Diatomea – Diatomea

Diatomea, tanta dinamite dalla riviera di ponente, tredici tracce per undici canzoni. Diciamolo subito, i ragazzi non hanno nessuna intenzione di scendere a compromessi, il loro è un alternative rock duro con venature crossover, i testi, scritti abbastanza bene per il genere, descrivono la disillusione di chi vive la realtà quotidiana della – una volta ricca – provincia italiana post industriale. Nei versi cantati da Christian Zerrilli, viene fuori tutta la decadenza dei nostri tempi, i temi toccati ruotano nel sociale ed è ispirata dalla pochezza dei nostri politici e governanti, incapaci di dare risposte adeguate a chi vorrebbe ancora provare a sognare un mondo ed una società diversa. Musicalmente l’album è un monolito costruito su riffoni di chitarra le cui influenze pescano dall’hard rock al thrash metal a cui si alternano momenti in cui le chitarre, insieme a basso e batteria, costruisco tappeti ipnotici e lisergici. Si parte molto forte con la bella Tutto Ok dove Christian urla, in stile scream, “è tutto ok? non cambiano i tempi”, si passa poi alla seconda traccia Quanti Soldi Hai e sostanzialmente si rimane sullo stesso tema, molto belle le “grattate” in palm muting che caratterizzano il pezzo, nel quale si sente tutta la potenza esplosiva delle 6L6.

La terza traccia, Cobain, è la migliore del disco a mio modesto parere e, anche se chi nomina invano il nome dell’ultimo dio del rock mi sta sul cazzo, almeno i cinque liguri hanno alcune carte in regola per poterselo permettere, non come certi fenomeni indie nostrani che prima di titolare un pezzo con il nome di Kurt dovrebbero fare il cammino di Santiago in ginocchio…ma passiamo avanti e a parlare del brano soprattutto perché non è per niente male: si parte con bel pattern di batteria che introduce un ottimo arpeggio di chitarra ipnotico e asciutto su cui si sviluppa il cantato/recitato, fino ad arrivare ad atmosfere più metal con un riff di chitarra e una parte vocale che parafrasano il ritornello di Heart Shaped Box, “Hey! Wait! I’ve Got a New Complaint/ Hey! Hey! Wanna be Cobain”. Si passa poi a Evasione dove il testo è molto critico verso l’establishment “avete mangiato tutto! avete mangiato bene”; piccolo intermezzo con Attesa e poi si torna a pestare con Periferia qui il recitato/cantato si colora di sfumature hip hop per passare ad esplosioni vocali vicine al growl. le tracce scorrono, monoliticamente, appunto, essenzialmente sullo stesso registro musicale e questo potrebbe annoiare l’ascoltatore distratto. Questa potrebbe forse essere una delle pecche del disco, oltre a quella di non avere un singolo da hit, ma alla fine a noi rocker duri e puri di questo importa poco.

Si scorre fino a Repent, introdotta da un suono di basso profondo e saturo di chorus, qui le atmosfere inizialmente si dilatano per poi creare un gioco di saliscendi alternando potenza esplosiva a calma apparente. Supertonico chiude la serie delle canzoni rimanendo comunque ancorato alla linea generale del disco, mentre in chiusura, con Diatomea, i ragazzi paiono rilassarsi ed accendersi una sigaretta beatamente seduti e sorridenti mentre ripensano alla maratona adrenalinca a cui hanno sottoposto l’ascoltatore. In definitiva l’esordio sulla lunga distanza dei cinque savonesi ci fa ben sperare: band come questa sono una fortuna in questo momento per l’alternative rock italiano – genere che vide il suo periodo più florido tra la metà degli anni novanta e la metà degli anni zero – comunque al netto di qualche piccola pecca, nella scrittura e nel cantato che a volte pare muoversi su troppi stili (magari questi ultimi andrebbero collegati meglio) ma tutto sommato riteniamo che la band abbia realizzato un buon lavoro.

Egon – 100000 Km Di Vene

Gli Egon tornano dopo quel Il Cielo Rosso È Nostro di cui avevamo parlato a questa pagina. 100000 Km Di Vene è il titolo del nuovo lavoro, un album che non fa passare troppo tempo dal suo predecessore e che mantiene intatto lo stile della band. Siamo nell’alternative rock italiano, di quello elettrico e potente, brani come Notti Senza Luna arrivano dritte, con le loro distorsioni che macinano (appunto) chilometri lasciando alla chitarra solista il compito di disegnare un percorso più visibile, delle melodie color pastello. Il basso di Superficie ci spinge dietro alla scena post-punk, un brano questo che ci colpisce per la cupezza di fondo e l’incedere che farà innamorare tutti i fan di Giovanni Lindo Ferretti e delle sue origini. Anche in questo lavoro liriche in inglese si scontrano, per così dire, con testi in italiano (sempre con una prevalenza dei secondi), a volte quasi recitati, entrambi profili che non tradiscono le origini alternative del sound degli Egon ma che ne offrono comunque una pelle differente.

