Eugenio In Via Di Gioia – Tutti Su Per Terra

L’ironia della sorte. Anzi delle evidenze. Ve la racconto esattamente com’è andata. Come sempre il primo ascolto di un nuovo disco è volutamente distratto e casuale. Parte (scoprirò dopo) La Punta Dell’iceberg e tra me e me penso: ecco un altro clone dei cloni di chi per ultimo ha pensato di clonare chi per primo si è inventato un sano modo di evitare di far bene il mestiere del musicista e cantautore. Ecco un altro pezzo drammaticamente uguale ad uno dei tanti (tanto sono tutti uguali) de Lo Stato Sociale. Bene. Poi il lettore, come spesso capita ha pescato random dalla libreria ed è finito proprio su Lo Stato Sociale. Vi giuro. Ero distratto, certamente, ma non stavo cuocendo le melanzane o facendo le tracce al muro. Ero a lavoro accanto allo stereo. E non ho notato la differenza di questo passaggio. Ciò significa due o forse tre cose. La prima: non conosco affatto Lo Stato Sociale tanto da non poterli riconoscere. La seconda: l’impronta di questo disco è davvero molto aderente a quel tipo di folk scanzonato che è più parlato che cantato. Terzo: che insomma dovevo fare attenzione. Chiudo ciò che stavo facendo, do fuoco alle mie B&W e mi metto in ascolto.

Eugenio In Via Di Gioia (bellissimo nome tra l’altro) sforna un secondo disco dal titolo Tutti Su Per Terra. Gioca con le parole e, ad attenzion facendo, ci sa giocare bene. I torinesi che sono un poco (anzi a guardar bene lo erano più prima) figli di un Rino Gaetano dell’era a risparmio energetico e un poco aderenti a questo maledettissimo mood indie che si parla più che cantare, sfornano 9 inediti che sinceramente mordono l’anima solo in pochissimi tratti (e per i miei gusti direi che è già un buon risultato). La prima traccia Giovani illuminat” oltre a corredarsi di un grandissimo video (ragazzi correte subito a vederlo) è davvero “il pezzo” del disco. Un bellissimo testo che non insegna ma racconta, che non educa ma invita alla riflessione. Siamo figli tutti di un presente che diventa futuro in cui il risparmio energetico non è solo nelle batterie a basso consumo ma anche nella sterile voglia che si dedica alla propria curiosità, al proprio progresso, al proprio diventare. Bravi. Un brano da condividere. Poi arriva proprio La Punta Dell’iceberg” che si…Lo Stato Sociale…ma a far bene l’attenzione si sente più cura, un pizzico di melodia in più, quel saccente modo di raccontare  il presente e poi…non riesco a farmela piacere questa formula, non c’è niente da fare. Chiedo umilmente perdono. Dalla vostra avete un ritmo tribale che un poco rimanda al “rotolamento verso sud” dei Negrita…e quindi fa figo e fa estate, ma insomma, così come Sette Camice che mi presenta un irriverente ed ironico teatro canzone sempre e soltanto sulla vita quotidiana.

In momenti come Silenzio invece torna a far capolino la canzone propriamente detta, tra l’altro dimostrando che quando ci si mettono tirano fuori suoni e soluzioni assai interessanti o come Chiodo Fisso (altro bellissimo video) che parla di un chiodo e se ne fa poi metafora di vita (se non ho letto male tra le righe o forse è così che mi piace raffigurare certi simboli) con una melodia che aprendosi pian piano sul finale mi riporta in una pop song internazionale, una di quelle che in inglese vedresti bene in una pubblicità di telefonia mobile con queste voci corali che si rimpallano ruoli e momenti. Scivola è forse la forma canzone classica di questo disco, di matrice beatlessiana o comunque inglese nel DNA, un retrogusto di soul con questi fiati restituiscono un sapore assai gradevole, pop nel più gustoso ed elegante significato. Selezione Naturale ospita il rapper “Willie Pelote” e la formula un poco urban e un poco pop si disegna nel più classico dei modi quando si ospita un artista che abbisogna di avere spazio e metriche forzate. Ed il suo intervento che nasce come comoda prosecuzione della melodia portante poi si sviluppa in un crescendo fino ad uno stop di massima tensione e giù a caduta libera sul ritornello finale. Lo feci anni fa con Caparezza e gli U’papun. Si fa così da anni. Il disco si chiude con La Prima Pace Mondiale – ancora un bel gioco di parole per questo mondo sottosopra – ancora un altra prova a Lo Stato Sociale, ancora un miscuglio di andamenti un poco tribali ed un poco soul, un brano molto aderente al mitico Ed Sheeran…però mi pare, dico mi pare, che questo sia prodotto con minore qualità rispetto al resto del disco soprattutto sulla coda del brano con questo suono che vuole sembrare gigante e la voce (ovviamente parlata) che vien fuori dalle “macerie” di un cumulo di bellezza…che però pare un poco tanto confusa.

