Garbato – Anima Sensoriale

Se dovessi assistere alla chiusura di una fabbrica di vinili penso che impazzirei. Ci sono più vinili nella mia vita che errori. Che poi un intero reparto della mia libreria è dedicata al prog. Quello verace, quello antico, quello anni ’60 e ’70. Il fottuto prog italiano e non solo…ovviamente. E nel complesso, mi lascio trasportare dalle sensazioni alchiliche di questi dischi ma dirvi di averci carpito qualche buona chiave di lettura, no…non ci sono troppo riuscito. E allora lascio da parte la didattica e penso al bello che la musica mi fa arrivare fin dentro le ossa. E ascoltando questo nuovo lavoro dei Garbato sinceramente duro fatica a digerirne le trame. Parliamo di rock e di progressive, parliamo di quella matrice lì e non si scappa per quanto in Lei Non C’è i toni si fanno decisamente acustici (quasi fosse la More Than Words in un disco degli Extreme) oppure anche in Voci Dalle Finestre si fa decisamente pop nonostante tinteggiature in stile. Per il resto questo disco dei Garbato che si intitola Anima Sensoriale non guarda in faccia alle mode del momento e va ripescando i grandi pilastri di quello che un tempo era considerato il “pop”.

Un disco di rock progressivo all’italiana maniera, figlio di questi anni moderni, suonato e niente computer (almeno non di quei computer che prendono il posto dei musicisti) e poiana voce che si pone a metà strada tra il Di Giacomo e il Di Cioccio. La sensazione, perché è una carta importante che mi posso giocare, non è positiva: mi arriva forte quel senso di chi sa e vuole celebrare il passato ma senza restituire a pieno quel sapore, quell’atmosfera. Si sente che il disco è scritto oggi, si sente che è debole di estetiche, di baroccamenti vari, non basta annientare la forma canzone dalle consuete strutture di strofe e ritornelli incollando i momenti assieme con le tipiche volute di scale elettriche. Certo, ci vuole anche questo e i Garbato sanno farlo anche molto bene senza mai esagerare troppo, anzi! Manca però quel pizzico di sale, di gusto antico, di equilibrio estetico. Una voce troppo pop anche nel mix che forse avrei preferito si amalgamasse di più nel contesto. Suoni troppo pop, troppo rigidi di bellezza. Peraltro vi segnalo che la tracklist ha un master poco convincente soprattutto nel momento in cui sbalzano avanti e indietro i volumi (si ascolti in sequenza Sento – Lei Non C’è – Voci Dalle Finestre).

Un genere di musica che certamente non cerca l’estetica da cassetta o da radio ma pone la sua personalità proprio in quel sentore alchemico e psichedelico che arriva dalla commistione del tutto. Qui sento troppi personaggi protagonisti e slegati tra loro, sento un suono pop che parla un genere prog, una voce pop che cerca l’attorialità di lunghe liriche ricche di messaggio. Si perde un poco l’attenzione, si mescolano i sensi e alla fine quasi non riesco ad orientarmi, non capisco qual è il “pesce” e quale la “carne”. Il mestiere c’è e gli ingredienti pure. Manca forse la mano per saperli mettere assieme. Il risultato non è malvagio ma se dopo l’ascolto di un disco come Ys io porto a casa personalità, riconoscibilità, storia narrata e identità, qui non accade. Accade che chiudo l’ascolto cercando di inseguire qualche buona scusa per ricordarmi dei Garbato. C’è tanto, forse troppo, anche fatto bene nel complesso ma mescolato assieme in modo poco convincente. Ma questo per carità, è sempre e solo il mio piccolo ed inutile pensiero. Seduto a bordo fiume.

Paoloparòn – Vinacce (Canzoni Per Inadeguati)

Facciamo una premessa poco spirituale ma assai basica…eh già, anche le premesse basiche vanno fatte perché al 2018 il futuro è ancora lontano. Le mie piccole recensioni, per quel che possono valere, sono semplici e genuini punti di vista. Il mio punto di vista. Non hanno da insegnare niente a nessuno. Ma soprattutto, non sono manifesti di ira o di rivalsa vigliacca nei confronti di terzi. Ok?! Nel 2018 siamo capaci di fidarci di questo concetto? Siamo figli e fantocci di questo circo di critici, professori, recensioni, esperti di questo o di quel beato “sottuttoioevoinonsieteuncazzo”. Ed io non sono da meno. Eccomi a far la parte del saccente professore del “sottuttoiovoinonsieteuncazzo”. Ma per carità amici! Dico la mia. Sono chiamato a farlo e lo faccio con semplicità e sincerità assumendomi tutte le responsabilità per ogni stupidaggine che scrivo. Ok che viviamo in provincia, ok che anche Roma ormai è un passetto di provincia, ma proviamo a pensare che delle volte si può anche andare oltre a queste dinamiche assai – come dire – primitive. Ed ora veniamo al disco. Un disco che non mi piace. E ora provo a dirvi perché non mi piace.

