Il Rumore Della Tregua – La Guarigione

C’è una linea sottilissima, quasi invisibile, tra l’amore per le sonorità del passato e la sperimentazione moderna. Due mondi distanti non solo decenni ma potremo dire anni luce che sempre più spesso divengono per le band un credo, una scelta come se essere bianco o nero. Quasi impossibile centrare questa linea a tratti immaginaria, eppure Il Rumore Della Tregua riesce non solo ad individuarla ma ad utilizzarla come proprio percorso musicale e, come un trapezista, riesce a creare un gioco musicale (più che sonoro) di grande gusto nonché qualità. La tromba si sposa egregiamente ad una sapiente chitarra acustica, una batteria che vorrebbe fuoriuscire dagli schemi del cantautorato per sposare il rock abbraccia agevolmente delle percussioni che sono incastrati laddove necessario, il tutto senza tralasciare un basso che opera in seconda fila ma che non è secondario a nessuno dei suoi colleghi. La parola “cantautorato” suona come una gabbia per il quintetto che in realtà pesca un sound vintage-italiano e lo lancia verso costruzioni nuove. Già le due prime tracce inquadrano egregiamente il potenziale della band: se infatti Haiku fa risaltare la vena acustica de’ Il Rumore Della Tregua, L’odore Dei Cani apre ad inserti più ritmati, ad un basso profondo e un carattere distintivo, sfaccettature queste sicuramente più convincenti a nostro parere. In tutto ciò un plauso va sicuramente a Federico Anelli che grazie alla sua voce conferisce una personalità decisa e significativa al sound tutto.

Altro cavallo di battaglia è La Ballata Del Pignoramento che vede un forte inserimento di una chitarra elettrica nel ritornello senza creare sbavatute ma anzi che assume l’importane ruolo di svecchiare l’alone cupo che il primo minuto d’ascolto ha donato, primo minuto che è complice della prima metà del titolo della traccia. Confessa Il Peccato, Harry suona molto introversa, come il nome ci anticipa, mentre Revival, dal gusto vagamente western, non lascia dubbi sulla quantità di idee che si celano dietro questi cinque ragazzi. Una band che nonostante la giovane età suona assolutamente matura e secondo noi discograficamente pronta.

The Brain Olotester – Wash Your Blues Away

Dietro il moniker The Brain Olotester c’è Giuseppe Caligano, conosciuto ai più per essere uno degli elementi portanti del progetto Muzak, sciolto ormai da diversi anni. Proprio dopo l’esperienza sperimentale dei Muzak e diverse collaborazioni, Calignano si è cimentato in un progetto quasi solista in cui ha coinvolto di volta in volta musicisti differenti in funzione di come prendevano corpo le sue idee. Da qui nel 2008 l’album omonimo rispetto al moniker scelto e a marzo scorso l’ultima opera dal titolo Wash Your Blues Away: dimenticate i richiami musicali del titolo, quello su cui l’artista si è voluto cimentare è un cantautorato con episodi psichedelici e divagazioni nel passato. Potremo addirittura riscontrare dello showgaze che si affaccia alle porte di alcuni momenti ma il richiamo al passato è troppo forte…forse vintage o forse semplicemente citazione ai grandi che furono (The Beatles solo per citare il nome più ingombrante) ma in realtà è proprio la ricerca di alcune sonorità rispetto alla scrittura della canzone così come noi la conosciamo a far spiccare lo stile dell’artista. E se non bastasse per affacciarci al mondo di Calignano dobbiamo anche considerare un certo tocco lo-fi (Before And After The Library Information Systems ma ancora di più Unexpected Revelations) nella produzione delle tracce che lo differenzia notevolmente dalle registrazioni dei contautori moderni, sforzi di attualizzare un sound che non rispecchia i nostri tempi adottando tecnologie e soluzioni musicali di oggi. Al di là della dylaniana The Queen, The Rose And The Moon, il salto dell’album si avverte con A Day In 1999 che cambia registro strizzando l’occhio con certe musicalità progressive settantiane.

