Paus – Clarão

Nel grande e sotterraneo campo della sperimentazione troviamo anche questo quartetto portoghese che in realtà tanto sotterraneo non è. Il loro nuovo album dal titolo Clarão si presenta in questo modo, per lo più strumentale: se ad un primo ascolto sembra quasi ostico, in realtà con un orecchio attendo mette in luce tutte le sue potenzialità. Non è nemmeno una questione di rock, qui siamo al di sopra di una concezione musicale di tipo verticale, noi preferiamo parlare di avant-garde ma sarebbe davvero difficile dare una casa propria ai Paus. Ritmi quasi alla The Mars Volta (Bandeira Branca) con quel soft groove e quel sangue latino, effetti ricercati come lo xilofono di Pontimola o le stramberie incomprensibili ed elettroniche di Cume, sono tutte dimostrazioni di una ricerca molto approfondita del songwriting e in generale del sound che i Paus hanno in mente. Ascoltare brani come Ambiente De Trabalho ci fa sentire bene in qualsiasi parte del mondo, un brano internazionale seppur prog nella sua essenza; certo in alcuni frangenti si ostenta e si esce un po’ fuori traccia, come in Nò o anche nelle ambientazioni di Cauda Turca, ma i Paus sono fuori dagli schemi. Noi li preferiamo alla prese con Negro, dove il basso a tratti fuzz e la batteria incalzante dettano il ritmo e le melodie elargiscono gioia, pur sempre nella sperimentazione strumentale.

Non sarà una band che riempirà gli stadi ma ammettiamo che i ragazzi sanno osare e proporre qualcosa di diverso. Un prodotto non mainstream e affascinante per chi cerca nuove soglie, per gli amanti dell’avant-garde così come del post-rock.

The Marigold – Kanaval

Gli album sperimentali, o su alcuni fronti cosiddetti “moderni”, corrono troppo spesso il rischio di risultare indigesti. Non è possibile esimere totalmente da questa impressione Kanaval, ultimo album dei The Marigold, formazione attiva dal lontano ’98 ma con il primo figlio discografico nato solo nel 2004. Le prime due tracce ci spiazzano, più che sperimentazione potremo descriverle come un insieme disomogeneo di rumori che cerca di trovare una forma ma che per forza di cosa sarà astratta. Con spirito critico, questi due brani non sono il giusto e valido biglietto da visita per questa band che di idee ce ne ha e le riesce a mettere in musica. Le prime piccole dosi di musicalità infatti compaiono su Fade Down To Go Down, brano che almeno nel ritornello ricorda certo alternative grunge tanto caro a Billy Corgan, che risulta come una zolletta di zucchero rispetto all’inizio dell’album. Non c’è tempo per tranquillizzarsi perché già la successiva Sick Transit Gloria Mundi piazza un paio di calci nello stomaco con un rock viscerale, a tratti stoner che ci travolge come un tornado nel deserto e in altri momenti introspettivo e cauto.

In questa dualità si muovono i The Marigold, tra strutture musicali destrutturate (di proposito avant-rock) e brani più abbordabili ma pur sempre irriverenti, due facce che fanno fatica a stare sulla stessa medaglia e che, se da un lato affascinano per l’anticonvenzionalità della proposta musicale, dall’altro rischiano di essere per molti inconcludenti. A brani schizzati come Sludge-Jungle e Disturbed noi preferiamo momenti come Third, Melancholia (con echi dei Voivod) che ha qualcosa da dire e stuzzica la nostra sete di rock cupo. Con qualche giocata diversa secondo noi i The Marigold potrebbero davvero volare sulla Luna.

Postit – Aroma(n)tic People

I Postit richiamano fin dal nome l’essenza di “post”, ovvero di un qualcosa che detto in altri termini non ha punti in comune con la “musica commerciale” e al quale bisogna avvicinarsi con la dovuta calma. Forse il “post”, anche se associato al più congruo rock, risulta comunque riduttivo per descriverli visto che l’essenza del loro Aroma(n)tic People si piega ad un avantgarde ricercato e ad influenze progressive sotto il profilo compositivo. Non esistono linee vocali, ma tante chitarre e strumenti melodici che ne compensano l’assenza, o almeno cercano. Si può restare allungo in attesa del refrain facile che venga assorbito da un cervello in costante attesa di qualcosa di orecchiabile, ma purtroppo (o per fortuna) i Postit non lo offrono né (crediamo) hanno intenzione di offrirlo. Così batterie più o meno incisive si alternano ad un pianoforte che cancella la parola “rock” dai nostri pensieri (The Day After) e dei loop che regalano un’aria sperimentale. Vari sono gli elementi che si estrapolano dai diversi paragrafi di questo album: affascinante il basso di Maybe che viene fuori molto più delle chitarre e dei vari arrangiamenti, in quattro minuti che salgono in un crescendo di emozioni e di partiture ritmiche ma che poi in Free diventano esternazioni prog settantiane (in stile gli Emerson Lake and Palmer).