Bellissimo e antimoda quando il testo che vive e vegeta nel teatro poi fa le valige, impacchetta le quinte e le luci della ribalta e si trasferisce nella forma canzone. Belle atmosfere di non omologazione, di libertà, di espressione randagia. Bellissimo in questo Vinacce (Canzoni Per Inadeguati) quel senso di disordine come fosse l’appartamento di un pittore francese, con libri e tele sparse ovunque. Bello questo suono poco curato, lasciato cadere un po’ dove vi pare. Bella la voce che se ne fotte della scena industriale delle perfezioni, stona con gusto ma lo fa con una espressione teatrale tale che sinceramente ci sta benissimo e mi piace. Bello infine quando il disco diventa “noir” un po’ ubriaco e un po’ di quartiere. Dunque? Beh signori, dai maestri del teatro canzone arriva sì il teatro ma arriva anche la canzone. Qui invece il disordine delle cose è il solo protagonista che distrae, disorienta, per lunghi tratti annoia e alla fine confonde senza lasciarmi niente da ricordare, né testo né melodia. Dicevo che ha fascino questo disordine ma il disordine poi deve essere esteticamente affascinante, quantomeno comunicativo. C’è differenza tra il disordine dei libri accatastati nella polvere e una stanza di panni sparsi ovunque. Sempre disordine è, ma…

Così in questo disco: le metriche come le strutture sono (ovviamente) irrispettose di qualsiasi cliché, ci sta. Ma Paoloparòn purtroppo le mescola e le agita nella totale anarchia. Un disco anarchico direi. Dunque io perdo il filo, perdo il fascino, perdo l’interesse. Addirittura le parole divengono inafferrabili. Fare Teatro e fare Canzone assieme significa sì irriverenza ed anarchia ma ci vuole mestiere negli arrangiamenti che devono dare spazio al teatro della parola e prendersi spazio per dare significato e fascino alla melodia della canzone. Qui è tutto gettato alla rinfusa. Gli arrangiamenti non hanno rispetto della voce e la voce non ha alcun rispetto della canzone. Rispetto poi per modo di dire, sia chiaro… forse è esagerato usare la parola rispetto. Ma ci siamo capiti. Infatti quando il disco diventa “noir” prende una piega meravigliosa, perché Paoloparòn ha belle carte da giocarsi e se solo avesse seguito una direzione artistica migliore probabilmente avrebbe dato grande resa a tutti i brani. Prendiamo la bellissima Ai Tempi Delle Chat. Ci sono tutti gli ingredienti di cui sopra. Ma qui, visto che c’è solo una chitarra (e quindi non si può fare confusione più di tanto) ecco che il brano raggiunge un livello di bellezza importante: il testo si celebra, la voce ha spazio anche per affascinarmi negli errori, ho aria per capire quanto è bella la registrazione che mi valorizza anche la saliva, la chitarra ha tempo e modo di disegnare un fuoripista mal riuscito ma bello perché il teatro è anche questo…e così via. E questo per me vale anche nei momenti di Vinacce (i vari attori della scena qui stanno al loro posto), oppure nella prima parte di Amleto 1999.

Nell’altrove del disco Paoloparò fa del pop con quel piglio progressive di anarchia melodica dove, non so spiegarvi troppo bene perché, ma sembra che tutto diventi confuso. La registrazione nelle dinamiche spinte perde di fascino, quel senso di disordine diviene troppo casuale, i libri non sono più messi in pile ma gettati dove capita. Poveri libri. Perchè Paoloparòn ha bei libri davvero. Ma a casa sua non mi viene voglia di ammirarli, piegandomi in dodici parti per non smuoverli da dove sono tanto sono fighi dove sono. Manco ci penso a che libri sono: qui l’istinto mi viene da prenderli e rimetterli in ordine. Ecco cosa mi capita ascoltando questo disco. Questo è il senso che mi arriva. Per carità… è il mio parere ci mancherebbe. In genere raramente questo genere di musica riesce a far bella mostra di sé, soprattutto in forma fredda e definitiva come la registrazione. E’ un genere che richiedono il teatro, quindi il live. E parliamo di teatro in senso esteso…in qualche misura anche un Claudio Lolli fa teatro canzone. E a meno di non scomodare i grandi vecchi, sono pochi i nomi che mi viene da fare a paragone. Forse – con molto meno pizzico teatrale in senso estetico ma con una bellissima gestione dell’anarchia strutturale – penserei a Giacomo Toni. Alcuni capitoli dei Nobraino sono degni d’esser citati in questa sede. E poi boh…

Ma se penso alle pagine di grande teatro canzone allora penso a quanto grande teatro è servito per farci sentire delle grandi canzoni. E qui, in questo disordine, non capisco se manca l’una o l’altra cosa. Ma questo lo penso io…e posso anche andare bellamente a fanculo prima che pensiate voi che questa “recensione” sia l’ennesimo attacco a certi artisti e chi ci lavora dietro. Su via. Abbiamo 40 anni amici miei. E’ solo il mio piccolo e semplicissimo pensiero. Nulla di più. Nulla di meno. Amen.

Tabaccobruciato – Bello Dove Stavano Gli Hippies

La bellezza di certe tradizioni non mentono. Non a caso sono tradizioni, stili, mode e soluzioni che resistono al tempo e alla trasgressione di mille ipocrite e futuristiche invenzioni. Che poi ogni cosa alla fine torna sempre alla radice della santissima tradizione. Inutile a dirsi e a farsi. E quando ascolti bei dischi che nella semplicità rispettano e celebrano la tradizione, certamente non puoi gridare al miracolo e all’innovazione, ma almeno ti rilassi con qualcosa di genuino. Sperando che sia tutto genuino insomma, e alla fine ti incazzi quando nel genuino qualcosa di storto lo trovi sempre. Insomma ti incazzi sempre. Oggi. Tabaccobruciato sforna un nuovo lavoro che come prima traccia e come titolo vince di semplicità: Bello Dove Stavano Gli Hippies. Sulle prime mi verrebbe da mettere in pentola Marco Iacampo e mescolarlo al burro di Fossati e ai tramonti di Ugo Mazzei. Girare per bene per almeno due ore e lasciare asciugare al vento del blues…che il blues c’entra sempre, anche e soprattutto nella canzone d’autore italiana. Ne viene fuori una miscela che Tabaccobruciato serve su piatti di carta perché loro, i Tabaccobruciato, sono abituati a mangiare per strada, dove capita, nelle pause del viaggio. E se E Via Così fa il verso alle variazioni di Paolo Conte, la successiva e somigliante E Vado Via qualcosa di country ce l’ha come anche qualcosa di finta “milonga” in un sapore un poco western ma non troppo.

