Quadrosonar – Fuga Sul Pianeta Rosso

Esordio discografico convincente quello dei Quadrosonar che con Fuga Sul Pianeta Rosso fanno assumere al viaggio quella centralità attorno alla quale si strutturano tutta una serie di racconti che si trasformano in musica. Ed infatti il disco sembra assurgere ad essere una vera e propria colonna sonora di quel viaggio attraverso la nostra società vista come un mondo alieno al quale non si può rinunciare. L’inquietudine è ciò che di fatto trapela dal disco, un messaggio oggi più che attuale perché le sensazioni sono quelle quotidiane, fatte di apprensioni, di incomprensioni, di tutte quelle false promesse che attimo dopo attimo ci vengono propinate. Fuga Sul Pianeta Rosso è ricerca personale si ma anche musicale perché capace di pescare in quel sound che la scena internazionale ci propone di questi tempi. Basti pensare a quanta bella psichedelia è presente in questo lavoro che, se pur contaminata, è ben intrecciata con lo stile musicale in voga negli anni ottanta ma mai imitativa anzi, del tutto personalizzata. E’ vero anche che la nostalgia è alla base di questo viaggio, ma i Quadrosonar, che musicalmente navigano tra rock e progressive, ci offrono un bel lavoro che riascolti volentieri perché quello che trapela qui è un messaggio che appartiene a tutti noi. E poi i dieci pezzi che il CD contiene hanno nella loro composizione quella bella fusione che viaggia tra progressive, pop ed un wave vecchio stampo che non disdegna assolutamente.

In campo indipendente, Fuga Sul Pianeta Rosso lo si può definire come uno dei migliori esordi di questo anno perché contiene un suono che è molto personale, così caratteristico che alla fine dell’ascolto si capisce quanto questa produzione si differenzi dalle altre che il mercato mette in circolazione. Sin dall’apertura, affidata ad Ammartaggio, il viaggio dei Quadrosonar sembra aprirsi a quei mondi lontani che spesso ritroviamo nel nostro quotidiano vivere così come quel Can Che Abbaia che si rifà a strutture lontane alla Decibel o a suoni dello stesso periodo, ma comunque attualizzate da un indie onnipresente. Cosa Resta Di Me con lo slang chitarristico d’apertura è ancora atmosfera irreale come i due precedenti, segno inequivocabile di un viaggio che continua, quasi a confermare che questo poi non è un album a sé ma appare quasi come un concept. Di sicuro qui l’influenza nel cantato di un certo Manuel Agnelli sembra essere presente ma è solo una sensazione che si prova all’ascolto perché in Cosa Resta Di Me tutto è ben costruito compreso quel finale da comunicazione interstellare. Un nuovo spunto viene da Zero che aprendosi all’elettronica fa virare il disco come se davvero fosse un’astronave.

Con L’Apatia Sociale il ritmo si fa incessante a tal punto da farci piombare in un pop contaminato da strutture che ricordano vagamente i Timoria degli esordi mentre la bellezza sonora di Un Istante Su Marte è quanto di meglio questo disco possa trasmettere: infatti, la dolcezza del suono e la possenza di una voce che trasmette sensazioni lontane, ci fa comprendere che il viaggio della navicella Quadrosonar è ormai entrata nell’atmosfera marziana. Già proprio come quel lem che alle 05.59 a.m. si stacca dal razzo per intraprendere la discesa su pianeta rosso. Qui i bei riff chitarristici ci danno proprio quella giusta sensazione di attesa prima di toccare il suolo marziano. Probabilmente il pezzo che ci colpisce di più perché l’indie che emana è quello a cui siamo sovente abituati. Stesso dicasi per il successivo Lacune che è quasi un preludio al successivo Nella Mia Città una sorta di inno alla casa che abbiamo voluto abbandonare per intraprendere questo viaggio interstellare. Lunasia, ultimo brano in progressione, è il giusto modo di finire questo viaggio che ci ha portato nei meandri delle nostre coscienze, ma anche delle nostre menti sempre più soggette agli umori di un mondo in disfacimento totale.

