Ottone Pesante – Apocalips

Chi non conosce gli Ottone Pesante va incasellato in uno di questi due gironi dell’inferno: in quello degli “ignoranti” nel senso che ignorano del tutto (citando un famoso film) l’esistenza di questo combo sperimentale avanguardistico, o in quello degli “indigesti” che non riesce a tollerare (o a capire) un sound così arguto e appuntito. La restante parte del mondo è fatta da persone che plaudono questo trio composto da due fiati e una batteria, un trio che parte dalle lezioni dei Mombu (e quindi di John Zorn) e spinge tutto all’inverosimile dando impulsi continui, velocità e ambientazioni che possono poi sentirsi proprie. Dell’ultimo album Brassphemy Set In Stone ne avevamo parlato già a questa pagina, spiegando come convulsioni emotive e tecnica si accavallavano spesso senza soluzione di continuità in un unicum che in parte si ripete anche in questo nuovo album dal titolo Apocalips. Ci sembra però che in alcuni momenti ci sia molta più attenzione alla forma canzone senza ammorbidire di un tocco la proposta: l’impressione è che gli Ottone Pesante si siano concentrati sulla costruzione di brani come fossero delle piccole colonne sonore, fatte di un’ambientazione e di spiragli che vanno ben oltre le forti spigolature che avevano caratterizzato Brassphemy Set In Stone. Questo concetto viene espresso in maniera chiarissima nell’opener Hinig Bronze Purified In The Crucible, uno dei momenti più alti dell’album, ma si ravvisa anche in Bleeding Moon con i suoi intermezzi quasi dal sapore sinfonico, o nell’oscura The Fifth Trumpet, che sfiora il sapore black metal a cui fa il pari la voce in screaming di Travis Ryan dei Cattle Decapitation. Provate ad ascoltare Doom Mood e a non immaginarvi all’interno di una marcia funebre spostata nel futuro in cui strane creature si muovono di fianco.

È qui la novità del power trio tutto fiati e rullante, è questa a nostro parere l’evoluzione del combo che correttamente si spinge da composizioni azigogolate e tecniche a costruzioni complete, da film horror, che non mettono la velocità al centro del sound ma pongono l’accento su sensazioni che solo una musica proveniente dagli inferi può elargire. Chiaramente non mancano momenti in classico stile Ottone Pesante come il “tupa-tupa” di Angels Of The Earth o come Locusts’ Army in cui compaiono sul finale forti influenze math-core. Un plauso infine per il packaging dell’album che, seppur privo di booklet, rende molto bene l’idea dell’opera che ci si accinge ad ascoltare. Quindi un passo in avanti per i Nostri davvero molto apprezzato.

Petrolio – L+Esistenze

Avevamo già incontrato la mente artistica per nulla scontata di Enrico Cerrato, in arte Petrolio, ai tempi dell’album Di Cosa Si Nasce di cui avevamo parlato a questa pagina. E quest’anno torna con una nuova idea di musica sempre sotto lo stesso moniker: la novità sta nel suo voler coinvolgere artisti diversi per dare vita ad uno stile che sembra creato all’unisono ma che mette in scena le sfumature di chi l’ha forgiato. Compaiono momenti in cui i synth o effetti vari prendono il sopravvento (Scindere 2 Animes, in cui forse si può parlare di quello shoegaze annunciato nel precedente lavoro ma lì assente, o anche del brano Wood And The Leaf Rite), altri dove i battiti e la ritmica sono più presenti (Fish Fet, Peregrinos De Almas, But The Moon) e in generale elettronica usata senza limiti. In generale L+Esistenze è un album decisamente ostile, una vera incursione in un mondo tanto oscuro quanto sconosciuto; anche l’industrial andrebbe stretta come etichetta per descrivere la proposta di queste dodici tracce, i Petrolio hanno preso la corsia di accelerazione verso un’autostrada avanguardistica di cui si conosce poco, soprattutto in merito alla destinazione finale.