E poi c’è pop, c’è quel folk on the road che si macchia di elettricità e graffia la voce e decisamente rimanda al Finardi nazionale quando i Nostri ci suonano brani come Ma Come Sono Contenti I Docenti. Per il resto dovremmo farci una bella immersione letteraria su questo disco che non promette banalità, ci si impegna a restituire qualità e spessore nei dettagli…ci sono i dettagli degli arrangiamenti e ci sono atmosfere e ci sono i silenzi. Bello. Di certo dimenticatevi i i riff, le melodie, il singolo radiofonico e i rullanti di Ligabue (cantautore anche lui). Un disco genuino insomma, ma…ecco qualcosa che non mi piace: un lavoro che a suo modo spazia nei classici della canzone d’autore, con una title track di un finto reggae di arie piratesche, a cui segue una de gregoriana ballata che anticipa (come detto) una quasi “milonga” e un rock pop leggerissimo che chiude poi il giro di giostra con una ninna nanna assai di maniera; beh insomma in tutto questo calderone avrei voluto ascoltare tanti suoni diversi, tante belle sensazioni di ricerca e di avventura, tanti modi per restituire davvero il sapore a quella tradizione piuttosto che a quell’altra. Invece soprattutto la parte ritmica sembra essere registrata una volta soltanto, uguale di pasta e di intenzione dall’inizio alla fine. Sembra. Magari mi sbaglio. Di sicuro nessuno degli attori caratterizzano la scena che stanno rappresentando. Di sicuro vedo la voglia di fare tante cose diverse restando però confinati sul filo del “ci abbiamo provato” senza mai restituirci quella bellissima sensazione di viaggio, di variazione, di tanto altro ancora del “ci siamo riusciti”.

Insomma: Bello Dove Stavano Gli Hippies è un viaggio sincero, acqua e sapone e tantissime tradizioni antiche (ormai antiche ma neanche tanto). Però somiglia troppo ad un viaggio in autobus che attraversa mille terre sconosciute. Le vedi dal finestrino le terre sconosciute. Ma dall’autobus non si scende mai. Le vedi ma solo dal finestrino. E non è un peccato? E quando mi ricapita un viaggio simile? Così questo disco suona uguale dall’inizio alla fine…e non è un peccato? Per me lo è…però per me, sia chiaro.

Matteo Fiorino – Fosforo

Il caso giudica i viventi. Questa frase mi è uscita di getto e di getto vi dico che mi piace molto e la uso quasi a vanvera, che poi alla fine sta bene ovunque. Mi piace l’esperienza che ci regala il caso, sì proprio il caso, quello che da buon ladro mascherato ci fa incontrare cose, persone, momenti e oggetti che – per caso direbbero tutti senza preoccuparsene alquanto – ci obbligano a confrontarci con dinamiche e pensieri che prima di allora neanche sapevamo di poter vivere o di saper fare. Parlo per raffigurazioni ma in fondo, a pensarci bene, accade proprio così. Almeno per me è così. Sta poi alla sensibilità di ognuno far finta di niente o fermarsi a riflettere e magari da lì costruirsi un poco di più. Ed ecco il mio caso: dalla mia libreria tiravo fuori l’altro ieri proprio Ippopotami e, soprattutto, Il Re Non Si Diverte di Vecchioni. E ora che ci penso cito anche Amerigo di Guccini. Dischi che la critica, se non per qualche tiepido motivo, ha lasciato scivolare nei cassetti dei tanti (con Vecchioni in particolare perché di Guccini alla fine, spesso solo per mero citazionismo da fighetti finto culturali pronti al rimorchio, brani come Eskimo li abbiamo sentiti nominare almeno una volta). Eppure al primo ascolto, questi vinili mi hanno ricordato di quando già da quel passato, cantautori che oggi chiameremmo tradizionali, “esasperavano” l’espressione e la sua forma abbandonando i cliché e le convenzioni. In particolare punto il dito sul disco Il Re Non Si Diverte. Pensai: l’Italia e gli italiani non saranno mai pronti a capire la bellezza di una simile opera, quasi prog nella spiritualità, teatrale è dir poco, evanescente e confusa nei suoi cambi di scena e di lingua, decisamente completa, forte, infinita di messaggi. Un’opera. Non a caso questi dischi praticamente sono sconosciuti e nel 2018 va in onda ancora Sanremo e tra critica e burattini da palco (alcuni anche dinosauri) si fa ancora della canzone banale che i media celebrano in lungo e in largo. Una vera tristezza per essere gentili.