Davvero positivo il lavoro alle due chitarre che non si esprimono solo tramite riff graffianti (ritornelli) ma anche attraverso arpeggi ricercati e si intrecciano per valorizzare l’attenzione compositiva che c’è dietro queste nove tracce. Intimità nelle ultime due tracce dell’album, brani che sottolineano lo spessore dei musicisti che sono dietro questo progetto. 100000 Km Di Vene suona più deciso, più rock, più maturo. In vari momenti troviamo quella consistenza che aspiravamo da un seguito di Il Cielo Rosso È Nostro e ci piace premiarli questi ragazzi affinché il progetto acquisisca sempre più spessore.

Florence Elysée – Home

Le sonorità elettriche asservite al risultato di un’emozione profonda e viscerale sprigionata dal volume di una canzone rock sono state spesso lo strumento fondamentale di una filosofia o, per meglio dire, di un’idea artistica, che tantissime band hanno provato a sperimentare nella moderna era musicale. Dalle traiettorie d’oltremanica disegnate da band come Radiohead o Manic Street Preachers (ascoltate A Design For Life), passando per le discografie di band di culto di casa nostra come i Marlene Kuntz, la strategia a base della scelta di questo specifico mood, è quasi sempre la stessa: fondere il suono distorto al potere evocativo della parola e del canto, al mero fine di trascinare ed emozionare l’ascoltatore. I pesaresi Florence Elysée con la loro autoproduzione Home, sembrano volerci dire proprio questo: emozionatevi grazie alla musica rock! La raffinata produzione che segna il loro esordio discografico, custodita in un package dall’artwork decisamente elegante e minimalista, porta all’orecchio sin dal primissimo ascolto una qualità artistica che identifica appieno il peso specifico dei tre musicisti che questo progetto lo hanno pensato, composto e suonato, nonché il risultato dell’ottima post produzione che gli è stata dedicata.

Sofisticate e ricercate, queste dodici tracce sembrano essere tutte proiettate verso la ricerca introspettiva della bellezza, fotografando, una dopo l’altra, episodi emozionali a volte malinconici ed a volte più leggeri, incanalandosi stilisticamente in un sound più alternative ed indie che rock in senso stretto. Le distorsioni e gli accordi pieni qui vengono utilizzati, così come i cori in doppia voce (maschile + femminile), per conferire alle atmosfere sonore quel marcato aspetto evocativo di cui vi parlavamo, capace di coinvolgere l’ascoltatore e di trasportarlo in un viaggio emotivo lungo quanto tutta la durata dell’intero disco. Ovviamente, la particolare ricercatezza di certe atmosfere che strizzano l’occhio ai riferimenti pop di band come i Coldplay, non lo rendono un lavoro adatto a chi cerca sensazioni più forti e momenti elettrificati maggiormente marcati. Forse più di nicchia e meno per le masse, ma questo Home merita davvero quella elevata considerazione che normalmente si dà a lavori di matrice europea della medesima caratura, o addirittura, come accade con sempre maggiore frequenza, a risultati più scadenti qualitativamente parlando, sebbene destinati ad un pubblico discograficamente più volubile, ingolosito, quasi sempre, dalla promozione che a questi prodotti si dedica piuttosto che dal dozzinale risultato finale che si ritrovano tra le mani.

Lebowski – Cura Violenta

I Lebowski ritornano e fanno bene. Nel loro caso il “come” è l’inizio più importante per approfondire un loro ritorno. Da loro sarebbe davvero difficile aspettarsi un album nello stesso stile del suo precedessore anche se, lo ammettiamo, noi lo avevamo sperato. Ma i ragazzi, che si chiamino Lebowski o che siano accompagnati da Nico(la) (e qui lo sono), puntano ad evolversi, a non adagiarsi su di un trono che in quanto tale non viene compreso da tutti i sudditi ascoltatori di sonorità alternative e adeguatamente trasversali. E l’evoluzione si sa è come un’ombra che si vede da lontano quando si è in tremenda attesa di una persona: la facilità con cui si può intravedere chi si desidera dietro un’immagine così offuscata è davvero ingestibile. E così lo stupore di album come Disadottati (recensito da noi a questa pagina) o di Propaganda era stato tanto che le aspettative per il seguito erano alle stelle. Pezzi blandi, ritmiche deboli, allegria folle che lascia il posto ad una semplice stravaganza innocua, mescolata in un potpourri di elementi in cui non vi sono caratteri distintivi né odori che restano incollati alla pelle. Cura Violenta non ci convince.