Al di là di qualche influenza floidiana (L’eterno Non É Per Sempre nella sua prima parte) è difficile ravvisare rimandi o riferimenti musicali, se non uscendo dal panorama rock di nostra pertinenza e approcciando a generi avversi, tutt’altro che vicini ad altre proposte. Ascoltare brani come Heilig Van Blut ci fa capire quanto sia tutt’altro che diretta la proposta di Petrolio e che la direzione intrapresa sia davvero audace. Solo per veri e coraggiosi appassionati di genere.

Stefano Lentini – Fury

Fury è più che l’ultimo lavoro di Stefano Lentini, è un album suonato da tantissimi musicisti e indubbiamente stratificato che pesca da tanti generi e da tante menti. L’imprinting chitarristico di Lentini alla chitarra è evidente in diversi pezzi, come anche le prime tracce di Fury fanno intendere, ma è da paesaggi sperimentali, orchestrati e avanguardistici che la sua musica attinge e si riveste. Unaided Eye, Ouverture II ma anche Stabat Mater sono degli esempi di musica classica a cui viene associato anche un sapore cinematografico in quanto è il continuo susseguirsi di emozioni che modificano la trama di un ipotetico film a condizionare anche l’altalenarsi di pattern all’interno dei singoli brani. Ciò assume la forma più concreta nella sperimentazione di Fury, traccia in cui la musica classica incontra un sax dalla natura fortemente jazz e un turbinio interno nasce e si fa sentire. Il primo atto, ma anche l’album intero, ruota intorno a Les Fleurs Du Mal, omaggio a Baudelaire oltre che scelta per attualizzarne il suo significato ad un epoca recente, estendendolo e mettendolo in musica.

L’incontro tra l’impostazione classica e degli strumenti più moderni arriva con il secondo atto, già con Adagio, un intreccio che ci piace e che poteva essere ulteriormente spinto in avanti, come tentativo sperimentale di fusione di due mondi diversi e che trovano il fattor comunque nella natura cinematografica della musica di Lentini, probabilmente il termine che racchiude maggiormente l’impostazione seguita nella scrittura di questo album, album che difficilmente trova una casella precostituita in cui inserirlo, un’opera per chi ama la musica classica ma vi cerca anche qualcosa di più avanguardistico.

?Alos – The Chaos Awakening

Una delle due menti degli OvO, noti per chi segue la scena noise nostrana, crea un progetto molto singolare e pubblica un lavoro di venti minuti con un’unica traccia dal titolo The Chaos Awakening. Questa volta siamo nei meandri della musica sperimentale, possiamo dire avant-garde di sponda asiatica o meglio vietnamita come l’origine di molti strumenti usati dalla “signorina Alos”. Sotto un tappeto costante di synth che conferiscono un sapore quasi fantascientifico, si muovono in maniera poco aritmetica e più emotiva una serie di suoni, dai corni alle campane, prendendo il concetto di rumore del suo precedente progetto e tramutandolo in suoni, laterali, solitari. Non c’è una storia musicale dietro questa traccia ma solo una sorta di esplorazione come fosse una caduta all’interno di un cunicolo che non ha fondo, come Alice ma in un sogno che sembra molto di più un incubo nefasto. Dopo i dieci minuti di ascolto prendono il sopravvento ululati vari e grida smorzate come fosse una lunga tortura.

Un album privo di musica. Rumori e suoni che si alternano all’interno di qualcosa che è difficilmente classificabile e altrettanto ascoltabile.