Chiusa la parentesi con il disco di Vecchioni e di Guccini guardo oltre. Passano delle ore, qualche giorno, metto play sul nuovo lavoro di Matteo Fiorino e riapro quelle parentesi con tutte le emozioni annesse e connesse. Si intitola Fosforo. Un disco ampio. Brani che superano i 4,30 spesso e volentieri, poliedrici, arabeschi di colori e di suoni, un suono che sulle prime pare sposare il banale cliché da cantautore indie, ma dimostra subito di farlo quasi a scherno, quasi a farne il verso o forse quasi a giocarsi un briciolo di linguaggio comune per aprire una porta di dialogo cosciente di dire cose assai difficili da comunicare. Se l’impatto dell’estetica ricorda milioni di esempi – magari il primo che mi viene è Colombre – il soffermarsi anche solo un istante mi fa capire che l’Italia e gli italiani saranno sottoposti ad un ascolto che oggi non hanno la forza e la cultura di fare. Ed io con loro. Nessuno si senta escluso. E nessuno si offenda ma se un gruppo come Lo Stato Sociale calca il palco di Sanremo e tutti ballano la colpa è anche nostra, stessa identica colpa che abbiamo nel perseverare anni interi con una politica finta e farlocca. Ma andiamo oltre. Fosforo restituisce verità. Lasciamo da parte la scena da professore saccente sulla genesi della parola. Io punto il dito proprio sulla canzone e sul ruolo dell’artista che questa volta è vicina ad una grandezza che, da cantautore, un pochetto invidio e un altro pochetto miro a raggiungere. La parola cantata (e delle volte stonata come in San Giuseppe) veicola messaggi che non possiamo assorbire con un ascolto banale. Ci vuole attenzione. Ci vuole solitudine con noi stessi. Ci vuole tempo. E noi italiani di oggi non abbiamo neanche il tempo di leggere un post su facebook caro Fiorino…sarai depresso da subito o sbaglio?

Il suono di Fosforo è complesso: non è un design banalmente acustico e digitale, non è un mix moderno di qualcosa che sa di plasticoso come vuole la moda del momento. No. Il suono di Fosforo è un viatico, un mezzo, una pista di atterraggio dove arrivano i messaggi della parola. Gli arrangiamenti accolgono e sviluppano, la musica nel suo totale conduce per mano e comunica. A parte numerose sensazioni (almeno dal mio punto di vista) di “intimità islandese” con sonagli e suoni piccoli che rimandano ai glokenspiel (bella commistione tra quel barocco di classico e di ghiaccio nello strumentale finale dal titolo Galleggia Anche La Terra) sento un mood deciso che non cerca lo stupore in cose eclatanti. Ha saputo dosare piccoli dettagli, un rullante al posto giusto o l’arco di violino che disegna i contorni. Tutto scivola con personalità. La vera porta in faccia arriva dalla forma canzone. Vi sfido e ci sfida a singolar tenzone. Decisamente facile trasgredire alle regole? Assolutamente no. Di dischi che hanno provato con esuberante presunzione di fare musica alternativa ne ho gli scaffali pieni e sono opere che annoiano di banalità dopo pochi istanti. Si smascherano subito. Trasgredire con stile restando forti è un’impresa decisamente epocale, oggi soprattutto. Realizzare “suite” variegate nella forma e nel sapore senza perdere mordente e senza mancare per un attimo l’obiettivo di restituire al pubblico quella sensazione di canzone importante è il nucleo di bella di questo lavoro. Ascoltate Eskimo di Guccini (per una volta almeno) e poi fate conto di come, dopo giorni di canzone (perché quella canzone dure dei giorni interi) non si sia stufati. E lì addirittura il maestro reitera lo stesso giro di accordi (folk della tradizione). Fiorino no. Fiorino, in questo futuro presente, gioca con le strutture come fosse pongo, raramente si ripete e di sovente cambia faccia. Ma è sempre lui, lo riconosco, non si nasconde, non ha maschere…solamente sposta il punto di vista.

E devo riascoltarlo ancora e ancora per capire quanto sia forte tutto questo o quanto sia debole. Chiunque sappia racchiudere un disco come Fosforo in poche righe dopo ascolti superficiali, come fosse il disco di uno dei tanti burattini pop del momento, sta compiendo un crimine di ignoranza. Ed io starei qui a scrivere per giorni e di getto su mille particolari, dei tantissimi momenti di questo lavoro, di come Madrigale mi teletrasporta nell’Arcipelago Chieti di Graziani o come Dermo sa di quartieri di periferia in scenari post-rock e il “krautorock” di Canzone Senza Cuore lascia poi spazio a Fosforo, la title track del disco che nei suoi 6,25 minuti racchiude tutto il potere espressivo, di forma e di parola, di Matteo Fiorino. Parte d’autunno, in punta di piedi, raccoglie le cartacce da terra, segna qualche bella frase sulla sua vecchia moleskine, poi la grida ai passanti e d’improvviso, dietro l’angolo, l’amore si fa orchestra, che riconosce l’anima di chi si ferma ad ascoltarla. Come accadeva a August Rush. Forse è questa la vera luce, la vera conseguenza di ogni nostra azione. Ma per capire tutto questo si deve leggere il sottotesto della vita. E pensando che oggi anche i baci perugina hanno le frasi di Emma, non so quanti abbiano ancora la voglia e la capacità di farlo. Secondo me siamo in tanti che ancora vivono di vita buona. Ma questo è solo e soltanto il mio piccolo punto di vista.

Joe D. Palma – Generazione Brucaliffo

I ragazzi nella musica parlano dei loro problemi, del loro futuro, delle loro paure, dei loro disagi. Non sono da meno i giovani Joe D. Palma che preferiscono presentarsi con un EP di cinque brani, un morso per appurare il loro mondo che forse è un po’ anche il nostro, perché loro non arrivano da un mondo lontano, arrivano da Padova. La cornice è molto cantautorale, i brani partono (probabilmente anche in fase di concepimento) da una chitarra acustica e poi si evolvono con sonorità elettriche ma che non impongono una verve disarmante, piuttosto preferiscono essere alternative (o indie) ma con quintali di melodie, soprattutto nei ritornelli, per indorare la pillola del messaggio a tratti crudo a tratti rassegnato. In prima linea il cantato che sicuramente spicca anche se a parer nostro è un po’ troppo forzato in albuni momenti (esempio Laura, Irene), come se volesse primeggiare nel sound della band finendo però per sottrarre attenzione agli altri strumenti.

