Scogli Di Zinco – Scogli Di Zinco

Forse gli Scogli Di Zinco hanno letto le nostre rimostranze quando abbiamo citato la brevità dei loro EP quale elemento insufficiente per raccontare davvero le loro idee, per dare una raffigurazione concreta del loro sound di certo non intuitivo. E così il quartetto ha deciso di unire i loro due precedenti EP, Affiorano Veloci E Lenti Come I Ricordi recensito da noi a questa pagina e Dai Meriggi Ai Fondali di cui avevamo parlato a questa pagina, e inserirli in un’unica uscita discografica questa volta sotto l’egida della Sibilla Records. E’ davvero inusuale per band emergenti parlare di “raccolte”, così come da tempo addietro i grani artisti e le formazioni con un seguito corposo scelgono di adottare soprattutto nei periodi festivi nei quali il mercato dà gli impulsi maggiori, però nel caso degli Scogli Di Zinco ci sentiamo di promuovere questa scelta, utile ad offrire un prodotto completo ai fan e presentarsi con tutti i crismi al pubblico, valorizzato anche da un booklet interno con testi e foto. Non solo, ma i ragazzi decidono di inserire anche due inediti in modo da valorizzare questa uscita che tra l’altro porta proprio il nome della band a sottolineare l’importanza della pubblicazione.

Lo stile è, come avevamo detto in passato, in bilico tra l’alternative rock e il post-rock: ritmi lenti e cadenzati fanno da contorno ad un’ambientazione oscura che, come nuvole cariche di pioggia, aleggia sul capo del nostro ascolto e diviene ancora più fitta grazie al supporto di fiati che non intervengono in maniera dirompente ma aggiungono sfumature importanti, arrangiamenti colti che rendono più particolare lo stile della band. Parlando degli inediti possiamo dire che Eremo è una strumentale dalle tinte orientali che si muove tra rumori e orchestrazioni, quasi assente è la batteria che lascia spazio ad una serie di intrecci di note che rimarcano il sapore post-rock del brano; l’ultima Nuovo Inizio è un gioco tra voce e chitarra a inseguirsi in melodie non intuitive fino all’ingresso della batteria che porta un po’ di sapore di rock. Una band introspettiva e multi sfaccettata.

Erezed – Ventre

Ventre è il full lenght del trio pisano Erezed, un concept dove il protagonista, attraverso un percorso di crescita emotiva raggiunge un diverso livello di consapevolezza personale dell’io e di ciò che lo circonda. Fatta questa premessa passiamo al disco. Musicalmente il trio toscano si muove tra una sorta di alternative rock melodico con influenze new wave che richiamano il sound di band come Interpol o Kings Of Leon. Cimentarsi con tali generi scrivendo, e quindi cantando, in italiano non è semplice, soprattutto se non si vuole rischiare di scimmiottare i soliti noti e, anche se Gianluca Giusti ci mette tanta buona volontà, come spesso accade questa non basta. Il risultato è un ibrido, una sorta di mostro a tre teste con le fattezze di Sangiorgi, Gulino e Ramazzotti che cantano insieme nello stesso brano e, essendo le canzoni basate principalmente sulle linee melodiche vocali, il disco nel complesso ne risente, non restando, almeno per il sottoscritto, piacevole all’ascolto. Inoltre, non si comprende nemmeno la scelta di allungare la fine delle parole con vocalizzi artificiali come in Mezze Verità, dove l’uso dell’autotune è decisamente eccessivo.

Anche sul fronte dei testi, benché si evinca che lo scrittore abbia un qualcosa dentro di intenso da esternare ed esorcizzare, il prodotto finale non ha l’impatto a cui ambisce, non scaturisce né una scrittura fluida né immagini penetranti. Prendiamo a esempio la traccia di apertura, Ventre, la quale recita “Affogheremo in un mare che trasforma il naso in branchie, per diventare pesci, mischiarci ai coralli”: con tutta la buona volontà e la concessione di licenza poetica faccio fatica a trovare un senso ed una immagine a questa metafora, perché anche i pesci hanno un naso e le branchie sono l’equivalente dei polmoni, ma anche volendo soprassedere a queste stranezze anatomiche le liriche trasudano di un ermetismo visionario un po’ forzato o manieristico.

