Sushi Rain – Cocktail

Ci sono almeno tre elementi che identificano questa uscita e fanno capire, prima di mettere il CD nel lettore, lo spessore del progetto Sushi Rain: innanzitutto l’etichetta del loro genere, “progressive funk” anche se spesso viene usato il crossover per identificare le radici del gruppo; la presenza di ben 8 musicisti all’interno della band (tra cui strumenti elettrici, sax, clarinetto e cori vari); il titolo dell’album, Cocktail, che forse riassume al meglio in un’unica parola il senso della loro musica. Detto questo il biglietto da visita è presentato al meglio ma a noi, per comprenderlo, viene in mente un filo logico che attraverso le decadi ci porta al sound maturato dalla band: iniziando con il crossover futuristico di band come Faith No More è passando per l’acid jazz di formazioni di spessore con molti musicisti come gli Incognito, è stato contaminato dal sound di Jamiroquai; quindi onore ai Living Colour (da loro stessi citati) e a tutte quelle realtà che mescolavano il rock al funky (generi che avevano un target molto diverso) fino ad arrivare a realtà giovani ed attuali come i What A Funk?! ma con il vantaggio di avere un sound stratificato. Groove e progressive sono solo le spezie che danno più sapore al piatto e lo caratterizzano.

Così l’ora di ascolto ci regala forti emozioni e anche se le tracce mostrano dei lati distintivi, il filo logico tracciato viene sempre a galla. Pillows cerca di conquistare il pubblico con un chorus ma in realtà lascia a bocca aperta per le partiture progressive così come Why? strizza l’occhio ai già citati Incognito uscendo dal terreno verde del funk e finendo in percorsi sterrati di più ardua percorrenza. Ci sono anche momenti per passaggi lenti come One Last Night In Philadelphia (che comunque cresce sul finale) e l’acustica Free (sul finire bossa nova in fader), eppure la carica viene dai momenti rock e dalla sezione ritmica trasversale e in questo Sushi Rain Can’t Write A Single e Brain Drain tolgono qualsiasi possibilità di controbattere. Musicalmente l’album è impeccabile, una proposta personale e un lavoro profondo fatto nei minimi dettagli che mette in luce le capacità dei singoli musicisti; tecnicamente infatti ciascuna traccia ci prende letteralmente a sberle e ci lancia verso un mondo incantato fatto di caparbietà musicale, partiture incredibili, groove che sale e godimento pure. Complimenti ai Sushi Rain!

Attribution – Why Not

“Why not?!” deve essere la domanda che si sono posti gli Attribution quando erano ad un bivio: continuare a proporre cover, anche se rivisitate in modo personale, o fare il salto di qualità e dare voce alla propria musica, cioè puntare ad inediti che li avrebbe messi in gioco? Questa è una domanda che, prima o poi, si pongono un po’ tutte le cover band e, indipendentemente dalla risposta che si intende dare, ci si corre dei rischi. Degli enormi rischi. Noi apprezziamo il coraggio e inoltre comprendiamo che trovarsi perennemente nei panni di qualcun altro (anche se il proprio idolo) sia abbastanza scomodo; inoltre, almeno in questo caso, il salto nel vuoto si tramuta in qualcosa di grande spessore. Infatti gli Attribution affinano le proprie armi e creano qualcosa di davvero singolare, qualcosa di cui sono poche le realtà capaci di pareggiare, per stile e eleganza.

Il loro sound è profondamente ottantiano anche se spazia a livello di generi. Le radici sono quelle dell’hard’n’heavy con richiami alla Van Halen anche se in vari momenti propongono inserti non prossimi al rock come il contributo dei fiati nell’intermezzo della tosta Cold Turkey che esplode in un assolo micidiale, o il funky nell’opener Sleet; ancora, il groove di Fast che ricorda a tratti la raffinatezza di Jamiroquai o la stoppata Scofunk dimostrano che c’è tanto spessore e studio della composizione. Ma c’è anche il rock blues di zeppeliana memoria che prende il nome di Take Me e l’album si chiude con una traccia davvero sperimentale in cui un flauto diviene il vero protagonista.

