Sick Tamburo – Un Giorno Nuovo

Ci sono dischi che non hanno bisogno di essere riascoltati. Ti colpiscono dritti al cervello e restano lì, hanno cambiato tutto. Dopo aver ascoltato per la prima volta Sick Tamburo (nel lontano 2009), non volevi riascoltarlo per capirlo o per assimilarlo. Volevi solo tuffarti di nuovo in quel vortice psichedelico e “topoallucinato”, dipingere la tua camera di verde fluo e riempirla di specchi. Otto anni (e due album) dopo esce Un Giorno Nuovo, quarto album della band pordenonese. I tratti distintivi sono attenuati ma rispettati, dalle ritmiche essenziali e chirurgiche ai numerosi arpeggi, dalle frasi e dalle strofe ripetute come mantra, all’ottimo uso dell’elettronica (sempre presente ma mai invasiva). La vera novità è nei testi e nei contenuti. Come nel precedente lavoro Senza Vergogna le parti vocali sono al 90% affidate al leader G.M. Accusani (ex-Prozac+), mentre viene abbandonato quasi totalmente il cantato femminile (infatti l’altra Prozac+ Elisabetta “Boom Girl” parteciperà meno attivamente al progetto, come dichiarato dal gruppo). Pur mantenendo la consueta malinconia di fondo, risulta chiara fin dalla prima traccia (la title track Un Giorno Nuovo) l’apertura a sensazioni positive e ottimistiche, quasi del tutto assenti nei precedenti lavori.

Cosi proprio Un Giorno Nuovo e Oltre la Collina si aprono con suoni quasi acustici, ricordando a tratti i compagni di etichetta Tre Allegri Ragazzi Morti dei tempi d’oro, mentre risultano ben più fedeli al sound tipico dei Sick Tamburo i brani cardine del disco, Sei il Mio Demone, Con Prepotenza e Dedicato A Me (unico cantato da Elisabetta). Molto ben riuscita la collaborazione con il cantautore Motta su Meno Male Che Ci Sei Tu, brano che fonde benissimo la carica positiva del nuovo album con i synth e le strofe psichedeliche ripetute classiche dei Sick Tamburo. Ad Altro Siamo Pronti è un brano di carattere punk dove riemerge lo spettro dei Prozac+, mentre La Fine Della Chemio riprende il tema della lotta contro il cancro, ricorrente più volte nel disco (“Sconfiggeranno quei mali, quelli più brutti, quelli più neri”). L’unica nota stonata da menzionare è il brano Perdo Conoscenza. A chiunque abbia ascoltato almeno una volta l’ultimo disco Senza Vergogna questo brano non può che sembrare una cover della traccia di apertura Qualche Volta Anch’io Sorrido. Perché inserire un brano praticamente identico nelle ritmiche, cadenza e arrangiamenti di uno già pubblicato?!

Con questo album la band dimostra di essere ulteriormente cresciuta, di aver intrapreso un percorso evolutivo che l’ha trasformata dall’essere “gli ex Prozac+” all’essere una realtà ben precisa e consolidata nel panorama alternative rock italiano. Abbandonata in parte l’incisività del sound iniziale, che in effetti alla lunga avrebbe potuto stufare e risultare ripetitiva, oltre che a limitare il numero di estimatori, i Sick Tamburo sono riusciti album dopo album ad evolversi ma parallelamente a mantenere intatti i tratti distintivi degli esordi senza snaturarsi.

Casablanca – Pace, Violenza O Costume

Facciamo un salto indietro di una ventina d’anni e ripeschiamo quell’alternative rock con testi in italiano, quello che in quell’epoca sembrava rivoluzionare il “nuovo” rock ed essere al tempo stesso l’unico capace a tenere testa al grunge statunitense. Sì ok Afterhours ma non solo. Questo sembra trovare nei Casablanca e nel loro secondo album Pace, Violenza O Costume ma non è solo revival dell’epoca che fu perché i Casablanca adottano delle soluzioni sonore più moderne e suoni più limpidi. Evidenti ad esempio sono le vicinanze con lo stoner ma non nel senso stretto del significato che diamo a questo genere, piuttosto nel fatto che in alcuni pattern di chitarra la band trangugia quei suoni, quegli effetti (Un Taglio In Bocca). Nei Casablanca, pur trattandosi di una band che non cede un passo alla vena elettrica, si cela un approccio compositivo vicino al pop rock: nella recitazione delle liriche, nei ritornelli, nelle melodie, ascoltate per esempio Una Ragione Di Più. E poi come è detto echi di Afterhours che si sento in alcuni momenti, come in Niente Rose o anche in altri brani nell’impostazione vocale di Max Zanotti.