Anche le musiche, andando avanti con le tracce, non mostrano nulla di memorabile o di fresco, certo, i brani sono ben suonati ed i tre sono sicuramente ottimi musicisti e nonostante io personalmente non abbia apprezzato il concept e non compreso alcune scelte sugli arrangiamenti, i ragazzi hanno comunque una buona base su cui lavorare e sicuramente potranno trovare anche un pubblico interessato; d’altronde siamo nel paese del “bel canto” e il rock melenso ha sempre avuto un grosso riscontro a livello di pubblico e, diciamoci la verità, i Negramaro hanno pure rotto il cazzo.

Dadamatto – Canneto

Dieci anni sono trascorsi dal loro esordio discografico, Ti Tolgo La Vita, e loro sono approdati ad un alternative rock maturo e sofisticato. Canneto, il nuovo lavoro, poggia su ritmi non veloci, su effetti che incuriosiscono all’ascolto; le marce che spesso i brani mettono in scena sono piacevoli, nulla che sia finalizzato a creare emozioni superficiali come l’allegria (ad eccezione delle melodie di Pilade, che a tratti strizzano l’occhio a Jumpin Jack Flash, ma non delle parole che sono tutt’altro che allegre), piuttosto puntano ad andare in profondità, nonostante i testi spesso suggeriscano altro. Gli strumenti ci piacciono sul serio nel loro esprimersi, nei suoni, in quella ricerca produttiva che li fa “suonare” davvero e li fa esprimere assolutamente moderni e parlanti, quasi “post”; sembra quasi di ascoltare (e in parte lo è) una giovane band indie di questi anni ma con l’ingrediente essenziale che la maggior parte delle band indie non ha: la profondità. C’è una ricerca canora che al primo ascolto non esce fuori: testi semplici ma a volte difficili da comprendere vengono espressi con linee vocali studiate e sentite, che avranno assorbito molta attenzione e giocano un ruolo cruciale nel sound della band.

Eppure non c’è un brano che svetti sugli altri. Canneto è una sorta di concept-non-concept che si muove su coordinate originali, per certi versi poetiche, che tenta l’affondo sugli stati d’animo, mai sui riff, che va ascoltato e riascoltato innanzitutto per capirlo e apprezzarne le sfumature. Quanto di più vicino alla scena indie (non pop) italiana e quanto più distante dal senso di “commerciale” di cui la scena indie stessa poggia in diversi casi la propria sopravvivenza.

Telegraph Tehran – Spettri Da Scacciare

Troppo poco assuefatti da ambientazioni e dispersioni sonore per far parte di quella scena shoegaze di cui invece loco ufficializzano l’appartenenza. Al contrario c’è elettricità, ritmi in 4/4, riff in questo album d’esordio dei Telegraph Tehran, trio che di certo abbraccia la visione di rock novantiano (qualcuno potrebbe dire grunge ma è più ricercato e meno soluzionista di quello di Seattle) e lo caratterizza tramite piccole sfumature alternative (si legga anche alla voce: effetti) che fanno in modo di differenziare le singole tracce tra loro. Si gioca con la sei corde, arpeggi continui e insani creano un’identità che anche se difficilmente è in grado di far colpo ad un incontro di speed date, può piacere a chi cerca un rock fatto di vari strati: Panic V e Solea sono degli esempi in questo, delle melodie leggermente distorte che si ripetono fino ad impazzire, soluzioni che denotano (erroneamente secondo noi) mancanza di idee per chi è abituato ad ingerire quintali di riff su riff oppure ricercatezza per chi si aspetta sempre soluzioni nuove. La verità è, come spesso accade, nel mezzo: le soluzioni del trio non ci fanno saltare dalla sedia ma in realtà ripropongono gli schemi del rock di un ventennio fa, rimaneggiati per suonare più attuali, finto-sperimentali, come se volessero darsi un tono rispetto a chi suona semplicemente classic rock senza però aver abbracciato una forma artistica davvero degna di nota. Ma in fondo si tratta pur sempre di un album di debutto che comunque non è da bocciare.