Non c’è corsa nella scrittura, come spesso accade per band hard rock o hard’n’heavy: qui ogni traccia si prende il suo temo, alcune raggiungono un’importante durata massima, proponendo intermezzi importanti, ma più di tutti suonano pacate e sagge, come se ogni traccia non finisse se non ha realmente detto tutto. Se la domanda è proprio “Why Not?!” siamo obbligati a rispondere in maniera affermativa e motivare la nostra scelta con l’alta qualità della musica del combo. Peccato che qualche parte strumentale sia allungata oltre misura, stringendo la cerchia dei fan della band ad appassionati degli strumenti più che ad appassionati di musica a tutti tondo. Noi comunque, essendo nel primo gruppo, promuoviamo con favore questo album. Why Not?!

Fabiano Andreacchio – Bass R-evolution

Dei bassisti si parla sempre troppo poco. I cantanti sono sempre al centro della scena, di chitarristi il rock e il metal è pieno e i batteristi, anche se in secondo piano, scandiscono il tempo quindi un loro minimo errore provoca ripercussioni incredibili sulla resa sonora. Ma i bassisti? Eppure ci sono anche loro e potrebbe sembrare strano ma la loro assenza in un progetto ben costruito produce effetti travolgenti ben evidenti. Appassionarsi (nel lungo termine) a questo strumento non è cosa banale. Siamo sinceri: probabilmente il basso elettrico è uno degli strumenti più semplici da imparare ad un livello basico, dopo qualche giorno di esercizio si può riprodurre una canzone. Ma ad un livello da professionista (o semi-professionista) quanti bassisti di gran nome conosciamo? Di certo un numero di gran lunga inferiore a quello dei chitarristi! E’ così che ci troviamo a parlare di Fabiano Andreacchio, musicista che dopo vari progetti in band diverse (Mothercare, Fabian, Banditz) si dedica ad un progetto solista dove creare la “sua” musica. Diciamo subito che questo Bass R-evolution ci stupisce: di solito i lavori solisti sono uno spettacolo continuo delle doti tecniche dell’artista arricchite da arrangiamenti, campionamenti, effetti e drum machine. In questo lavoro innanzitutto si ascolta musica vera, per lo più, e non esercizi di stile; inoltre Fabiano omaggia il suo genere di riferimento che è il metal, e anche questo è fattore raro in progetti simili.

C’è qualche momento più pacato, come Dream Of A Far Landscape in cui si gioca con bassi sovraincisi, ma non è il cuore del suo sound. Ascoltare Sexonnia, l’opener dell’album, mette subito le cose in chiaro: siamo in ambito heavy metal ma tecnico, quasi prog metal e a non saperlo si potrebbe facilmente supporre di essere al confronto con una band strumentale. Non tutte le tracce spiccano, ci sono momenti in cui si attende quel volo che stenta a decollare (Texas Skull Revolver è una di queste) ma il cuore del sound è il metal. Epic Dusk è un pugno diretto nei denti, un brano ricco che rappresenta una vera e propria cavalcata metal con una sezione ritmica che una band di oggi farebbe a gara ad avere; film simile per Into The Black che incorpora blast beat e un drappo di tastiere black metal dove il basso è solo uno dei vari elementi che crea il sound complessivo (e non il protagonista!).

E’ proprio la pazzia metal che emerge da questo lavoro e un ottima ricerca di far sembrare all’unisono sia il profilo compositivo che quello esecutivo. Convincente anche l’ultima Fly Over che lascia un alone industrial e vede la partecipazione di Andreacchio anche in veste di singer. Una bella prova che apprezziamo molto.

