FatSoul – Homo Ebetis

Qualcosa si è rotto lungo la catena evolutiva dell’essere umano e forse parlare di “homo ebetis” rende bene l’idea, non del come ma del punto a cui si è giunti. Nel caso in questione si tratta dell’album d’esordio dei FatSoul, un power trio di musica strumentale che punta tutto sul crossover, quello pieno zeppo di impedenze funky, groove folle e matrice ritmica che fa aumentare le pulsazioni cardiache. Detto in altri termini, siamo di fronte ad un album che omaggia i Primus ma che volutamente non si spinge nell’imitarne le gesta tematiche, evitando di optare per una linea vocale (Les Claypool resta intoccabile nei suoi folli racconti) ma ponendo tutto l’accento sugli strumenti. Brani come Oshoneck o Honey ci riportano proprio a quelle soluzioni, coraggiose, tecniche, aritmetiche, funky che ti fanno battere il piede senza sentire la stanchezza; con Sthercules arrivano le influenze blues, un intro che strizza l’occhio ai Lynyrd Skynyrd e un’atmosfera più rilassata, anzi spensierata; solo nella seconda parte un basso senza controllo riempie un suono per il quale la sei corde invece punta su accenni cadenzati. Insomma tutto secondo il loro pazzo copione.

Da segnalare la titletrack che mette in scena un film più pacato, traccia in crescendo che gioca con il pathos pur attenendosi ad una struttura semplice. Anche Hamebus Papa è un brano che contiene un certo spirito melodico, sopratutto nella prima parte, e che sospende per un attimo la pura batteria per valorizzare suoni e note; ma i ragazzi non resistono e accelerano il passo nella seconda metà. Su Intro non diciamo nulla ma tutto è tranne che un brano di chiusura. Un album davvero di spessore che richiede tecnica, inventiva e capacità di uscire fuori dagli schemi. Già solo per questo i FatSoul hanno realizzato un signor album.

Body Count – Bloodlust

Bloodlust è il titolo del nuovo album targato Body Count, band attiva dal 1990 per volere di Ice-T, membro fondatore e rinomato attore. Il loro genere è da definirsi rap metal, poiché la matrice ribelle delle gangsta americane è molto presente ma d’altro canto emerge la violenza sonora del metal estremo. Anche per quest’ultimo Bloodlust gli americani non hanno voluto allontanarsi troppo da quello per cui li abbiamo conosciuti e il risultato è davvero più che buono, il merito è loro e di una produzione di alto livello, nonostante alla realizzazione di questo full lenght hanno preso parte illustri ospiti come Dave Mustaine (Megadeth), Max Cavalera (ex Sepultura) e Randall Blythe (Lamb Of God). Per chi non ama il genere consiglio di non confondere i Body Count tra le band che “non suonano”, l’atteggiamento è di certo ben diverso, la matrice infatti è dannatamente heavy, così come la caratura tecnica della band di alto livello. Civil War è l’opener track che vede la partecipazione di Dave Mustaine, per un brano che tra mid tempo e furiose ripartenze non tradisce le attese, è un ottimo biglietto da visita, potente, trascinante, la strada è ormai aperta e subito dopo è la volta di The Ski Mask Way, che continua con successo quanto anticipato. Ice-T è un attore di successo e questo tutti noi lo sappiamo bene, forse nelle vesti di cantante/frontman è meno conosciuto ma non lasciatevi ingannare, questo non vuol dire che riesca meno nell’intenzione. I testi di Bloodlust sono provocatori, maledettamente odierni, emergono i problemi di un’America sempre meno democratica.