Dopo lo smarrimento delle prime tracce bisogna attendere Paolo Ruba Cuori per avere un po’ di verve, ma nulla che si avvicini allo spessore del passato a nome Lebowski, la stessa Giorno Zero perde collante al primo ascolto e fa rimpiangere un passato che sappiamo non tornerà. La sperimentale Little B aggiunge disorientamento, Universi Paralleli perde l’occasione di incisività, Journal Noir chiude il sipario su di un quadro astratto fatto da un artista che ha sempre creato opere interessanti ma a cui gli è sfuggito qualcosa. La domanda non è se Cura Violenta sia o meno un passo falso nella loro discografica ma “come” riusciranno a recuperare.

Novalisi – Quando Mi Chiedono Dove Sei

Tornano i Novalisi, questa volta con un EP, seguito di Animali di cui avevamo parlato a questa pagina. Cinque tracce che rimarcano ancora una volta lo stile di una band, ormai quartetto collaudato, che pesca dalla scena alternative rock conferendo però un sapore più indie, che non vuol dire superficiale ma meno ruvido, soprattutto nelle linee vocali. Ammettiamo che nei primi secondi di ascolto ci era balzato alla mente il fantasma dei Verdena, ma ascoltando per bene questo EP siamo lontani dal sound grunge, bensì il tutto si gioca sui tratteggi di chitarre che si intrecciano scambiandosi con gli arrangiamenti e sulle voci (spesso doppie); da segnalare Gara che presenta il classico nichilismo che abbiamo assaggiato in altre formazioni (Voina, MaDeDoPo) ma in una versione musicale meno irruente e più, appunto, indie. Anche in questo Quando Mi Chiedono Dove Sei viene ricalcata l’intenzione della band di distendere e ripetere un po’ troppo le code di alcuni brani, come nella già citata Gara ma anche in Torno Da Me, probabilmente effetto delle loro influenze post-rock, un genere che di sicuro non ha l’ermetismo tra i propri principi basilari. Post-rock che viene fuori nella parte centrale di Volta Stomato che rallenta i ritmi puntando su un appiglio più sperimentativo e poi in crescendo procede verso l’esplosione elettrica sul finale.

Una buona prova anche questa che resta fedele ai binari della band ma che, a nostro parere, non raggiunge ancora l’espressione musicale che potrebbe permettere alla band di fare il grande salto.

Etruschi From Lakota – Giù La Testa

Tornano gli Etruschi From Lakota, dopo quel I Nuovi Mostri di cui avevamo parlato a questa pagina e Non Ci Resta Che Ridere. Tornano con Giù La Testa il terzo album che di solito è quello della consacrazione mentre nel loro caso potremo dire della maturità. Sì perché se da un lato il loro stile intriso di blues, dalle venature cantautorali e se vogliamo anche un po’ southern, non è assolutamente tradito ma viene portato ad un gradino più alto. Nulla da dare in pasto alle classifiche sia chiaro, anzi troviamo con piacere una grande coerenza rispetto alle loro origini; inoltre notiamo che in vari momenti c’è un’accelerazione verso la componente elettrica (già l’opener è fortemente esemplificativa in questo) e anche un desiderio di creare qualcosa di più ricercato. Bibidi Bobidi Bu ad esempio è un brano con tanta creatività e poca voglia di piazzare il ritornello del secolo, e questo ci piace. E se non siete ancora convinti ascoltate la titletrack, con i cori sotto forma di arrangiamenti, l’armonica a comandare e quell’incedere da terreno rosso che guida una storia raccontata come una filastrocca, una ricerca che in altri momenti si inviluppa (Coito Ergo Sum) ma che tendenzialmente dimostra, appunto, la maturità raggiunta.

Non mancano i momenti afferenti al southern blues che da sempre ha contraddistinto il marchio di fabbrica della band, come Stivale o Super, momenti preziosi per gli aficionados di una certa visione di rock (un po’ polverosa e vintage) ma non sono questi i brani che ci spiegano cosa rappresenta oggi questo progetto musicale, o cosa potrebbe rappresentare in futuro. Anche in Giù La Testa i ragazzi si divertono ad infilare citazioni ad altri artisti, elemento sicuramente vincente in sede live. Quindi tra blues, armoniche a bocca, sapore western e lezioni caposselliane gli Estruschi From Lakota procedono il loro viaggio, alternativo che nel loro caso non significa innovativo.