In conclusione, questo disco se avesse avuto tutti brani del tipo di Giovani illuminati, e seconde scelte come Scivola o Silenzio credo proprio poteva giocarsela su larga scala. A parte questi momenti purtroppo mi mancano gli spunti, quelli veri, quelli importanti per fermare l’ascolto e la memoria. Come sempre mancano le idee…e non basta metter su un bel gioco lessicale quando poi è l’arredo estetico che viene a mancare. Ecco: ho proprio avuto l’impressione che troppo spesso la musica fosse un corredo alla canzone e non canzone stessa. Ma questo è sempre il mio umile quanto inutile parere. Però facciamo questo gioco, con sincerità, un gioco che sempre ci torna utile: fate ascoltare questo disco a qualcuno e d’improvviso chiedetegli di fischiettare un qualsiasi passaggio. Non avvisatelo prima altrimenti lui si prepara ed il risultato sarà forzato. Fatelo d’improvviso. Sono curioso della risposta…anche se penso di prevederla…forse…

Unòrsominòre – Una Valle Che Brucia

Ieri notte ho terminato di rispondere ad una delicata intervista che ho accettato di fare. Mi rendo conto direttore che non è istituzionalmente corretto rimandare ad altri magazine ma per onor di cronaca e bellezza di contenuto ti sfido a farlo. Curo una rubrica assai accattivante dal titolo Roccia Ruvida: qualche domanda davvero balorda ad artisti più o meno noti del panorama italiano, domande cattive per invitare il malcapitato a rispondere senza filtri, per dire davvero quello che pensa. Bene: all’indomani delle nomination al Club Tenco, il buon Susa mi ha proposto di fare l’intervista sapendo che avrei avuto tante cose da dire. Perché ve ne parlo? Beh perché innanzitutto Emiliano Merlin – ovvero Unòrsominòre – sarà assolutamente d’accordo su ogni virgola che troverà scritta. E poi perché mi propongo con questo contenuto per dare ampio ed esaustivo completamento a quanto si possa dire di questo bellissimo disco dal titolo Una Valle Che Brucia. Il sound mi piace tantissimo: crudo, minimale, antiestetico…di sicuro niente che possa interessare l’alta borghesia delle orecchie fintamente fini, di sicuro niente che possa capire chi è abituato a fare della musica un perfetto oggetto di marketing, di sicuro niente che possa affascinare chi suona e concepisce un disco nell’assoluta perfezione dei suoni come prodotti di una catena di montaggio.

Il disco di Unòrsominòre suona meravigliosamente sincero, naturale e senza ermetismi filosofici. La prima traccia che apre l’ascolto ha tutto quello che serve al resto del disco per diventare quello che poi ascoltiamo. Un piano malandato, una batteria secca di pelli ruvidi, una chitarra elettrica. Meraviglioso il solo che spezza la quiete e l’equilibrio…ho sempre sognato di fare qualcosa di simile nei miei pezzi e il rimando mio personale è inequivocabile: mi trovo alla prima scena di This Must Be The Place, dentro il centro commerciale, quando la band di mocciosi suona e il solo si scolla con quella ferocia stilistica che paradossalmente non squassa alcun tipo di amalgama e di equilibrio. Ci siamo. Unòrsominòre è riuscito a pieno in questo compito. Il video che ne fa da corredo forse lo trovo monotono e troppo referenziale, troppo “pop” nella facciata. Avrei preferito polvere e distorsioni anche nelle immagini. Ed è proprio questo che adoro di questo disco: scenari psichedelici, torch-song desertiche come il monolite di 7 minuti di Uomini Contro che ascolterei in un pomeriggio afoso di rarissime ombre stando disteso sul muro di cinta della strada che porta al cimitero. Altro monolite che non annoia ma cattura: i 6 minuti di Cinofilia che presentano una chitarra acustica leggera, decisa, di carattere forte e umilissima nella sua scrittura. Con un inciso che cresce e torna circolare in un sound che si apre e quasi quasi diventa di colore Sigur Ros.

