WorldService Project – Relentless

Meno di un minuto basta per capire che i WorldService Project suonano una musica di varie spanne superiore a ciò che mediamente si ascolta in giro. Musica di classe, non tanto per il complesso mix di generi bensì per il sapiente dosaggio delle capacità degli artisti nel nome della canzone intesa come un qualcosa di artistico a 360 gradi. Di base c’è un jazz che sta stretto perfino a se stesso, lontano dai fraseggi estremi dei vari trio o quartet in giro per il globo (fatta debita eccezione per Bye Bye), ma focalizzato su una trasversalità musicale di alto borgo, che riesce a penetrare, a risultare semplice pur non essendo tale e spiazzante a chi all’ascolto si aspetta l’imprevedibile; oltre il fondo ben declinato si muovono varie influenze diverse, come gli stacchi in controtempo che attingono alle radici progressive e conferiscono quella vena teatrale che tanto valorizza (e valorizzerebbe in sede live) il sound della band, e poi ancora quel crossover/funk che solo gli Incognito sono riusciti a regalarci nel meno recente passato attraverso un connubio amoroso tra strumenti a corde, ritmici e a fiato. Presentati e noti ai più come una punk jazz band, in realtà questi inglesi sono molto di più e con questo lavoro, Relentless, lo sottolineano fino alle singole sfumature; non c’è spazio per scale noiose né per esibizioni di tecnica, ma solo per gusto musicale che rappresenta la vera arma di seduzione dei WorldService Project.

È nel brano In That State Of Mind che il main artist Dave Morecroft prende il sopravvento con il suo piano dalle note tavolta suadenti talvolta pungenti, mentre poi lascia spazio al basso stoppato di Conor Chaplin che crea una antimusicalità in crescendo in bilico tra assolo e armonia. Ma la sperimentazione pura esce fuori con Hero Of The Bus dove il prog viene esasperato ed al rock ammaliante vissuto pochi minuti prima si trasla nella direzione di un crossover trasversale e furibondo; completamente su altri canoni circola Song For Jen, brano con un trombone timido ma incisivo e gli altri suoni che fanno da affascinante contorno. E ancora una volta lo stato d’animo cambia e passa ad una festaiola The Screamer, molto baskers, a tratti ska, che nasconde una seconda anima fusion. Che dire, ogni brano è una scoperta per una band che ha molto da offrire in termini di idee, di musica e principalmente di estro.

Cidodici – Freedom Rebellion

Proprio un bel lavoro questo debut album dei bergamaschi Cidodici che in un’ora e 14 brani ci fanno guardare al passato ma nello stesso tempo riescono magistralmente ad estrapolare dagli strumenti un sound moderno e per nulla scontato. Freedom Rebellion è un disco pieno di guest che già nell’intro (e nell’outro) si fanno sentire. Sono infatti le chitarre di Carmelo Pipitone (nell’intro), chitarrista dei Marta Sui Tubi, e Antonello Gambuli (per l’outro) ad accompagnare il recitativo in due parti di A Note…On The Masses di Charles Bukowski che apre e chiude il lavoro dei Cidodici. Subito finita l’introduzione ci viene lanciata addosso Christitution, violenta ed immediata, che mette in chiaro il fatto che i Nostri non ci lasceranno tranquilli come avevamo pensato ascoltando la prima traccia. Notevole la base ritmica in questa song; basso e batteria spingono come pazzi per quattro minuti e mezzo riuscendo a dare la giusta aggressività che le chitarre, solo per ora, lasciano da parte in favore di arrangiamenti ben fatti. Inoltrandoci nel disco incontriamo Beneath Your Skin che ha le caratteristiche di una mid-time e ricorda molto i Kayser in Good Citizen, di qui passiamo alla parte centrale dell’album dove incontriamo due brani emblematici: Old School Styla, un richiamo appunto alla vecchia scuola thrash e l’impegnata Gli Occhi Degli Altri dove i bergamaschi si lasciano andare ad un crossover che, specialmente nella linea vocale, si richiama alla scena italiana dei Linea 77. Messi uno dopo l’altro i due pezzi acquisiscono un valore aggiunto e portano in loro le impronte digitali di questo meritevole gruppo italiano che, diciamolo, è pronto per il salto qualitativo.