Ed allora perché non approfittare di questa nave spaziale che i Quadrosonar ci hanno messo a disposizione? Perché non approfittare di questi attimi in musica che oltre a farci viaggiare ci hanno fatto sognare. Non ci siamo mai spinti oltre la proposizione di bei dischi ma qui vogliamo spingerci un po’ in là: non perdetevi l’ascolto di Fuga Sul Pianeta Rosso, potreste pentirvene.

Unità Di Produzione – Abisso

Per noi figli degli anni 70 che abbiamo avuto la fortuna di salire sul treno del grunge mentre afferravamo per la coda la scia sonora delle migliori band new wave della scena fiorentina degli 80, (leggasi primi Litfiba, Diaframma e CCCP/CSI), il progetto musicale dei bergamaschi Unità Di Produzione, forti del loro recente album Abisso, suona come un ponte artistico saldamente ancorato a quel florido e lontano fermento rock che – Deo gratias – periodicamente riesce ad autorigenerarsi ed a rivivere nuove stagioni di ribalta commerciale. A partire dal loro nome, ispirato guarda caso ad un celebre brano del repertorio dei CSI di Lindo Ferretti, nella sostanza i riferimenti miliari di questo combo si traducono in altrettanti suoni psichedelici ispirati al rock underground degli anni 90, su cui poggiano elementi post-punk portati dalla sezione ritmica nonché la solidità dei testi claustrofobici ed introspettivi di Elvis Ghisleni. Sebbene ad un primo approccio questo lavoro possa sembrare algido, scarno e spettrale, un ascolto più approfondito, supportato da una rapida escussione dei credits, rivela invece tutto l’ottimo lavoro di arricchimento fatto sui suoni dalla band e di cui l’album sembra goderne ampiamente. Di fatti, nonostante non sia ancora evidente una personalità artistica forte e carismatica che li liberi dai fantasmi degli artisti che maggiormente li ispirano, il plauso al risultato va dato, oltre alla band, anche a tutti i musicisti chiamati a vario titolo a collaborare su questo progetto e che hanno senza dubbio avuto il merito di averlo contaminato e sfaccettato con sfumature eterogenee di buon livello.

Tra tutte quelle evocate nei brani proposti, l’anima artistica più forte e prevalente che permea il mood di Abisso, con particolare riferimento ai testi ed all’interpretazione vocale, è senza dubbio quella dei Marlene Kuntz, i quali, volenti o nolenti, possono essere considerati i padri costituenti della scena indie ed alternative italiana, e non solo per il riscontro che hanno ottenuto in questi anni a livello commerciale. Da questa affermata band, i Nostri hanno infatti saputo cogliere, a volte fin troppo marcatamente, l’attenzione che viene riservata al potere evocativo all’interno dei testi per ogni singolo vocabolo inserito, meglio se ricercato e forbito, alla metrica complessiva, nonché all’asservimento di tutto ciò a riferimenti colti ed ad esperienze metafisiche. Le tracce proposte accompagnano quindi per mano l’ascoltatore in un percorso che non è solo quello propriamente ludico, ma anche intimistico, quasi filosofico, un trasbordo in cui l’anima rock si accomoda come un virus in tutta la sua elettrica prorompenza, per portare pathos, psicastenia e tensione in questo enorme muro di nefasto buio tenue che è Abisso.

Sendorma – Notturno 1

Il quartetto torinese dei Sendorma debutta con questo album Notturno 1 su OverDub Recodings. Prodotto e registrato da Luca Vicini (Subsonica) al Punto V e masterizzato da Giovanni Versari a La Maestà Mastering Studio (Muse, Il Teatro Degli Orrori), propone un rock alternativo con evidenti matrici post–rock e shoegaze. Riff circolari che si ripetono ipnotici ed insistono su ottime trame ritmiche. Il titolo dell’album sembra fare riferimento ai famosi Notturni di Chopin, ma in realtà si riferisce al loro essere tipi notturni, parla dell’alternanza giorno/notte, veglia/sonno, buio/luce e più in generale alle dicotomie contenute nella loro musica, dove elettrico si alterna all’acustico, il suono freddo hi-tech si contrappone al caldo suono low fi e così via. L’uso della lingua italiana è impreziosito dalla collaborazione con lo scrittore e poeta Luca Ragagnin fomoso per aver collaborato con Subsonica e Bluvertigo. Non mancano brani degni di nota come il brano di apertura Alba Lenta con accenni post–rock, Brucia (Senfina Lumo) e Diamanti E Asfalto (di quest’ultima gira anche un video su youtube) con un suono più elettronico fino alla piu rockeggianti Interregno ed al bellissimo finale di Notturno che chiude il gioco delle dualità: si parte con l’“alba” e si chiude con la “notte”.

