Superportua – Resterai Sempre Uno

I Superportua, dopo aver collaudato le proprie forze con due EP, giungono al primo full-lenght dal titolo Resterai Sempre Uno. Molti sono gli elementi che ci colpiscono di quest’album e che a parer nostro rendono davvero interessante l’uscita. Il primo è il fatto di voler ripescare quell’alternative rock degli anni 90, quando il sapore era intenso, i ritmi si rilassavano, le influenze (del passato) erano molteplici e le linee vocali ti tuffavano in un senso di disperazione che nemmeno il post-punk aveva regalato. Le linee vocali, un altra carta vincente dei Superportua, non si parla di note né di intonazione, quello che ci trasmette Michele Romanello è un sapore scuro di disperazione a cui già grandi del passato si erano ispirati (Ferretti, Smith…) seppur in maniera profondamente diversa. La cura dei brani, anche questo viene fuori da Resterai Sempre Uno, il fatto che la band abbia chiesto supporto a tanti musicisti diversi (per strumenti e per estrazione musicale) per aggiungere un contributo, un effetto, una partitura e rendere più ricco il piatto. Pensate a quelle one man band in cui il leader è l’unico a comporre i brani e si sente il suo imprinting non solo nelle singole tracce ma anche in album diversi della discografia; ecco, i Superportua sono l’esatto opposto. Bello il contributo del violino che entra sempre in punta di piedi ma sa dove intervenire rendendo più affascinante e decadente il risultato finale.

Un rock alternativo in quanto legato ad una certa intenzione poetica e brani come Luce sono la conferma di questo approccio, il rock che viene fuori ma a cui la struttura strofa-ritornello-strofa gli sta stretta e preferisce altre soluzioni. Certo ci sono anche momenti avvicinabili da un pubblico più ampio, come Secondo Amore, ma anche in questi passaggi non vi sono segni di sdoganamento della propria proposta musicale, piuttosto di un’altra visione. Difficile il testo narrativo, messaggi che non sono facili da interpretare. Su questo probabilmente la band potrebbe lavorare per affezionare in un certo senso gli ascoltatori facendo in modo che si possano immedesimare più facilmente nei loro racconti.

Cabbage – Nihilistic Glamour Shots

Poche nuove band possono dividere l’opinione come i Cabbage. Per alcuni i loro irriverenti spettacoli dal vivo carichi di sudore sono una cosa prodigiosa, per altri sono semplicemente offensivi, il cui post-punk risulta un po’ stantio. L’album di debutto Nihilistic Glamour Shots non si adatta facilmente a nessuna etichetta. Iniziamo con i lati positivi. La produzione di James Skelly è ben eseguita, minimalista con pochi svolazzi in mostra tra la chitarra dal suono “represso” che talvolta aumenta in un grezzo crescendo impetuoso, come in  Molotov Alcopop e Obligatory Castration. Troppo spesso, però, Nihilistic Glamour Shots è semplicemente dimenticabile. La ritmica è troppo dilatata e piatta, senza dinamica, la voce confusa, che attraversa la linea dell’isteria ma confusa. La band indugia troppo sull’orlo dell’irriverenza e dell’ipnosi ossessiva, che a volte dimentica di cosa si tratti in realtà, come in Reptiles State Funeral e Post Modernist Caligula.

L’album trae sicuramente ispirazione dalla scena di Manchester e dalle sonorità garage britanniche, la band tenta di essere irriverente ma ne scaturisce una rabbia troppo cerebrale che si avvita su se stessa senza melodia. In sintesi quindi Nihilistic Glamour Shots è un disco discreto, ma non particolarmente memorabile o emozionante. Indicato per chi predilige musica grezza, minimale, rabbiosamente ossessiva.

