De Curtis – Belli Con Gusto

Alcune persone credono ancora che le vecchie leggi del rock siano inviolabili e che un musicista o una band che si dice appartenere a questo genere debba fedelmente seguire i dogmi assoluti della sua storia. Tempi in 4/4, riff che entra in testa ripetuto a dovere, struttura dei brani scolpiti su pietra e tanta energia. Sì ok, questo è un buon ricettario per comporre un album che resti più a lungo possibile nei lettori degli ascoltatori ma per fortuna non è l’unico. Anzi dobbiamo ringraziare le band che spingono il rock un pò più in là, che gli offrono una vista più trasversale, più ampia, come fosse un laser che ad un tratto riesce ad annullare la miopia e contemporaneamente aprire la mente verso nuovi ascolti. Perchè il rock è molto di più e delle formazioni di grandi musicisti ce lo dimostrano. I De Curtis sono fra questi, nonostante il loro moniker e i titoli di alcuni loro brani che vorrebbero accostarli ad una formazione “da gioco”, leggera nelle idee e nella musica. Non è così. L’impegno verso una costruzione sonora ardita e trasversale è forte e le influenze che si percepiscono in soli quaranta minuti di ascolto sono davvero multiformi e stravaganti.

Già in apertura gli intenti sono chiari. Prevaricare i generi, focalizzarsi su qualcosa di intricato, stupire con l’inaspettato e favorire quegli inserti che non sono per nulla consoni al rock. Non è un caso che la title track e le sue sfuriate quasi crossover in grado di cambiare sfumature, umori e musiche nel giro di quattro minuti scarsi esalti e al tempo stesso rappresenti il brano perfetto per entrare nelle musicalità dei De Curtis. Ma l’insegmanento più forte arriva con Vota Antonio. Uno scherzo? Assolutamente no, perchè il rock è sempre stato visto come qualcosa di rozzo, sporco per gente che vive la vita al limite; in questo brano la musica acquisisce un’eleganza particolare che non referenziano il Salvatore De Curtis richiamato dal nome della band né il suo famosissimo grido “Vota Antonio La Trippa” nel film Gli Onorevoli. Anzi, qui addirittura si scade nel progressive. Così Novantesimo Minuto ci introduce a scenari psichedelici (forse perchè la vecchia sigla del programma Dribbling era un brano dei Pink Floyd?!) sforando poi in passaggi altrettanto coraggiosi, mentre Il Principe Parlante (ancora un altro riferimento a Totò) presenta un incedere ancora più allegro ma mai semplicistico.

Per le vere sperimentazioni c’è Senza Ombra Di Dub Io, nella cui parte centrale ci riporta a quanto fatto negli ultimi anni dai Nichelodeon, mentre sul finale va segnalata Plastic Islands con alla voce Mae Starr dei Rollerball ed il sapore crepuscolare che lascia sul palato. Ma tutto sommato, definirlo un album rock è assolutamente riduttivo.

Il Carico Dei Suoni Sospesi – Non Pratico Vandalismo

Il viaggio nella storia di una nuova band ha inizio. Non è la longevità a creare una proposta musicale complessa, tanto che i nostri Il Carico Dei Suoni Sospesi presentano un album, il secondo della loro discografia, basato su idee tanto precise quanto articolate. Non Pratico Vandalismo infatti vive una dualità incentrata sulla figura dell’essere umano e del Mondo Reale in cui esso vive, queste quindi le matrici di base per le quali si intende aggiungere un tassello al primo capitolo Condizione Alienata risalente all’anno scorso. Al di là dei temi, che risultano comunque affrontati con un linguaggio molto diretto ed una buona grinta della vocalist, le strutture musicali si articolano in passaggi diversi tanto da incastrare il lavoro in un crossover moderno. Varie sono le influenze, forte è la base elettronica ma altrettanto forte è la natura di band a tutto tondo de’ il Carico che fa sentire la propria venatura strumentale (sezione ritmica in primis) in diversi momenti stupendo per delle scelte davvero ben inquadrate. Effetti collocati al punto giusto, senza strafare, costantemente equilibrati rispetto ai mezzi elettrici del quartetto in un mix che piace davvero.

