Rage Against The Machine – The Battle Of Los Angeles

È il 1999 quando l’arma automatica dei Rage Against The Machine si riappropria di un caricatore sfornando 12 incendiari proiettili dall’alto potere di penetrazione. The Battle Of Los Angeles svetta al numero uno di Billboard con una velocità impressionante. Questa nuova uscita mira direttamente al cuore, come Ramon di Per Un Pugno Di Dollari, sfruttando il pirotecnico rifferama di Morello che forgia le sue composizioni sullo stile Led Zeppelin. Niente da dire, i R.A.T.M sono tornati alla grande. Abbandonate le sovrastrutture di Evil Empire, la band si concede licenza di uccidere aprendo le ostilità con l’opener Testify, imperdibile il video in cui i due candidati alla fine si fondono in un’unica persona. È una terapia d’urto e la dose viene raddoppiata con Guerrilla Radio. I due singoli, diretti da Michael Moore, sono capaci di spostare montagne e far muovere il culo anche al più riluttante degli essere umani. Tutti i suoni della chitarra, che definire customizzata è un eufemismo, sembrano provenire da un’altra galassia. Se è vero che le liriche di Zack sono affilatissime è altrettanto vero che Tom è l’alchimista perfetto, il vero fulcro su cui si regge l’intero lavoro. Questo terzo capitolo è la sintesi dei primi due e, sebbene risulti meno complesso, consolida il lavoro fatto finora attraverso un sound chitarristico ricco di evoluzioni melodiche, sfornate dai marchingegni di Tom. A testimoniarlo sono la tellurica Calm Like A Bomb dal chorus irresistibile e Mic Check un brano di proporzioni titaniche. Efficaci e devastanti come potrebbe esserlo uno scivolamento tettonico losangelino, i nostri procedono spediti per l’intero disco sfornando colpi da maestro come l’inarrestabile Sleep Now In The Fire. I R.A.T.M. sono forti della sezione ritmica Tim/Brad che permette al chitarrista una libertà sognata da molti e che in pochi si possono permettere.

The Battle Of Los Angeles suona come mille candelotti di dinamite fatti esplodere in una piazza gremita di gente, lo spostamento d’aria è così potente da scaraventare chiunque a distanza. Voleva fare un disco tronitruante Tom, a nostro avviso ci è riuscito perfettamente. Nonostante i soldi, il pubblico in adorazione, le tentazioni di un mondo musicale che li ha eletti a nuovi dei, e gli anni che pesano i quattro non perdono di vista le battaglie sociali, denunciando i poteri corrotti e sputando veleno letale su qualunque cosa non gli vada a genio. Imperdibile.

Indastria – I Giorni Del Pelo

A volte da un miraggio, da un’apparizione inizia tutto. È questa la genesi di I Giogni Del Pelo, il nuovo lavoro di una giovane band sorta a fine anni ’00 che voleva fondere le proprie radici metal-funk e metterle a fattor comune in una manciata di tracce. Così gli Indastria si catalizzarono, oltre che sulla musica, su quell’orso che si dice videro nei dintorni della diga del Vajont e da quella strana immagine quasi onirica iniziarono i primi passi verso il brano Orso Polare Droga contenuto in questo lavoro. Un orso tra l’altro presente in tutta la sua spontaneità come protagonista assoluto dell’artwork. Topolino mette subito in luce i punti di forza e di debolezza della band: sound compatto ma non monotematico, tempi ben strutturati ma un cantato che affossa la proposta del quintetto. Se infatti da un lato si vuole rendere il tutto più caratteristico citando qua e là band che hanno fatto della pazzia compositiva un marchio di fabbrica (System Of A Down) le liriche a volte fuori dagli schemi musicali sembrano rendere meno serio il tutto (Catena). Brano debole l’opener, complice anche la sua elevata durata. Passi il piacere di ascoltare qualcosa di diverso ma la ricetta così come trascritta richiede una certa maturità artistica che però l’autoproduzione non mette in luce, anche colpevolizzando una produzione scarsa. Sicuramente il piacere cresce con lo scorrere dell’album apprezzando le canzoni più “composte” come Odio Il Mio Modo o anche la stessa Orso Polare Droga: in questi momenti vengono fuori le capacità tecniche e soprattutto compositive della band, i variegati e altalenanti tratteggi all’interno dello stesso brano, le sfuriate messe al servizio dei watt. Non è un caso che il brano che dà il nome alla band strizzi l’occhio a certo jamaican sound pur restando fedele alle radici heavy metal che risultano inossidabili nella materia grigia dei Nostri.

I toni diventano più scherzosi con Tosse Verta, complice anche i ritmi che puntano le luci sui testi in alcuni passaggi in dialetto (quindi che ricalcano le nostre impressioni iniziali anche se ora paiono meglio incastrati nel contesto musicale), mentre Gaia rappresenta il momento serio che fa riflettere su quanto l’uomo sia capace di devastare il mondo in cui egli stesso vive (probabilmente l’approccio concettuale su cui costruire qualcosa di importante in futuro per gli Indastria). Non è di certo la prima band che cerca di proporre un heavy metal a metà tra il funk e il crossover, lavoro sicuramente non facilissimo senza correre il rischio di risultare banale, ma bisogna riconoscere un certo interesse nel sound degli Indastria. Molto c’è ancora da fare (produzione, costruzione sonora) ma il tempo dirà la verità su di loro.

