Federico Cimini – L’Importanza Di Chiamarsi Michele

Disco d’esordio del cantautore calabrese Federico Cimini, L’Importanza Di Chiamarsi Michele è un concept album, o meglio ancora una lunga storia, raccontata in canzoni in cui vengono narrate le gesta di un Michele, uomo qualunque del sud italiano. In realtà è possibile definire il disco come una sorta di Allucinazione Perversa in salsa cosentina. Non vogliamo dirvi di più, anche per non rovinarvi la sorpresa, quindi valutate tutti i brani come considerazioni, riflessioni in musica, tra il giovane musicista e Michele, uomo del meridione scappato dal suo paese. Impegno e disimpegno si fondono nei brani presenti con un occhio a Simone Cristicchi, Cisco e Rino Gaetano. I mali del paese, i social network, le missioni militari all’estero, l’omosessualità, il “contare qualcosa”, sono tutti argomenti sui quali Michele si interroga e Cimini, da cantastorie, trasforma in canzoni, che parlano di rabbia (Tutto Bene), di disperazione (l’ottima Questo è Il Mio Paese, primo singolo dell’album) ma anche di voglia di cambiare (La Rivoluzione in Pigiama). Tante le chitarre acustiche impegnate, ma non sono accantonate le stilettate elettriche dell’ottimo polistrumentista Valerio Fujian. Da non perdere il recitato conclusivo di Epilogo che, come in un’opera teatrale, dà la chiave di volta a tutto il lavoro, con il suo climax sempre maggiore.

Chiude Ti Amo Terrone, ballatona acustica degna del grande Rino Gaetano. Ottimo esordio, seppure in qualche punto ancora acerbo, che lascia intravedere che un nuovo giovane cantautore può imporsi. Un giovane cantautore orgogliosamente terrone.

Antonio Firmani – The 4th Row

Tutto italiano (nonostante i testi in inglese) questo giovane musicista dal nome Antonio Firmani che si rifà particolarmente alle decennali lezioni cantautorali americane per confezione il nuovo EP composto da tre leggere tracce. 13 minuti scarsi per provare il sapore Firmani che imprime una ricerca di note e arrangiamenti particolare, sicuramente al fine di impreziosire maggiormente il proprio sound. Se il dettaglio affiora ed è piacevole, la proposta musicale nel complesso risulta molto melodica e perde di quella caratterizzazione che una chitarra acustica e una voce rovente riescono a trasmettere. Questa è la sensazione dell’EP nel complesso: l’opener Last Two Years invade territori “dream” pur dimostrando qua e là qualche accenno di interesse, la piacevole The Givin’ Tree con i suoi violini e pianoforti che dirigono il resto dei suoni risulta molto orchestrale seppur con un songwriting complesso e completo, mentre sul finale giunge la title track che sposa un gusto languido e ottantiano (quasi new wave nelle linee vocali) che piace e che fa intravedere un futuro possibile sviluppo della concezione musicale di Firmani. Un assaggio che sarà più completo in un’opera futura maggiormente definita e che speriamo riesca (questo è il nostro aspriazione) a far attraccare a spiagge più rock la passione del Nostro.

Fabio De Matteis – Io Non Mi Fido Di Questo Mare

Dieci piccoli quadri. Dieci storie in un’amabile sfilata di ballate color pastello che l’artista pugliese snocciola con la sensibilità del menestrello: pervaso da malinconia, tenerezza, fatalismo. La vena artistica di Fabio De Matteis è ben sostenuta dai timbri delicati, caldi della voce, dall’impostazione strumentale acustica e avvolgente. I dieci brani suggeriscono l’immagine di una personalità riflessiva e disincantata, cui si accompagna una musica per lo più di stampo acustico, fatta eccezione per la title track (Io Non Mi Fido Di Questo Mare) pervasa dai suoni più moderni e sintetici. Rimetto La Maschera è uno dei brani migliori dell’album, disperata nella sua dichiarazione di alternatività, Amami può diventare un apprezzato singolo. Echi di Radiohead sbucano qui e lì, in Non Sei Un’Ombra (il punto di riferimento potrebbe essere Creep) mentre in Vita In Sottovuoto riecheggia l’impostazione grezza, chitarristica, cruciale di un certo rock cantautorale americano. La capacità melodica di Fabio De Matteis è al di sopra di ogni sospetto e la rosa dei brani presentanti è la zuccherina apertura di un album vincente.