Lascio calare una mannaia di noia e di assoluta ridondanza per il brano Mattatoio: al di là del tema trattato direi che la pesantezza della postura sacerdotale che Unòrsominòre vuole avere mi pare assolutamente fuori posto. Caro Emiliano sei rimasto per tutto il disco su quel meraviglioso filo sottile di equilibrio in cui non vuoi insegnare niente a nessuno ma lanci messaggi su cui tutti dovremmo riflettere…e invece su questo brano ti lasci andare anche con raffigurazioni assai retoriche e facilmente popolari ad interpretare il Salvatore della patria che dall’alto della sua vita fa la morale a tutti. Almeno questo mi è giunto. Mattatoio a parte, il disco non scorre con trasparenza ma con estremo acume e intelligenza, anche nei momenti più “pesanti” riesce a tenermi incollato sul testo e mi trasporta nella polvere e nel vento delle sue melodie. Resta una chiusa dal titolo 18 Aprile che si fa notturno, in punta di piedi, assolutamente ispirato di sensazioni visive fluttuanti…una voce armonica che recita un “messale” poggiandosi su trame eteree di ermetici eremiti. E se Giovanni Truppi sa solamente cantilenare stonando un autocompiacimento di sé, Unòrsominòre in Canzone Del Partigiano Giovanni, Pt.1 fa storia e cultura usando (se non ho capito male) la figura del partigiano Giovanni Pesce per raccontare quanto “inutile” è stata la sua morte per un’Italia oggi che, ipocrisie a parte, sta andando alla deriva culturale e sociale. Un brano che a dire la verità si somiglia a quello di Truppi ma fortunatamente qui c’è musica e c’è contenuto.

Per il resto in tutto il disco si rintraccia quella negatività di Brondi che però, a differenza di Vasco che per un disco copia e incolla lo stesso accordo sulla stessa melodia per tutte le canzoni di tutti i suoi dischi, Unòrsominòre realizza un lavoro eterogeneo, altamente ispirato, di contenuti “contro-culturali” e di sicuro non la manda a dire. Dunque lavatevi di dosso le ipocrisie e le maschere di perbenismi sociali, facciamo per una volta quelli che si dicono la verità e mettiamo su questo disco. Restate in ascolto. Si ok, non ci sono i ritornelli ruffiani di Levante o dei TheGiornalisti, ma nella vita ricordatevi che ci sono anche gli artisti!

Giuseppe Fiori – Spazi Di Vita Scomodi

Disco d’esordio di Giuseppe Fiori, già bassista dei Rezophonic (dal 2013 ad oggi), un progetto musicale/sociale ed un supergruppo a scopo benefico che ha visto tra gli altri componenti, nomi del calibro di Caparezza, Roy Paci, il batterista Mario Riso cofondatore di Rock TV, Cristina Scabbia, Enrico Ruggeri, Pino Scotto, Omar Pedrini, e tanti altri. Giuseppe Fiori si è poi aggiunto ad un’altra formazione di pop music e in stile rock inglese (talvolta alla Baustelle) gli Egokid dal 2016 ad oggi. Dopo aver studiato al Liceo Classico Daniele Crespi di Busto Arsizio (Va) ed essersi laureato presso l’Università degli Studi a Milano, Giuseppe diventa musicista, di quelli veri, autentici, arguti, di rilievo. Tra l’altro è autore, compositore, polistrumentista, bassista, tastierista, chitarrista, produttore, ideatore e speaker nel programma radiofonico Let’s Spend The Night Together rigorosamente in streaming su Rock’n’Roll radio di Milano. Come potete aver già capito dunque, stiamo parlando di un artista insomma a 360° gradi che ha fatto della musica la sua missione. Partiamo dal titolo enigmatico Spazi Di Vita Scomodi che sta sicuramente a significare il modo in cui ognuno di noi delimita i propri confini, incontra difficoltà nel comunicare, nell’essere, nel vivere e nell’amare, un retaggio adolescenziale un sentimento di smarrimento che ha talvolta coinvolto nella stesura dei brani lo stesso autore. Il disagio, le dinamiche ma anche le varie traversie sentimentali, le delusioni e le insoddisfazioni quotidiane. L’uomo tende a erigere barricate, cerca di difendersi ma finisce per isolarsi e tutto ciò può alloggiare nel nostro subconscio ma anche nella vita reale.