Io – SpaceseductIOn

L’artista IO giunge alla suo secondo album e prosegue nel percorso sperimentale, un rock siderale e pieno di sfumature che si distingue davvero rispetto a molte uscite contemporanee. Un album che senza ombra di dubbio attinge ai suoni degli anni 80 cercando però di inserirli in una veste più attuale; noi ci vediamo anche alcune attinenze dello stile dei Bluvertigo (altra band che pescava a mani basse in quel decennio), anche se IO propone un rock più avanguardistico, non in termini innovativi bensì nel senso di ambientazioni e di effetti presenti. Le tastiere di Siderale, gli effetti vocali di Machinend, ma anche i diversi arrangiamenti soprattutto sul finale di Wonder (L’idiota Onorario) sono tutti ingredienti di un piatto molto ricco; difficile che i brani nel loro complesso diventino delle tracce senza tempo, piuttosto suggeriamo di apprezzare i singoli inserti distintivi che sono le vere carte con le quali IO si gioca a propria personalità musicale.

La ritmica gioca un ruolo secondario, è il suono, le melodie e la voce di IO che vengono a galla, come se fosse un esercizio di psichedelia ma anche di scrittura di brani pop rock (un po’ troppo pop nella seconda parte dell’album) all’interno della medesima cornice. Esercizio molto difficile ma che a nostro parere IO realizza con efficacia.

Eraldo Bernocchi – Rosebud

Eraldo Bernocchi per questo suo Rosebud, dopo aver coinvolto nel proprio progetto il percussionista degli Einsturzende Neubaten, FM Einhet, e la violoncellista inglese Jo Quail, produce qualcosa di unico che si muove tra ambient, industrial e distorsioni per un viaggio del quale, come afferma egli stesso, non è stata decisa alcuna meta finale. Innanzitutto va chiarito che Frank Martin StrauB, più conosciuto con il nome d’arte FM Einhet, è noto negli ambienti per essere uno dei migliori percussionisti in circolazione, capace di influenzare diversi musicisti, spingendoli a ricercare nuovi suoni che abbiano, quale fondamento, le influenze del periodo anni ottanta. Jo Quail nella sua musica è invece ispirata molto dalle arti visive e da altri compositori quali Barbara Hepworth e Georgia O’Keefe che hanno esercitato un’influenza chiave nelle sue combinazioni musicali, oltre a grandi compositori quali Debussy e Reznor. Queste influenze l’hanno condotta poi ad attraversare liberamente i generi del post-rock, del metal e dell’elettronica ai quali è riuscita a dare nuova linfa. Quail ha iniziato i suoi studi musicali in tenera età presso il Centro per giovani musicisti a Londra giungendo poi, dopo la maturazione musicale, ad organizzare diversi masterclass e workshop interattivi su composizione e performance visive.

Rosebud, uscito nel 2017 per la RareNoise Records, si presenta con sonorità particolari, di difficile assimilazione ma piene di concretezza musicale e di incroci tra quelli che sono i suoni metallici delle percussioni ed il violoncello, strumento che nelle mani di Jo Quail, emana vibrazioni molto vicine ai componimenti marocchini delle tribù tribali quali gli Gnawa, gruppo etnico discendente dagli schiavi sub sahariani, la cui musica svolge una funzione strettamente connessa a cerimonie e rituali proprie di questa popolazione, una musica che mantiene la sua carica ipnotica sia per chi la musica la suona sia per chi ascolta. E queste influenze esterne contaminano anche il “distorsismo” di Bernocchi, che naviga tra il blues minimalistico e la ricerca di nuovi limiti sonori, ponendo di fatto questo lavoro ben oltre le aspettative di un ascolto non attento. Rosebud è infatti un progetto che fa subito centro, difficile in futuro da riprodurre con un nuovo lavoro e per questo è come se fosse un lavoro a se stante, unico nel suo genere ed assolutamente da non perdere. Pezzi come Kangoo o la stessa Xanadu, ma anche The Inquirer, un vero e proprio ciclone elettrico, danno a questo disco il vero senso di una ricerca che va ben oltre.