Sprecato a nostro parere il feauturing con Ketty Passa che veste il ruolo di seconda voce nel ritornello, collaborazione che poteva essere giocata molto meglio magari alternando voce maschile e femminile. Noi apprezziamo indubbiamente i momenti più decisi, in cui l’attenzione verso una certa orecchiabilità viene lasciata a casa a favore di una insaziabile sete di rock, come in Un Punto Di Sutura, brano cattivo e che sposa a pieno lo spirito rock. Indubbiamente alcuni tracce possono trovare una giusta collocazione nelle radio e negli ascolti ripetuti dei fan, noi speriamo che i ragazzi trovino una carica energica superiore nelle prossime composizioni. D’altra parte “c’è sempre tempo per sfornare una canzone nuova“.

Using Bridge – Floatin’ Pieces

Floatin’ Pieces è un album figlio degli anni 90 contenente sonorità di chiara derivazione hard rock e stoner, caratteristiche che potrebbero far accostare gli Using Bridge al genere grunge…ma c’è molto di più, in quanto i quattro musicisti riminesi non disdegnano neanche la psichedelia e strizzate d’occhio all’acid rock anni 70. Alcuni brani sono oscuri e ipnotici ma in ogni caso sempre sorretti da una voce grintosa e sofferta che fa ricordare a momenti il compianto Chris Cornell (RIP) mentre in altri fa venire in mente il frontman dei Pearl Jam Eddie Vedder. Amigdala parte con riff acido e un incedere grave della sezione ritmica enfatizzata dalle note acute e ripetute di un pianoforte(più avanti troveremo anche interventi di violino), si avverte subito il lavoro fatto dalla band sul groove e sulla produzione, caratteristica che si riscontra anche nella successiva Velvet Sky più solare e easy della precedente traccia. Di tutt’altra pasta è fatta Leave Your Skin con un drumming potente e chitarre graffianti che rispolverano soluzioni alternative che ogni tanto cadono nel “già sentito”, mentre Anymore è una ballata rock suggestiva e malinconica vicina come stile a Bleeding Me dei Metallica, un po’ come la conclusiva God Knows forse l’episodio più scontato del disco nonostante l’ottima performance della band.

In conclusione un disco che dimostra il senso di misura e di moderazione dei suoi autori, che non eccede nell’aggressività ma neanche nella melodia e alla fine fa contenti un po’ tutti…e scusate se è poco!

Mantram – The Blue Vault

Attivi fin dal 2001 e con alle spalle due EP (Time To Run e Gone) e un album (Silent Step Outside), i romani Mantram sono giunti al loro secondo full-leght: The Blue Vault. Si tratta di un disco composto da undici tracce di matrice alternative, con sfumature crossover e un sound tagliente. L’album si apre con All I Want, brano veloce e d’impatto e, a parte un riff non proprio originale, risulta essere piacevole e scorrevole. Le successive Free End e Solitude 2.0 partono entrambe in sordina per poi incalzare nel tempo, a differenza di All The Time che è una vera e propria ballad acustica. Sorprende la strumentale What I’ve Got, dove ci si aspetta per tutto il brano l’entrata della voce che però non arriva mai, traccia sorretta da un buon riff. Particolare menzione va a The Same, forse il miglior pezzo del disco, il ritornello è coinvolgente, orecchiabile e resta impresso, oltre ad un ottimo arrangiamento. L’album si chiude con la title track The Blue Vault, particolare e malinconica.

I Mantram sono una buona band, compatta e con una affidabile sezione ritmica, The Blue Vault scorre piacevolmente, pecca forse solo di idee con soluzioni già sentite e, a parte qualche buon episodio, con canzoni non incisive e una orecchiabilità poco accattivante. E’ comunque un accettabile album rock, grintoso e passionale, che può fare da trampolino per il prossimo disco.