Giuseppe Fiori ha una ottima scrittura cantautorale, ha fantasia e competenza, abilità e bravura nel proporre suggestioni rock a partire dagli anni 70 e al tempo stesso del rock alternativo italiano del nuovo millennio. Un disco in cui Giuseppe Fiori si misura in una particolare introspezione esistenziale senza essere troppo disilluso. Il CD è prodotto da Lele Battista e vede molti ospiti tra i quali Raffaele Fiori, il fratello batterista e il thereminista giapponese Gak Sato. Altri session men o musicisti aggiunti sono Andy Fluon alias Andrea Fumagalli dei Bluevertigo al sax nel pezzo intitolato Noi a creare un’atmosfera suggestiva ed il cantautore milanese Tao alla chitarra in ben 4 brani. Annachiara Belli è preziosa nel disco al violino in Spazio e Amore Platonico e Valentina Conte al violoncello in Oggi Mi Sono Svegliato Male, Amore Platonico e Spazio. Stilemi e peculiarità del pop rock qui, vengono presi in considerazione e rappresentati con gusto e savoir faire. Fuori Di Qui inizia con una narrazione ma il suono è incisivo al punto giusto, Oggi Mi Sono Svegliato Male parla della routine magari di un lunedì qualsiasi con il theremin (strumento usato per primo nella storia della musica rock dai Beach Boys in I Just Wasn’t Made For These Times e in Good Vibrations nel 1966). Gak Sato che vanta numerose collaborazioni tra cui quella con Vinicio Capossela, suona qui il theremin, uno strumento alquanto strano e curioso che si basa su oscillatori che lavorano in isofrequenza e producono per alterazioni delle loro caratteristiche dei suoni a seguito della presenza delle mani del musicista nel campo d’onda e che suona senza che ci sia contatto fisico tra lo strumento e l’esecutore medesimo (in Oggi Mi Sono Svegliato Male e in Significati E Significanti).

Segnali Di Fumo è una metafora della vita odierna e moderna, Fuori Di Qui è aggressiva, Toys dai suoni più sperimentali con l’utilizzo del synth. Nonostante tutto dallo stile accattivante e decisamente rock mentre in chiusura Significati E Significanti è un motivo che sembra voler idealmente racchiudere tutte le immagini degli altri brani e dove il capire è essenziale. I brani più tirati mostrano maggior efficacia ma il risultato finale è indubbiamente più che interessante. Un disco immediato che cura i minimi dettagli, carico di contenuti e che racconta la semplicità del quotidiano. Spazi Di Vita Scomodi è ben suonato, sincero, appassionato e maturo sia nelle musiche che nei testi. Un album che affronta tematiche scomode ma al tempo stesso sa essere attuale e con una scrittura cantautorale non comune. Rock d’autore.

One Boy Band – 33 Giri di Boa

Rieccomi davanti un disco che mi ha regalato non poche difficoltà nell’ascolto. E come sempre sono problemi ed impressioni mie…tutte mie. Questo esordio di One Boy Band è un po’ come quello di Mikeless quando ci regalava Il Maniaco (recensito a questa pagina). Qui a dire il vero siamo in un ambito più digitale in cui i synth di Davide Genco fanno bella mostra di un carattere un po’ introverso, corale in più punti e con una voce che strizza molto forte l’occhio e l’orecchio ai famosi Baustelle, anche se dalla sua c’è molto meno ricerca filosofica sia per quel che riguarda i testi sia per quel che riguarda la forma canzone. La prima parte del disco è decisamente pop, qualche retrogusto (mi odierete ora) alla Spandau Ballet quando suona La Mia Complice o l’improvviso cambio di timbrica (assurdo…ma è lo stesso cantante oppure mi sono perso qualcosa nei crediti? Nel caso chiedo scusa in ginocchio) un poco mi rimanda ai toni estivi degli (tremate gente) Otto Ohm. Bella l’aria che c’è ne Il Progetto che però si perde, come tutto questo disco, è liquido, è poco solido, ha poco carattere. Ascolto ogni brano e mi chiedo: dove vuole andare a parare? Melodie e arrangiamenti sono confusi e poco definiti, dopo 3 ascolti ancora ricordo particolari, qualche brano da fischiettare, qualcosa passaggio testuale che mi ha colpito. Insomma una fatica assurda che poi alla fine si traduce in un gusto che traballa.