E se The Das Ballad Of Mr. Spaceman conferma l’amore del suo artefice per le sonorità tipicamente inglesi, con una voce suadente ma maledetta dietro un riff che si ripete in maniera sempre più incisiva (chi ha pensato a Nick Drake?!), la title track che chiude l’album poggia tutto su un pianoforte quasi buckleiano, nostalgico, che stende il sipario su un’opera singolare, sicuramente distante dai soliti cliché. Un album personale, dedicato al proprio amore e che come ogni album che parla di amore risulta intinto in melodie acustiche anche se non sempre di facile interiorizzazione; il risultato sono momenti come Four Years Ago, intricati e sperimentali con degli arrangiamenti davvero ben proposti e delle ambientazioni che danno colore alla scena quasi teatrale.

Ugo Mazzei – Adieu Shangri-La

Un album impegnato da parte di un artista appartenente alla scena cantautorale. Quanto tempo è passato dall’ultima volta che abbiamo riscontrato questo binomio in un artista italiano?! Di grossi nomi in tal senso se ne sprecano (Guccini, De Grogori, Gaber…) e il confronto con il passato è d’obbligo visto che il cantautorato italiano si sta allontanando dai temi ideal-politici del passato per parlare di amore e di argomenti di tutti i giorni. Con Ugo Mazzei si recuperano alcuni argomenti delicati (spesso comuni più agli schieramenti punk ska) come l’amore per l’ambiente e il diritto alla salute di ogni singolo abitante di questa Terra, tema spinoso quanto estendibile a vari scenari possibili. Qual è il vero punto saliente di questo Adieu Shangri-La, ultimo doppio album di Mazzei? Sarebbe stato troppo semplice comporre un insieme di tracce di protesta, urlare o semplicemente cantare testi di rivolta o di polemica magari poco costruttiva. Ma Ugo non appartiene alla schiera dei giovani irriverenti che spingono la polemica senza giungere a delle proposte costruttive. Ugo è troppo “saggio” (e poco adolescente) per scegliere questa soluzione e così crea un album di sapiente rock raffinato che alterna egregiamente una sei corde acustica con una sua sorella elettrica, entrambe mai mescolate a caso grazie anche all’ausilio di molti musicisti che lo hanno accompagnato in quest’avventura.

Certo, l’imprinting cantautorale si sente eccome (come in Canzone Per Chico dedicata a Chico Mendes, sindacalista che perse la vita battendosi contro il disboscamento della foresta amazzonica) ma si apprezza molto di più in questo Adieu Shangri-La: l’opener Fatemi Respirare (molto De Gregori) con la sua batteria in 4/4 e gli assoli pungenti e C’era con il suo pianoforte di base che conferisce quel qualcosa in più, tutte particolarità lontane dai soliti cliché del genere. Anche Oh Susanna che mescola lo stile di Ugo con delle interessanti sfumature country (o più genericamente “southern”) risulta un buon passaggio e Armageddon pur sfiorando la tradizione pop contiene un fascino particolare grazie soprattutto agli ottimi arrangiamenti (stesso dicasi per Stracci Inutili). Caratteristica di questa uscita discografica è l’inserimento, oltre all’album “tipico” dell’artista, di un CD che include i “provini” che hanno poi dato alla luce Adieu Shangri-La: una rivistazione dei brani per solo voce e piano che piace e che va apprezzata già solo come iniziativa.

Se la cura per i particolari e la trasversalità musicale sono gli assi nella manica di questo lavoro, speriamo che in futuro il buon Mazzei non si faccia conquistare da sonorità eccessivamente orecchiabili ma continui a perfezionare uno stile in continua ricerca di qualcosa di sofisticato.