Un buon debutto che unisce influenze e stili eterogenei, generi che l’ottima produzione è riuscita a rendere omogenei nel prodotto finale. Certo è che una maggior chiarezza sulla strada da intraprendere gioverebbe sicuramente all’intero progetto.

The Bankrobber – Missing

Chi potrebbe mai sospettare che ci siano 5 ragazzi di Riva del Garda dietro il sound British di Missing? I riferimenti sono chiari fin dalla traccia di apertura Gold. Buttate nel calderone tutto il rock alternative sentito negli ultimi anni su Virgin Radio, aggiungete un pizzico di pop e di tastiere ed avrete l’ultimo lavoro targato The Bankrobber. La vera forza di questo disco sta nell’aver sapientemente mescolato ciò che di buono ha offerto il rock più mainstream degli ultimi anni, prendendo interessanti spunti dai suoi interpreti (Arctic Monkeys, Biffy Clyro e Kings Of Leon su tutti) senza però risultare mai una copia o un imitazione. Il disco si compone di tracce molto diverse tra loro, pur mantenendo una coerenza stilistica di fondo. Tra i pezzi spiccano sicuramente A Good Guy With A Gun (non a caso furbescamente utilizzato come singolo) e Closer (un pezzo dominato dall’elettronica che riporta alla british new wave), oltre alla già citata traccia di apertura Gold. C’è spazio anche per dei brani acustici e soprattutto per The Womanizer, un autentica hit radiofonica moderna, forse il miglior biglietto da visita in ottica commerciale. Le voci dei fratelli Oberti si intrecciano benissimo creando un atmosfera che trasporta l’ascoltatore lontano dal nostro Paese e che sicuramente può spingere questa giovane band verso più ampi orizzonti.

Di sicuro non aggiungerà nulla in termini di suono e originalità alla discografia di chi è già avvezzo al genere, ma Missing è un disco che sa farsi ascoltare, scritto per inserirsi in un contesto preciso e per piacere a tutti senza perdere mordente. Un prodotto valido e fresco che speriamo sia la (solidissima) base per i futuri passi dei The Bankrobber.

Chien Bizarre – Outsider

I Chien Bizarre sono un quartetto nato nel 2014 dalle ceneri di precedenti progetti e già autori di un primo lavoro di inediti, I Migliori Esemplari del 2015. Dopo un’intensa attività in studio, ecco portare alla luce Outsider, un album interamente autoprodotto composto da 10 tracce in chiaro stile alternative rock, italiano in primis ma con accenni d’oltreoceano. Il disco si apre con Il Gigante Delle Favole, un brano forse inusuale come apripista perché non particolarmente d’impatto ma, incuriosisce quanto basta, ricordando, in alcuni tratti, i primi Pooh. Segue Canzone D’umore (nero), brano in chiaro stile alternative italiano perché strizza l’occhio al sound delle Vibrazioni, un rock semplice che mette in primo piano il cantato. Come Cleopatra è primo singolo dell’album, che si apre con un arpeggio rock caratterizzato da una buona arrangiatura delle chitarre. La successiva Insensibile acquista un sapore più dark senza tralasciare l’orecchiabilità, appoggiandosi su Empatia e Preghiera Laica, dai ritmi più contenuti e riflessivi.

Si riacquista un po’ di vivacità con Underground, brano più serrato con un buon ritornello, al pari della conclusiva Il Solito Caffè, rock piacevole e senza pretese. I Chien Bizarre sono senza dubbio una buona band, così come la produzione, ma sono privi di quel particolare mordente che si fa attendere e non arriva mai: ci si aspetta d’improvviso una apertura, una svolta e, invece, si resta impantanati in una sorta di linea guida immaginaria. Album piacevole, ben suonato, ma fine a se stesso, racchiuso fin troppo nel proprio mondo alternative che non lascia spazio ad altri sbocchi, forse solo in alcuni casi accennati. Osare, senza esagerare o snaturarsi, ma osare, i mezzi ci sono.

