essere prestata a generi più estremi. Tits e Southern Nods sono pezzi in cui si rasenta quasi il plagio con i Seether, ma risultano davvero convincenti e lasceranno incollati allo stereo non solo gli appassionati di Shaun Morgan & soci.

Questo Memory Leaks ci piace, e anche parecchio. Facile raccogliere consensi seguendo la scia dei grandi, direte voi, ma questo disco pur non essendo nulla di particolarmente innovativo, lo vedremmo bene in rotazione su una radio rock in mezzo al calderone dell’alternative rock dei giorni nostri, e senza sfigurare!

Autore: Red Llama	Titolo Album: Memory Leaks
Anno: 2016	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Alternative Rock, Grunge	Voto: 7,75
Tipo: CD	Sito web: https://redllamaleaks.bandcamp.com/
Membri band: Tommie Odorico – voce, chitarra, synth Nicolò Sanson – batteria Renzo Bottan – basso	Tracklist: 1. Escape From Bounds 2. Greatest Hints 3. Lost In The Boredom 4. The Drowning Girl 5. Tits 6. Nightmares 7. The Waterface 8. No One Cares 9. Southern Nods