La band, seppur dotata tecnicamente e molto sperimentale, si aggrappa troppo alla tecnica del crescendo facendo palesare già ad inizio brano come si evolveranno le cose per i minuti a seguire; in altri casi si appiattisce e non muta. Se avantgarde deve essere allora la progressione del sound non dovrebbe seguire sempre lo stesso percorso ma sorprendere. Un album comunque sofisticato e che si adatta bene agli amanti del post-rock meno abbienti alle sonorità elettriche.

The Gentlemen’s Agreement – Apocalypse Town

Un opera pregna di genio quella dei The Gentlemen’s Agreement. Il loro lavoro targato 2014 è ispirato da una mentalità profondamente legata al passato, agli anni del boom economico, di quanto le industrie cavalcavano l’economia e viceversa ma allo stesso tempo battevano anche i tempi della vita delle singole persone. In realtà si ispira ad una fase leggermente precedente, quando le persone facevano sacrifici e non avrebbero visto i frutti ancora per un po’. La fabbrica come contenitore del proprio tempo e dei propri sogni, la stessa fabbrica da cui fuoriesce un certo approccio sonoro e compositivo racchiuso in questo Apocalypse Town per la cui realizzazione la band ha messo in piedi una serie di accordi (baratto) con altre realtà al fine di avere un disco finito con tanto lavoro e senza spendere un euro (o almeno quasi). Il packaging rende assolutamente tangibile questo concept, sia nelle grafiche adottate che nel bullone di metallo collocato per reggere l’intera confezione, collocato al centro a rappresentare il perno intorno al quale si costruisce l’ideologia musicale dei The Gentlemen’s Agreement, una collocazione tutt’altro che casuale.

La musica è più ambigua. Se da un lato l’aggiunta di rumori e di suoni richiama il contesto industriale, la vera parte musicale si discosta da questa visione che ci avrebbe fatto immaginare uno stile molto più pesante (industrial?!). Apocalypse Town suona come un album progressive rock (primi Genesis o anche Emerson Lake & Palmer meno focalizzati sulla tecnica), per la sua ricercatezza acustica più che per i tempi, imbevuto in flaconi di jazz/fusion (Moloch!, Adeus), retrogusti di bossa nova (Rumore Sui Rumori), e miraggi di avant-garde (Leit Motiv #2 – Consapevolezza), rendendo intricata la trama espansionistica di questo passo discografico. C’è dell’altro come in Mordi!Prendi!Vivi che include la citazione al ritornello di Run Run Run dei Velvet Underground, o i cori sparsi nelle varie tracce che si rifanno alla scena musicale italiana anni 60.

Difficile comprendere questo lavoro che è molto più di un insieme di tracce e molto più di un meno semplice concept album: quando la raffigurazione del quadro sta diventando indigesta ecco arrivare una melodia compiacente o un sax leggiadro, ma come dicevamo non è solo l’elemento puramente sonoro che alza il valore di Apocalyspe Town. E’ la sua concezione artistica e soprattutto temporale, aderenza ad un tempo, quello moderno, che risulta (troppo) connesso ad un modo di concepire la vita ma che è allo stesso tempo legato profondamente alle nostre radici, al nostro passato. Dietro una sua collocazione artistica e una non collocazione temporale, nascono le idee che danno vita a queste sonorità le quali, al di là dei gusti, sono super partes rispetto a quanto si sente oggi in circolazione. E di questo va reso merito al quintetto.