Breaking The Fence – Niente Rimane

Un assaggio la prima opera dei Breaking The Fence, sei tracce che raggiungono appena i venti minuti di ascolto in una ricetta che fondamentalmente pesca a piene mani dall’indie italico ma che dopa, superando le soglie legali, i muscoli dei cinque fino ad iniettare dosi elettriche che rendono il tutto fortemente rock. Indifferente è l’emblema di questa nostra visione della musica dei BTF: mentre il brano canta “il mio sole non sei tu” quintali di watt escono dritti dall’ampli, in una cornice comunque pesantemente rock seppur seguendo un modo di scrittura che ricorda molto il rock/grunge anni 90 e aggiunge davvero poco. Altro brano che presenta questa tendenza del quintetto è l’opener, con un ritornello che dal punto di vista vocale strizza l’occhio ai Linea 77 mentre musicalmente resta ancorato al rock rivoluzionario di fine secolo scorso. Tendenzialmente i brani partono pacati e suggeriscono una ricercatezza che poi esplode letteralmente in mine rock che prendono le distanze anche dalla vena alternative a cui la band sembra ispirarsi.

In generale comunque non vi sono momenti che caratterizzano il sound della band a tal punto da ritenerli innovativi, piuttosto si apprezza il lavoro alla produzione e l’energia che i ragazzi mettono nella loro musica. Quindi un rock diretto e privo di sfaccettature degne di nota. Un buon inizio per lavorare su qualcosa di più personale.

Scogli Di Zinco – Scogli Di Zinco

Forse gli Scogli Di Zinco hanno letto le nostre rimostranze quando abbiamo citato la brevità dei loro EP quale elemento insufficiente per raccontare davvero le loro idee, per dare una raffigurazione concreta del loro sound di certo non intuitivo. E così il quartetto ha deciso di unire i loro due precedenti EP, Affiorano Veloci E Lenti Come I Ricordi recensito da noi a questa pagina e Dai Meriggi Ai Fondali di cui avevamo parlato a questa pagina, e inserirli in un’unica uscita discografica questa volta sotto l’egida della Sibilla Records. E’ davvero inusuale per band emergenti parlare di “raccolte”, così come da tempo addietro i grani artisti e le formazioni con un seguito corposo scelgono di adottare soprattutto nei periodi festivi nei quali il mercato dà gli impulsi maggiori, però nel caso degli Scogli Di Zinco ci sentiamo di promuovere questa scelta, utile ad offrire un prodotto completo ai fan e presentarsi con tutti i crismi al pubblico, valorizzato anche da un booklet interno con testi e foto. Non solo, ma i ragazzi decidono di inserire anche due inediti in modo da valorizzare questa uscita che tra l’altro porta proprio il nome della band a sottolineare l’importanza della pubblicazione.

Lo stile è, come avevamo detto in passato, in bilico tra l’alternative rock e il post-rock: ritmi lenti e cadenzati fanno da contorno ad un’ambientazione oscura che, come nuvole cariche di pioggia, aleggia sul capo del nostro ascolto e diviene ancora più fitta grazie al supporto di fiati che non intervengono in maniera dirompente ma aggiungono sfumature importanti, arrangiamenti colti che rendono più particolare lo stile della band. Parlando degli inediti possiamo dire che Eremo è una strumentale dalle tinte orientali che si muove tra rumori e orchestrazioni, quasi assente è la batteria che lascia spazio ad una serie di intrecci di note che rimarcano il sapore post-rock del brano; l’ultima Nuovo Inizio è un gioco tra voce e chitarra a inseguirsi in melodie non intuitive fino all’ingresso della batteria che porta un po’ di sapore di rock. Una band introspettiva e multi sfaccettata.

Erezed – Ventre

Ventre è il full lenght del trio pisano Erezed, un concept dove il protagonista, attraverso un percorso di crescita emotiva raggiunge un diverso livello di consapevolezza personale dell’io e di ciò che lo circonda. Fatta questa premessa passiamo al disco. Musicalmente il trio toscano si muove tra una sorta di alternative rock melodico con influenze new wave che richiamano il sound di band come Interpol o Kings Of Leon. Cimentarsi con tali generi scrivendo, e quindi cantando, in italiano non è semplice, soprattutto se non si vuole rischiare di scimmiottare i soliti noti e, anche se Gianluca Giusti ci mette tanta buona volontà, come spesso accade questa non basta. Il risultato è un ibrido, una sorta di mostro a tre teste con le fattezze di Sangiorgi, Gulino e Ramazzotti che cantano insieme nello stesso brano e, essendo le canzoni basate principalmente sulle linee melodiche vocali, il disco nel complesso ne risente, non restando, almeno per il sottoscritto, piacevole all’ascolto. Inoltre, non si comprende nemmeno la scelta di allungare la fine delle parole con vocalizzi artificiali come in Mezze Verità, dove l’uso dell’autotune è decisamente eccessivo.