Sintomi Di Gioia – Sintomi Di Gioia

Nuovo album per i Sintomi Di Gioia, duo proveniente da Alessandria attivo dal 2000, che tramite l’etichetta Indidacosa pubblica questo nuovo omonimo parto musicale. L’ultimo loro lavoro da studio fu Segnalibro pubblicato nel 2008, ed abbandonati lidi più rock, con in aggiunta alcuni cambiamenti nella formazione, il duo piemontese dà alla luce un disco dalle atmosfere più cantautorali e, per quanto riguarda la parte strumentale, dedica molto spazio alla sperimentazione. Prodotto da Umberto Giardini (Moltheni), che tra l’altro offre la sua collaborazione alla batteria in alcuni brani, Sintomi Di Gioia si apre con Due Minuti Prima Che Cambiassi Idea dove la forte influenza del cantautorato italiani degli anni ‘60 si fa ben evidente, con un sound che può ricordare gruppi come, ad esempio, Le Orme. Dopo i pochi secondi di Calpesto Sassi Preziosi nella quale il suono della natura funge da protagonista, arriviamo a Di Blu, singolo del disco, della quale colpisce la leggerezza e la malinconia, oltre alla voce di Luca Grossi (anche autore dei testi) perfettamente combinata con lo stile proposto dalla band alessandrina. In Ordine è il pianoforte a far da colonna portante del brano ponendo lo sguardo verso orizzonti più jazz. La track-list prosegue tra atmosfere malinconiche, nostalgiche e sperimentali, arrivando a Canzone Per T (La Rivoluzione), dedicata al giornalista Marco Travaglio, ad episodi psichedelici di Mi Dimentico Di Me, fino a concludere con l’introspettiva Maggio 2002 dove questa volta è l’harmonium a metter le vesti del protagonista del brano

Per i Sintomi Di Gioia è di certo un nuovo capitolo per ciò che riguarda la loro carriera, un punto di svolta che, come già accennato, lascia alle spalle un passato più vicino ad orizzonti un po’ più rock; la cosa che più colpisce dei Sintomi Di Gioia è la versatilità, o meglio, la creatività che il duo piemontese ineccepibilmente dimostra di possedere soprattutto riguardo la parte tecnica, ed un cantautorato, quasi poetico, per quanto riguarda le liriche. Sintomi Di Gioia, per chi non fosse affine a questo genere, è un disco di difficile digeribilità al primo ascolto, va senza dubbio approfondito per poter cercare di trarre quegli spunti positivi che il disco stesso presenta.

Giovanni Marton – Ogni Sguardo Non È Perso

“Giovani cantautori crescono”. Questo potrebbe essere un ottimo sottotitolo per il nuovo lavoro di Giovanni Marton, polistrumentista nativo di Mestre (Ve) con ottimi studi musicali alle spalle. Battiato, Colapesce, Morgan e i suoi Bluvertigo, tutti vengono dati in pasto all’ascoltatore in un frullatore sonoro. Il disco può essere identificato come un concept diviso in due parti. Nella prima fase viene narrata la visione futura della vita piena di speranze e illusioni (Tormenta Estiva, L’ultimo Sole) per poi scontrarsi con l’amara realtà e chiedersi il perché della distruzioni di quegli ideali (Contro L’Ordine). Marton, nel suo viaggio, si fa accompagnare da validi amici: Lele Battista (La Sintesi) e Fabio Cinti (già collaboratore di Morgan). Proprio da queste due presenze trae vita la seconda parte dell’opera per una decisa sterzata musicale. Partendo da una serie di brani “placidi” e di vago respiro melodico, ascoltiamo un deciso cambiamento in stile pop elettronico e new wave alla Bluvertigo. tutto ciò giova particolarmente, rendendo musicalmente completa la proposta. In ogni caso, dobbiamo dirlo, l’opera è ridondante: troppi brani, alcuni decisamente superflui, appesantiscono l’ascolto rendendolo ad una prima analisi anche noioso e coraggiosamente presuntuoso.Solo dopo un ascolto più approfondito si capisce l’incisività del disco.

Oddio, niente di trascendentale sia ben chiaro, ma abbiamo ascoltato un lavoro ben fatto, ben curato in ogni minimo dettaglio, cosa che di questi tempi appare un evento raro.

Federico Palladini E La Banda Della Scolopendra – Attorno Al Fuoco

Se nel rock e nella musica in generale c’è sempre un rifermento storico-temporale, in questo lavoro di Federico Palladini è l’associazione al passato l’elemento principale, il richiamo a certe sonorità di ieri che costituiscono non solo una scelta sonora ma innanzitutto una strada artistica da imboccare con decisione. Attorno Al Fuoco infatti è un tuffo nel passato, nella tradizione, nella musica che viene dal paese, in quel cantautorato che è tale non tanto per l’uso della chitarra acustica e di una voce critica ma più per l’ambientazione ricercata nei singoli brani, per le voci in sottofondo, per gli effetti artigianali e per la presenza di una vera banda che contribuisce con il proprio sound a rendere il tutto ancora più rustico (ad eccezione di un assaggio di chitarra elettrica nel primo e nel penultimo brano della tracklist). Pezzi come Il Pescatore Di Galline e Il Dono Degli Artisti richiamano maggiormente il movimento cantautorale italiano con quest’ultimo brano che contiene un fascino particolare, grazie anche ad un violino capace di dare epoca alle parole, mentre altri passaggi come Roccobecco, Canemallanco E Manicolento e Camilla E La Luna sono musicalmente diversi, il primo puntando il dito direttamente al buon vecchio swing e il secondo su una poetica che regge per intero il gioco.