Diatomea – Diatomea

Diatomea, tanta dinamite dalla riviera di ponente, tredici tracce per undici canzoni. Diciamolo subito, i ragazzi non hanno nessuna intenzione di scendere a compromessi, il loro è un alternative rock duro con venature crossover, i testi, scritti abbastanza bene per il genere, descrivono la disillusione di chi vive la realtà quotidiana della – una volta ricca – provincia italiana post industriale. Nei versi cantati da Christian Zerrilli, viene fuori tutta la decadenza dei nostri tempi, i temi toccati ruotano nel sociale ed è ispirata dalla pochezza dei nostri politici e governanti, incapaci di dare risposte adeguate a chi vorrebbe ancora provare a sognare un mondo ed una società diversa. Musicalmente l’album è un monolito costruito su riffoni di chitarra le cui influenze pescano dall’hard rock al thrash metal a cui si alternano momenti in cui le chitarre, insieme a basso e batteria, costruisco tappeti ipnotici e lisergici. Si parte molto forte con la bella Tutto Ok dove Christian urla, in stile scream, “è tutto ok? non cambiano i tempi”, si passa poi alla seconda traccia Quanti Soldi Hai e sostanzialmente si rimane sullo stesso tema, molto belle le “grattate” in palm muting che caratterizzano il pezzo, nel quale si sente tutta la potenza esplosiva delle 6L6.

La terza traccia, Cobain, è la migliore del disco a mio modesto parere e, anche se chi nomina invano il nome dell’ultimo dio del rock mi sta sul cazzo, almeno i cinque liguri hanno alcune carte in regola per poterselo permettere, non come certi fenomeni indie nostrani che prima di titolare un pezzo con il nome di Kurt dovrebbero fare il cammino di Santiago in ginocchio…ma passiamo avanti e a parlare del brano soprattutto perché non è per niente male: si parte con bel pattern di batteria che introduce un ottimo arpeggio di chitarra ipnotico e asciutto su cui si sviluppa il cantato/recitato, fino ad arrivare ad atmosfere più metal con un riff di chitarra e una parte vocale che parafrasano il ritornello di Heart Shaped Box, “Hey! Wait! I’ve Got a New Complaint/ Hey! Hey! Wanna be Cobain”. Si passa poi a Evasione dove il testo è molto critico verso l’establishment “avete mangiato tutto! avete mangiato bene”; piccolo intermezzo con Attesa e poi si torna a pestare con Periferia qui il recitato/cantato si colora di sfumature hip hop per passare ad esplosioni vocali vicine al growl. le tracce scorrono, monoliticamente, appunto, essenzialmente sullo stesso registro musicale e questo potrebbe annoiare l’ascoltatore distratto. Questa potrebbe forse essere una delle pecche del disco, oltre a quella di non avere un singolo da hit, ma alla fine a noi rocker duri e puri di questo importa poco.

Si scorre fino a Repent, introdotta da un suono di basso profondo e saturo di chorus, qui le atmosfere inizialmente si dilatano per poi creare un gioco di saliscendi alternando potenza esplosiva a calma apparente. Supertonico chiude la serie delle canzoni rimanendo comunque ancorato alla linea generale del disco, mentre in chiusura, con Diatomea, i ragazzi paiono rilassarsi ed accendersi una sigaretta beatamente seduti e sorridenti mentre ripensano alla maratona adrenalinca a cui hanno sottoposto l’ascoltatore. In definitiva l’esordio sulla lunga distanza dei cinque savonesi ci fa ben sperare: band come questa sono una fortuna in questo momento per l’alternative rock italiano – genere che vide il suo periodo più florido tra la metà degli anni novanta e la metà degli anni zero – comunque al netto di qualche piccola pecca, nella scrittura e nel cantato che a volte pare muoversi su troppi stili (magari questi ultimi andrebbero collegati meglio) ma tutto sommato riteniamo che la band abbia realizzato un buon lavoro.

Egon – 100000 Km Di Vene

Gli Egon tornano dopo quel Il Cielo Rosso È Nostro di cui avevamo parlato a questa pagina. 100000 Km Di Vene è il titolo del nuovo lavoro, un album che non fa passare troppo tempo dal suo predecessore e che mantiene intatto lo stile della band. Siamo nell’alternative rock italiano, di quello elettrico e potente, brani come Notti Senza Luna arrivano dritte, con le loro distorsioni che macinano (appunto) chilometri lasciando alla chitarra solista il compito di disegnare un percorso più visibile, delle melodie color pastello. Il basso di Superficie ci spinge dietro alla scena post-punk, un brano questo che ci colpisce per la cupezza di fondo e l’incedere che farà innamorare tutti i fan di Giovanni Lindo Ferretti e delle sue origini. Anche in questo lavoro liriche in inglese si scontrano, per così dire, con testi in italiano (sempre con una prevalenza dei secondi), a volte quasi recitati, entrambi profili che non tradiscono le origini alternative del sound degli Egon ma che ne offrono comunque una pelle differente.