I Fiori Di Mandy – Carne

Li avevamo conosciuti ai tempi di Radici di cui avevamo parlato a questa pagina, nemmeno tanto tempo fa, e loro ritornano e ci spiazzano. Ancora. Avevamo previsto un full-lenght come primo degno capitolo della loro storia, dopo l’assaggio delle tre tracce già pubblicate, ed invece ci risiamo. Altro EP ma sicuramente più corposo, trenta minuti di rock che ancora una volta pesca dalla vecchia radice alternative, non di quella figlia di una esistenza radical chic che intinge le dita nella moda del momento (anche perché oggi l’alternative rock è assolutamente out), alternative nella mente prima che nella musica, nelle composizioni, negli arpeggi, nelle ambientazioni, nei suoni, nelle note prima ancora che nei brani. Provate ad ascoltare il pathos di Karter, gli arpeggi introversi e il crescendo a metà traccia che tiene incollati fino alla ricercata esplosione. L’altra esplosione si chiama Mandria, brano che ripesca le influenze grunge a cui anche Radici non aveva timore di esporsi, ma poi si estende andando a pescare il rock italiano pre-novanta.

Quello che ci piace de I Fiori Di Mandy è la spontaneità con cui i brani si sviluppano, mai poggiati sul medesimo riff prendono direzioni inaspettate ai primi secondi, quasi come fossero una puntata dei Simpson. Ma qui non c’è nulla da ridere perché l’impegno concettuale che c’è dietro è tanto, nonostante ci siano sicuramente margini di miglioramento in termini di maturazione stilistica…ma siamo “solo” al secondo EP. Coraggiosa l’idea di registrare in presa diretta senza l’uso del metronomo, crediamo che in pezzi come Invadere siano volate più di una bestemmia, ma questo (e ci riferiamo alla prima abilità, non alla seconda) non può che fungere da palestra per fondere le menti musicali di questi tre artisti. Un rock non per tutti ma per chi cerca nuove sfumature o per chi ha amato una certa direzione alternative negli anni 90, dove la lussuria non era prodigalità e i suoni non erano radicati nell’essenziale espressione di nuove rock band, spesso stereotipate. Mutevolezza di sapori e concretezza. Proprio come la Carne.

Il Tipo Di Jesi – Pranzo Rock In Via Trieste

Già membro dei .cora, Tommaso Sampaolesi decide di aprire e solcare il varco di una carriera solista e lo fa scegliendo il moniker Il Tipo Di Jesi, località di cui è nativo. Detta così sembra l’ennesima storia del rocker che si trasforma in cantautore, imbraccia la propria chitarra e realizza un album mettendosi da solo a comporre il tutto. In parte lo è ma solo in piccola parte. Pranzo Rock In Via Trieste è indubbiamente influenzato dalla scena cantautorale e dai suoni acustici (In Fondo Al Letto) ma vi è dell’altro. Già in Masturnazione Tommaso e i musicisti che lo accompagnano danno il benvenuto all’alternative rock, non tanto nel senso “novantiano” del termine ma nell’uso della chitarra e dei suoi effetti; anche in Tutto A Posto A Land’s End si accelerano i tempi e il rock viscerale viene a galla, quasi un garage punk da sfogo. Un’altra caratteristica dell’album nel suo complesso è il sapore cupo che vi aleggia intorno e non ci riferiamo solo alla melanconica Tione, La Nebbia, Le Montagne, Tu ma ad un sapore generale.

Si passa a melodie più accentuate in La Canzone Col Piano, un brano che sa di pop anche nei testi, così come alla leggera Il Fiume In Pancia che nonostante la ritmica in parte più incisiva tende ad abbracciare un approccio leggero e digeribile. In questa seconda anima dell’artista, quella più collaudata e melodica, noi apprezziamo maggiormente Caos A Colazione, un brano che dà la sensazione di esserci cresciuti, date le sonorità e che ti coinvolge fin dal primo ascolto. Pranzo Rock In Via Trieste è una prova che offre la polvere a tanti lavori solisti e in cui potete trovare tantissime influenze diverse.