Latente – Monte Meru

Terzo lavoro in studio peri i milanesi Latente che, dopo l’EP d’esordio Un’altra Faccia (2010) e il primo album Basta Che Restiamo Vivi Noi (2014), realizzano Monte Meru. Il monte in questione fa parte delle tradizioni mitologiche indiane, un luogo sacro, centro di energia, spiritualità e sede del paradiso secondo le credenze. L’album si apre con La Mia Stanza Buia, brano d’impatto e strumentalmente incisivo ma, si stagna nel ritornello che non lascia il segno. Di tutt’altra pasta, invece, è la successiva Nervi, forse il miglior brano del disco, intuizioni interessanti, a cominciare dall’intro, sezione ritmica martellante e voce graffiante. Da riascoltare più volte. Fumare e Alchimie vanno a braccetto: entrambi brani orecchiabili e ben eseguiti che hanno forse la pecca di assomigliare, come intenzione ed approccio, tra loro ma risultano comunque essere piacevoli. Per il singolo Fumare è stato realizzato anche un videoclip, scelta azzeccata perché è il brano più radiofonico del disco.

L’album scende di intensità con il trittico composto da Brace, Lucido e Ti Vengo A Trovare, brani oscuri, riflessivi e a tratti pacati dove la voce è la prima ad affievolirsi. Con Accontentarsi È Diventato Facile si ritorna su binari esplosivi, anche in questo caso le idee non mancano e si passa ad un tema di protesta, altro pezzo ben riuscito con chitarre molto profonde. L’album si chiude con Tre ed Everest, brani che restano nel mood della piacevolezza ma non risultano essere particolarmente incisivi. I Latente hanno un appeal molto adolescenziale, per tematiche ed approccio ai brani, ma l’innesto di variazioni, stop&go e intuizioni riuscite, hanno aggiunto quella buona dose di maturità che ci si aspetta da un terzo lavoro. Buon album che si fa ascoltare e non stanca, ben fatto.

Swanz The Lonely Cat – Covers On My Bed, Stones In My Pillow

E ad un certo punto arriva il momento dell’introspezione, dell’autopsicanalisi e del confronto con i propri padri, mentori e spiriti guida. E con Covers On My Band, Stones In My Pillow questo momento arriva anche per Luca Andriolo, aka Swanz, frontman dei Dead Cat In A Bag. Lo dice tra le righe il titolo, ed esce in maniera abbastanza esplicita tutto l’album, Covers On My Band, Stones In My Pillow è un disco molto intimo e introspettivo; sonorità e vocalizzi con cui vengono reinterpretati i dieci pezzi dell’album lo trasmettono sin dal primo ascolto. Siamo di fronte ad un album con un approccio e una sintassi che richiama moltissimo Nick Cave, prova eclatante è Love Me Tender in slow motion in apertura. Un album di cover è una prova difficile, dove molto spesso ci si buttano brani triti e ritriti e si cerca di ridare luce, ulteriori chiavi di lettura nuovo splendore a opere d’arte consumate dagli ascolti cadendo a volte nel banale. Per dare un esempio concreto di come però Covers On My Band, Stones In My Pillow sia un buon disco andiamo diretti alla traccia cinque, ad analizzare il classico dei classiconi in temi di cover, che a furia di reinterpretazioni a volte viene il dubbio se la canzone sia effettivamente di Dylan e se effettivamente abbia ancora un significato oppure se le sabbie del tempo e dell’usura delle sei corde che l’hanno passata nei tempi l’abbiano nullificata e svuotata. Da Jimi Hendrix in poi anche la casalinga di Voghera ha fatto una cover di All Along The Watchtower ma, mentre spesso capita che la cover sia una pennellata di rossetto su una scrofa, la All Along The Watchtower di Swanz è riuscita ad essere innovativa e rivelatrice di un blues fresco ed innovativo.

Dopo questa ulteriore prova (riuscita) di stile nella reinterpretazione il resto dell’album scorre liscio, molto lo-fi a metà tra Nick Cave e Beck (nel senso delle atmosfere ricercate e nell’intellettualità si intende), e questo piace assai, un po’ come tutto il tenore “indieautorale” (cantautorale nei modi, indie nella lettura) di Covers On My Band, Stones In My Pillow, album caldo e appropriato se si è alla ricerca di ascolti universali ma mai banali.