Così la prima impressione su tutte è l’impatto devastante che il primo nu metal (Korn) abbia avuto sui ragazzi: in questo modo suona Di-Gestione nei suoi oltre cinque minuti che si spingono più in là con Giuliano The Cat grazie ad un punk pazzoide ispirato nemmeno in maniera molto velata ai Primus (citando Tommy The Cat), pur non raggiungendo i livelli di “irrazionalità bassistica” di Les Claypool. Sulla matrice funk nascono anche Libri e Mdma (Carne Trita), segno della grande presenza del suddetto genere nei loro gusti musicali (e soprattutto in quelli del bassista Sacha Mecocci). Probabilmente il pezzo più irriverente e piacevole che omaggia il funk è Pseudocattolica, brano di critica all’ipocrisia religiosa ma che musicalmente presenta tantissime sfaccettature ed un basso davvero di alto livello.

Cambio di rotta con Mondo Reale traccia più pacata, quasi morganiana (insieme alla più ritmata Sacha Denz) che poi però sconfina in un poema con l’obiettivo di omaggiare la libertà tutta. Ancora diversa impostazione con Re-Nata ed il suo violino, con i cambi di tempo di Condizionata o con i quasi tre minuti di Tesla D’n’b che dicono tutto già dal titolo. Tutti coraggiosi passaggi stilistici che caratterizzano sicuramente il lavoro ma non lo allontanano dalla radice rock/metal di base: trasversale, forse questo è l’attributo per eccellenza associabile alla band, un attributo che è contemporaneamente segno positivo (trasversale=innovativo?!) e negativo (non ha un ascoltatore medio prediletto), punto di forza e di debolezza. Un ottimo esempio di questo è in Pensieritossici&Fioridibach con i suoi otto minuti in cui si toccano tutti gli ingredienti musicali della band (funk, fiati, elettronica, basso profondo, fusion…), l’apice dell’intero lavoro e il percorso su cui dovrebbe a nostro parere svilupparsi il sound de’ Il Carico Dei Suoni Sospesi in futuro per rappresentare qualcosa di davvero gustoso nel nostro panorama musicale.

F.A.S. – 1000 motivi

Dalla placida Cortona arriva l’ultimo EP della band crossover/nu metal a nome F.A.S. Nelle sei tracce il gruppo mette una marcia in più scaldando l’ambiente rock con il loro potente sound grazie al lavoro in sala di regia di Dave Chang (già con i Linea 77). Chitarre taglienti aprono il lavoro con la title track 1000 motivi. Arpeggi delicati si scontrano con sanguigni amplificatori grondanti di rumoroso e cazzuto rock. Ottima la prova vocale di Pinko (i nomi ragazzi, mettete i vostri reali nomi). Segue Kosta, nel più puro stile rap metal alla Rage Against The Machine. Testo sputato più che cantato tra il vigoroso drumming di Toppo e l’intreccio bassoduechitarredue belle condite di effetti wha e distorsioni. La Chiave si presenta con i suoi riffoni hard rock, pieni di stop & go. Polvere si distacca un pò dal resto del lavoro, chitarre acustiche, sentimenti a tutto spiano e spettro dei Negramaro dietro l’angolo. Testi molto intimi e introspettivi si specchiano da ogni nota o riff. Sangue In Bocca e Vorrei chiudono il tutto. Quest’ultima è particolarmente in luce grazie al suo riff sghembo e sgraziato ma che si imprime alla memoria dopo un primo ascolto. Assolutamente affascinante il chorus che risplende grazie alle acustiche effettate e di completo valore la fine sospesa del pezzo che ti fa rimanere così, senza parole, davanti al lettore cd che ha esaurito le sue forze.

Beh, che dire? Un ottimo Ep in grado di chiarire bene il valore effettivo del gruppo. Forse nulla di nuovo sotto il sole ma il gruppo si muove con una propria personalità che sicuramente brillerà in un futuro full leight.