Il Rumore Della Tregua – La Guarigione

C’è una linea sottilissima, quasi invisibile, tra l’amore per le sonorità del passato e la sperimentazione moderna. Due mondi distanti non solo decenni ma potremo dire anni luce che sempre più spesso divengono per le band un credo, una scelta come se essere bianco o nero. Quasi impossibile centrare questa linea a tratti immaginaria, eppure Il Rumore Della Tregua riesce non solo ad individuarla ma ad utilizzarla come proprio percorso musicale e, come un trapezista, riesce a creare un gioco musicale (più che sonoro) di grande gusto nonché qualità. La tromba si sposa egregiamente ad una sapiente chitarra acustica, una batteria che vorrebbe fuoriuscire dagli schemi del cantautorato per sposare il rock abbraccia agevolmente delle percussioni che sono incastrati laddove necessario, il tutto senza tralasciare un basso che opera in seconda fila ma che non è secondario a nessuno dei suoi colleghi. La parola “cantautorato” suona come una gabbia per il quintetto che in realtà pesca un sound vintage-italiano e lo lancia verso costruzioni nuove. Già le due prime tracce inquadrano egregiamente il potenziale della band: se infatti Haiku fa risaltare la vena acustica de’ Il Rumore Della Tregua, L’odore Dei Cani apre ad inserti più ritmati, ad un basso profondo e un carattere distintivo, sfaccettature queste sicuramente più convincenti a nostro parere. In tutto ciò un plauso va sicuramente a Federico Anelli che grazie alla sua voce conferisce una personalità decisa e significativa al sound tutto.

Altro cavallo di battaglia è La Ballata Del Pignoramento che vede un forte inserimento di una chitarra elettrica nel ritornello senza creare sbavatute ma anzi che assume l’importane ruolo di svecchiare l’alone cupo che il primo minuto d’ascolto ha donato, primo minuto che è complice della prima metà del titolo della traccia. Confessa Il Peccato, Harry suona molto introversa, come il nome ci anticipa, mentre Revival, dal gusto vagamente western, non lascia dubbi sulla quantità di idee che si celano dietro questi cinque ragazzi. Una band che nonostante la giovane età suona assolutamente matura e secondo noi discograficamente pronta.

The Brain Olotester – Wash Your Blues Away

Dietro il moniker The Brain Olotester c’è Giuseppe Caligano, conosciuto ai più per essere uno degli elementi portanti del progetto Muzak, sciolto ormai da diversi anni. Proprio dopo l’esperienza sperimentale dei Muzak e diverse collaborazioni, Calignano si è cimentato in un progetto quasi solista in cui ha coinvolto di volta in volta musicisti differenti in funzione di come prendevano corpo le sue idee. Da qui nel 2008 l’album omonimo rispetto al moniker scelto e a marzo scorso l’ultima opera dal titolo Wash Your Blues Away: dimenticate i richiami musicali del titolo, quello su cui l’artista si è voluto cimentare è un cantautorato con episodi psichedelici e divagazioni nel passato. Potremo addirittura riscontrare dello showgaze che si affaccia alle porte di alcuni momenti ma il richiamo al passato è troppo forte…forse vintage o forse semplicemente citazione ai grandi che furono (The Beatles solo per citare il nome più ingombrante) ma in realtà è proprio la ricerca di alcune sonorità rispetto alla scrittura della canzone così come noi la conosciamo a far spiccare lo stile dell’artista. E se non bastasse per affacciarci al mondo di Calignano dobbiamo anche considerare un certo tocco lo-fi (Before And After The Library Information Systems ma ancora di più Unexpected Revelations) nella produzione delle tracce che lo differenzia notevolmente dalle registrazioni dei contautori moderni, sforzi di attualizzare un sound che non rispecchia i nostri tempi adottando tecnologie e soluzioni musicali di oggi. Al di là della dylaniana The Queen, The Rose And The Moon, il salto dell’album si avverte con A Day In 1999 che cambia registro strizzando l’occhio con certe musicalità progressive settantiane.