Dal La Ballata Degli Uomini Buoni (questo titolo molto Faber che però non c’entra troppo con il mood del pezzo e del disco) l’ascolto sembra farsi intimo e raccolto, ma anche qui se mi chiedete di raccontare questo brano peraltro lunghissimo (4,15 minuti di uno stesso mood sono pesanti) ho molta difficoltà. Dei Joy Division troviamo l’omaggio Disorder, più lenta, più scura, più intima: di nuovo cambia la voce e sinceramente l’inglese mi spiazza un bel po’. Non so capire se è una buona pronuncia ma sinceramente tutto mi sarei atteso tranne che si iniziasse a parlare inglese in questo disco. L’ascolto si chiude con Ninna Nanna Dark, fate e sapori fiabeschi, che da una parte mi fanno tornare alla mente le Streghe di Gabry Ponte (e non ridete per favore) e dall’altra mi solletica l’appetito pensando a Star Me Kitten by R.E.M.

Insomma alla fine una riflessione mi viene da fare per tutti gli artisti che da One Boy Band nel vero senso della parola si presentano oggi. Una riflessione mia, tutta mia, personale: non credo sia più il tempo di sottolineare questi come prodigi. Di certo non è questa la chiave di lettura che ne volete dare, probabilmente, ma da una one man band mi aspetto una cosa che puntualmente non ritrovo: la casualità. Non so come spiegarlo, ma da progetti in cui un artista suona tutto da solo ritrovo la matematica e la perfezione che gli impianti digitali oggi offrono a due passi dal mouse. Tra questo disco e un altro disco di una band pop o cantautorale non c’è alcuna differenza. Ma quanto bello sarebbe sentire il suono che si costruisce, che si monta pezzo dopo pezzo, che è esattamente quello che tu – One Boy Band – mi suoneresti davanti alla faccia? E invece ho l’impressione di sentire i vari pezzi di un puzzle digitale montati ad arte, a questo giro però mi manca anche il carattere che mi fa capire e orientare, che mi fa restare sul pezzo. Ma come sempre forse sono io il problema, ascolterò ancora.

Edda – Graziosa Utopia

Quota quattro, poker pieno per Edda. Sin dal ritorno ossuto di Semper Biot, passando per il secondo Odio I Vivi, album troppo “pieno” di sé, fino a Stavolta Come Mi Ammazzerai?, Stefano aveva dato segni di rapida mutazione e lento assestamento portando un soffio di aria pulita nel mercato di produzioni trite e contraffate. È un Edda più pacato, un tantino melanconico ma più ottimista. Per dirla à la Rampoldi, dopo gli ultimi due album ci voleva un po’ di ottimismo (n.d.a.). Per l’opener, Spaziale, servirebbe una sezione distaccata e professionale di Sanremo. Un brano di altri tempi, fatto di melodie vellutate e voce quasi nuda. Edda canta per ringraziare qualcuno capace di lenire la sua insofferenza. Graziosa Utopia non è un disco aggressivo e nemmeno rivoluzionario nei testi. Le armonie sono raddrizzate da repentine intuizioni che solo un fuoriclasse come lui può sfornare. Edda è cambiato, ha lavorato molto e bene ma senza dimenticare i suoi demoni che a volte appaiono più sereni di lui. I temi coinvolti sono la paura dell’abbandono, le mediocrità di una vita che sfugge fra le mani. Le piccole contraddizioni della vita quotidiana sono passate al setaccio dal suo sguardo al fosforo bianco, impietoso e glaciale. Orchestrazioni raffinate, fiati, violino e sintetizzatori in pompa magna fanno bene il lavoro scambiandosi il testimone per evitare goffe ammucchiate.