Nimby – Nimby II

Difficilmente mi sento a mio agio nei matrimoni. Anzi direi quasi mai. Difficilmente sanno stare assieme omologati e ipersensibili all’unicità. Difficilmente sanno fiorire della stessa luce chi veste con i cappelli di pezza e chi con le cravatte alla moda. Eppure la tanto da me odiata scena indie, che più tra tutte si omologa e si autocopia, sforna qualcosa che di certo non sta sulla terra con la capacità di rivoluzionare tutto ma sa il fatto suo e lo dice a voce ben alta. Bravi Nimby. Io che dalle prime battute ho detto – ecco il solito disco di Fusaroli – mi sono dovuto mangiare lingue e calpestare calli. Di certo l’impronta del fonico famoso per il T.d.O. c’è e si sente subito… e non so se maledire più i vostri cliché o i miei pregiudizi. Per oggi, per questo disco, io punto la forca sulle natiche del sottoscritto e mi congratulo con la sua capacità di andare oltre i primi secondi di puro scopiazzamento indie. C’è molto altro, stupido Tocco, c’è molto altro in questo secondo disco dei Nimby.

Innanzitutto bellissima copertina. Tanto di cappello – di pezza ovviamente – al lavoro di Andrea Grosso Ciponte. Una di quelle copertine che mi riporta inevitabilmente ai grandi capolavori della controcultura americana e, senza sparare troppo in alto, di primo acchito pensavo proprio al Big Pink dei banditi di Dylan. Ma andiamo oltre. Sono 8 inediti che diversamente da altri dischi di tal maniera essi promettono due cose. Melodia: non è per niente scontato anzi. Siamo figli del melodramma e non finiremo mai di riconoscere la melodia prima ancora della canzone. E questo disco ne ha tanta di melodia, dalla struttura di Opacità, alle belle strofe di La Noia passando per il brano più autoralmente importante – secondo me – che è Rijeka Boat. In genere in questi dischi della melodia non ci frega nulla ma si urla, parolacce se possibile, urla per buttare merda al sistema politico. Amen. Dinamica di voce: finalmente un disco “emergente” che cura la voce in diversi ambiti della dinamica. Non solo il mix, non solo la produzione delle linee vocali, ma anche giocare con la melodia (appunto) per portare la voce a presentarsi in diversi ambiti e momenti. Un vero timbro esterofilo, forse più americano alla Green Day o Foo Fighters (tra l’altro proprio Opacità richiama tantissimo questo stilema) che inglese in sé, per quanto il disco sembra voler essere figlio di quel movimento punk.

E poi si danza da noir possenti e industriali come Goodbye My Love che la sanno lunga anche sulle intenzioni cantautorali con queste liriche che – non so perché – ma mi fanno pensare ad un Ivan Graziani del rock indie di oggi, fino ad arrivare alle sospensioni ultraterrene di Universo. E la produzione e i suoni, eccetto quelli davvero portanti, si adeguano, sono personali e sono coerenti al momento che cantano. Non troviamo lo stesso suono per tutto il disco, non troviamo una produzione che ha impostato il mixer e premuto rec una volta soltanto. Non troviamo una scrittura che sforna canzoni con lo stesso format. Troviamo personalità e scrittura e troviamo anche voglia di inseguire un certo disegno piuttosto che un altro. Cosa non mi piace? Non mi piace che ci sono code ridondanti che appesantiscono gli ascolti resisi accattivanti fino ad allora. Forse l’esempio più importante è proprio il singolo La Noia che dal secondo ritornello in poi poteva andare a chiudere invece che usare una parte strumentale e uno “special” (corretto?) per ingrassare un brano che doveva chiudere la partita nel momento in cui stava vincendo.