Anche sul fronte dei testi, benché si evinca che lo scrittore abbia un qualcosa dentro di intenso da esternare ed esorcizzare, il prodotto finale non ha l’impatto a cui ambisce, non scaturisce né una scrittura fluida né immagini penetranti. Prendiamo a esempio la traccia di apertura, Ventre, la quale recita “Affogheremo in un mare che trasforma il naso in branchie, per diventare pesci, mischiarci ai coralli”: con tutta la buona volontà e la concessione di licenza poetica faccio fatica a trovare un senso ed una immagine a questa metafora, perché anche i pesci hanno un naso e le branchie sono l’equivalente dei polmoni, ma anche volendo soprassedere a queste stranezze anatomiche le liriche trasudano di un ermetismo visionario un po’ forzato o manieristico.

Anche le musiche, andando avanti con le tracce, non mostrano nulla di memorabile o di fresco, certo, i brani sono ben suonati ed i tre sono sicuramente ottimi musicisti e nonostante io personalmente non abbia apprezzato il concept e non compreso alcune scelte sugli arrangiamenti, i ragazzi hanno comunque una buona base su cui lavorare e sicuramente potranno trovare anche un pubblico interessato; d’altronde siamo nel paese del “bel canto” e il rock melenso ha sempre avuto un grosso riscontro a livello di pubblico e, diciamoci la verità, i Negramaro hanno pure rotto il cazzo.

Dadamatto – Canneto

Dieci anni sono trascorsi dal loro esordio discografico, Ti Tolgo La Vita, e loro sono approdati ad un alternative rock maturo e sofisticato. Canneto, il nuovo lavoro, poggia su ritmi non veloci, su effetti che incuriosiscono all’ascolto; le marce che spesso i brani mettono in scena sono piacevoli, nulla che sia finalizzato a creare emozioni superficiali come l’allegria (ad eccezione delle melodie di Pilade, che a tratti strizzano l’occhio a Jumpin Jack Flash, ma non delle parole che sono tutt’altro che allegre), piuttosto puntano ad andare in profondità, nonostante i testi spesso suggeriscano altro. Gli strumenti ci piacciono sul serio nel loro esprimersi, nei suoni, in quella ricerca produttiva che li fa “suonare” davvero e li fa esprimere assolutamente moderni e parlanti, quasi “post”; sembra quasi di ascoltare (e in parte lo è) una giovane band indie di questi anni ma con l’ingrediente essenziale che la maggior parte delle band indie non ha: la profondità. C’è una ricerca canora che al primo ascolto non esce fuori: testi semplici ma a volte difficili da comprendere vengono espressi con linee vocali studiate e sentite, che avranno assorbito molta attenzione e giocano un ruolo cruciale nel sound della band.

Eppure non c’è un brano che svetti sugli altri. Canneto è una sorta di concept-non-concept che si muove su coordinate originali, per certi versi poetiche, che tenta l’affondo sugli stati d’animo, mai sui riff, che va ascoltato e riascoltato innanzitutto per capirlo e apprezzarne le sfumature. Quanto di più vicino alla scena indie (non pop) italiana e quanto più distante dal senso di “commerciale” di cui la scena indie stessa poggia in diversi casi la propria sopravvivenza.

Telegraph Tehran – Spettri Da Scacciare

Troppo poco assuefatti da ambientazioni e dispersioni sonore per far parte di quella scena shoegaze di cui invece loco ufficializzano l’appartenenza. Al contrario c’è elettricità, ritmi in 4/4, riff in questo album d’esordio dei Telegraph Tehran, trio che di certo abbraccia la visione di rock novantiano (qualcuno potrebbe dire grunge ma è più ricercato e meno soluzionista di quello di Seattle) e lo caratterizza tramite piccole sfumature alternative (si legga anche alla voce: effetti) che fanno in modo di differenziare le singole tracce tra loro. Si gioca con la sei corde, arpeggi continui e insani creano un’identità che anche se difficilmente è in grado di far colpo ad un incontro di speed date, può piacere a chi cerca un rock fatto di vari strati: Panic V e Solea sono degli esempi in questo, delle melodie leggermente distorte che si ripetono fino ad impazzire, soluzioni che denotano (erroneamente secondo noi) mancanza di idee per chi è abituato ad ingerire quintali di riff su riff oppure ricercatezza per chi si aspetta sempre soluzioni nuove. La verità è, come spesso accade, nel mezzo: le soluzioni del trio non ci fanno saltare dalla sedia ma in realtà ripropongono gli schemi del rock di un ventennio fa, rimaneggiati per suonare più attuali, finto-sperimentali, come se volessero darsi un tono rispetto a chi suona semplicemente classic rock senza però aver abbracciato una forma artistica davvero degna di nota. Ma in fondo si tratta pur sempre di un album di debutto che comunque non è da bocciare.