Parzival – Casta

Parsifal è un noto personaggio appartenente ai Cavalieri della Tavola Rotonda e si è differenziato nella storia tra i tanti perché fu l’unico a vedere il santo Graal. Vari sono i rimandi a Parsifal nell’arte e nella musica (qualcuno ricorderà l’album dei Pooh con questo titolo con tante influenze progressive rock e quindi molto prima del loro approdo al pop) e questa band decide di adottarne il nome come moniker. La scelta è azzeccata visto che il sound dei danesi è molto epico, mancano trame fitte e non c’è presenza di chitarre; al di là delle percussioni e della sezione ritmica che dà il passo come fosse una marcia di cavalli che avanzano verso il castello da conquistare, sono i fiati e le tastiere che regnano supreme in Casta, decimo e per ora ultimo lavoro della band. La voce di Dimitrij Bablevskij è molto gutturale in modo da offrire una visione quasi ancestrale del sound, teatrale e oscura (ricorda Tilo Wolff dei Lacrimosa o in alcuni tratti Fuchs dei Die Apokaliptyschen Reiter); se questo aspetto risulta caratteristico della visione musicale dei Parzival e ben si inquadra con gli altri strumenti, va detto che alla lunga rischia di dare una certa piattezza alla proposta tutta in assenza di alti e bassi vocali che darebbero più verve all’album. D’altra parte ci troviamo davanti una line-up mista tra danesi e russi e i suoni caldi non sono ammessi nel loro modo di intendere la musica: in aggiunta a ciò va detto che sono diversi i momenti in cui compaiono delle influenze musicali medio-orientali (come in Himagni Purana e Uttara Purana) frutto della collaborazione con musicisti indiani.

Difficile creare dei distinguo all’interno di un lavoro così compatto: la magniloquenza di Ayo Purana fa il pari con la pomposa e trascinante Andra Purana in una visione unica di panorami tanto avant-garde quanto gloriosi. Nel complesso infatti il passo è appunto lento e molto epico il che rende Casta un album progettato e prodotto per gli appassionati del genere fantasy, per i lettori di Tolkien e per coloro che accettano volentieri impasti orientali è riminiscenze medievali in musica.

Kekal – Autonomy

Il gruppo avantagarde metal Kekal torna con Autonomy, due anni dopo aver pubblicato il fortunato 8. Venne rilasciato il 9 dicembre del 2012 dalla tedesca Whirlwind Records, per poi essere rilasciato nuovamente in formato digitale dalla casa discografica indonesiana Yes No Wave Music il 29 giugno del 2013. È il secondo album della band ad essere registrato e pubblicato senza la presenza di membri ufficiali. La sperimentazione sonora è ancora presente in Autonomy (anche senza toccare picchi elevati come nei precedenti lavori), esempi sono Swings Of All Moods e Futuride: suoni ed emozioni provenienti da altre dimensioni, fanno in modo da farci percepire la musica non più come semplice e mero intrattenimento uditivo, ma come un biglietto verso sonorità introspettive e “naturalmente insidiose”. Ricordando un po’ il famoso Habit Of Fire, album del 2007 fortemente apprezzato dai fans, Autonomy, grazie soprattutto ad una tecnica di produzione, missaggio e mastering alquanto professionale, curate direttamente dallo stesso Jeff Arwadi, rievoca delle atmosfere ricercate e molto peculiari. Lo stile vocale di quest’ultimo è completo, il suo cantato pulito è molto influenzato dalla musica orientale di stampo popolare. Molti effetti vengono utilizzati sulla voce (particolarmente l’effetto stereo) e talvolta si possono ascoltare dei growl e scream in sottofondo.

Per la traccia di apertura, Rare Earth Elementes, è stato girato anche un video. Il beat elettronico con cui si inizia ad ascoltare l’album è quasi caotico, ma pian piano viene ristabilito un ritmo regolare ed entra il classico cantato di Awardi. In seguito il brano diventa un perfetto misto fra black metal e musica elettronica: il riff in tremolo picking accompagnato dal beat in puro stampo elettronico è sorprendentemente azzeccato. Quel che si nota in Autonomy è l’eliminazione di ciò che poteva essere troppo azzardato e come eccessivamente fuori controllo, a favore di un lavoro basato principalmente su classici arrangiamenti basilari. Particolare è anche la quarta traccia, Disposable Man. Chitarre elettriche con Phaser e acustiche con arpeggi ci introducono ad un brano che ben presto lascia spazio a sprazzi di grunge in puro stile anni ‘90 e riff sabbathiani. Sorprendente è la traccia numero sei, Indonesianity: il riff rallentato e gonfiato estremamente con un forte deelay ricorda addirittura lavori dei Sunn O))); le tracce di chiusura, Space Between Spaces e Learning To Love The Future si muovono in un’altra direzione: la prima, dalle atmosfere spaziali e caotiche, mentre la seconda, in partenza rilassante, lascia spazio alla massima espressione dei Kekal: statica, avvenente e psichedelica.