Il Terzo Istante – Come Ti Senti?

Non è da tutti decidere di intraprendere un progetto musicale e di trovarsi a tre mesi da questa decisione in sala di registrazione per incidere un EP. Non è da tutti anche perchè non stiamo parlando di uno di quei supergruppi, formati da artisti che hanno visto sfumare il successo della propria “main band” e che vedono la possibilità di “rilanciarsi” in maniera autonoma, sfruttando il proprio nome, come un modo per incrementare le proprie casse. Divagazioni (e polemiche) a parte, Il Terzo Istante è un trio di giovani musicisti che prende il nome proprio dal numero dei propri elementi e dalla velocità con cui si stanno facendo conoscere (in meno di un anno hanno suonato sullo stesso palco di Max Gazzè in occasione dell’Arthur Guinness Day 2012). La base portante del sound de Il Terzo Istante è un crossover sofisticato (altro che alternative, come li presentano tutti), niente tracce modaiole, ma anzi delle promisquità con certo rock acido del nostro paese anche se caratterizzato dalla bellissima voce di Lorenzo De Masi. Ma il bello non è qui perchè l’aspetto più promettente di questa line-up è nella sua rilevante dose di creatività sfruttata pienamente attraverso cambi di rotta, strumenti che fanno lotta tra di loro e direzioni stilistiche che si accavallano. Non è solo la pazzia della title track che inserisce un piano nel bel mezzo del riff elettrico ma anche gli sprazzi energici di Le Idee Chiare e le sfuriate di Non Sai che anche nel ritornello riescono a far combaciare una parte cantabile e un incedere assolutamente stravagante, a tratti math-rock.

Più pacata il Senno Di Poi ma guai a parlare di ballad: i tempi restano una spanna sopra il classico 4/4, segno della portanza tecnica che i tre ragazzi hanno maturato. Assolutamente una formazione da tenere sotto controllo perchè siamo sicuri che con un album ben più completo si rischia di spaccare la scena rock nostrana e riuscire a portarla ad un livello superiore.

De Curtis – Belli Con Gusto

Alcune persone credono ancora che le vecchie leggi del rock siano inviolabili e che un musicista o una band che si dice appartenere a questo genere debba fedelmente seguire i dogmi assoluti della sua storia. Tempi in 4/4, riff che entra in testa ripetuto a dovere, struttura dei brani scolpiti su pietra e tanta energia. Sì ok, questo è un buon ricettario per comporre un album che resti più a lungo possibile nei lettori degli ascoltatori ma per fortuna non è l’unico. Anzi dobbiamo ringraziare le band che spingono il rock un pò più in là, che gli offrono una vista più trasversale, più ampia, come fosse un laser che ad un tratto riesce ad annullare la miopia e contemporaneamente aprire la mente verso nuovi ascolti. Perchè il rock è molto di più e delle formazioni di grandi musicisti ce lo dimostrano. I De Curtis sono fra questi, nonostante il loro moniker e i titoli di alcuni loro brani che vorrebbero accostarli ad una formazione “da gioco”, leggera nelle idee e nella musica. Non è così. L’impegno verso una costruzione sonora ardita e trasversale è forte e le influenze che si percepiscono in soli quaranta minuti di ascolto sono davvero multiformi e stravaganti.

Già in apertura gli intenti sono chiari. Prevaricare i generi, focalizzarsi su qualcosa di intricato, stupire con l’inaspettato e favorire quegli inserti che non sono per nulla consoni al rock. Non è un caso che la title track e le sue sfuriate quasi crossover in grado di cambiare sfumature, umori e musiche nel giro di quattro minuti scarsi esalti e al tempo stesso rappresenti il brano perfetto per entrare nelle musicalità dei De Curtis. Ma l’insegmanento più forte arriva con Vota Antonio. Uno scherzo? Assolutamente no, perchè il rock è sempre stato visto come qualcosa di rozzo, sporco per gente che vive la vita al limite; in questo brano la musica acquisisce un’eleganza particolare che non referenziano il Salvatore De Curtis richiamato dal nome della band né il suo famosissimo grido “Vota Antonio La Trippa” nel film Gli Onorevoli. Anzi, qui addirittura si scade nel progressive. Così Novantesimo Minuto ci introduce a scenari psichedelici (forse perchè la vecchia sigla del programma Dribbling era un brano dei Pink Floyd?!) sforando poi in passaggi altrettanto coraggiosi, mentre Il Principe Parlante (ancora un altro riferimento a Totò) presenta un incedere ancora più allegro ma mai semplicistico.

Per le vere sperimentazioni c’è Senza Ombra Di Dub Io, nella cui parte centrale ci riporta a quanto fatto negli ultimi anni dai Nichelodeon, mentre sul finale va segnalata Plastic Islands con alla voce Mae Starr dei Rollerball ed il sapore crepuscolare che lascia sul palato. Ma tutto sommato, definirlo un album rock è assolutamente riduttivo.