E se The Das Ballad Of Mr. Spaceman conferma l’amore del suo artefice per le sonorità tipicamente inglesi, con una voce suadente ma maledetta dietro un riff che si ripete in maniera sempre più incisiva (chi ha pensato a Nick Drake?!), la title track che chiude l’album poggia tutto su un pianoforte quasi buckleiano, nostalgico, che stende il sipario su un’opera singolare, sicuramente distante dai soliti cliché. Un album personale, dedicato al proprio amore e che come ogni album che parla di amore risulta intinto in melodie acustiche anche se non sempre di facile interiorizzazione; il risultato sono momenti come Four Years Ago, intricati e sperimentali con degli arrangiamenti davvero ben proposti e delle ambientazioni che danno colore alla scena quasi teatrale.

Ugo Mazzei – Adieu Shangri-La

Un album impegnato da parte di un artista appartenente alla scena cantautorale. Quanto tempo è passato dall’ultima volta che abbiamo riscontrato questo binomio in un artista italiano?! Di grossi nomi in tal senso se ne sprecano (Guccini, De Grogori, Gaber…) e il confronto con il passato è d’obbligo visto che il cantautorato italiano si sta allontanando dai temi ideal-politici del passato per parlare di amore e di argomenti di tutti i giorni. Con Ugo Mazzei si recuperano alcuni argomenti delicati (spesso comuni più agli schieramenti punk ska) come l’amore per l’ambiente e il diritto alla salute di ogni singolo abitante di questa Terra, tema spinoso quanto estendibile a vari scenari possibili. Qual è il vero punto saliente di questo Adieu Shangri-La, ultimo doppio album di Mazzei? Sarebbe stato troppo semplice comporre un insieme di tracce di protesta, urlare o semplicemente cantare testi di rivolta o di polemica magari poco costruttiva. Ma Ugo non appartiene alla schiera dei giovani irriverenti che spingono la polemica senza giungere a delle proposte costruttive. Ugo è troppo “saggio” (e poco adolescente) per scegliere questa soluzione e così crea un album di sapiente rock raffinato che alterna egregiamente una sei corde acustica con una sua sorella elettrica, entrambe mai mescolate a caso grazie anche all’ausilio di molti musicisti che lo hanno accompagnato in quest’avventura.

Certo, l’imprinting cantautorale si sente eccome (come in Canzone Per Chico dedicata a Chico Mendes, sindacalista che perse la vita battendosi contro il disboscamento della foresta amazzonica) ma si apprezza molto di più in questo Adieu Shangri-La: l’opener Fatemi Respirare (molto De Gregori) con la sua batteria in 4/4 e gli assoli pungenti e C’era con il suo pianoforte di base che conferisce quel qualcosa in più, tutte particolarità lontane dai soliti cliché del genere. Anche Oh Susanna che mescola lo stile di Ugo con delle interessanti sfumature country (o più genericamente “southern”) risulta un buon passaggio e Armageddon pur sfiorando la tradizione pop contiene un fascino particolare grazie soprattutto agli ottimi arrangiamenti (stesso dicasi per Stracci Inutili). Caratteristica di questa uscita discografica è l’inserimento, oltre all’album “tipico” dell’artista, di un CD che include i “provini” che hanno poi dato alla luce Adieu Shangri-La: una rivistazione dei brani per solo voce e piano che piace e che va apprezzata già solo come iniziativa.

Se la cura per i particolari e la trasversalità musicale sono gli assi nella manica di questo lavoro, speriamo che in futuro il buon Mazzei non si faccia conquistare da sonorità eccessivamente orecchiabili ma continui a perfezionare uno stile in continua ricerca di qualcosa di sofisticato.