Diatomea – Diatomea

Diatomea, tanta dinamite dalla riviera di ponente, tredici tracce per undici canzoni. Diciamolo subito, i ragazzi non hanno nessuna intenzione di scendere a compromessi, il loro è un alternative rock duro con venature crossover, i testi, scritti abbastanza bene per il genere, descrivono la disillusione di chi vive la realtà quotidiana della – una volta ricca – provincia italiana post industriale. Nei versi cantati da Christian Zerrilli, viene fuori tutta la decadenza dei nostri tempi, i temi toccati ruotano nel sociale ed è ispirata dalla pochezza dei nostri politici e governanti, incapaci di dare risposte adeguate a chi vorrebbe ancora provare a sognare un mondo ed una società diversa. Musicalmente l’album è un monolito costruito su riffoni di chitarra le cui influenze pescano dall’hard rock al thrash metal a cui si alternano momenti in cui le chitarre, insieme a basso e batteria, costruisco tappeti ipnotici e lisergici. Si parte molto forte con la bella Tutto Ok dove Christian urla, in stile scream, “è tutto ok? non cambiano i tempi”, si passa poi alla seconda traccia Quanti Soldi Hai e sostanzialmente si rimane sullo stesso tema, molto belle le “grattate” in palm muting che caratterizzano il pezzo, nel quale si sente tutta la potenza esplosiva delle 6L6.

La terza traccia, Cobain, è la migliore del disco a mio modesto parere e, anche se chi nomina invano il nome dell’ultimo dio del rock mi sta sul cazzo, almeno i cinque liguri hanno alcune carte in regola per poterselo permettere, non come certi fenomeni indie nostrani che prima di titolare un pezzo con il nome di Kurt dovrebbero fare il cammino di Santiago in ginocchio…ma passiamo avanti e a parlare del brano soprattutto perché non è per niente male: si parte con bel pattern di batteria che introduce un ottimo arpeggio di chitarra ipnotico e asciutto su cui si sviluppa il cantato/recitato, fino ad arrivare ad atmosfere più metal con un riff di chitarra e una parte vocale che parafrasano il ritornello di Heart Shaped Box, “Hey! Wait! I’ve Got a New Complaint/ Hey! Hey! Wanna be Cobain”. Si passa poi a Evasione dove il testo è molto critico verso l’establishment “avete mangiato tutto! avete mangiato bene”; piccolo intermezzo con Attesa e poi si torna a pestare con Periferia qui il recitato/cantato si colora di sfumature hip hop per passare ad esplosioni vocali vicine al growl. le tracce scorrono, monoliticamente, appunto, essenzialmente sullo stesso registro musicale e questo potrebbe annoiare l’ascoltatore distratto. Questa potrebbe forse essere una delle pecche del disco, oltre a quella di non avere un singolo da hit, ma alla fine a noi rocker duri e puri di questo importa poco.

Si scorre fino a Repent, introdotta da un suono di basso profondo e saturo di chorus, qui le atmosfere inizialmente si dilatano per poi creare un gioco di saliscendi alternando potenza esplosiva a calma apparente. Supertonico chiude la serie delle canzoni rimanendo comunque ancorato alla linea generale del disco, mentre in chiusura, con Diatomea, i ragazzi paiono rilassarsi ed accendersi una sigaretta beatamente seduti e sorridenti mentre ripensano alla maratona adrenalinca a cui hanno sottoposto l’ascoltatore. In definitiva l’esordio sulla lunga distanza dei cinque savonesi ci fa ben sperare: band come questa sono una fortuna in questo momento per l’alternative rock italiano – genere che vide il suo periodo più florido tra la metà degli anni novanta e la metà degli anni zero – comunque al netto di qualche piccola pecca, nella scrittura e nel cantato che a volte pare muoversi su troppi stili (magari questi ultimi andrebbero collegati meglio) ma tutto sommato riteniamo che la band abbia realizzato un buon lavoro.