I Pixel – Perfettamente Inutile

I ragazzi de I Pixel sanno quello che vogliono, questo è chiaro. Sanno dove inquadrarsi e come deve suonare il loro rock alternative, a tratti morbido, a tratti graffiante, di certo nostalgico e romantico. L’intero disco ha però il sapore di qualcosa di ben strutturato ma che non arriva mai ad esplodere veramente. Buona la base musicale, buoni i testi (ottimi in alcuni passaggi), ma dalle 9 tracce traspirano una rabbia e un senso di inadeguatezza che non riescono a trovare sfogo. Il cantato di Andrea Briselli è molto particolare e ricorda nei modi i primi Verdena, rimanendo però sempre su un terreno sicuro e controllato. Il suo timbro graffiante potrebbe senza dubbio essere la chiave per svoltare e rendere più viscerali e “sporchi” i brani, valorizzando così tematiche non certo banali. Ci vedremmo bene un po’ più di anima grunge insomma, data la vicinanza con le sonorità anni ‘90/’00. Il disco in realtà funziona ed ha un suo sound, ma l’impressione è quella di un qualcosa a cui manca il guizzo, quella cosa che faccia alzare la testa a chi ascolta e che costringa a premere il tasto “rewind” per riascoltare una frase, un passaggio, un assolo.

Perfettamente Inutile è quindi un buon biglietto da visita per capire di che band si tratta, ma speriamo sia solo il preludio della piena maturazione e consapevolezza dei propri mezzi de I Pixel.

La Luz – Floating Features

Prendete il rock anni 90, quello che iniziava a vestire i panni dell’alternative, e piazzatelo in California. Donate chili di effetti alla sei corde, effetti in grado di fare l’amore con le tastiere, fate sentire per ore la colonna sonora di Kill Bill e infine inserite di tanto in tanto qualche influenza brit rock. Le La Luz arrivano al terzo album ed ecco descritta, con un po’ di creatività, la loro identità musicale; già dall’artwork di questo Floating Features appaiono su di un palco vintage con delle divise da scolarette (con la gonna un po’ troppo corta per andare a scuola a dir il vero). E nelle tracce ritroviamo tutto questo sapore languido per un rock d’annata, con tanto di echi alle linee vocali (Mean Dream), ritmi più incalzanti (California Finally), costruzioni lisergiche (The Creature) e tanta psichedelia di fondo da rendere questo album un’ottima colonna sonora per chi fa uso di sostanze stupefacenti. La produzione è molto curata, non solo i suoni arrivano in maniera chiara e diretta (in un album con così tanti effetti ed arrangiamenti non è lavoro banale) ma gli strumenti sono ben amalgamati in modo che esca fuori il brano nella tua interessa e non i singoli strumenti.

Un viaggio nel passato, anche a qualche decennio prima del rock anni 90 a cui avevamo fatto riferimento prima. Un viaggio con tanto di bandana, strumenti vintage e introspezione. Uno stile che oggi troviamo sempre più raramente e ci colpisce che sia un quartetto di giovani ragazze a darne nuova linfa.

Quadrosonar – Fuga Sul Pianeta Rosso

Esordio discografico convincente quello dei Quadrosonar che con Fuga Sul Pianeta Rosso fanno assumere al viaggio quella centralità attorno alla quale si strutturano tutta una serie di racconti che si trasformano in musica. Ed infatti il disco sembra assurgere ad essere una vera e propria colonna sonora di quel viaggio attraverso la nostra società vista come un mondo alieno al quale non si può rinunciare. L’inquietudine è ciò che di fatto trapela dal disco, un messaggio oggi più che attuale perché le sensazioni sono quelle quotidiane, fatte di apprensioni, di incomprensioni, di tutte quelle false promesse che attimo dopo attimo ci vengono propinate. Fuga Sul Pianeta Rosso è ricerca personale si ma anche musicale perché capace di pescare in quel sound che la scena internazionale ci propone di questi tempi. Basti pensare a quanta bella psichedelia è presente in questo lavoro che, se pur contaminata, è ben intrecciata con lo stile musicale in voga negli anni ottanta ma mai imitativa anzi, del tutto personalizzata. E’ vero anche che la nostalgia è alla base di questo viaggio, ma i Quadrosonar, che musicalmente navigano tra rock e progressive, ci offrono un bel lavoro che riascolti volentieri perché quello che trapela qui è un messaggio che appartiene a tutti noi. E poi i dieci pezzi che il CD contiene hanno nella loro composizione quella bella fusione che viaggia tra progressive, pop ed un wave vecchio stampo che non disdegna assolutamente.