Welcome Coffee – Uneven

Arricchiti da una tastiera i Welcome Coffe hanno un sound completo. Ma non è solo merito della eccellente produzione sfoggiata dal nuovo Uneven, bensì di una proposta completa quanto trasversale. Il quartetto autoprodotto ed emergente sfoggia uno stile musicale da band molto rodata riuscendo a saltare da un genere all’altro con una facilità estrema, come se fosse insito nella loro anima musicale. Notte Araba ad esempio è il classico brano per il pubblico italiano, pezzo in cui le linee vocali fanno melodia e “prima donna” della scena ma già dal primo ascolto emerge anche lo spessore compositivo, le influenze arabe collegate con il titolo, gli stacchi proto-prog, gli effetti usati che puzzano di metal e gli arrangiamenti. L’elettronica la fa da padrone in alcuni momenti particolari (Sunglasses è uno di questi) ed in questi passaggi prende (forse un po’ troppo) le redini della scena. Per fortuna non non si tratta della solita overdose che fa storcere il naso ai rockettari incalliti; non si tratta del solito eccesso nell’utilizzo di attrezzature varie e infatti il sapore inglese di M.U.L. e le ambientazioni psichedeliche di Maneki Neko ci fanno dimenticare l’elettronica. In particolare quest’ultimo brano esprime una preziosità prog da pochi: anziché puntare su velocità e tecnica il combo viaggia lentamente e insaporisce il tutto con un basso soft slap, delle liriche ricercate in stile Marillion, e una serie di cambi di ambientazione che ci tengono incollati alle cuffie.

A confermare il talento che c’è dietro questo progetto giunge Amore O Paura? un brano d’autore inserito in una confezione che non stona con il rock. Poetica ed arrangiamenti si uniscono per valorizzare la musica stessa, mettendosi poi un attimo da parte e lanciandosi nell’hard funk di I Do, brano che fa risplendere le luci sul potere energico dei Welcome Coffee. My 7th Time prende il pattern di Disco Labirinto dei Subsonica e tramuta l’intero ascolto in una versione chillout, mentre poi con la conclusiva Where Was God? si sfiora la ballad per poi esplodere in un crescendo di verve. Un progetto davvero interessante fatto di tantissime idee e musicisti di ottimo livello. Da seguire.

Dealma – Ritual

A tre anni di distanza dal precedente 13, disco d’esordio di indiscutibile pregevolezza (ve ne avevamo parlato a questo link), tornano i sardi Dealma con un nuovo lavoro intitolato Ritual, ottimo capitolo della loro produzione discografica che prosegue nelle intenzioni nel solco di quanto di interessante era stato proposto in precedenza, sintetizzabile nella grande capacità di fondere e plasmare in un solo grande cuore pulsante, generi sulla carta agli antipodi, come fusion e grunge, progressive e funky, hard rock e crossover. In particolare i punti di forza di Ritual sono senza dubbio la grande eterogeneità degli elementi sonori su cui hanno lavorato i ragazzi, a dimostrazione del loro vero dna musicale, il tutto finito poi nelle nove tracce proposte come in un susseguirsi di idee piacevoli ed avvincenti, in cui ogni elemento strumentale sembra essere al proprio posto, compresa la fantastica vocalità dell’ottimo Giux Mura, il quale, grazie alla sua timbrica che oseremmo definire “monozigota” a quella del grande Chris Cornell, conferisce visceralità e carisma all’intero risultato finale. Pregevole anche tutto l’artwork che impreziosisce di originalità la raccolta.

Il disco apre con Thousand Reasons, un brano in cui una funkeggiante base ritmica dà luce e spazio a riff di chitarra vitali che introducono il primo godibilissimo ritornello di Ritual. Premonitions sembra essere invece più un brano d’intrattenimento, anch’esso molto ritmato, con cori e percussioni in primo piano alleggeriti da passaggi di chitarra puliti, un pezzo molto free che ricorda sonorità leggere stile anni ’80. Vital Stones traspone in Ritual le cose migliori che avevamo ascoltato in 13, ovvero un rock contaminato e connotato da elementi sonori elettronici trasversali ad un intenso spessore dinamico. D.S.S. si fa notare per le marcate slappate di basso e per il vorticoso atteggiamento funk a cui si incastona a perfezione un chorus da disco anni ’70. Effetto collaterale? Fa battere i piedi e muovere la testa fino alla sfinimento. Alla traccia numero cinque troviamo Beliefs Valley, a nostro parere la creatura migliore del disco, un brano perfetto, tosto e visceralmente avvincente, intriso di grunge moderno che colpisce dritto allo stomaco al primo ascolto e che pretende un volume sempre più alto. In questo pugno di minuti marchiati dal fuoco sacro del rock, sale in cattedra una chitarra elettrica che finalmente corre selvaggia a briglia sciolta lungo i vocalizzi perfetti del singer Mura.