This Is Why We Ride figura tra le mie preferite, specie per il tragico finale. Con All Love Is Lost è il turno di Max Cavalera, che sputa fuori tutta la sua rabbia nel chorus, mentre Ice-T si riconosce ancora per il suo cantato fitto, dove lo sdegno sfocia in odio. A circa metà album c’è una bellissima sorpresa, i Body Count omaggiano gli Slayer con l’accoppiata Raining Blood/Postmortem, ogni giudizio è superfluo, queste sono canzoni che già parlano da sole, esperimento riuscito. God Please Believe Me è una ballad, che ci fa pensare, riflettere su quanto potrebbe essere migliore questo mondo. Da un momento meditativo al bisogno di far male, i Body Count per Walk With Me arruolano nelle proprie fila l’ugola di Randall Blythe, il singer dei Lamb Of God non si lascia pregare e da subito vomita collera, anche questa volta i Nostri hanno fatto centro. Here I Go Again è una song malvagia, così come la voce di Ice-T, trasformato in vampiro, che si aggira ansioso di colpire sui tetti di Los Angeles. Bloodlust è un album di successo, suonato e arrangiato molto bene.

E’ la volta di No Lives Matter armonie di chitarre annunciano un chorus urlato al mondo. Ci stiamo avvicinando al termine di questo nuovo nato in casa Body Count, ma la band non ne vuol sapere di gettare la spugna è ancora viva, sulle note della title track prima, che dimostra per l’ennesima volta la verve metal dei losangelini. Le ostilità si chiudono con Black Hoodie, una felpa nera, due colpi di pistola, un ragazzo morto per il colore della pelle, per il colore della giacca. Bravi Body Count, promuovo Bloodlust e la vostra battaglia. In alto il nostro saluto!

Sabbia – Sabbia

Si dicono influenzati dal desert rock americano ma noi nell’EP d’esordio dei Sabbia ci troviamo molto ma molto di più. Sicuramente si tratta di registrazioni frutto di jam session ed esecuzioni in sede live, su questo siamo d’accordo con loro, ma associare il loro sound alla scena stoner americana sarebbe assolutamente riduttivo. Tastiere, sassofono, psichedelia sono gli aspetti che più ci colpiscono di queste quattro tracce, quattro brani che suggerirebbero un EP “mordi e fuggi” e invece tutti i brani sono corposi e al termine dell’ascolto abbiamo la sensazione di aver gustato in tutto e per tutto un full-lenght. Ci colpisce l’opener, la floidiana Indagine che accende subito una serie di luci ottantiane sul palco in un crescendo di esuberante sperimentazione della durata di nove minuti e che vede sul finire strizzare l’occhio a partiture prog e un sassofono di gran classe. Più ascoltiamo questo EP e più abbiamo la sensazione di una vera e propria colonna sonora, delle composizioni che restano su partiture ben delineate ma che escono al di fuori dalla classica cornice dei brani; non è solo l’assenza di linee vocali a infonderci questa sensazione ma l’animo con cui sono realizzati i diversi contributi, la profondità delle composizioni stesse e la nostra immaginazione che ce li fa gustare accompagnati da immagini magari di cortometraggi.

Il fascino per il prog esce fuori anche in Armonici Elettrici che sul finire si scatena e cede il passo ad un incedere deciso, heavy rock senza mezze misure. L’EP si chiude con Lasonil, unico momenti in cui secondo noi si paga dazio allo stoner e al doom per il sound: riminiscenze passate sono ravvisabili dai vari tappeti di tastiere con drappi di armonie da grande band. Un EP da ascoltare in profondità.

Obake – Draugr

Nuova mutazione per gli Obake. Nuova mutazione non solo a livello di sound, ma anche come formazione: se nel precedente lavoro (recensito da noi a questa pagina) vi era l’entrata di Colin Edwin, già nei Porcupine Tree, nell’ultima fatica sonora Draugr, Jacopo Pierazzuoli sostituisce alle pelli Balasz Pandi. A livello sonoro cambiano le influenze: se in precedenza emergevano echi di anni ’90 con influenze di Melvins e Tool, oggi sono i settanta a farsi strada con i nomi di Black Sabbath e Popol Vuh sugli scudi. Dopo cinque giorni di improvvisazioni selvagge in studio il risultato è dunque una concordanza di doom e kosmiche musik. È innegabile che il lavoro è molto più ostico del precedente Mutations, nonostante le influenze musicali siano più fruibili che in precedenza, ma il bello è proprio questo. Non vi è un attimo di noia e la difficoltà di ascolto spinge l’ascoltatore ad approfondire maggiormente per districarsi in questo mare magnum sonoro. Ci azzardiamo a dire che Draugr è sicuramente il lavoro più completo della storia degli Obake, basta ascoltare Cold Fact e Incineration Of Sorrows, apertamente ispirate ai King Crimson, o Immutable, vero tributo ai primi Sabbath. Per non far dimenticare la presenza di Colin Edwin ecco pronta Serving The Alibi, con una linea di basso che non te la dimentichi più e una voce idonea a deflagrazioni ed esplorazioni sonore degne di un Mike Patton in stato di grazia.