Davvero positivo il lavoro alle due chitarre che non si esprimono solo tramite riff graffianti (ritornelli) ma anche attraverso arpeggi ricercati e si intrecciano per valorizzare l’attenzione compositiva che c’è dietro queste nove tracce. Intimità nelle ultime due tracce dell’album, brani che sottolineano lo spessore dei musicisti che sono dietro questo progetto. 100000 Km Di Vene suona più deciso, più rock, più maturo. In vari momenti troviamo quella consistenza che aspiravamo da un seguito di Il Cielo Rosso È Nostro e ci piace premiarli questi ragazzi affinché il progetto acquisisca sempre più spessore.

Florence Elysée – Home

Le sonorità elettriche asservite al risultato di un’emozione profonda e viscerale sprigionata dal volume di una canzone rock sono state spesso lo strumento fondamentale di una filosofia o, per meglio dire, di un’idea artistica, che tantissime band hanno provato a sperimentare nella moderna era musicale. Dalle traiettorie d’oltremanica disegnate da band come Radiohead o Manic Street Preachers (ascoltate A Design For Life), passando per le discografie di band di culto di casa nostra come i Marlene Kuntz, la strategia a base della scelta di questo specifico mood, è quasi sempre la stessa: fondere il suono distorto al potere evocativo della parola e del canto, al mero fine di trascinare ed emozionare l’ascoltatore. I pesaresi Florence Elysée con la loro autoproduzione Home, sembrano volerci dire proprio questo: emozionatevi grazie alla musica rock! La raffinata produzione che segna il loro esordio discografico, custodita in un package dall’artwork decisamente elegante e minimalista, porta all’orecchio sin dal primissimo ascolto una qualità artistica che identifica appieno il peso specifico dei tre musicisti che questo progetto lo hanno pensato, composto e suonato, nonché il risultato dell’ottima post produzione che gli è stata dedicata.

Sofisticate e ricercate, queste dodici tracce sembrano essere tutte proiettate verso la ricerca introspettiva della bellezza, fotografando, una dopo l’altra, episodi emozionali a volte malinconici ed a volte più leggeri, incanalandosi stilisticamente in un sound più alternative ed indie che rock in senso stretto. Le distorsioni e gli accordi pieni qui vengono utilizzati, così come i cori in doppia voce (maschile + femminile), per conferire alle atmosfere sonore quel marcato aspetto evocativo di cui vi parlavamo, capace di coinvolgere l’ascoltatore e di trasportarlo in un viaggio emotivo lungo quanto tutta la durata dell’intero disco. Ovviamente, la particolare ricercatezza di certe atmosfere che strizzano l’occhio ai riferimenti pop di band come i Coldplay, non lo rendono un lavoro adatto a chi cerca sensazioni più forti e momenti elettrificati maggiormente marcati. Forse più di nicchia e meno per le masse, ma questo Home merita davvero quella elevata considerazione che normalmente si dà a lavori di matrice europea della medesima caratura, o addirittura, come accade con sempre maggiore frequenza, a risultati più scadenti qualitativamente parlando, sebbene destinati ad un pubblico discograficamente più volubile, ingolosito, quasi sempre, dalla promozione che a questi prodotti si dedica piuttosto che dal dozzinale risultato finale che si ritrovano tra le mani.

Lebowski – Cura Violenta

I Lebowski ritornano e fanno bene. Nel loro caso il “come” è l’inizio più importante per approfondire un loro ritorno. Da loro sarebbe davvero difficile aspettarsi un album nello stesso stile del suo precedessore anche se, lo ammettiamo, noi lo avevamo sperato. Ma i ragazzi, che si chiamino Lebowski o che siano accompagnati da Nico(la) (e qui lo sono), puntano ad evolversi, a non adagiarsi su di un trono che in quanto tale non viene compreso da tutti i sudditi ascoltatori di sonorità alternative e adeguatamente trasversali. E l’evoluzione si sa è come un’ombra che si vede da lontano quando si è in tremenda attesa di una persona: la facilità con cui si può intravedere chi si desidera dietro un’immagine così offuscata è davvero ingestibile. E così lo stupore di album come Disadottati (recensito da noi a questa pagina) o di Propaganda era stato tanto che le aspettative per il seguito erano alle stelle. Pezzi blandi, ritmiche deboli, allegria folle che lascia il posto ad una semplice stravaganza innocua, mescolata in un potpourri di elementi in cui non vi sono caratteri distintivi né odori che restano incollati alla pelle. Cura Violenta non ci convince.