Anche I Prati Del Macchione suona un pò come un esperimento, un ricordo non chiaro della propria infanzia, delle musicalità non perfette delle persone più sagge (e non più anziane) che canticchiavano forti di un senso di felicità pura che oggi forse non esiste più. E quasi come un presagio si apre il brano Gioia che richiama proprio questo concetto: il nostro passato è stato caratterizzato da eventi disastrosi (le guerre, la povertà…) ma intanto tra le persone si percepiva una gioia interiore e una speranza nei confronti del futuro, fattori ben meno presenti oggi nonostante il benessere (per certi versi) sia cresciuto. Una riflessione che non va ignorata per comprendere a pieno i sentimenti provati da Federico Palladini nel comporre i nove brani di Attorno Al Fuoco. Un lavoro un pò contrario alla modernità forzata, quella inseguita da band che la ritengono l’unica via per proporre qualcosa di nuovo. A volte il nuovo significa ripartire dal passato.

Danio Manfredini – Incisioni

Esordio discografico per l’attore, autore teatrale e regista Danio Manfredini che con Incisioni reinterpreta, a modo suo, un vasto canzoniere che va dai Diaframma a Lucio Battisti. A dire il vero non capiamo il perchè di questa scelta, in quanto fare un disco di cover è sempre un azzardo e difficilmente il lavoro può risultare buono, a meno che non si cambi completamente il concetto di “brano originale” e si affronti il remake come uno standard jazz. Parliamoci chiaro, è un lavoro francamente trascurabile, ben suonato, ben interpretato (sulla classe di Manfredini, da oltre trent’anni in giro per i palcoscenici, non si discute), anche se la voce in alcuni punti è tremolante, ma inutile. I brani sono buttati lì, con arrangiamenti di effetto (vogliamo dire “di moda?”) ma non incisivi. Se è bella la scelta di alcuni pezzi (pensiamo a Labbra Blu dei Diaframma o Ancora di Mina) non lo è per la loro riproposizione. Resta Con Me di Cocciante e noiosa, nonostante un bel lavoro di armonica, Insieme A Te Non Ci Sto Più non convince per niente, quasi un provino e “buona la prima” (ma poi perché tutti ripropongono sempre questo pezzo?). I Giardini Di Marzo è il brano decisamente meno interessante.

Non male Nuotando Nell’aria dei Marlene Kuntz, che non fa rimpiangere la sua versione originale, anzi in alcuni punti ne è addirittura superiore. Se È Vero Che Ci Sei abbandona la sua veste da “prima della classe” e assume un luce più intimista, più vera. Però due buone interpretazioni non fanno un disco. Chiude il lavoro Vento Nel Vento del Battisti nazionale, con una bella chitarra in evidenza gonfia di tremolo ma anch’essa dopo la sua fine non lascia nulla. Non ci siamo per niente, siamo spiacenti, ma senza alcun rimorso.

Dulcamara – Uomo Con Cane

Terzo tassello nella discografia di Dulcamara, moniker dietro il quale si nasconde Mattia Zani, il quale messi nell’armadio i campionatori e nel cassetto testi hip hop, ci offre un nuovo lavoro completamente impregnato di fumi, umori e odori folk, con reminiscenze quasi “western” . Un caledoscopio sonoro completamente differente dal background dell’artista faentino, ora più vicino all’universo caposseliano sebbene, come reciti nelle note di copertina, i riferimenti citati siano, tra gli altri, i Belle & Sebastian e gli Eels. In questi nuovi tredici pezzi vengono sviscerate le emozioni del viaggio, del perdersi mentalmente alla guida su strade lontane e solitarie. Con un occhio all’America e uno alle nostre autostrade. “Fra la via emilia e il west”, cantava qualcuno… Come molti altri artisti dei nostri giorni l’elemento della nostalgia si fa pesantemente sentire. Ecco l’opener Epoca che, su una struttura volutamente datata (periodo fine anni ’90), richiama un malinconico passato che una generazione ha smarrito (“…Generazione di spiccata sensibilità, ci siamo incontrati dove la strada finiva oppure iniziava, dipende dalla prospettiva”)…bella. Come bello il richiamo a Capossela in Nonsodove, con quell’atipicità dei linguaggi così cari all’artista irpino.