Sintomi Di Gioia – Sintomi Di Gioia

Nuovo album per i Sintomi Di Gioia, duo proveniente da Alessandria attivo dal 2000, che tramite l’etichetta Indidacosa pubblica questo nuovo omonimo parto musicale. L’ultimo loro lavoro da studio fu Segnalibro pubblicato nel 2008, ed abbandonati lidi più rock, con in aggiunta alcuni cambiamenti nella formazione, il duo piemontese dà alla luce un disco dalle atmosfere più cantautorali e, per quanto riguarda la parte strumentale, dedica molto spazio alla sperimentazione. Prodotto da Umberto Giardini (Moltheni), che tra l’altro offre la sua collaborazione alla batteria in alcuni brani, Sintomi Di Gioia si apre con Due Minuti Prima Che Cambiassi Idea dove la forte influenza del cantautorato italiani degli anni ‘60 si fa ben evidente, con un sound che può ricordare gruppi come, ad esempio, Le Orme. Dopo i pochi secondi di Calpesto Sassi Preziosi nella quale il suono della natura funge da protagonista, arriviamo a Di Blu, singolo del disco, della quale colpisce la leggerezza e la malinconia, oltre alla voce di Luca Grossi (anche autore dei testi) perfettamente combinata con lo stile proposto dalla band alessandrina. In Ordine è il pianoforte a far da colonna portante del brano ponendo lo sguardo verso orizzonti più jazz. La track-list prosegue tra atmosfere malinconiche, nostalgiche e sperimentali, arrivando a Canzone Per T (La Rivoluzione), dedicata al giornalista Marco Travaglio, ad episodi psichedelici di Mi Dimentico Di Me, fino a concludere con l’introspettiva Maggio 2002 dove questa volta è l’harmonium a metter le vesti del protagonista del brano

Per i Sintomi Di Gioia è di certo un nuovo capitolo per ciò che riguarda la loro carriera, un punto di svolta che, come già accennato, lascia alle spalle un passato più vicino ad orizzonti un po’ più rock; la cosa che più colpisce dei Sintomi Di Gioia è la versatilità, o meglio, la creatività che il duo piemontese ineccepibilmente dimostra di possedere soprattutto riguardo la parte tecnica, ed un cantautorato, quasi poetico, per quanto riguarda le liriche. Sintomi Di Gioia, per chi non fosse affine a questo genere, è un disco di difficile digeribilità al primo ascolto, va senza dubbio approfondito per poter cercare di trarre quegli spunti positivi che il disco stesso presenta.

Giovanni Marton – Ogni Sguardo Non È Perso

“Giovani cantautori crescono”. Questo potrebbe essere un ottimo sottotitolo per il nuovo lavoro di Giovanni Marton, polistrumentista nativo di Mestre (Ve) con ottimi studi musicali alle spalle. Battiato, Colapesce, Morgan e i suoi Bluvertigo, tutti vengono dati in pasto all’ascoltatore in un frullatore sonoro. Il disco può essere identificato come un concept diviso in due parti. Nella prima fase viene narrata la visione futura della vita piena di speranze e illusioni (Tormenta Estiva, L’ultimo Sole) per poi scontrarsi con l’amara realtà e chiedersi il perché della distruzioni di quegli ideali (Contro L’Ordine). Marton, nel suo viaggio, si fa accompagnare da validi amici: Lele Battista (La Sintesi) e Fabio Cinti (già collaboratore di Morgan). Proprio da queste due presenze trae vita la seconda parte dell’opera per una decisa sterzata musicale. Partendo da una serie di brani “placidi” e di vago respiro melodico, ascoltiamo un deciso cambiamento in stile pop elettronico e new wave alla Bluvertigo. tutto ciò giova particolarmente, rendendo musicalmente completa la proposta. In ogni caso, dobbiamo dirlo, l’opera è ridondante: troppi brani, alcuni decisamente superflui, appesantiscono l’ascolto rendendolo ad una prima analisi anche noioso e coraggiosamente presuntuoso.Solo dopo un ascolto più approfondito si capisce l’incisività del disco.

Oddio, niente di trascendentale sia ben chiaro, ma abbiamo ascoltato un lavoro ben fatto, ben curato in ogni minimo dettaglio, cosa che di questi tempi appare un evento raro.