Ritual, la title track, è, come da titolo, un brano più onirico, costruito ed arrangiato con dovizia, in cui atmosfere sognanti sfociano impetuose nel solito ritornello melodico ed avvincente, dal mood distorto e liberatorio. Da tenere d’occhio. A seguire arriva Seasons, un brano ruffiano che conquista perché sembra uscito da un album dei Red Hot Chili Peppers, a cui sembra rubare qualcosa in quanto a pazzia, ritmo e anarchia stilistica. Alla numero nove troviamo Love Without Mouth, che potremmo definire il brano melodico ed emozionale di Ritual, un episodio in cui si ha come l’impressione di accostare due mondi musicali completamente diversi tra loro, quello dei Pearl Jam e quello dei corregionali Tazenda: ascoltando questo pezzo sembra infatti di sentire particelle vive dello spirito artistico di Andrea Parodi che si muovono in ispirata simbiosi con quelle dell’Eddie Vedder solista. Ad ogni modo, per le emozioni percepite, finisce di diritto sul podio delle tracce più convincenti del disco. Another Passenger chiude le danze di Ritual con un delizioso compendio dell’humus dell’intero full lenght, ovvero un brano con un mood trascinante e mai domo che dopo vari ascolti, pare presentare molti punti in comune ed una spiccata familiarità con D.S.S..

I Dealma tornano per la seconda volta sulle scene con un disco che meriterebbe riflettori e casse di risonanza migliori, poiché per idee, maturità e stile, questi ragazzi sembrano oramai pronti per fare il grande salto verso scenari nazionali ed internazionali, magari grazie ad una label che, speriamo attraverso le pagine di RockGarage, scoprendoli, decidesse di puntare forte su questo combo italiano dall’immenso potenziale artistico e composto da soli cavalli di razza.

Rocky Horror Fuckin’ Shit – Sciogli Il Tempo

Il rock è sempre stato la musica che per eccellenza, veicolava e veicola un messaggio di protesta. Le liriche dei Rocky Horror Fuckin’ Shit, band proveniente da Foggia, si installano proprio nel filone musicale riguardante la protesta sociale, nel caso specifico la realtà della società italiana e del precariato, non solo lavorativo, di cui ormai è ammorbata la nostra nazione da anni. Il nuovo lavoro della band, Sciogli Il Tempo, segue il debut risalente al 2006 che si intitolava Dritto In Faccia, e vede la presenza di molte guest star di notevole importanza: Ru Catania degli Africa Unite, Luca dei Los Fastidios, Simone Martorana dei Folkabbestia, Pino Scotto, DubLine dei Dub All Sense, Dj Blast e molti altri. Detto questo, i Nostri realizzano un album dove il crossover ed il nu metal la fanno da padrone, anche se non manca una sprizzata di punk, riscrontrabile soprattutto nell’opener Non C’é Tempo, un pezzo di rock punkeggiante che non fa presagire di un minimo tutta l’ondata crossover che poi verrà in seguito e che dominerà la seconda parte di Sciogli Il Tempo. Il pezzo in questione, comunque, è molto accattivante ed anche molto radiofonico e acchiappa subito alla grande. Anche se, secondo noi, si poteva azzardare un pelo di più nel sospingere in fase di produzione i suoni degli strumenti, che risultano, e non solo qui, molto molto scarni.

La summa dell’album è comunque questa: due parti, divise distintamente dallo stile musicale. La prima parte è varia e pervasa da influenze differenti, che rendono interessante il progetto che i Nostri stanno portando avanti. La seconda, molto piatta e tutta uguale, è standardizzata su cantati rappati e composizioni tutte sulla stessa falsariga e praticamente più o meno identiche l’una all’altra. Dunque, sorge spontanea la domanda: la vera anima dei Rocky Horror Fuckin’ Shit quale sarà? La prima o la seconda? Tutte e due probabilmente. Un peccato che Sciogli Il Tempo perda la freschezza ed il brio compositivo che abbiamo riscontrato nei primi cinque pezzi. Anche perché la band è un’ottima realtà.