Bleeker – Erase You

I canadesi Bleeker dei fratelli Perkins nascono da una mutazione in seno ai Bleeker Ridge dopo la separazione dai fratelli Dustin e Dan Steinke, insomma tutta una storia di faide familiari nel basso Ontario. Quando mi dicono Canada mi viene subito alla mente Neil Young, poi penso però anche ai Nickelback e Bryan Adams e mi assale lo sconforto. Erase You si apre in maniera forte e decisa con Highway, brano che strizza l’occhio al quel alt-rock-swing che ha fatto la fortuna di band come i Black Keys o i Jet, si cerca insomma più di far ballare che far scapocciare. Il pezzo ha un gran suono, potente e rotondo, quasi vicino ai QOTSA e si lascia ascoltare con un certo piacere, anche perché il capace Taylor Perkins riesce a trovare delle buone soluzioni e la giusta energia su questa tipologia di brani ed in effetti anche la seconda traccia, Free, offre buone vibrazioni in questo senso con delle discrete variazioni in salsa grunge. Segue Getting Out sempre sullo stesso tema ma questa volta il brano presenta sfumature più sixties tra rock’n’roll e garage rock, la quarta traccia Erase You è per il sottoscritto la migliore del disco. Il brano si sviluppa su di un riff in 3/4 dove mi balzano subito alla mente gli echi dei Soundgarden più oscuri, quelli di Louder Than Love per intenderci, con una parte vocale di tutto rispetto anche se un po’ troppo copia dell’originale.

Il problema del disco è che dopo quattro brani fondamentalmente rispettabili ci viene appunto lo sconforto: I’m Not Laughing Now è un brano che ha davvero poco di alt-rock, vorrebbe probabilmente orientarsi verso un pubblico più ampio e più abituato alle sonorità del pop rock melenso e la cosa non ci pare nemmeno troppo riuscita. Si passa poi alla sesta traccia dove si torna a far ballare ma con meno efficacia, per poi arrivare a Radio Radio, vero cavolo a merenda del disco. Pare che i Blink 182 abbiano voluto burlarsi dei ragazzotti canadesi ed abbiano di nascosto inserito una traccia nell’album; con Where’s Your Money si torna ancora su atmosfere rock’n’roll pagando dazio ai Jet, poi purtroppo eccoli di nuovo ad inseguire il pop rock più becero ed apparentemente furbo (ricordiamoci sempre che non basta attivare un distorsore per essere rock). Emergency e Close My Eye’s sono brani a cavallo tra Bryan Adams ed il Bon Jovi più patinato e commerciale. Si chiude infine con Every Time You Call sulla falsariga dei pezzi che la precedono ma con più ritmo ed una parte vocale molto ispirata a Brian Molko.

In definitiva nonostante il sound pieno e potente ed una voce capace e di qualità, la band ed il disco peccano di personalità volendo forse rimanere ancorati ad un sound che si muove tra l’alternative rock ed il post-grunge per poi miscelarlo con quel rock melodico e commerciale da stadio. La cosa a mio modesto parere funziona poco e fa perdere di credibilità la band, perché così facendo si rischia di non essere né carne né pesce.

I Fiori Di Mandy – Radici

Arrivano dalla Sardegna e sono un power trio che si è già dato molto da fare in sede live. Escono con un EP breve ma molto molto intenso. Ad ascoltare Radici, tre tracce, si trovano strati e strati di rock. Ritorniamo ai tempi degli esordi degli Afterhours, quando parlare di alternative rock italiano inquadrava già certe sonorità, ma anche i tempi in cui si era orfani del grunge e di quel sound che volente o nolente continuò a fare eco almeno per un decennio. Da lì parte questo trio ma per fortuna parte e imbocca subito il proprio cammino, un percorso privo di ogni sorta di emulazione e nel quale i tre si mettono in gioco e presentano le loro idee. Già con l’opener, quasi 5 minuti di rock lento e viscerale, si toccano ambientazioni differenti e i I Fiori Di Mandy dimostrano di voler scrivere prima che suonare, sentire prima che pensare. Iniziano a modo loro, con arpeggi lenti, per poi lasciare spazio ad ampie sferzate (Afrodite) o a incursioni fuori genere (Jourande) e stupire l’ascoltatore. Buone le linee vocali che rimarcano uno stile proprio e un desiderio di interpretare i brani prima che cantarli, ottima la ricercatezza compositiva.

L’EP si chiude con una titletrack che ci ricorda, nella prima parte, un Jeff Buckley sopra le righe e ci preannuncia che il primo full-lenght della band sarà qualcosa di molto interessante. Lo prevediamo e lo speriamo.