Procedendo verso la chiusura di Freedom Rebellion ci si imbatte in T.V.Ictims e nei suoi assoli particolari e A Life To Learn dove troviamo alle chitarre niente di meno che Aldo Lonobile, dei Death SS e Secret Sphere, e Dario Beretta dei Drakkar che danno man forte ai cinque Cidodici (anche se, forse, un minuto e dieci di assolo sono un po’ lunghi) e per finire una versione aggressiva di Impressioni Di Settembre che funziona molto bene e si conclude con la chitarra acustica del già citato Antonello Gambuli che si fonde con l’outro recitata da un testo di Bukowski …On The Masses. Per concludere: un buon lavoro, maturo e completo per i Cidodici e non vediamo l’ora di sentirne un altro sperando che, come l’isotopo del carbonio da cui sospetto prendano il nome, riescano a ricombinare loro stessi per creare album sempre nuovi. Di certo ne hanno le competenze.

Eskimada – Eskimada

Eskimada è il nome della band. Eskimada è il nome del primo capitolo sulla lunga distanza. Un film apparentemenete semplice ma la realtà è ben diversa. Dietro questo nome infatti si celano una serie di artisti provenienti da altri progetti: la voce dei Golgo, la batteria dei Millennium, la chitarra degli Acting Out ed il basso degli Unframed uniscono le forze ed in cinque anni costruiscono un qualcosa, spinti anche dai vari concorsi musicali vinti negli anni. La proposta dei cinque può essere configurata come un crossover non ricco di tecnicismi ma alla costante ricerca di una compattezza sonora ed una raffinatezza apprezzabili. Le somiglianze con band che hanno già detto molto su questi ambiti (come in All I Need dove troviamo richiami diretti ad Incubus e meno diretti a Limp Bizkit) sono ben percepibili anche se c’è uno sfondo di tutto questo film che tende a far luce su una certa personalità del combo (che pensiamo uscirà ancora di più in futuro). Raffaele Pibiri, autore di quasi tutti i testi dell’album, sembra avvicinarsi a Mike Patton nelle parti più calde mentre si allontana a miglia di distanza nei momenti più aggressivi mostrando un’escursione (più che un’estensione) vocale davvero rilevante. La già citata All I Need soffre un pò dell’eccessiva lunghezza: gli Eskimada infatti risultano preziosi sulla breve distanza, finendo per ripetersi un pò troppo nei refrain principali lungo il cammino; non a caso Keep In The Strength resta impresso nella mente e convince subito circa le intenzioni della band. Ciò non toglie che i 32 minuti dell’album risultano assolutamente piacevoli e non un compito assolvibile da chiunque.

Sopra le righe le parti di basso che spesso prendono il sopravvento e sono, a ragione, valorizzate nella produzione di queste 9 tracce; una parentesi a parte il brano Lose Control che assume uno humor diverso, quasi una sperimentazione cercando comunque di restare ancorati al forte impatto rock di base. Ma gli Eskimada non sono solo riff duri ed impatto sonoro: in Interiudio mostrano tutto il loro amore per l’armonia senza doversi per forza di cose abbandonare ad una ballad, mentre nella bella Action restano fedeli al senso più canonico di crossover (ammesso che ne esista uno) riuscendo perfino ad entrare negli ascolti di qualche neofita. Una band giovane ma che molto probabilmente in futuro avrà molta voce in capitolo.

System Of A Down – Mezmerize

System Of A Down, band autrice di 5 album nella prima parte della propria carriera, pochi come numero ma essenziali per imprimere un solco nel music-style odierno. In realtà la novità portata dai SOAD è stata proprio quella di proporre un sound molto heavy, formato dalle radici del nu metal (etichetta spesso erroneamente affibbiata alla band), ma allo stesso tempo molto lontana dai timpani dell’ascoltatore medio. La miscela di idee e di sound differenti incorniciati da cambi di tempo imprevisti e sperimentazioni sempre dietro l’angolo hanno fatto dei System Of A Down una band culto e subito hanno scaraventato i Nostri verso un successo immediato. Se proprio si vuole disquisire, le argomentazioni sono tutte sul genere: secondo noi si possono incastrare i SOAD nel crossover di nuova generazione, che tanto deve a Faith No More (per i più tradizionalisti) ed ai primi Incubus (per i più moderni). Così dopo 3 grandi successi i nostri 4 eroi armeni si fanno sentire ancora una volta con Mezmerise, uscito nella primavera 2005, assaggio per il successivo Hypnotize.