Prodotto e suonato da Luca Bossi e Fabio Capalbo, coinvolti in questo power trio obliquo, Graziosa Utopia tira in ballo anche Giovanni Truppi in Arrivederci A Roma, un brano dissonante e ricco di contraddizioni interne in cui Edda tenta un passaggio avanguardistico, potente e visionario come sempre. Il risultato è una fusione intelligente fra il sound ‘70-‘80 e qualche occhiata acuta alla musica d’oltre oceano. Più accessibile, ma altrettanto pericoloso e penetrante, il quarto lavoro è meno roccioso, non sfrutta attacchi brutali o testi molto taglienti. Spostato da un’altra angolazione, Edda riprende in mano tutti gli elementi che lo hanno finora contraddistinto, rivedendo la propria posizione ma senza contraddirsi. Atmosfere dance club e ritmica pompata in Un Pensiero D’amore fino all’adrenalinica Picchiami che, se ascoltata bene, ha qualcosa dei Motorpsycho del periodo Phanerothyme. Zigulì è un brano veramente particolare, con una costruzione armonico-vocale impressionante. Stefano si comporta con classe e maestria, muovendosi agilmente da terreni più stabili a passaggi spigolosi in cui l’ugola parte per vibrati e tonalità alt(r)e.

Il vate del disagio è tornato, in gran forma e senza il benché minimo indugio. Stefano ha le idee chiare, ha chiuso con il passato da un pezzo prendendo altre strade prodotte da un tipo di mente in costante fermento.

Davide Solfrini – Vèstiti Male

Sembra passato molto tempo da Muda, altro capitolo a nome Davide Solfrini recensito da noi a questa pagina e a seguire le tematiche affrontare dall’artista in questo nuovo Vèstiti Male (figlio di Luna Park) sembra esser passato ancora di più. Eppure il suo stile resta coerente e particolare allo stesso tempo: un rock vestito con lusso e con sapere cantautorale. La verve elettrica non manca e per fortuna le linee vocali scansano la classica cadenza cantautorale (a parte qualche eccezione come la titletrack) a cui fin troppi “cantantelli” si affidano per darsi uno stile. Pezzi come Cose Buone o come Una Volta Edo Un Uomo Diverso sono dei lodevoli esercizi di pop rock, eleganti e di spessore, con tutte le carte per proporre l’artista al grande pubblico, ma un pubblico sapiente e non superficiale. Arrangiamenti e produzione sono due armi vincenti a cui Davide non riesce a rinunciare e noi lo applaudiamo per questo perché su questo ambito l’album è sicuramente vincente. L’esempio è Un Giorno Piove, un brano che ha una personalità abbastanza debole ma che vede degli inserti di chitarra davvero interessanti che ne rialzano l’impatto; stesso discorso per Alto Mare e per il suo pianoforte.

È proprio qui l’essenza dello stile di oggi di Davide Solfrini, non melodie immortali né riff coinvolgenti, solo ingredienti affascinanti, elementi che fanno incantare come il synth, le percussioni e l’armonica della canzone che dà il titolo all’uscita. Come uno pittore che non realizza quadri perfetti ma pieni di dettagli pregevoli. E già solo per questo va promosso ed ascoltato.

CE’ – Di Vita, Morte E Miracoli

Un po’ come entrare dentro un ristorante e restarne delusi o comunque non entusiasti: il solito arredamento, probabilmente anche le solite cose da mangiare e niente di niente che sia rivoluzionario. Ok però appena dopo il primo disimpegno c’è una parete che separa la sala principale…eh beh…scusate ma devo ricredermi. Ok niente di spettacolare ma decisamente siamo ad un altro livello e va specificato. Ed è così che sono “entrato” nel mondo di Cesare Isernia che con questo suo terzo disco Di Vita, Morte E Miracoli punta a lasciare un segno – se pur piccolo – ma decisamente personale. E l’ingresso non è proprio niente di che, lo ripeto, dove troviamo due brani come Il Mio Umore e Come Maradona che provano anche a cercare qualche stravaganza nei suoni ma alla fine mi danno tanto l’idea di una delle tante nostalgiche fantasie adolescenziali che si mettono su pentagramma. Però poi suona Ricordarsi Ancora Di Te che in rete tra l’altro ha un bellissimo (e sottolineo bellissimo) video e il disco prende un’altra piega. Direi che la semplicità delle immagini non poteva essere migliore e l’idea ricorsiva accompagna anche questa musica molto da Rino Gaetano (in fondo tutto il cantato di Isernia lo ricorda) dell’era moderna istituzionalizzato pop radiofonico che comunque registra male i suoi dischi. Perché la produzione di questo disco non è bellissima (e mica mi stupisce tanto parlando di scena indie), ma la semplicità di questi suoni, l’essere diretto e mai invasivo, quel gusto melodico restituisce a questo brano e a gran parte del disco un carattere davvero unico. Bravo CE’!