Forse proprio la voce che se da una parte ha tutte le bellezze che ho elencato prima, dall’altra però nella sua estetica scimmiotta le tante voci indie. Questa coralità ma soprattutto questo mix che le porta ad essere ingoiate dal tutto, quasi a compromettere l’intelligibilità. Punti di vista e gusti. Di sicuro questo Nimby II è un disco che sta ben dentro il paniere dei suoi simili ma si staglia e di tanto anche dalla massa di autocopiatori di se stessi. Odio l’omologazione. Quindi un plauso a questo disco che senza presunzione e anche se ancora priva della ricetta vincente per farci godere della propria personalità, ha giocato carte buone, semplici per dire semplicemente la sua… la sua, e non quella di altri. Ma questo è sempre e soltanto quello che penso io.

Enjoy The Void – Enjoy The Void

Progetto giovane, nato dalla mente di Sergio Bertolino, in Inghilterra e lui scrive tutto da solo. Solo in seguito il progetto si tramuta in una band vera e propria e dà alla luce questo primo omonimo album. Va detto che i brani hanno un sapore inglese molto forte, non solo per testi ma anche per le musiche, gli arrangiamenti, gli effetti; il singolo Our Garden evidenzia senza dubbio questo sapore, pescando da un contesto cantautorale, beatlesiano e, perché no, un po’ Pink Floyd che rimarca l’andamento agiato della musica del combo. Il rock degli Enjoy The Void è infatti fortemente retrospettivo, evita riff portanti, piuttosto gioca tutte le carte su strutture eleganti, come un Lenny Kravitz meno rock e più soffuso (Doubt), capace di dare la giusta importanza alla voce ma accompagnandola sempre con uno stile musicale che è un importante trademark dell’album. Il basso c’è e disegna linee diverse da quelle degli altri strumenti elettrici, valorizzando a dovere le composizioni; le battute come dicevamo prima sono limitate, segno che gli Enjoy The Void non intendono colpire con la vena più rock bensì con uno stile personale ed una profondità di linguaggio da apprezzare. Compare di tanto in tanto un accenno di elettronica, come in Stayaway, che però non spiazza l’ascoltatore.

Bella A Prayer che ci ricorda qualche incedere antico alla Nick Cave modellato in un habitat più moderno, sicuramente ha più mordente di una Don’t Tell Me No che funge più da riempitivo e ci sembra un po’ stanca rispetto agli altri momenti. Una band che sa cosa dire e lo fa in maniera autorevole, puntando a quel rock sofisticato che le band non propongono più, anche solo perché serve un certo spessore ideativo e una particolare classe per approdarvi.

Eschimo – Elvis Ha Lasciato L’edificio

Oltre 41 anni sono trascorsi dalla morte di Elvis Presley eppure c’è ancora gente che lo immagina, oggi, seduto su una sdraio di un’isola deserta a prendersi gioco della vita (e dei creduloni). Gli Eschimo non sono così ingenui e anche se citano una frase usata alla fine dei suoi concerti, sono ben più pragmatici nelle argomentazioni che portano avanti. Nessun messaggio di rivoluzione sia chiaro, si parla del solito disagio giovanile che le nuove formazioni sentono e proclamano tramite la nostra musica. Ed essendo questo un tema molto inflazionato (anche se è davvero difficile dire che non meriti voce) a noi interessa più la loro musica. Elvis Ha Lasciato L’edificio passa come una fiammata, il tempo di accendere una sigaretta ed è bruciato, eppure noi ci vediamo diversi livelli. Alcune parti strumentali con tanto di basso simil-fuzz e tastiere che osannano i settanta saggiano il gusto di questo power trio che confeziona brani di un alternative rock prezioso. Gli Eschimo sanno che il ritornello, o il chorus azzeccato, non può mancare ma sanno anche secondo noi che non possono vendersi al dio del pop radiofonico. O forse non sanno né l’una né l’altra cosa e scrivono ciò che sentono, e ciò che sentono a noi piace. Ci piacciono le mutevoli condizioni che si accavallano in Distante, ci piacciono i ritmi lenti di Inutile che non tardano ad esplodere, ci piacciono le spigolosità della loro personalità che vengono fuori ad un ascolto attento (si ascolti solo come esempio Numeri E chiavi Inglesi) anche se in fondo anche ad un primissimo ascolto i brani scendono con piacere.