Mezmerise continua la strada percorsa in passato dall’omonimo e da Toxicity su tutti, mettendo sempre in prima luce una sperimentazione, questa volta anche vocale, di tutto rispetto. La produzione è migliorata oltre i limiti già toccati in precedenza ed il sound si è evoluto verso una direzione molto più heavy e compatta, studiata e tecnica ma sempre avvolgente ed a tratti accessibile: in varie parti sembra trovarsi dinanzi ad un “Metallica-sound”, convincente e roccioso. Le variazioni sul tema sono tante e per chi ascolta i System dagli esordi si sa che non c’è nulla di programmato nelle loro idee. Una delle poche radici comuni è data dai significati politici conferiti ai testi, con le numerose campagne svolte in passato dalla band a causa del massacro di un milione e mezzo di armeni da parte del governo turco nel 1915 e realizzate affinché gli Stati Uniti recidessero i legami con la Turchia. Dopo B.Y.O.B. e Cigaro, che rappresentano una sedia elettrica per il nostro debole cuore, entrambe impreziosite da potenza rude e gretta, è da segnalare la doppietta che segue il concept targato “Hollywood”: la prima che potrebbe sembrare una ballad dei Green Day a ben vedere risulta un pezzo molto studiato e malinconico, protagonista di mille emozioni differenti pur risultando un dislivello rispetto alle track precedenti; la seconda ancora più seriosa si avvale di una voce prodotta da un synth ben calibrato, e l’heavy che riprende anima e ricchezza.

Cosa attenderci dai System Of A Down a questo punto?!? Non lo si sa più ma è tutto da vivere e così compaiono venature prog nella dolorosa Question!, in calzante bilico tra la depressione e l’avveniristico desiderio di esplosione, complice un riffing da paura. Ancora maggiore enfasi viene data ad una sonorità thrash, emozionante novità rispetto al passato, sicuramente uno delle perle dell’album. Anche Radio-video risulta essere degna di nota con un passaggio folkloristico spartiacque tra riff cadenzati e turbolenti, heavy come non mai, e le voci che si mescolano ed ipnotizzano, mentre i tempi diventano sempre più retrò e futuristici allo stesso tempo. Un’innovazione quasi vintage, è questo il vero segreto della band che finisce per stupire sempre concedendo una forte personalità ad ogni singolo pezzo.

Il thrash la fa da padrone anche in Revenga e Sad Statue con quest’ultima che ha un bridge da paura, lento e che fa innamorare di sé senza scampo, condito da chitarre ferratissime; dopo una intro blanda come una carezza data prima della buona notte, giunge uno dei colpi più indimenticabili del lotto, This Cocaine Makes Me Feel I’m On This Song, la quale riprende la pazzia degli esordi e la riporta direttamente ai giorni nostri accennando anche un minimo di screaming che infervora un Malakian senza timore, sia per quanto riguarda riff poderosi e distruttivi che per un pianoforte lontano anni luce da quanto ci si potrebbe attendere in una tale atmosfera. Attimi che sembrano durare una vita, mentre ci si sveglia con Violent Pornography, aperta da strofe rappate quasi in stile Suicidal Tendencies. Ma la vera sorpresa sono i tempi dei vari attimi vissuti che si intrecciano prima di giungere ad un ritornello granitico ed indistruttibile che rilancia di nuovo il ’tallica-riffing veloce e protagonista dell’intera uscita. Insomma 12 brani che fanno venire l’acqualina per il successivo Hypnotize e che anticipano la nascita di centinaia di band a venire.

NoMoreSpeech – NoMoreSpeech

Tanto si potrebbe dire su questa giovane band dal nome ormai noto ai più. Ormai viviamo un’era in cui le band giungono all’esordio discografico già molto conosciute, ma in questo caso non scomodiamo youtube o il social network di turno, perchè i NoMoreSpeech stanno costruendo una gavetta fatta di live (come cover band) in giro per l’Italia e del nome del(la) frontwoman Alteria, già conosciuto come speaker radiofonico e per la conduzione di programmi musicali (su Rock TV e su RAI5) oltre che per la sua collaborazione nel progetto Rezophonic. Finalmente i ragazzi giungono alla loro prima fatica che ha scomodato gli At The Strands Studio di California per la fase di mastering, un album con un biglietto da visita non soggetto a diverse interpretazioni. L’iniziale Lying Queen, profondamente influenzata da Chris Cornell per le parti vocali, è un brano in cui Alteria cerca di dare una rivisitazione diversa della sua ‘personalità vocale’: invece di puntare sul classico attacco aggressivo decolla con una voce pacata che però al tempo stesso presagisce l’inferno. Curiosa la scelta di inserirla come opener di un esordio, probabilmente complice anche il riff di chitarra che la fa da protagonista.