La successiva Luna ha quel sapore folk che si rintana nell’indie italiano con un pizzico di ingenuo romanticismo e di estive visioni d’amore, forse il momento più cantautorale (in senso strettissimo) di tutto il disco. E poi ancora, l’ascolto non ferma il gusto e mi piace continuare, e mi piace quello che sento: L’ultimo Passo forse ha una voce assai incerta nel design confezionando una melodia sì banale ma che mi riporta a pieno in un clima di vecchie case rotte della borgata fuori paese in tempi antichi. E qui anche la canzone d’autore fa il suo ingresso con grande gusto quasi a rimandarmi alle liriche dei Modena City Ramblers di Remedios La Bella (in versione acusticamente intima). E che dire della dolcezza infantile di Un Giocattolo Vecchio… ma caro CE’ però devo dirti che Un Altro Giro somigla davvero troppo a Hemingway dei Negrita…ci hai mai pensato? Pau e compagnia a parte, il disco si chiude con Alla Fine dove la voce torna sicura per quanto le melodie di nuovo vanno a cercare soluzioni che l’orecchio mio già conosce di successi antichi.

Insomma questo disco tutto sommato mi è piaciuto anche se registrato male, anche se la voce non è che sia proprio il top di gamma nella sua interpretazione, anche se in fondo ci sono troppi punti in comune con canzoni celebri del passato, però mi piace perché ha carattere e mai si piega a compromessi di stile restando invece sempre genuino. Per quello che può, come può e senza inventarsi niente. Un disco sincero e la sincerità e l’onestà intellettuale l’apprezzo molto più di una bel riverbero sul rullante.

Mercuri – Progetti Per Il Futuro

Bel secondo tempo in un’opera di numerosi atti (glielo auguro di cuore): una metafora come un’altra per dare il benvenuto a questo secondo disco di Fabio Mercuri che pubblica con Adesiva Discografica Progetti Per Il Futuro. Un sound “digitale” ma non troppo, di quelle miscele che mescolano assieme e con buon gusto il vero ed il “fasullo” (come lo etichettò un saggio di dubbia provenienza). Sono 8 inediti, un buon numero di brani nel momento attuale in cui si celebra il tutto e subito. Bei suoni, modesti e mai aggressivi, composti ed educati che regalano un pop indie attualissimo, fresco e decisamente privo di fronzoli e stravaganze fuori portata. Il disco si apre con L’arte Del Bonsai di cui la rete ci regala anche un bel video, tra organze fanciullesche e immaginari Natalizi – per via di questi giochi di luci colorate nel buio della scena, bambini in posa e un sottofondo di musicisti sfacciatamente felici di esserci. Direi che è questo il brano centrato del disco in cui si coniuga tutto con precisa bellezza: melodia, un testo efficace che denuncia questa società fatta di demagogia e di credenze vendute a buon mercato. Belle le immagini che ci regala Mercuri: “Se l’uomo è un cliente e l’unico assente è l’amore…e sotto la lente si muove obbediente chi muore”…direi che queste frasi bastano per capire il grado di sensibilità testuale e sociale che questo lavoro regala all’ascolto.

Si prosegue poi su queste toniche e tinteggiature per quasi tutta la tracklist e purtroppo è questa la cosa che meno mi prende di questo disco: la “monotonia” strutturale di un disco che con modestia e quasi con imbarazzo azzarda di quando in quando delle variazioni sul tema. Mi si potrebbe obiettare che Universale, traccia che segue, pare accusare sintomi di malessere rock o come in Il Mio Divano dove il benvenuto ce lo dà un andamento reggae, o come il brano Ora con questo rugginoso blues che incombe…ma sono poi gli incisi distesi e quasi sempre corali con quel mood digitale perennemente in bilico e sospeso tra metallo forgiato dalla grande industria e polvere che ci riporta al punto di partenza e lo fa con fermezza e determinazione. Mi tornano alla mente i numerosi progetti che l’indie italiano ci regala su questa linea, da I Cani a Frei passando per l’esordio di Ledi dove, chi in un modo e chi in un altro, generano cellule melodiche che sembrano plastificate ma che dietro hanno grandi anime in carne ed ossa. Fabio Mercuri porta a casa un bel disco che vale la pena sottolineare a gran voce e, per quanto il mio ascolto possa essere bizzarro o maleducato, per quanto sia vero o interessante ogni singola critica che avanzo, resta oggettivamte un lavoro ben fatto, ben curato, ben prodotto e soprattutto maturo.