Tubax – Governo Laser

I Tubax tornano più carichi che mai e dopo il precedente Il Mondo Stava Finendo (recensito da noi a questa pagina) arrivano ad inizio 2015 con questo Governo Laser e un concept grafico imperniato sul TV con schermo a tubo catodico, illustrazione usata a vari scopi dalla band e ripresa anche nel primo videoclip del brano Chicagoan diretto da Marco Ferri e uscito proprio in esclusiva per noi di RockGarage. La carica dei Tubax è rimasta invariata: le varie esperienze live all’estero, tra cui il Match&Fuse e il loro tour negli States, hanno solo contribuito a dare nuova verve. La loro è sempre una proposta strumentale anche se stavolta con Governo Laser sembra più completa e meno essenziale rispetto al passato. Sempre grande attenzione al groove e ad un basso che naviga nel funk e nel crossover, suoni non certo semplici per il mercato italiano tanto che questa band sembra tutt’altro che tricolore (eppure il quartetto viene da Bologna). Grande attenzione quindi alla sezione ritmica tanto da rendere i Tubax una delle band più amabili da parte dei bassisti, anche se notiamo una maggiore digeribilità dei brani rispetto al precedente Il Mondo Stava Finendo; hanno semplificato la loro proposta? Assolutamente no, sono maturati e a noi piacciono ancora di più!

La parte centrale di Zenigata strizza l’occhio al prog mentre con Mr. Napster synth e sampler prendono il sopravvento pur senza snaturarne il sound. Tempi stoppati, slap impostatissimo (mai veloce ma ha headbanging puro), sound profondo che ti entra dentro, energia allo stato puro che difficilmente tiene fermi di fronte ad una loro esibizione. Con Chicagoan (parte I e parte II) si aprono invece nuovi lidi di sviluppo sonoro per la band, sarà per caso questo il nuovo percorso evolutivo imboccato per il futuro? Noi non possiamo saperlo ma per ora possiamo dire che finalmente c’è qualcuno in grado di tenere testa a nomi italiani come Zu e Mombu. Grandissimi Tubax, Governo Laser promosso a pieni voti.

Stream City – HOAX

Nel dannato girone dantesco dei musicisti avvezzi all’eccessiva ossessione per l’estetica, troviamo spesso giovani band che cercano di accaparrarsi consensi (e magari anche un contratto discografico con una major) scopiazzando qua e là parti pentagrammate rubate a figure mitologiche del rock, gente che di questo genere ha scritto i fondamenti con opere divenute vere e proprie pietre miliari tramandate ai posteri. Ogni tanto però, capita di ascoltare qualcosa di originale, qualcosa di veramente unico nel suo genere, tanto orecchiabile quanto intricato, tanto godibile quanto imperscrutabile. HOAX dei danesi Stream City, rispecchia appieno quanto abbiamo premesso, mostrando tutto il talento di una band che si presenta sulle scene con questo secondo lavoro assolutamente originale, un disco semplice e spocchioso nello stesso tempo, che mescola il rock ed il metal moderno ad elementi provenienti da generi e sottogeneri assolutamente avulsi ai primi, su tutti il folk e la celtica.

Nell’ascolto ci si può imbattere ad armonie di violini che aprono a segmenti ruvidi di chitarra elettrica, oppure a momenti musicali in cui da atmosfere da colonna sonora di imprese di pirati e briganti si passa in maniera repentina a vorticosi passaggi in prog metal, che riportano l’ascoltatore aggrappato alla bollente transenna di un loro concerto. Tutti questi complicatissimi passaggi tecnici, in commistione ad una grande varietà di diversi elementi musicali, sono supportati da melodie vocali assolutamente mainstream, e quindi vincenti, un mondo assolutamente vicino a quello di band statunitensi come Panic! At The Disco o Fallout Boy, i quali, al diffuso filone alternative, hanno saputo dare sfumature punk e pop ancora più moderne, arricchite, come già detto in precedenza, da elementi sonori e strumentali tra i più disparati. Nel caso di specie degli Stream City, il richiamo è quindi esplicitamente voluto al mondo folk, il tutto probabilmente per deduttiva vicinanza alle loro radici nord europee.

Una buona produzione, un package avvincente e una varietà di brani davvero originali, sono tutti i punti di forza di HOAX, anche perché in questo album di talloni d’Achille, a dirla tutta, è davvero difficile trovarne.