La semplicità degli AC/DC per quanto concerne le strutture delle tracce, un impianto chitarristico molto debitore al nu metal, ma più di tutti si notano come minimo comun denominatore le influenze delle band che i NoMoreSpeech hanno portato in giro attraverso le loro cover: Rage Against The Machine, System Of A Down e Lacuna Coil in primis (oltre a qualcosa targato Stone Sour). Lo stesso Tony Cordaro, alle sei corde del progetto, richiama Tom Morello in alcuni assoli e dimostra una buona maturità stilistica nei vari pezzi. Non a caso i brani sono tutti di grande impatto e trascinano in un groove piacevole; ad un ascolto approfondito ci si aspetterebbe qualcosa di più considerando il calibro dei musicisti, senza riferirci alla bravura, che emerge da ogni singolo minuto d’ascolto, ma solo in termini di personalità e caratterizzazione del sound. Think Or Feel è un esempio di un pezzo ottimamente bilanciato tra la razionalità di un songwriting ben realizzato e l’emotività di quattro minuti che restano nel segno, pieno di diverse influenze e con vari arrangiamenti che mettono in chiaro l’esperienza del quartetto. Ma ad esempio Bplan chiama in causa i System Of A Down con il loro crossover inframmezzato da parti pazzoidi e refrain più diretti con stacchi ritmai, mentre Picture Of Cold sa qualcosa di Pantera/Down pur aprendosi con una buona ambientazione che in fretta mette in risalto i ritmi slughe metal delle band citate.

Mettendo in disparte la cover di Relax, troviamo in chiusura una Screaming For Nothing che se da un lato rende più morbidi i nostri NoMoreSpeech stuzzica la curiosità su una personalità che i Nostri potrebbero man mano assumere. In conclusione a livello di produzione e di sound questo lavoro risulta assolutamente ineccepibile e si notano comunque delle particolarità evolutive tra gli undici brani del full-lenght, fattore che ci spinge ad essere curiosi sul futuro di questa band.

Sushi Rain – Breathless

Bastano davvero pochi secondi di ascolto per capire che i Sushi Rain non sono una band di “primo pelo”. Tanta tecnica e tanti suoni ben amalgamati insieme, incastrati in uno scenario ritmico davvero di alto livello, un risultato che non potrebbe essere raggiunto da una band alle prime armi. Non a caso la band esiste dal lontano 2002 quando il moniker era Valentine e il genere proposto era un hard rock molto diretto. Gli anni sono passati, la line-up è cambiata e a lato delle radici fortemente hard’n’heavy si è inserita una dose di funk ingombrante ma molto saporita. Da questa reale contaminazione ne esce un crossover davvero stimolante, che talvolta richiama la dance anni ’80 pur avendo sempre le chitarre in prima linea, mentre in altre occasioni richiama commistioni di Faith No More, Primus e Livin Colour (questi ultimi veri geni gel filone e padri indiscussi del sound Sushi Rain). È così che la sei corde di MADame MADness si impone come farebbe un Eddie Van Halen, un Nuno Bettencourt o uno Steve Vai meno ingombrante, ma senza occultare gli altri strumenti, in primis batteria e tastiera che mantengono sempre il loro ruolo essenziale.

Anche i momenti più lenti, come Don’t Waste More Tears, non sembrano mai scontati ma anzi nascondono tanta sapienza costruttiva da risultare appetitosi anche ad un orecchio molto esigente. Ma il vero asso nella manica della band sono i passaggi più tirati come Shake Your Body To The Disco Hell e le parti dispari come l’inizio di American Show (brano molto poco orecchiabile quanto davvero interessante tecnicamente). Così i ritmi viaggiano sempre tirati e sul filo del rasioio, con introduzioni di sax, cambi di tempo e l’imprevedibilità che è l’unico elemento certo di questa band così piena. In alcuni tratti ricordano la tecnica infinita di Elio E Le Storie Tese anche se in quel caso Cesareo, pur avendo un background molto metal, è trattenuto per ovvi motivi; li differenzia anche la scelta dei Sushi Rain per un cantato in inglese che li rende molto più internazionali. Buona tra l’altro la produzione che unita all’impatto delle personalità dei sette musicisti fa divenire Breathless un lavoro appetibile più in un contesto live che in studio.