Ce ne fossero stati di più di pezzi come L’arte Del Bonsai probabilmente la critica di “profeti e macellai” si sarebbe schierata all’unisono. “Ci si può abituare a tutto e va bene…anche al fatto che il sogno finisce quando arriva il sole”. Buon ascolto gente.

Il Riso Degli Stolti – 24 Fotogrammi Al Secondo

Un disco nato nel 2006 e pubblicato nel 2016. Questo è il lavoro de Il Riso Degli Stolti, duo napoletano composto dal cantautore Antonello De Simone e dal compositore Angelo Beneduce. Ben dieci anni di attesa, prima di ascoltare questi undici cortometraggi (forse è il termine giusto, visto che il duo ama definirsi autore di un “cantautorato cinematografico”). Atmosfere uggiose, pensose, si stagliano su tutte le tracce, ben suonate e riccamente orchestrate. I temi affrontati sono tipici del cantautorato italiano: la ricerca di se stessi, la frammentazione dell’identità, la pochezza degli incontri e le casuali fortuite scoperte, insomma il solito, anche se – va detto – il duo affronta questi argomenti in maniera più “elegante”, senza la classica spocchia da gruppo giovane indipendente che “noisiamodiversi2.0”. Molto bella la title track, con quella chitarrella funky che sembra un ospite indesiderato ma che ci piace assai. Qualcuno Dice Al Caso è introdotta da una delicata arpa che dialoga con un altrettanto delicato violoncello per trasformarsi poi in un grazioso valzer. Molto bella Luna Turca che ricorda qualcosa del primissimo Capossela.

Un bel disco, anche se ad un ascolto più approfondito appare un filino datato. Quei dieci anni in un cassetto non hanno fatto bene al prodotto, forse anche a causa delle pesanti orchestrazioni che a tratti stancano, ma in ogni caso è un lavoro da scoprire e apprezzare. Speriamo possano pubblicare quanto prima un nuovo lavoro che possa essere un nuovo punto di partenza per il duo.

Salvo Mizzle – Belzebù Pensaci Tu

Salvo Mizzle è una lezione in carne ed ossa. Lui ci fa dimenticare il ruolo che il cantautore ha nel nostro Paese e lo reinterpreta in una veste più elettrica, più completa pur conservandone l’animo. Salvo reinventa il pop e, con composizioni semplici sommate a classici arrangiamenti ascoltati sui grandi palchi, riesce a creare qualcosa di spesso che va oltre le singole note, i singoli accordi e punta tutto su composizioni sofisticate ma semplici, poetiche nella loro musica prima che nei testi. Che Stile, in questo, dice tutto già dal titolo. Strumenti elettrici al loro posto anche se talvolta accompagnati da sax, flauto e violino…eppure Salvo non teme di parlare di rock. Ma dimenticate anche il concetto stesso di rock, qui non vi troverete chitarre con toni aperti o strofe che si alternano a ritornelli almeno un paio di volte per traccia. In Belzebù Pensaci Tu c’è intensità ma con stile, garbata ma critica osservazione del mondo, orecchiabilità ma mai banale, si tratta di un album bianco e nero allo stesso tempo che non teme alternare una chitarra slide accostata a delle percussioni crude di pinkfloidiana memoria (Sotto Casa Tua) ad un ritmo in levare che apre gli orizzonti (Un Gran Giorno).

Si gioca con le melodie e lo si fa anche con le liriche, perché in fondo, nonostante i testi a volte ricercati altre un po’ meno, queste tredici tracce spaziano e ammaliano. E qui arriva forse il punto debole dell’uscita, il fatto che si spazia troppo e non è facile identificare l’artista con una matrice unica, con un’idea di musica che possa essere valutata senza dover essere un critico musicale. Mi Tratti Come Se Fossi… ad esempio fa storcere il naso. Rischio e coraggio, apprezzati da un lato e punto debole dall’altro. Strano, contraddittorio, ma d’altra parte la musica di Salvo Mizzle non è fatta per i grandi consensi. E a noi piace anche per questo.