Ancora, degna di nota, è Appeasing the Apparition, tra Tool ed Alice in Chains. Puro crossover quindi ma – ripetiamo – è proprio questo il punto di forza. Da ascoltare a più riprese.

Junglelyd – Dia De Muertos

Secondo EP per i Junglelyd, dopo il primo Paracaidas recensito da noi a questa pagina. Ai tempi non avevamo le idee chiare su questo combo e questo nuovo EP (sempre composto da tre tracce) non ci aiuta a dire il vero a definirlo meglio. Ci sono molti strumenti acustici (flauti, percussioni) che si mescolano con contributi ben più analogico-digitali (synth, sezione ritmica campionata) il tutto però calcando un po’ troppo l’accento su andature ballabili e mettendo in secondo piano un approccio crossover che potrebbe davvero differenziare il progetto. Ecco in Cinco De Mayo riaffiorare le influenze western, come era accaduto in Magica Nueva, e poco viene aggiunto per dare giusta interpretazione della “giungla sonora” del quintetto.

La proposta dei Junglelyd è probabilmente un po’ troppo variegata, tanto che offrirla a piccole dosi (15 minuti ad EP, seppur con brani molto diluiti) riduce l’effetto che se ne potrebbe giovare. Su un full-lenght sicuramente potrebbero essere apprezzati di più, testando i diversi piani creati dai singoli brani.

Paolo Baltaro – The Day After The Night Before

Agli appassionati di progressive il nome Paolo Baltaro non è nuovo, sia per la sua militanza in vari progetti tra cui i suoi Arcansiel, sia per la sua carriera solista che arriva al 2017 a questo (secondo) album dal titolo The Day After The Night Before. Quest’uscita è indubbiamente sperimentale e per nulla da un consumo fugace: molto corretta la scelta di stamparla in versione vinile oltre che in CD, per apprezzarla a pieno. Difficile però trovare una trama comune, diciamo che ciascun momento ha un’anima propria e una storia dietro le proprie spalle. Goodnight ad esempio è un blues psichedelico, come una ballad composta da una hard rock band degli anni 80 (Whitesnake, giusto per inquadrare il tutto) ed è curioso che il brano arrivi dopo uno dei momenti più sperimentali del lotto, Cole Porter And Frankz’s Birthday Party, che attinge dalla tradizione progressive (di richiamo King Crimson / ELP) per modificarsi geneticamente con melodie più orecchiabili (fiati) e incursioni fuori genere (jazz). Con lo stupore intriso sul nostro volto si arriva a Another Sunny Day, una traccia che ha i cromosomi del rock ma con un’attenzione compositiva pop capace di rendere più digeribile l’idea di musica dell’artista (radio incluse).

Calzante in questo la definizione che lo stesso Paolo Baltaro dà al suo lavoro: “ciascun brano costituisce la colonna sonora di un rispettivo film inesistente“. A questo fa eccezione Do It Again (inserita in un prossimo film) che viene proposta in versione acustica, all’apertura dell’album, e in chiave elettrica, acquisendo in questa seconda pelle un altro sapore, decisamente più floidiano ma anche più rock. La seconda facciata si popola di momenti sicuramente più digeribili, alcuni anche da grandi ascolti come Pills (di cui noi apprezziamo l’intermezzo strumentale) o Silent Song (dall’evidente sapore beatlesiano). Compaiono anche due cover, Bike di Syd Barrett (esercizio in cui si tocca con mano la pazzia inglese di Syd seppur in versione rivista da Baltaro) e It’s Alright With Me di Cole Porter (brano qui completamente stravolto, come fosse un musical rock). Un buon lavoro, interessante e da farlo proprio con la dovuta calma; non ci sono ravvedimenti innovativi ma sicuramente una chiave interpretativa da pochi e un’attenzione anche esecutiva che viene apprezzata particolarmente nella versione in vinile.