Man mano che si procede nell’ascolto le parti divengono sempre meno digeribili, a discapito dei due brani in apertura diretti e spassosi: ne è un esempio Happy For Another Night con un assolo di chitarra difficile da pareggiare (anche in Midnight Queen Francesco offre il suo meglio) ma un’atmosfera tutta da interpretare che spiazza l’ascoltatore meno attento e che richiede più ascolti. Questo non può far che apprezzare ancora di più il sound Sushi Rain a discapito dei brani canticchiabili sotto la doccia che non rientrano nel loro repertorio. Particolare la ghost track finale, strumentale di un minuto e mezzo dall’animo pazzoide ma non ci si poteva aspettare diversamente da loro: una band assolutamente da seguire e che in futuro potrebbe regalarci grandi soddisfazioni!

The Mars Volta – Amputechture

Ci si dirige al negozio di dischi preferito, dopo un’attenta analisi (ed indecisione) si sceglie l’album giusto, quello che alla sola copertina già regala un sorriso luminoso. Si torna a casa, lo si scarta e, inserito nel lettore CD, ci si appresta all’ascolto. Un processo normale, quasi ovvio per le nostre abitudini di acquisto, se non fosse che l’album in questione è in grado di tracciare una crepa tra il “prima”, attimo di spensieratezza e curiosità volta all’ascolto, ed il “dopo”, tumulto celebrale in un vortice psichedelico. Il passaggio è caratterizzato dall’ingresso in questo tunnel, allo stesso modo in cui riusciamo di notte a chiudere gli occhi (ed i sensi) ed introdurci in un sogno lacerante ed allo stesso tempo misterioso. Il compito di questo passaggio spetta a Vicarious Atonement, l’opener che dispiegando chitarre raggianti presenta un concept contorto, che ha tutta l’aria di un qualcosa di indigesto ma anche di eccessivamente intricato, qualcosa che va capito, ascoltato. Questo alone di complessità ci accompagnerà per tutto il disco.

La voce di Cedric, accompagnata in simmetria con la lead guitar, ci spinge nel vortice senza anticiparci troppo cosa ci sta accadendo; nessuna fretta, non vi è la minima traccia di velocità, eppure le note riescono ad incastonarsi perfettamente, quasi come se fosse una jam-session provata mille volte (i The Mars Volta sono paradossali anche in questo). Ma l’esplosione reale, l’impatto con la fine del tunnel, si ha solo all’apertura di Tetragrammaton quando mille rumori conditi da un tempo molto progressive (e non il contrario) ci aprono gli occhi nel sonno. Le armonie ci accompagnano suadenti riuscendo ad alternarsi ed alterarsi con il ritornello stoppato e stravagante, uno dei tanti fattori che mostra l’apertura mentale dei musicisti; una grandissima attenzione alle atmosfere ed agli arrangiamenti ne fanno un album molto sperimentale, anche più dei due precedenti lavori, già di per sé molto coraggiosi. A metà brano ritorna qualche fatiscenza progressive settantiana (King Crimson, Pink Floyd) che rappresenta solo un taglio insieme ad una seconda parte allucinogena e claustrofobia, quasi come sottofondo di un film dell’orrore, mentre poi, irruente, rientra il ritornello (con quella irruenza che pochi sanno metterci) ed un riff impazzito gira intorno agli altri strumenti danzanti. Progressive rock a manetta, di quello sperimentale, orchestrale, ma anche secco, capace di spiazzarci ad ogni cambio, compresi i 3 minuti prima della parte finale della track: indecifrabili.

Rilassante, subliminale, giunge Vermicide l’unica che riesce a seguire una struttura canzone ipotetica senza tradire l’approccio tenuto finora. Soave, cerca di non semplificare le cose sempre con uno spessore intenso, lo stesso spessore che viene lasciato libero, come una cavallo a briglie sciolte, nella fantastica Meccamputechture: esplosiva, disarmante, colma di effetti ma non trasbordante, eccessivamente piacevole nel tentar di scomporre ogni suono e farlo proprio. 6 corde da protagonista (grazie anche al contributo di John Frusciante), che resta inequivocabilmente distante rispetto al resto del sound, rappresentando talvolta un elemento di rottura piuttosto che di fusione. Ingredienti bit su un’elettronica a tutto tondo, sax, trombe e percussioni, non fanno altro che impreziosire questa traccia, non meno dell’acustica Asilos Magdalena, in spagnolo (come i The Mars Volta ormai ci hanno abituato in ciascuna loro uscita) piena di salite e discese di umore. Carica di groove Viscera Eyes ci riporta ai tempi di De-loused In The Comatorium, con un alternarsi tra inglese e spagnolo ed una base anche qui da soundtrack. Molto più elettronica entra dentro con un ritmo incalzante, standard ma mai piatto, incessante e frenetico fino a quando, al 6° minuto entra un basso profondo ed audace e trascina il combo verso dei tempi bossa e regala un assist ad un assolo di chitarra prorompente, in crescendo, che spiazza ogni possibile singola emozione.