Dopo lo smarrimento delle prime tracce bisogna attendere Paolo Ruba Cuori per avere un po’ di verve, ma nulla che si avvicini allo spessore del passato a nome Lebowski, la stessa Giorno Zero perde collante al primo ascolto e fa rimpiangere un passato che sappiamo non tornerà. La sperimentale Little B aggiunge disorientamento, Universi Paralleli perde l’occasione di incisività, Journal Noir chiude il sipario su di un quadro astratto fatto da un artista che ha sempre creato opere interessanti ma a cui gli è sfuggito qualcosa. La domanda non è se Cura Violenta sia o meno un passo falso nella loro discografica ma “come” riusciranno a recuperare.

Novalisi – Quando Mi Chiedono Dove Sei

Tornano i Novalisi, questa volta con un EP, seguito di Animali di cui avevamo parlato a questa pagina. Cinque tracce che rimarcano ancora una volta lo stile di una band, ormai quartetto collaudato, che pesca dalla scena alternative rock conferendo però un sapore più indie, che non vuol dire superficiale ma meno ruvido, soprattutto nelle linee vocali. Ammettiamo che nei primi secondi di ascolto ci era balzato alla mente il fantasma dei Verdena, ma ascoltando per bene questo EP siamo lontani dal sound grunge, bensì il tutto si gioca sui tratteggi di chitarre che si intrecciano scambiandosi con gli arrangiamenti e sulle voci (spesso doppie); da segnalare Gara che presenta il classico nichilismo che abbiamo assaggiato in altre formazioni (Voina, MaDeDoPo) ma in una versione musicale meno irruente e più, appunto, indie. Anche in questo Quando Mi Chiedono Dove Sei viene ricalcata l’intenzione della band di distendere e ripetere un po’ troppo le code di alcuni brani, come nella già citata Gara ma anche in Torno Da Me, probabilmente effetto delle loro influenze post-rock, un genere che di sicuro non ha l’ermetismo tra i propri principi basilari. Post-rock che viene fuori nella parte centrale di Volta Stomato che rallenta i ritmi puntando su un appiglio più sperimentativo e poi in crescendo procede verso l’esplosione elettrica sul finale.

Una buona prova anche questa che resta fedele ai binari della band ma che, a nostro parere, non raggiunge ancora l’espressione musicale che potrebbe permettere alla band di fare il grande salto.

Etruschi From Lakota – Giù La Testa

Tornano gli Etruschi From Lakota, dopo quel I Nuovi Mostri di cui avevamo parlato a questa pagina e Non Ci Resta Che Ridere. Tornano con Giù La Testa il terzo album che di solito è quello della consacrazione mentre nel loro caso potremo dire della maturità. Sì perché se da un lato il loro stile intriso di blues, dalle venature cantautorali e se vogliamo anche un po’ southern, non è assolutamente tradito ma viene portato ad un gradino più alto. Nulla da dare in pasto alle classifiche sia chiaro, anzi troviamo con piacere una grande coerenza rispetto alle loro origini; inoltre notiamo che in vari momenti c’è un’accelerazione verso la componente elettrica (già l’opener è fortemente esemplificativa in questo) e anche un desiderio di creare qualcosa di più ricercato. Bibidi Bobidi Bu ad esempio è un brano con tanta creatività e poca voglia di piazzare il ritornello del secolo, e questo ci piace. E se non siete ancora convinti ascoltate la titletrack, con i cori sotto forma di arrangiamenti, l’armonica a comandare e quell’incedere da terreno rosso che guida una storia raccontata come una filastrocca, una ricerca che in altri momenti si inviluppa (Coito Ergo Sum) ma che tendenzialmente dimostra, appunto, la maturità raggiunta.

Non mancano i momenti afferenti al southern blues che da sempre ha contraddistinto il marchio di fabbrica della band, come Stivale o Super, momenti preziosi per gli aficionados di una certa visione di rock (un po’ polverosa e vintage) ma non sono questi i brani che ci spiegano cosa rappresenta oggi questo progetto musicale, o cosa potrebbe rappresentare in futuro. Anche in Giù La Testa i ragazzi si divertono ad infilare citazioni ad altri artisti, elemento sicuramente vincente in sede live. Quindi tra blues, armoniche a bocca, sapore western e lezioni caposselliane gli Estruschi From Lakota procedono il loro viaggio, alternativo che nel loro caso non significa innovativo.