Junglelyd – Paracaidas

Nell’attesa di ascoltare il primo full-lenght, i Junglelyd realizzano due EP il primo dei quali è Paracaidas. Tre (sole) tracce per entrare nel loro mondo fatto di musica sperimentale, potremo dire lounge (si ascolti il contributo del sax) ma non solo. C’è ad esempio lo ska (nei ritmi in levare e negli effetti), c’è della psichedelia e di conseguenza della sperimentazione. Magica Nueva in particolare lascia un retrogusto western, mentre Cumbia 94 spinge sulle percussioni e si perde in ritmi più danzerecci. Davvero difficile trovare un minimo comune denominatore in questi 15 minuti di ascolto, anzi probabilmente è proprio l’assenza di una matrice univoca che rende quasi impossibile prevedere l’attuale forma del progetto né la direzione che prenderà nel futuro. Attenderemo il prossimo capitolo della saga Junglelyd per esprimerci meglio.

Cibo – Capolavoro

Tornano i Cibo e non potevano farlo sottotono. Dopo l’album Incredibile, che pure ci aveva colpito dritti nel volto, il quintetto sputa una manciata di nuove tracce sotto l’ambizioso titolo Capolavoro. Lo stile è coerentemente irriverente anche se nelle nuove tracce si percepiscono intenzioni più spigolose che allontanano i Cibo dal semplice rock e che creano ferite più profonde sulla pelle: forti sono i rimandi alle origini hardcore con una ritmica di matrice metal che accelera ad ogni curva. Immaginate gli Elio E Le Storie Tese che decidono di jammare insieme a Linea 77, Motorpsycho e The Clamps: oltre a un gran casino sul palco si creerebbe sicuramente un gran casino sonoro, forse tecnicamente quadrato ma di sicuro rumoroso. L’accezione è sicuramente positiva visto che lo “splatter rock” (così amiamo noi definire il loro stile) dei Cibo è tutt’altro che timido o elementare. L’opener Il Nostro Gruppo È Morto dichiara subito le intenzioni della band: non mollare la scena, piuttosto andare a fondo corsa, non lasciare attimi per ragionarci troppo su perché per secondi di tregua c’è solo la canonica pausa tra una traccia e l’altra.

Per ascoltare un brano lontanamente orecchiabile bisogna attendere la traccia 9, Macchinine (Miglioreamicodimerda), ma questo non ci stupisce affatto, anzi ci permette di apprezzare di più lo stile impertinente della band, uno spirito intenzionalmente punk (o appunto hardcore) ma che si muove in maniera goffa e distruttiva…in una parola DIY (per alcuni versi paradossale nel loro caso ma è così). I cori di Vikingus, le intenzioni di ICSFCLD (acronimo di “io ci so fare con le donne”), il francese di 4 Amici In Piazza sono solo elementi di corredo per un album che infrange il muro del suono, attinge dal rock’n’roll settantiano e dal metal e ne produce un mix unico, punge molto più del precedente Incredibile in una discesa verso una proposta sempre più cattiva (a differenza di quanto normalmente accade alle altre band). Quindi diciamolo che si tratta di puro crossover folle, e Gadro potrebbe essere il portabandiera del loro modo di intendere la loro musica, ma in generale Capolavoro è un pugno nell’occhio del “rock vestito per la festa”, lasciando alla strada il giusto habitat per darne voce e contesto.