Sula Ventrebianco – Furente

L’avevamo conosciuti con Via La Faccia (album recensito da noi a questa pagina) i Sula Ventrebianco, combo campano che con la medesima line-up sforna Furente, dodici tracce per circa cinquanta minuti di rock profondo e trasversale. La loro natura non è cambiata, il loro rock/crossover continua a colpirci dritti in faccia, abbandonando qualsiasi laconica ambizione di semplicità e sorprendendoci (letteralmente) per la struttura delle tracce e per i vari contributi dei singoli strumenti. Non si tratta di riff o di strofe azzeccate, qui è il valore nel complesso che esce fuori: dalle doppie voci agli arrangiamenti, dalle melodie alle energiche chitarre elettriche, tutto in una compattezza produttiva ed esecutiva di ottimo livello. Dal rock dei Muse (primo periodo) al nu metal passando per la vera concezione del crossover: i Sula Ventrebianco ne hanno per tutti e in questo album mettono in campo anche una certa variabilità tra le diverse composizioni. Lingua Gonfia è un brano contrario alla normale natura della band, pieno di pathos, che si concentra molto più sulle emozioni represse che non sulle raffiche sprigionate dal quartetto in altri momenti. E’ proprio da questa traccia che inizia una vena più intimista di Furente, dove la voce si impossessa del ruolo di protagonista, prendendosi una pausa con il brano Glory Hole in cui, prima una sei corde e poi un basso filtrante, il rock esce fuori fin dal suo odore, pregno di una sezione ritmica che colpisce come un colpo dietro la nuca.

Rispetto ai primi brani pieni di calorie, anche Grano prende le distanze, capitalizza (in primis nell’assolo) certo rock strumentale e imbastisce un letto di psichedelia viva sotto le strofe. Noi li preferiamo quando accelerano e alzano il volume: brani come Allo Specchio o Notre Dame sono innovativi e diretti allo stesso tempo, sul finire dell’album invece sembra che i Nostri abbiamo (ri)mutato pelle. Packaging importante quello di Furente visto che include un seme del Joshua Tree (sì, quello già reso famoso anni fa dagli U2) e invita chiunque a seminarlo: si tratta di una pianta che si prende gioco del tempo vivendo per secoli. L’intento è quello di sensibilizzare le persone contro l’attuale mentalità del “tutto e subito” e l’importanza della lungimiranza, nella vita, in tutto. Un po’ meno ricco il booklet interno ma comunque completo dei testi. I Sula Ventrebianco rappresentano la vera band di rock moderno, al passo con i tempi e capace di portare la scena avanti, concretamente.

VOLUMIcriminali – Frammenti D’Istanti

I VOLUMIcriminali sono una band che può facilmente far inciampare l’ascoltatore. Dai primi istanti del loro nuovo EP Frammenti D’Istanti, che ben rappresentano la loro carica energetica, si presentano come dei Rage Against The Machine all’italiana, con un crossover imposto con l’accetta e uno spirito core trascendente. In realtà ad ascoltarli bene si toccano con mano le influenze nu metal maturate dal combo ligure che li rendono, a parer nostro, più attinenti a chi ama questo genere. Eppure creativamente i VOLUMIcriminali risultano interessanti: la cover dei CSI Forma E Sostanza stravolge la versione originale inserendo una chiave elettrica e una nu metal tanto da farla sembrare qualcosa di nuovo, una forma che non avrebbe mai potuto assumere un brano simile. La terza traccia risulta quella più completa, con dei testi irriverenti ma vestiti molto bene sotto il profilo musicale: stacchi, doppie voci, chitarra più variegata…tutti gli elementi danno l’impressione di un’attenzione compositiva maggiore. Diverso è quello che dice: non un semplice brano rivoluzionario ma qualcosa di più. Al contrario Distante è un brano più digeribile, il ritornello infatti resta ben impresso ma va esclusa la parte centrale che spezza la corsa con soluzioni più ricercate.

Il nu core è un genere di nicchia, forse troppo, in cui le band di solito fanno fatica a differenziarsi ma seguono degli stereotipi un po’ troppo canonici. I VOLUMIcriminali sono una buona eccezione visto che da una manciata di brani esce fuori la carica emozionale che sprigionano e la voglia di non uniformarsi (ascoltate la batteria quasi jazz in Abradere per avere un altro esempio) che dovrebbe essere il principio cardine della scena.