Ma il momento giusto per Juan Alderete arriva all’apertura di Day Of The Baphomets in cui dà sfoggio di tutta la sua tecnica prima di aprire le danze con dei tempi da attacco che non esitano a modificarsi appena una metamorfosi si scruta all’orizzonte (con uno scambio di ruoli tra strumenti a fiato e strumenti a corde rovente ed un quasi finale in preda a rozze percussioni impazzite). Rilassante e costantemente in phatos, El Ciervo Vulnerado continua nel portare a termine il duro compito di quest’album: tramite sperimentazioni, idee vorticose e brandelli di musica strappata ai vari generi, creare un solco differenziante rispetto alla solita musica che si ascolta in giro ed avvicinare sempre di più la musica stessa ad un concetto artistico, oggi spesso dimenticato. Tutta l’atmosfera vissuta in questi ultimi 9 minuti circa rappresenta la pillola rossa che dobbiamo (ahimè) ingoiare per risvegliarci dal sogno e ritornare alla triste e piatta realtà. L’unica cura a disposizione?? Ripremere il tasto play.

Rifkin Kazan’ – Bulgarian Nirvana Marasma

Questo lavoro degli esordienti e giovanissimi Rifkin Kazan’ (se non consideriamo gli EP prodotti con il vecchio moniker) dà un sonoro schiaffo a tutti quelli che credono che le idee più interessanti, le band più originali siano tutte “bloccate” nelle mani di etichette o nelle righe di contratti già firmati e sigillati. Sì perchè i Rifkin Kazan’ con la loro autoproduzione spaccano tutte le regole di canonicità e sui binari di innovatori del passato (per lo più System Of A Down) offrono una personale interpretazione del rock del nuovo millennio, genere che non può essere claustrofobicamente rinchiuso in un riff o in un refrain ma che va visto ormai a 360°. Non a caso i cinque artefici di questo Bulgarian Nirvana Marasma ce la mettono tutta per personalizzare ogni singolo brano e ci riescono davvero! La tecnica e le sfuriate pungenti delle sei corde in Ko?Ok! sono solo un presagio intorno cui far ruotare le musicalità orientaleggianti richiamate dalla fisarmonica ma anche da molti arrangiamenti posti qua e là; i tempi (chi ha detto che il rock è solo in 4/4?) riescono a dare più tono e colore ed è anche grazie a loro che i 3-4 minuti di ogni brano ci sembrano una composizione senza fine, con all’interno centinaia di strumenti e di effetti tutti all’unisono, nel segno del rock.

C’è anche del groove, visto come elemento di fondo che trascina chi ascolta questo ottimo lavoro, perchè la carica trasmessa da alcuni passaggi è assolutamente abbondante, pur adeguatamente placata da momenti più calmi. I primi minuti di Paul In The Manhole sono il giusto esempio della sperimentazione di cui sono in grado i Rifkin Kazan’, una sperimentazione che non vuole risultare complessa da digerire ma assolutamente musicale e piacevole, anche per un palato non abituato a suoni intricati. Le due chitarre vivono in una simbiosi di valore, nella quale le costruzioni sonore non si ricalcano abitudinariamente ma in maniera vicendevole si scambiano passaggi del tutto distinti pur compattandosi negli attimi principali di ogni singolo brano. Un grande lavoro di songwriting.

Un album che può suonare davvero bene anche in un contesto punk, data la compattezza del riffing mostrata, altra essenza del trademark dei Rifkin Kazan’che sicuramente si sentono più a loro agio in un clima festaiolo e da buskers per intenderci. Frequenti gli accostamenti con Serj Tankian e con il suo progetto principale, rendendo così la prova della band accostabile ad un progetto crossover più che ad un genere ben distinto. Gogol Bordello, The Mars Volta…c’è tanto dentro questo gruppo ma c’è anche tanta originalità e tanta voglia di differenziarsi. E questo Bulgarian Nirvana Marasma ha tutte le carte in tavola per riuscire nell’intento.