Autonomy è un disco solido, che magari potrà deludere qualche fan ancorato al già sopra citato The Habit Of Fire, ma nonostante tutto, quest’album rappresenta un’evoluzione, soprattutto per quanto riguarda gli arrangiamenti, seppur semplificati. Se si è amanti dell’avantgarde (e non solo), Autonomy è un disco che dovrebbe trovarsi nel vostro scaffale.

Caesar’s Psycho Machine – Caesar’s Psycho Machine

Si potrebbero definire una “one man band” se non fosse per la particolare voce di Evelina Nericcio, eppure tutte le musiche dei Caesar’s Psycho Machine, provenienti da vari strumenti, sono frutto del lavoro di Cesare Lopopolo. Strumenti che vanno dall’acustico all’elettrico, dalle corde al fiato, dai ritmi alle melodie e che nel complesso rispecchiano molte idee differenti (anche troppo). Come inquadrare questo primo omonimo lavoro del progetto è molto difficile: appaiono momenti orecchiabili come Misfortune e l’opener Blow Up A Cow (seppur un pò monca) o passaggi interessanti come le retrodatazioni “rumorali” (e umorali) alla The Velvet Underground di Serenade To A Nymph, ma anche tracce meno mature e frutto di accostamenti sonori ardui come Flowers Bloom Like Madness e le divagazioni proto-psichedeliche di Psychotronic Overture. Un biglietto da visita tutt’altro che chiaro. Difficile far aderire questo lavoro ad un’etichetta preconfigurata, che va oltre la stessa tematica del rock trasbordando in un approccio sperimentale, quasi avantgarde. Non a caso giunge presto lo scoglio, Bleeding Youth, un brano di oltre 14 minuti che attinge dai Pink Floyd (si sente il marchio indelebile che questi hanno inciso nella mente di Cesare Lopopolo) in una danza molto chitarrocentrica che presto si perde oltrepassando i confini della musica e transitando verso composizioni ben più ostili; il passaggio da musiche a suoni, da ambientazioni a solismi, seppur in parte interessante risulta eccessivamente prolisso, senza giungere ad una conclusione effettiva.

Nella seconda metà dell’album il quadro non cambia: a parte una Allegory che contiene una struttura e dei colori davvero piacevoli, troviamo la debole Verdant Wetlands, l’ulteriore tentativo futuristico con Industrial Aborigine e vari intermezzi lasciati un pò così, appesi. In generale un tentativo di suonare oltre i confini degli stereotipi abbracciati dai giovani musicisti ma senza creare davvero qualcosa che colpisca il cuore e la mente.

NichelOdeon/InSonar – Bath Salts/L’Enfant Et Le Ménure

Una confezione che definire preziosa rischierebbe di sminuirla. Claudio Milano (già incontrato in occasione delle precedenti uscite a nome NichelOdeon, l’ultima disponibile qui) mette a fattor comune gli ultimi due progetti nati dalla sua mente in un packaging fatto a mano, con illustrazioni che creano una crepa rispetto a quanto il mercato discografico ci ha abituati, prodotto artigianalmente e in serie limitata di cui noi siamo profondamente fieri di possedere la copia N.1. Quattro pubblicazioni registrate in tre anni di intenso lavoro, due che rientrano nella teatralità e nella multistrumentalità che è propria dei NichelOdeon e che prende il titolo di Bath Salts, mentre i successivi fanno capo ad un (se vogliamo) ancora più complesso discorso incentrato più sui suoni che non sugli strumenti e che si pregia dell’appellativo (possiamo definirlo così?!) di InSonar. Dai primi due album figli del progetto NichelOdeon si intuisce subito che la proposta abbraccia una passione per la sperimentazione: rispetto ai precedenti lavori della band nei quali era presente un’orgia di strumenti spesso percepiti come senza collante alcuno, qui è la voce a prendere le redini del gioco, mentre la musica funge da accompagnamento sapiente. Il brano Rapporto Sulla Fine Di Una Storia ad esempio ricorda le ultime pubblicazioni della band, ma ci sono anche momenti nuovi come Surabaya Johnny che contiene melodie vocali più orecchiabili arricchite da doti recitative di rara intensità in musica. Su questa scia dobbiamo segnalare anche il brano Giulia – Nata In 7 Mesi, Morta Al Primo Appuntamento che attinge in parte alla tradizione cantautorale italiana. La ricetta nel complesso ha comunque la stessa matrice: note dissonanti al servizio di lezioni di teatro sperimentale ed esercizi di stile assolutamente fuori dal convenuto, mettendo a dura prova i limiti che corde vocali e strumenti (non convenzionali) presentano almeno sulla carta.