Crediamo che le composizioni intime e ricercate non siano l’habitat dei Joe D. Palma che si muovono decisamente meglio nei momenti più ironici (o sarcastici) come Brucaliffo o Chissenefrega, brani che hanno comunque degli argomenti da trasmettere ma che lo fanno con quel sapore di leggerezza che combacia bene con il loro sound. Più in questa direzione e una composizione più estesa a tutta la band possono davvero far crescere questa band.

Daimon – Bedlam

Caro direttore, so che lei mi ha sempre consigliato di non leggere altre recensione per non condizionare il mio pensiero ma questa volta l’ho fatto tanto ero combattuto, tanto il mio gusto sedeva in bilico sul burrone di odio o amore per questo disco. Non sapevo, caro il mio direttore, cosa pensare e soprattutto se ero in grado di pensare qualcosa di corretto. Dunque lo ammetto: ho spulciato altrove. E, sempre caro direttore, la vuol sapere la verità? Ho letto cose su questo disco che mi hanno convinto di dover completamente seguire il mio istinto. Dunque segni un 5 (che mi sento anche buono) su questo voto istituzionale e ora, caro direttore, le racconto il perché. Corrado Pizzicato dalla piemontese terra di Piemonte sforna questo Bedlam per (R)Esisto Records. Sono 10 tracce che, se leviamo da parte la voce, confezionano un disco assai interessante, di quel folk rock on the road molto dannato e disperato che ultimamente mi fa solo che innamorare. Qualcuno, caro direttore, ha citato Elliot Smith, ma io le citerei i REM di Sad Professor quando Daimon (il nome d’arte di Pizzolato) ci canta la struggente Day And Night, Pt. 1 e citerei le delicatissime ruggini per l’anima di Patti Smith in una processione di note che segnano a vita eterna il brano Dancing Barefoot e che qui, con distorsioni appena più maleducate – oserei dire quasi grunge – ritroviamo (si fa per dire) nel riff di chitarre di Pigments. Oppure io le citerei, caro direttore, il meraviglioso sound di Gravenhurst (ahimè, altra grande perdita) quando cantava la meravigliosa Cities Beneath The Sea e che qui forse il nostro Daimon ci si accosta appena con una bellissima Goodbye Blues.

E poi ancora, sempre caro il mio direttore, che dire di Casting Away che liscia il pelo al bellissimo pop internazionale da cui possiamo tirar fuori nomi e riferimenti a iosa come se un domani non vi fosse? Però in fondo io le ho detto cosa penso in conclusione, caro direttore… e non ci siamo. Lasciamo da parte che il disco si apre con la titletrack che si gioca carte di seduzione assai famose che, in questo caso, immancabilmente richiamano le soluzioni portanti di Firestarter (forse uno dei colossi intramontabili dei The Prodigy…forse è voluto…io non lo so…e poi guarda caso il video di questo brano ha lo stesso sapore di celle buie, sotterranei, distorsioni etc…) e levando anche che il bellissimo sound di Drug Addict perde tutto quel che può in una ritmica di tom assai banale e registrati in modo poco convincente, senza un’estetica coerente con questo genere di scrittura, levando anche da parte che tutto il disco in fondo avrebbe richiesto una produzione assai più adatta e attenta a dei dettagli di suono che sono importanti per questo genere, il vero baratro di questo disco è la voce di Daimon. Se vuole, caro direttore, evito di ripetermi quanto sia sgradevole una pronuncia inglese di un italiano. Ma non mi faccia tacere sull’intonazione e sul cantato che è assai difficile da sopportare. Ed io lo sa, caro direttore, non sono un cantante però… penso che il momento peggiore, il brano che davvero non sono riuscito a finire è proprio Day And Night, Pt. 2 in cui la voce perde il filo troppo spesso e con stonature che vanno oltre quella zona Cesarini per cui il paraculo di turno può appellarsi al concetto filosofici di “espressione artistica di filologie romaniche d’avanguardia nel concreto rispetto delle saccenti norme per l’ovulazione dei primati in sede di demagogie produttive di una spiritualità ligia al divenire e non alle apparenze”…e robe simili.

Caro direttore, Daimon stona troppo e con un piglio assai stressato che rende fastidiosissimo il cantato. Sembra quasi che non sia questo il suo normale registro vocale, che ci si avventuri per gusto e per diletto ma la sua voce non nasce e non è affatto educata a star seduta in questa zona delle frequenze. Ed io sono uno che se vuole stona di brutto, sia chiaro, e capisco anche i flessi e le imprecisioni, il mio ultimo disco è registrato dal vivo proprio per dare spazio alle sfumature: trovo che le imprecisioni siano la vera ricchezza dell’espressione artistica e non siano solo stupidi errori. Ma qui oltrepassiamo proprio il limite invalicabile. Peraltro, caro direttore, quei glissati di voce che strozzano le note ed il suono, così tanto e per così tante volte che sinceramente li paragonerei alla forchetta che va di punta sul piatto. Wow…sto malissimo, caro direttore. Ok sono affascinanti per dare quel senso di dannato, Giuliano Sangiorgi ne ha fatto un colossal (giusto per dirne uno): ma anche in questo caso, c’è un’enorme differenza tra quello e questo. Enorme. Infinita. Neanche ci siamo avvicinati un pochetto. E passando poi all’ultima traccia, Now Let Me Go Home, davvero acerbo è anche il solo di chitarra che sembra fatto da un chitarrista alle primissime armi. Questo brano poi lo designo come apice d’espressione di tutto questo suono che cerca, ed io lo apprezzo che cerchi, ma non riesce ad avvicinarsi a quello che (forse) voleva, di questi arrangiamenti assai primordiali e troppo sempre vicini ad altro, con questa voce fuori tonalità nei passaggi, strozzata nella sua ricchezza e debole di energia e poi le ritmiche…poco comprensibili, delle volte mi sembrano fuori tempo (ma non lo sono).