In campo indipendente, Fuga Sul Pianeta Rosso lo si può definire come uno dei migliori esordi di questo anno perché contiene un suono che è molto personale, così caratteristico che alla fine dell’ascolto si capisce quanto questa produzione si differenzi dalle altre che il mercato mette in circolazione. Sin dall’apertura, affidata ad Ammartaggio, il viaggio dei Quadrosonar sembra aprirsi a quei mondi lontani che spesso ritroviamo nel nostro quotidiano vivere così come quel Can Che Abbaia che si rifà a strutture lontane alla Decibel o a suoni dello stesso periodo, ma comunque attualizzate da un indie onnipresente. Cosa Resta Di Me con lo slang chitarristico d’apertura è ancora atmosfera irreale come i due precedenti, segno inequivocabile di un viaggio che continua, quasi a confermare che questo poi non è un album a sé ma appare quasi come un concept. Di sicuro qui l’influenza nel cantato di un certo Manuel Agnelli sembra essere presente ma è solo una sensazione che si prova all’ascolto perché in Cosa Resta Di Me tutto è ben costruito compreso quel finale da comunicazione interstellare. Un nuovo spunto viene da Zero che aprendosi all’elettronica fa virare il disco come se davvero fosse un’astronave.

Con L’Apatia Sociale il ritmo si fa incessante a tal punto da farci piombare in un pop contaminato da strutture che ricordano vagamente i Timoria degli esordi mentre la bellezza sonora di Un Istante Su Marte è quanto di meglio questo disco possa trasmettere: infatti, la dolcezza del suono e la possenza di una voce che trasmette sensazioni lontane, ci fa comprendere che il viaggio della navicella Quadrosonar è ormai entrata nell’atmosfera marziana. Già proprio come quel lem che alle 05.59 a.m. si stacca dal razzo per intraprendere la discesa su pianeta rosso. Qui i bei riff chitarristici ci danno proprio quella giusta sensazione di attesa prima di toccare il suolo marziano. Probabilmente il pezzo che ci colpisce di più perché l’indie che emana è quello a cui siamo sovente abituati. Stesso dicasi per il successivo Lacune che è quasi un preludio al successivo Nella Mia Città una sorta di inno alla casa che abbiamo voluto abbandonare per intraprendere questo viaggio interstellare. Lunasia, ultimo brano in progressione, è il giusto modo di finire questo viaggio che ci ha portato nei meandri delle nostre coscienze, ma anche delle nostre menti sempre più soggette agli umori di un mondo in disfacimento totale.

Ed allora perché non approfittare di questa nave spaziale che i Quadrosonar ci hanno messo a disposizione? Perché non approfittare di questi attimi in musica che oltre a farci viaggiare ci hanno fatto sognare. Non ci siamo mai spinti oltre la proposizione di bei dischi ma qui vogliamo spingerci un po’ in là: non perdetevi l’ascolto di Fuga Sul Pianeta Rosso, potreste pentirvene.