E non mancano momenti molto complessi come (This Side Of) The Looking Glass, nei quali non si può che ragionare in termini di note, indistintamente se si parla di voce, strumenti o rumori; simili tracciati intricati si riscontrano nella canzone d’amore dannato 7 AZIONI – Musica Per La Carne in cui i giochi tra voce, recitazione e sezione ritmica raggiungono vette parossistiche, sicuramente artistiche. Con il secondo CD viene abbandonato il tema del’amore, le ambientazioni si fanno più tetre, gli argomenti si accostano a guerre ed emozioni meno positive; la musica prende ad inseguire i testi nel duro compito di annerire quel mix di colori precepiti nel primo CD, riuscendo anche a spezzare l’estensione vocale del singer che si attesta quasi esclusivamente su tonalità basse. Intimo il brano Trittico 50 Mg e molto musicale Secca In Festa – Lode Ad Antonio Primaldo ma ben presto il trademark ideale della band viene a galla con la lunga suite L’Urlo Ritrovato di oltre dodici minuti che parte da una soffusa Ave Maria per poi insediarsi in mille intrighi sonori, con un’arpa onnipresente che elogia bene il contributo di un sopranio e di un tenore, forse il brano più difficile dell’album. Noi preferiamo Un Posto Sicuro #2, traccia dalla breve durata ma che riesce a smuovere le emozioni attraverso una trama fitta, intrecciata da un saggio uso delle orchestrazioni e delle parti vocali che ci accompagnano dolcemente verso la fine.

Come pronosticato ancora più ricercato è il discorso per il progetto InSonar che parte con una gregoriana The Simpsons Sing Gounod la quale apre il sipario sul primo tempo dal titolo L’Enfant, mettendo in mostra una ricerca sonora diversa rispetto al progetto precedente: qui il tema musicale assume una forma più piena e meno di nicchia, sono i suoni al servizio di un prodotto più vicino al concetto artistico/teatrale in senso stretto che non alla sperimentazione fine a se stessa. Così il triste e profondo pianoforte di Thief Of Toys riesce a fare da cornice agli inserti ritmici de La Stanza A Sonagli o al sax zorniano di L’Inventasogni procedendo poi per l’impianto psichedelico-sonoro di Menura Latham di floydiana memoria (che tra l’altro vede alla batteria Pat Mastellotto) e la bellissima e crepuscolare rivisitazione di Venus In Furs di Lou Reed. Il bambino diviene menura (un particolare uccello) nell’ultimo capitolo composto da otto tracce tra le quali si ravvedono anche due special song d’eccezione: Song To The Siren di Tim Buckley e Warszawa della storica accoppiata David Bowie/Brian Eno. La prima che sembra essere stata strappata agli anni ’70 e portata di almeno due decenni oltre, la seconda plumbea con un’inniezione di oscurità che la pervade. La restante parte rappresenta le spine su cui la rosa del bambino era sbocciata: stile ed (a)musicalità, divagazioni, suoni e liriche recitate (Plaisir d’Amour), sprazzi di pazzia e di influenze orientali (La Torre Più Alta)…sembra che i NichelOdeon rivivano nella menura, come a voler chiudere il cerchio e completare così un’opera intricatissima che risulta quasi impossibile ascoltare tutta di un fiato ma che va dosata anche in funzione ai propri stati d’animo, in parte colonna sonora di espressioni artistiche molto ricercate e assorbibili solo da poche menti fisiologicamente aperte alla, varia, interpretazione musicale.