Non so, caro direttore, mi dica lei. Forse esagero lo sa ma io alla musica richiedo davvero tanto perché davvero tanta ne ho prodotta e ne ascolto ogni giorno della mia vita. Questo disco è come un bel libro con tanti refusi, veda lei. Questo disco, caro direttore, mi sa tanto di qualcosa registrato nel doposcuola dei ragazzini che vogliono giocare alle rockstar dannate più che un disco ufficiale che merita pubblicazioni e recensioni. Sì direttore, mi scuso della mia cruda lealtà, ma lei avvisi Daimon che nulla è da prendersi sul personale, ma ci mancherebbe, neanche lo conosco…e avvisi anche tutti gli altri che il mio non è un pensiero saccente che giudica e vuol fare morali, tantomeno che vuole insegnare. Mai sia…sono un imbecille qualunque che dice qualcosa che lascia il tempo che trova. Ah un’ultima cosa direttore: anche la copertina di questo disco è, come dire, un poco banale. La foto da Kurt Cobain, uomo dannato quasi fosse un carcerato ci sta tutta soprattutto per il disco che deve raccontare. Ma l’effetto per mangiucchiare i bordi è qualcosa di assai basico, come la dissolvenza incrociata nei video dei matrimoni. Tutto qui caro direttore. Mi scusi anche lei…caro direttore.

Daniele Maggioli – La Casa Di Carla

Quando ti arriva un pugno nello stomaco, di quelli forti che ti spezzano il fiato e ti chiudono gli occhi, è inutile stare lì a ragionare se si è trattato di un gancio o di cazzotto a mano chiusa. Quello che resta è l’effetto finale del gesto, lo scossone che il tuo corpo, dentro, ha subito. Stesso discorso per La Casa Di Carla, EP targato Daniele Maggioli: inutile stare lì a clusterizzare i pattern o i brani in un genere predefinito, non è rock ma non è nemmeno cantautorale, sono le musiche che arrivano senza indugiare e talvolta scombussolano dal di dentro. È il caso evidente dell’opener, Architetture che con melodie semplici ma effetti ed ambientazioni più ricercati crea un interno panorama sonoro intorno a noi, molto cinematografico, o anche della titletrack che sembra un b-side di Nick Cave dopo aver vissuto per tanto tempo in Italia ed essersi ispirato per scrivere strofe parlanti. Madame pone l’accento su di un piano che parte leggero e lascia ampissimi margini alla voce di spingere sull’interpretazione: il ritornello poi cala l’asso, come una ciliegina che dà colore oltre che sapore alla torta intera.

Ok, ora cancellate tutto quanto letto finora e ripartite da zero perché negli altri brani Daniele punta al pop allegro e spensierato, di quello indie anche un po’ banale, e piazza L’aperitivo che ricorda un giovane Francesco Baccini e Il Cannibale che era meglio non ascoltare (“io sono un cannibale d’amore, io ti voglio, ti devo divorare…vieni qui bambina mia, salta dentro la padella con il pepe e lo scalogno e la cipolla“). Duplice modo di vedere la musica, noi la nostra l’abbiamo detta. Adesso spetta a voi dare un giudizio.

Pierpaolo Scuro – Tu Che Guardi

Un giorno sono entrato in un negozio di scarpe che vendeva lampadari e vinili, anche lampadari e vinili assieme alle scarpe e il tutto in un unico locale. Piccolo peraltro. Avevo bisogno di nuove polacchine per i miei piedi e invece ho speso ore intere a sfogliare dischi e sono uscito con un pezzo di Mr. Harrison e niente scarpe. Amen. Alla fine, una volta a casa mi sono accorto che avrei dovuto tornare in cerca di scarpe il giorno dopo, che in fondo questo disco non è che mi interessasse poi molto e che, sommando il quel che potevo sommare di questa morale, quel negozio non era né carne né pesce né carbonara. Non ci ho capito nulla e il disco che ho riportato a casa ne è piena testimonianza. Tra l’altro, passata l’eccitazione di vedere in fila centinaia di vinili, smaltita l’adrenalina, capisci che i pezzi che aveva in fondo non erano poi così di valore e le scarpe alla fine manco le ho guardate. Pierpaolo Scuro pubblica con Dormiveglia Dischi questo Tu Che Guardi ed io ho rivissuto la stessa sensazione di quel giorno in quel negozio. Sono in una difficoltà immensa perché in fondo riporto a casa un nulla di fatto. Non è un disco rock. Si ok, scimmiottare l’indie che si scimmiotta da sé e scimmiotta l’America e la controcultura punk ci vuol poco, basta urlare di non voler fare niente e di odiare le regole e mettere distorsioni anche al clavicembalo. Ma tanto per cominciare i suoni sono davvero poco gustosi soprattutto nei momenti di maggiore dinamica e il pezzo Io Non Posso Fare Niente soffre di un mix malconcio – la batteria e il charleston prima di tutto come anche l’aria e la dinamica. Le basse dove sono? Si avete ragione: nell’indie non si usano.