Una band assolutamente da seguire perché in un full-lenght completo (che speriamo arrivi presto) potrebbero davvero sfondare il telone del rock moderno e sapiente finendo per tuffarsi nei nostri cuori e creare palpitazioni impagabili.

Acid Jack Flashed & The Pylls – The Invisible Men

The Invisible Men è l’album realizzato dalla mente di Giacomo Premoli, in arte Acid Jack Flashed che con queste dodici tracce vuole pescare dal passato, da quei suoni molto anni settanta (The Clash richiamati in diversi momenti), un mood ritmico un po’ beat e un animo da artista solitario. Lui che ha fatto parte di decine di formazioni e che è qui accompagnato da musicisti altrettanto navigati, realizza un album dalle tante influenze ma che alla radice, a parere nostro, non rende chiara l’idea del messaggio che vuole offrire. L’impressione è che la musica di Premoli sia pensata e suonata un po’ così, per divertire ma senza ambizioni particolari; fresca, orecchiabile, semplificata in termini produttivi e con quel sano approccio punk rock che intende guadagnare un fascino retrò, una personalità indie con tanti arrangiamenti ma poca sostanza significativa. D’altra parte lo dice l’artista stesso: “I am no poet – no sir, I’m no high seller, no sir…I’m just having fun” e probabilmente questa frase rispecchia più di ogni cosa la musica degli (o di) Acid Jack Flashed. Se poi aggiungiamo che quasi in concomitanza con l’uscita dell’album il progetto The Pylls si è sciolto allora possiamo collocare questo album come un qualcosa di estemporaneo.

Ci sono momenti dall’ascolto più facile (musicalmente parlando), come Mother Of Humans, e ci sono pezzi un po’ più particolari, come The Thieving Blackbird o I Wish I Did, ma che comunque non propongono composizioni davvero profonde o comunque degne di essere ricordate, tramandate. Anche il sassofono di The Invisible Man, il sapore molto british in diversi momenti, gli intermezzi strumentali in Spiders o le incursioni irish folk di I’ll Be Your Hobbit sono momenti da citare ma in ogni caso non aiutano a far lievitare in maniera significativa il valore artistico di questa uscita. Noi continuiamo a vedere l’ombra di Joe Strummer dietro certe composizioni ma non cercate l’attivismo che i The Clash mettevano al centro della loro musica perché qui siamo su tutt’altri lidi. Se i ragazzi cercavano di divertirsi e nulla più noi siamo contenti che ci siano riusciti. Probabilmente è questo lo stato d’animo che voi stessi dovete assumere se volete avvicinarvi a questo album.

Slow Nerve – Slow Nerve

Gli Slow Nerve ci propongono con il debutto omonimo la loro versione personale dell’alternative rock, che pesca spesso e volentieri dal progressive rock italiano anni 70. L’influenza si avverte nelle linee vocali della cantante Flaminia Samperi (che a tratti fa venire in mente vocalizzi adottati da band come gli Osanna) e nelle soluzioni stilistiche scelte dal resto della band (che a tratti fanno venire in mente i Museo Rosenbach). L’album in generale è un composto chimico incolore formato da due atomi di alternative rock e un atomo di jazz, ma nel quale possiamo trovare disciolte moltissime altre sostanze che per comodità chiameremo sperimentazione. Liquid Glass è un brano dall’andamento irregolare ma al contempo fluido caratterizzato da ritmiche jazz e chitarre psichedeliche che fanno da tappeto sonoro a linee vocali ricercate, ma già con la successiva ASIA la band cambia le carte in tavola proponendo una brano riflessivo e dalle atmosfere intimistiche, efficace seconda voce maschile introdotta nel brano. Meno riuscito il duetto su Virgin dove le due voci maschile e femminile non si incastrano a dovere nonostante stiamo parlando di una buona composizione post-rock, così come Skat che si muove su territori più alternative e onirici che fanno venire alla mente i Tool.

La conclusiva strumentale Drive è un’altra ottima composizione a metà tra progressive e psichedelia che personalmente avrei inserito a metà dell’opera per permetterle di spezzare un po’ e diversificare la scaletta. In conclusione ad avercene in Italia di band come gli Slow Nerve, band del presente che guardano al futuro senza scordare il passato.