Ottone Pesante – Brassphemy Set In Stone

Cambio di drummer ma non di linea musicale. Gli Ottone Pesante tornano dopo averci stupiti con il loro EP d’esordio recensito da noi a questa pagina con un full-lenght vero e proprio, un album che non intende consolidare il proprio stile (perché nessuno aveva dei dubbi sul fatto che non avrebbero cambiato genere), piuttosto confermare il fatto che questo trio sperimentale non avrebbe chiuso i battenti dopo un EP, pur particolare che esso sia, ma avrebbe continuato nel proprio cammino. Anzi, l’eco degli Ottone Pesante è divenuto più forte e non è un caso che la band abbia intensificato i propri live e si sia affacciata anche a Paesi oltre i confini nazionali. Probabilmente non è nemmeno un caso che il nuovo Brassphemy Set In Stone si apra con un brano dalle melodie tinte nell’Est Europa; “melodie”, un termine importante per approcciarsi a questo lavoro in cui tromba e trombone lavorano con una maggiore coesione realizzando un sound che esce ancora di più fuori grazie ad una batteria meno spigolosa rispetto al passato. Ci sono rimandi all’esordio, come Torture Machine Tool o Pig Iron, brani che sottolineano l’accento math e cadenzato dell’omonimo lavoro, ma vi sono anche passi ulteriori e saggezze compositive come Nights Blood, una buona colonna sonora per un film drammatico con diverse velocità.

Non solo furia, lo conferma un’affascinante Trombstone, marcia funebre che ti cala in un tepore che rende impossibile la vista in un crescendo di emozioni nere che soffocano la voce e aprono alla seconda parte dell’album. Gli Ottone Pesante confermano la loro intenzione di stupire, di non voler aggiungere linee vocali, di concentrare tutto il profilo compositivo sui fiati che diventano anche veri elementi ritmici a cui la batteria si adegua con pattern comunque intricati; il lavoro dei fiati a nostro parere è evidente in Melodic Death Mass, un pezzo che offre un’altra visione della personalità del trio, visione non di certo scontata rispetto al loro classico trademark. Un progetto davvero interessante.

Morkobot – Gorgo

Hanno ancora qualcosa da dimostrare i Morkobot? Alla metà del mondo che non li conosce ancora sicuramente sì, all’altra metà che li ha conosciuti con la trilogia Morkobot–Mostro–Morto o con il quarto album Morbo hanno da regalare ancora tante emozioni. Ed è probabilmente anche con questo movente che il power-trio dà alla luce un quinto capitolo dal titolo Gorgo. Fil rouge si dispensano senza timore, non solo leggendo i titoli dell’album ma anche nelle tracce, nei suoni, nella line-up ancora una volta costituita da Lin, Lan e Lon, per i comuni mortali due bassi e una batteria. Eh sì, nessun errore di stampa, si tratta di una band sopra le righe che ancora una volta ci dimostra la gigantesca crepa che intuizione e creatività fanno comparire tra il concetto di rumore e quello di suoni pesanti ma appaganti. Il loro noise arriva costante, per nulla indebolito in questa quinta uscita, con una durata che non tocca i 40 minuti di ascolto, tutti concentrati nel groove prog e nei muscoli ritmici delle 7 tracce. Prog?! Sì, perché gran parte delle partiture lanciano la sfida al math-rock e prendono proprio spunto dall’asimmetria che il progressive ha insegnato nei decenni. Muscoli ritmici?! Esatto, perché in fondo tutta la formazione si incentra su una sezione ritmica capace comunque di creare una pietanza completa, elettrica e cavernicola, ma appagante soprattutto per chi conosce già il sound di queste tre creature fuori dal normale.

Gorokta tocca i vertici delle asperità sfiorando una matrice cara ai Mastodon, e anche Ogrog affonda in un technical metal (la band lo chiamerebbe “getal”) che presenta l’encomiabile capacità di fondere il profilo celebrale e quello emotivo in un equilibrio che trascende i generi. Tutto secondo copione?! Tutt’altro, infatti oltre la loro dose energetica che ti scombina l’anima, arriva la conclusiva Gorog che rallenta i battiti, piazza un synth e ci manda direttamente sei piedi sotto terra, un viaggio al contrario per 9 minuti di durata. Gorgo arriva così, ispido ma non verticale, espressione di una personalità che identifica i Morkobot come una realtà unica, capace di tramutare il rock viscerale in una forma di comunicazione caratterizzata da stile, sapori e colori. Pur nel loro alone buio, i Morkobot riflettono tecnica e audacia come poche formazioni in circolazione.