Trinidad si segnala per il suo ritmo countreggiante/folk e per il testo quale risultato di continui viaggi. Parlarti Piano è una poesia desertica che echeggia paesaggi morriconiani (quasi un vecchio west di Leone) accompagnati da un battito di mani straniante e ubriacante. Questo è il nuovo Dulcamara quindi, così vicino alla forma canzone battistiana (Ora Come Allora), quella forma così tante volte omaggiata da tanti nuovi cantautori. Battisti ed il suo capolavoro immortale Anima Latina tornano nella title track che è quasi un remake (ma sappiamo essere un semplice omaggio) di Abbracciala abbracciali abbracciati. E ci è piaciuto molto questo omaggio, siamo sinceri! Originale, provocante…un bel disco!

Michele Maraglino – I Mediocri

Succede che ad un certo punto, nel mezzo del cammin di nostra vita musicale, ci si ritrovi ad ascoltare dischi di italica fattura in cui si narrano finalmente storie vere, in cui si prova a dare alle parole un significato reale e diretto, in cui la musica diventa una scenografia di cartapesta su cui si muovono a loro agio liriche semplici ed immediate, messe lì ad arte da un compositore attento ed ispirato. La persona di cui vi parliamo è un giovane talento di belle speranze, tale Michele Maraglino, classe ’84, un passato (recente) da scrittore che gli conferisce una certa dimestichezza con l’uso caparbio della parola scritta, ed autore di un album interessante dal titolo I Mediocri che trasuda di cantautorato impegnato, sia dal punto di vista sociopolitico che interpersonale, uscito per l’etichetta indipendente di cui tra l’altro è fondatore. Sin dal primo sguardo ed ancor prima del suo ascolto, questo full lenght si presenta come un lavoro semplice ma diretto, apparentemente leggero, con un mood tendenzialmente acustico, simile ad una sorta di unplugged studio elettrificato, in cui sono presenti nove canzoni che sotto le mentite spoglie di docili accompagnamenti, puntano il dito alla realtà ed in particolar modo allo scenario giovanile, troppo incagliato ai refusi della società e troppo obnubilato dagli status simbol e dai modelli televisivi che non offrono esempi vincenti e certezze di sopravvivenza, ma soltanto frustrazione e disillusione (Verranno A Dirti Che C’è Un Muro Sopra, L’Aperitivo).

Le rimanenti tracce trasudano di viva quotidianità italiana: dal mondo della precarietà (Vita Mediocre, Lavorare Gratis), alla questione sociale dell’ILVA (Taranto), passando per tematiche più comuni ed intimiste e relative alle esperienze sentimentali (Umida, Pensavo Di Morire…, Vienimi A Cercare). Questo disco ha senza dubbio l’attitudine rabbiosa del rock che s’incanala però in arrangiamenti efficaci e non eccessivamente mordenti, ripercorrendo un solco musicale tracciato da artisti come Rino Gaetano e Daniele Silvestri, passando per una certa sfacciata teatralità che ci ricorda molto il Sergio Caputo de Il Garibaldi Innamorato. L’essenzialità lascia quindi spazio alla parola, affinché questa diventi goccia e penetri lentamente sino all’orgoglio, solleticando lo spirito critico dell’ascoltatore e suscitando reazioni e riflessioni sulla drammatica questione giovanile nel nostro Paese, riassunta bene in questo verso tratto dalla traccia n.8, L’Apertivo:“…poi ti lamenti che non ti senti vivo, che hai 30 anni e non hai un lavoro, forse dovevi pensarci un poco prima, prima di fare l’aperitivo…”.