Fuzz Orchestra – Morire Per La Patria

I Fuzz Orchestra sono di quanto più rappresentativo l’evoluzione musicale possa rappresentare. Spiegato così può significare tutto e niente ma entrando nel mondo di questo creativo trio possiamo capire quando la metamorfosi delle proprie idee prenda forma anno dopo anno. Dopo un primo lavoro acido e rumoroso ed un secondo capitolo (meglio chiamarlo con il suo nome Comunicato n.2) che sprofondava nell’heavy metal, il trio giunge ad una forma superiore grazie a questo Morire Per La Patria, un album di avantgarde fortemente invischiato di rock (e post-rock) sperimentale tanto da vedere inserimenti di sax e voci recitate, effetti e divagazioni che sanno di elettronico e un senso di claustrofobia che pervade la mezz’ora in compagnia loro. Non una forma canzone né una ricetta da ripetere tra una traccia e l’altra: la “amusicalità” fredda dei Fuzz tenta varie strade di sorta e con diverse soluzioni riesce a differenziarsi non solo rispetto ai propri colleghi ma anche rispetto ad essa stessa e di come si è evoluta negli anni. Il brano più interessante risulta essere Il Paese Incantato, miscuglio di concezioni musicali differenti in grado di essere concepite ed intepretate solo grazie ad un trip di difficile risoluzione. Molto più ovattata e di difficile intepretazione è Svegliati E Uccidi che mescola una chitarra distorta e psicopatologica a delle musicalità tipicamente mediterranee che finiscono per implodere loro stesse in un mantra dall’incedere mistico e senza vincoli temporali.

Non è per orecchie facili questo lavoro che contempla vari racconti (come quello religioso in In Verità io Vi Dico) che non fanno da protagonista di un copione completamente inebriato dalle note, note scritte su un pentagramma divelto e a tratti razionalmente inconcepibile ma artefice di un interesse per nulla irrilevante. La prova conferma il potere dei Fuzz Orchestra di creare composizioni sperimentali senza cadere in cliché eccentrici e fuori contesto. Insomma non da tutti.

Neo – Neoclassico

Tanti anni fa, nel 1969 per la precisione, fu dato alle stampe uno strano disco. Un disco stranissimo a partire dalla copertina, che mostrava un uomo con in testa un cappello da quacchero, e con il viso oscurato dalla testa di una carpa. Stranissimo per il nome dell’autore, Capitan Cuordibue e la sua magica banda, e strano per il contenuto: cacofonie sonore, accenni freejazz, distorsioni, blues sghembi, strumenti volutamente spaiati ed una voce sgraziata che guidava tutto il circo. L’opera in questione è, ovviamente, Trout Mask Replica di Captain Beefheart e, se alla sua uscita fu accolto con sonore pernacchie, successivamente fu annoverato come uno dei maggiori esempi di musica sperimentale, nonché come uno dei dischi più influenti sugli sviluppi futuri del filone avantgarde. Grazie a questo disco, e ai dischi di quell’altro folle che risponde al nome di Ornette Coleman, il giovane John Zorn potè incidere la sua musica e permettere ad altri pazzi di proseguire sulla strada spianata anni prima dal Capitano. Oggi, nel 2012, ci giunge il nuovo lavoro del trio laziale Neo che dimostra di aver assimilato, fruito e gioito delle opere sopracitate. Il nuovo Neoclassico è infatti un fantastico contenitore di follie, sperimentazioni e incubi, tra il freejazz e l’avantgarde più estremo.

Il trio laziale, pur senza l’utilizzo di un basso elettrico, spinge il pedale sulla ricerca vera e proria, alla John Zorn dei Naked City, pur non dimenticando le origini “nobili” della loro musica. Infatti le quattro Invenzioni sono re-interpretazioni delle le invenzioni a due voci per Pianoforte di J. S. Bach e, come nelle partiture originali, anche qui vi è un vero e proprio dialogo tra il sassofono di Conti e la chitarra di Maresca. Per il resto è un gran bollito di jazz-free-hardcore-punk-country. Blues tradisce l’amore della musica del diavolo da parte del chitarrista Maresca, Lo Iodio è un free jazz con elementi simil prog, Good Morning presenta un’ossessivo riff di chitarra che funge da tappeto per le improvvisazioni sassofonistiche e batteristiche. È un’opera completa di decostruttività quella che si ascolta. Musica fratturata (basti ascoltare FF FF), spezzata, triturata, e sputata. All’ascolto di tutte queste confuse note ti sembra di essere scagliato violentemente in un grande cesso mentre viene tirata l’acqua, tu alzi la testa e vedi il trio dall’alto che ti fa “ciao ciao” con la manina.

Un lavoro davvero difficile, sconsigliato a chi cerca musica “leggera”. Adatto a chi conosce a menadito la lezione del Capitano Cuordibue e del suo fedele allievo Zorn.