È un disco cantautorale sicuramente e punta sull’intimità la sua carta migliore. Ma sinceramente ho ascoltato una distesa di torch song che nell’aspetto sembrano somigliarsi, ripiegarsi su se stesse, restare chiuse e indisposte al dialogo con l’ascoltatore. Tanto che dopo tre ascolti io non ne ricordo una. Ho il player aperto per citarle: interessante l’elettronica di Deserto che forse macchia di una personalità il tutto. Tempo è una nenia sostanzialmente di chitarra e voce nell’ossatura che dura circa 4 minuti (cori e sviluppi a parte che sono poche finestre e variazioni sul tutto): troppo, distraevole come disse il saggio, monotonicamente infausta per chi ascolta. Sembra davvero una confessione a se stessi e di voialtri, scusate ma non mi frega un ca… Le ballad: da Non Cercarmi Mai (il cui video ufficiale mette alla prova anche la pazienza di un prelato missionario: tutto fermo, tutto monotono, tutto uguale…per 4 minuti!) a Una Notte Ancora che un poco strizza l’occhio al Vasco nazionale con quel modo di mischiare melodia a metriche vocali, sono brani troppo corposi e privi di sviluppo, di evoluzione, di anima. C’è davvero tanto dentro ma non c’è forma. Credo che – nel mio piccolo sempre – siano brani privi di un corretto arrangiamento. Non ci sono punti di appiglio con il pubblico che inevitabilmente – a meno di non essere direttamente chiamati in causa per un qualche motivo sentimentale – si distrae e non viene reso partecipe al messaggio.

Ma Torna E Scompare non è uguale a Tempo? Certo che no, mi si risponderà. Ma siamo proprio sicuri? Certo che sì…mi si risponderà. Ma guarda che io non mi riferisco al design. Ma quando la Tipo uscì sul mercato per replicare il design della Golf sinceramente in alcuni momenti non so se erano proprio due macchine così tanto diverse. Ancora elettronica con Occhi con questa chitarra molto noir da tex mex messicano e poi una voce distorta a dare una forma epica al brano. Si forse questo è il momento migliore del disco. Forse: perché di nuovo se i suoni e la struttura fossero meglio lavorati allora avremmo di sicuro un risultato così diverso da sembrare…decisamente diverso. E poi le lunghissime (“troppo lunghissimissime”) Bambino e poi Troppo che di nuovo impastano la stessa trama, lo stesso scrivere, lo stesso cocktail e le stesse soluzioni. Probabilmente nell’ultima traccia davvero ritroviamo quel Vasco che vomita prima di dirci quanto sia tutto stupendo. Sempre parlando di sensazioni e non di estetiche sia chiaro.

Per carità, questo è il mio parere sempre e comunque e come tale va trattato. Io spero soltanto di non aver l’orecchio offeso e la mente allucinata. Me ne scuso nel caso. Ma un disco del genere mi ha allontanato dal disco stesso, dalle sue canzoni e dal valore del messaggio. Credetemi: faccio davvero fatica a trattenermi addosso una parola, un motivo da fischiare, un significato, una bellezza. E di tutto questo ce ne sta tanto dentro in ogni singolo brano. Eppure se avessi girato meglio in quel negozio, se avessi insistito, avrei capito qualcosa…forse devo solo insistere…o forse solo comprando un disco di George Harrison in un negozio di scarpe che vende anche lampadari si capisce quanto davvero sia sbagliata una tale confusione di marketing. Spero che l’esempio sia arrivato.

Rosso Petrolio – Rosso Petrolio

Rosso Petrolio è l’EP di esordio dell’omonimo cantautore romano, al secolo Antonio Rossi. 5 pezzi intimi e malinconici, ma vibranti e magnetici. 3 brani in lingua inglese, 2 in lingua italiana. Un’alternanza di lingua che testimonia i vari set di influenze che hanno forgiato il musicista, lo scenario underground londinese dove ha appreso l’arte del songwriting e quello romano dove si è fatto le ossa a furia di live. C’è un altro scenario che ha dato vita a Rosso Petrolio, ed è il Portogallo dove il cantautore ha vissuto per un periodo assorbendo le suggestioni legate all’oceano, alla decadenza, alla malinconia (saudade) e allo studio della letteratura portoghese. Tutte tematiche che si sono fuse con il suo vissuto personale e lo hanno spronato a concretizzare nella forma-canzone impressioni, emozioni, liriche buttate giù nel corso degli anni. L’esito di questo processo introspettivo-creativo è, oltre all’EP in questione, anche un libro di poesie, Chronicles Of A Naufragio, che accompagnano ed integrano il disco condividendone la sensibilità di fondo. Emblematico il titolo della raccolta di poesie che fa riferimento ai continui travagli e tempeste della vita quotidiana da cui è sempre più difficile riemergere.

Le liriche, delle poesie e dei brani, sono intrise di riflessioni intimiste ma estensibili alla realtà odierna di ognuno di noi, alle difficoltà relazionali, alla nuova socialità virtuale imposta dalla tecnologia onnipresente. Svariate le influenze presenti: dal cantautorato italiano (come è naturale che sia) alla scena folk rock americana passata e presente. Voce e chitarra, arpeggi di volta in volta decisi o delicati, e solo qualche percussione sullo sfondo, distorta e distante. L’essenziale per dire tutto. Un set acustico minimale ma incisivo. Un sound dolce ma energico, come la voce del cantautore. Un album gradevolissimo, fatto di riflessioni malinconiche e tormenti ma anche di propositività. Davvero un bel racconto di sé reso dalla semplicità elegante del suono acustico, come nella migliore tradizione cantautorale.