E Bernocchi fa bene a spingersi al di là delle solite musiche non fosse altro per quell’esperienza maturata con gli Obake di Massimo Pupillo, bassista degli Zu, Metallic Taste Of Blood, Somma e Owls, quest’ultima rock band di Chicago che naviga tra math-rock e indie in una miscela davvero esplosiva. Le caratteristiche di Bernocchi in Rosebud probabilmente sono proprio quelle ricercate su queste basi dettate dalle esperienze maturate fin qui, praticamente imprevedibilità ed un amore incondizionato per i contrasti. Se anche chi ci legge ama tutto ciò, questo è davvero un disco da non perdere.

Orca – Estinzione

Il primo full lenght degli Orca è uno scrigno. Uno di quei cofanetti che trovi su di un mobile e che muori dalla voglia di aprire per capire cosa contiene. Grigio argento ma con delle decorazioni, fin dalla sua confezione (artwork davvero molto bello) si presenta in modo originale, autorevole, quasi austero. Poi lo apri e ti arriva in pieno volto un caleidoscopio di colori tanti sono i generi musicali a cui gli Orca in qualche modo attingono, ma l’immagine complessiva non offre tutta questa nitidezza, piuttosto ci offre l’impressione che non sia scomponibile, di essere un tutt’uno, prendere o lasciare. Anche i colori non sono raggianti, c’è una prevalenza del nero, ma d’altra parte si sa che il nero è essenza e fusione di tutti i colori. Chi parla di Estinzione come un album post-rock non ha ben capito, a parer nostro, l’espressione artistica del quartetto. Siamo davanti ad un ottimo album di avantgarde che impregna le dita nel metal ed evita di cedere il passo ad incursioni sperimentali/psichedeliche, piuttosto gli Orca iniettano contenuti, soluzioni, trame lente e lugubri in strutture imbottite da steroidi elettrici. Un sapore gotico che si cela dietro molte delle composizioni della band, quadro che si fa forte di una produzione appositamente ruvida per rendere più ostile e peculiare l’ascolto.

Un’altra particolarità è data dalle linee vocali, diverse, crude, indigeste, in alcuni tratti volutamente fastidiose, in altri sembrano ricordarci qualcosa dei Linea 77, voci che arringano tematiche di difficile comprensione come sicuramente è complessa la proposta della band. Le tastiere sono un altro fattore di grande pathos nel sound degli Orca e non solo ascoltando l’intensissima Delirio, ma più in generale per il loro contributo ad un album che prevede anche un forte intervento degli strumenti elettrici, collocazione ideale delle diverse visioni musicali in una proposta assolutamente personale. Bello, ricercato, fuori dagli schemi. Ascoltatelo ma non con superficialità.

Arto – Fantasma

A cavallo tra un progetto stand-alone e un side-project (con membri di Zeus!, Ronin, Iosonouncane), gli Arto sfornano in un anno dalla loro nascita un album complesso, sperimentale e tendenzialmente strumentale. Ma queste parole non spiegano bene il loro sound. Fantasma è una prova avanguardistica, una colonna sonora di un film horror costituito per intero da scene in attesa, come se l’istante che dà vita ad urla incontrollate non arrivi mai (fatta eccezione per Larva); è una prova ambient in cui però non compaiono effetti elettronici ma gli struementi hanno la loro essenzialità e trovano il loro spazio. Fantasma è una lunga jam session che probabilmente è nata insieme al progetto e si è prolungata finché i suoi membri non ne hanno voluto dare forma discografica, incidere pezzi dalla durata considerevole in cui ciascuna costruzione si muove sulle proprie coordinate senza stravolgere il proprio corso. Tinte post-rock compaiono laddove i ragazzi tendono ad allungare alcune composizioni senza spezzarli in momenti, in capitoli che avrebbero potuto descrivere espressioni diverse della medesima personalità, in altri momenti accenni a metriche math (Hauntology) e metal (Ship Of Theseus).

Un lavoro ostico, intricato, per chi è affascinato dalle colonne sonore oscure, quelle costruite con l’obiettivo di accompagnare immagini ma senza che queste immagini siano realmente ravvisabili nella musica. Per pochi.