Unità Di Produzione – Abisso

Per noi figli degli anni 70 che abbiamo avuto la fortuna di salire sul treno del grunge mentre afferravamo per la coda la scia sonora delle migliori band new wave della scena fiorentina degli 80, (leggasi primi Litfiba, Diaframma e CCCP/CSI), il progetto musicale dei bergamaschi Unità Di Produzione, forti del loro recente album Abisso, suona come un ponte artistico saldamente ancorato a quel florido e lontano fermento rock che – Deo gratias – periodicamente riesce ad autorigenerarsi ed a rivivere nuove stagioni di ribalta commerciale. A partire dal loro nome, ispirato guarda caso ad un celebre brano del repertorio dei CSI di Lindo Ferretti, nella sostanza i riferimenti miliari di questo combo si traducono in altrettanti suoni psichedelici ispirati al rock underground degli anni 90, su cui poggiano elementi post-punk portati dalla sezione ritmica nonché la solidità dei testi claustrofobici ed introspettivi di Elvis Ghisleni. Sebbene ad un primo approccio questo lavoro possa sembrare algido, scarno e spettrale, un ascolto più approfondito, supportato da una rapida escussione dei credits, rivela invece tutto l’ottimo lavoro di arricchimento fatto sui suoni dalla band e di cui l’album sembra goderne ampiamente. Di fatti, nonostante non sia ancora evidente una personalità artistica forte e carismatica che li liberi dai fantasmi degli artisti che maggiormente li ispirano, il plauso al risultato va dato, oltre alla band, anche a tutti i musicisti chiamati a vario titolo a collaborare su questo progetto e che hanno senza dubbio avuto il merito di averlo contaminato e sfaccettato con sfumature eterogenee di buon livello.

Tra tutte quelle evocate nei brani proposti, l’anima artistica più forte e prevalente che permea il mood di Abisso, con particolare riferimento ai testi ed all’interpretazione vocale, è senza dubbio quella dei Marlene Kuntz, i quali, volenti o nolenti, possono essere considerati i padri costituenti della scena indie ed alternative italiana, e non solo per il riscontro che hanno ottenuto in questi anni a livello commerciale. Da questa affermata band, i Nostri hanno infatti saputo cogliere, a volte fin troppo marcatamente, l’attenzione che viene riservata al potere evocativo all’interno dei testi per ogni singolo vocabolo inserito, meglio se ricercato e forbito, alla metrica complessiva, nonché all’asservimento di tutto ciò a riferimenti colti ed ad esperienze metafisiche. Le tracce proposte accompagnano quindi per mano l’ascoltatore in un percorso che non è solo quello propriamente ludico, ma anche intimistico, quasi filosofico, un trasbordo in cui l’anima rock si accomoda come un virus in tutta la sua elettrica prorompenza, per portare pathos, psicastenia e tensione in questo enorme muro di nefasto buio tenue che è Abisso.

Sendorma – Notturno 1

Il quartetto torinese dei Sendorma debutta con questo album Notturno 1 su OverDub Recodings. Prodotto e registrato da Luca Vicini (Subsonica) al Punto V e masterizzato da Giovanni Versari a La Maestà Mastering Studio (Muse, Il Teatro Degli Orrori), propone un rock alternativo con evidenti matrici post–rock e shoegaze. Riff circolari che si ripetono ipnotici ed insistono su ottime trame ritmiche. Il titolo dell’album sembra fare riferimento ai famosi Notturni di Chopin, ma in realtà si riferisce al loro essere tipi notturni, parla dell’alternanza giorno/notte, veglia/sonno, buio/luce e più in generale alle dicotomie contenute nella loro musica, dove elettrico si alterna all’acustico, il suono freddo hi-tech si contrappone al caldo suono low fi e così via. L’uso della lingua italiana è impreziosito dalla collaborazione con lo scrittore e poeta Luca Ragagnin fomoso per aver collaborato con Subsonica e Bluvertigo. Non mancano brani degni di nota come il brano di apertura Alba Lenta con accenni post–rock, Brucia (Senfina Lumo) e Diamanti E Asfalto (di quest’ultima gira anche un video su youtube) con un suono più elettronico fino alla piu rockeggianti Interregno ed al bellissimo finale di Notturno che chiude il gioco delle dualità: si parte con l’“alba” e si chiude con la “notte”.

Un buon debutto che unisce influenze e stili eterogenei, generi che l’ottima produzione è riuscita a rendere omogenei nel prodotto finale. Certo è che una maggior chiarezza sulla strada da intraprendere gioverebbe sicuramente all’intero progetto.