Le Furie – Il Futuro È Nella Testa

Occhio che non tutte le donne sono belle, non tutte le Ferrari sono rosse e non tutte i gelati si sciolgono al sole. Occhio che non è detto che una chitarra elettrica faccia del rock o che una distorsione faccia del punk. Occhio perché belle frasi non fanno un poeta e belle gambe non fanno sempre venir voglia di far l’amore. Amen. Siamo a Firenze e siamo tra le braccia di una band che sinceramente mi colpisce per un equilibrio insolito e precario in cui riesce a scrivere…e a scrivere bene. Ma occhio che non è sempre una mazza da baseball a colpire la pallina. Le Furie tornano dopo un lustro con un disco dal titolo Il Futuro È Nella Testa la cui title track del disco che chiude la tracklist mi si è piantata in testa con un’efficacia importante e non ne vuole uscire. Eppure sono convinto di aver sentito altrove quell’inciso e, tra memoria ed ignoranza di cui mi scuso anzitempo, sono incapace di darmi una risposta valida. Magari non c’è niente da rispondere e che sia tanto il cappello che levo al Le Furie toscane. Forse è il vero grande brano della maturità, della crescita e della svolta. Bravi. Ma veniamo al resto.

Di sicuro la prima cosa che colpisce dritto alla testa è l’importanza testuale di un disco che – sempre sulle prime – ha la parvenza di essere uguale a tanti altri. Uguale si perché questo mood irriverente, noise e decisamente alla Ministri maniera – vedi la produzione artistica – questo certo modo di fare un pop vestito da punk sinceramente è un format che hanno ormai sposato tutti…tanti…troppi. Questa ribellione sociale contro uno stato di cose che ci omologa e ci vuole addomesticare – e qui vi cito care Furie con la bellissima frase “…addomesticati bene non facciamo più rumore…” – questa voglia di uscire oltre le scatoline che compattano la società e la mette sugli scaffali ben organizzati. Ok. Anche il mio prossimo disco – non a caso – si intitola Ho Bisogno Di Aria quindi capisco bene l’urgenza e la necessità. Però quello che mi chiedo è: contro l’omologazione reagiamo facendo dischi tutti uguali? Certamente differenze ce ne sono, mille sfumature e mille personalità in via di maturazione. Io non sono qui ad insegnare niente a nessuno, ci mancherebbe, ma dischi come questo ne sento a palate. Prima andava di moda anche il suono di Fusaroli quindi, una volta fuori Il Teatro degli Orrori via tutti ad imitarne anche il pregio di un suono saturato che non potevo neanche mandare in radio. Che poi ad ascoltarlo bene questo disco, sinceramente la produzione neanche mi fa impazzire, con questo stress ovunque, questa batteria che nei momenti di maggiore dinamica neanche se ne comprende il dialogo per quanto la sua voce è soffocata da un muro di chitarre.

Eppure Le Furie in tutta questa parvenza d’omologazione hanno un che di loro che colpisce anche me che sono prevenuto e – va ripetuto non per finta umiltà ma per rispetto di tutti – abbastanza ignorante. Restituiscono melodia e contabilità ad un disco che di norma cerca negli urlatori e – spesso – nel linguaggio scurrile una facile via di fuga. Le Furie scrivono e scrivono anche molto bene come detto prima, i testi sono stimolanti e gustosi – potrei aprire il poster dei testi e pescare a caso trovando sempre cose interessanti. Però, sempre per un mio ascolto personale, sono solo due i momenti di questo lavoro che personalmente trovo altamente ispirati anche da un punto di vista musicale. Il singolo di lancio Il Mare che abbraccia a pieno i Modà (perdonate ma l’inciso e al limite di “plagio”… ovviamente le virgolette sono importanti) e la bellissima Questo Nostro Continente in cui quasi quasi ci vedo l’Islanda e personalmente sarei andato molto più in quella direzione. Momenti questi che mi trasmettono istinto e libertà, poco ragionamento (forse mi sbaglio), brani con una maggiore personalità e unicità d’essere che proiettano il pop de Le Furie toscane in un livello interessante davvero. Per il resto il disco punta i piedi su una componente lirica di sicuro pregio ma ahimè perde di quella personalità ed identificazione finendo per mescolarsi in una massa obesa da tempo.

Avete una bella scrittura ragazzi. Non c’è sempre bisogno di fare troppo rumore. Che poi alla fine a tutti noi viene dato un mezzo per fare rumore… santi social… santi computer… e lo facciamo “senza se e senza ma” diventando tutti sacerdoti ricchi di informazioni ma spesso privi di cultura (io come tanti altri oratori da Fast Food, tanto per citarvi ancora). Nel mio piccolo credo proprio che facendo rumore, questo rumore legalizzato dal sistema, ma soprattutto facendolo sempre allo stesso modo non facciamo altro che far proprio il gioco voluto dall’omologazione sociale. Non so se mi sono “reso spiego”. Come a dire: se tutti andassimo in giro nudi non sarebbe una trasgressione lasciare i vestiti a casa. Chiudo invitandovi a questa lettura meravigliosa: Il Ritorno Del Dinosauro di Piero Dorfles. Buuuum.