The Little White Bunny – hOle

Un coniglione bianco ci guarda sorridente dalla copertina promettendoci ben “13 fresche carote”. Yuhm! Allora, rinfrancati da quel bucolico che naviga nell’ ”aere”, apriamo la confezione e gustiamoci questo spuntino vegetariano. In realtà il “bestione” in copertina ci prende amabilmente in giro: tanto nel packaging “giovane”, tanto nella grafica simpatica, allegra e scanzonata. Perchè? Semplice, il lavoro è un violento attacco sonoro tra il metal, l’hard e il crossover tipico di alcune realtà anni ’90. Principalmente il riferimento base è quell’allegro coniglione di Mike Patton e dei suoi mille progetti alternativi: Faith No More, Tomahawk, Fantomas, tutto è concentrato in questa spremuta di ortaggi. Saltando il primo brano, un divertissement che consistente in una marcetta al suono di vecchi strumenti giocattolo, si parte con Game Over Is A Opinion, violentissima prova in stile, appunto, Faith No More. Meritevole il cantato di Yomo, capace di parti melodiche e dei growl più cupi, così come notevole lo stacco lento simil nu metal. Il giro di giostra prosegue sulla terza traccia, impreziosita da finezze chitarristiche e bassi strappati (più che “slappati”). Qui punk rock e stoner si incontrano e si prendono a testate. Virginali synth aprono Hummus inseguiti da nervose chitarre effettate. La devozione che il gruppo prova per Patton raggiunge il climax: ascoltate le voci e vedrete il folle americano in azione! E lo stacco funk con il cantato alla Red Hot Chili Peppers prima maniera rende ancora più incredibile (ed è un complimentone!) tutto il brano. Avvolgente.

In generale il disco è caratterizzato da episodi disomogenei tra loro, ognuno inglobante più stili o richiami. Metal, punk, doom, cambi di tempo, strumenti inusuali (l’organo a canne di The Queen Of The Drag Queen ne è un esempio) tutti avvolti da una fortissima ironia. Più che tredici carote, tredici stili. La selvaggia She Wants It, dall’incedere sia cupo sia funk, mette maggiormente in luce le abilità musicali del quartetto bolzanese, in particolare del bassista Mike. Il metal diventa addirittura estremo in Satan Is So Cute, con vocalità quasi death ed esplosioni melodiche affascinanti alla System Of A Down. Pur affrontando con piglio baldanzoso le sponde metal più selvagge il gruppo, come già accennato, è dotato di grande ironia. Da che si evince? Beh, basta ascoltare La Ricetta Del Buon Coniglio ossia come si cucina il coniglio in casseruola, direttamente dalla voce del Sig. Aldo. Un ottimo antipasto prima dei dieci minuti di duelli di chitarre, atmosfere horror e post metal della lunga Bedsores. Lunga, affascinante.

Un disco consigliato per gli amanti del crossover o di chi vuole ascoltare un pò di varietà sonora ben condita da pungente satira e ironia, così come insegnò papà Frank Zappa.

Inferno Sci-fi Grind‘n’Roll – The Fall And Rise And Fall Of

Ok, allora prendete I Napalm Death… fatto? Bene. Metteli in una stanza insieme a Mike Patton…fatto? Bravi. Procuratevi un vecchio Atari 2600, possibilmente funzionante, e mettete la cartuccia del gioco Defender. Lasciate amalgamare gli ingredienti per 31 minuti e 56 secondi. Il risultato di tale ricetta dovrebbe essere più o meno simile a ciò che stiamo ascoltando, ossia il nuovo lavoro dei Inferno Sci-fi Grind‘n’Roll, band capitolina con un buon seguito nell’underground romano. Il lavoro, nonostante la così breve durata, è formato da ben 14 tracce tutte tra il grind, punk, hardcore, ambient e lounge. Un enorme calderone riscaldato dai suono 8 bit dei synth utilizzati in questo lavoro, a metà strada tra l’Atari, e il chip Sid del Commodore 64, che rende davvero interessante quest’opera. Il tutto è strutturato come un concept essendo il disco diviso in tre grandi parti: la caduta, la rinascita e, nuovamente la caduta. Si distinguono in questo marasma sonoro, fatto di tempi dispari, batterie selvagge, distorsioni incazzate (anzi, Inkazzate!) sul quale si staglia una voce che proviene dall’inferno (ma và?), Cartilago Delenda Est, introdotta da un fantastico synth, la fantomasiana A Maiden Without Irony pt.1, con basso jazz, chitarra retrò e pad ambient. Ancora Dead Man Walkman (titolo eccezionale!), con un groove poderoso di basso e batteria e un synth che svalvola in sottofondo, e A Maiden Without Irony pt.2, completamente differente dalla prima più stile Fantomas che altro.

Chiude il lavoro la tecnicissima Charly Ziplock, semplicemente da impazzire per la sua compattezza sonora. Un buon lavoro, non adatto a tutti ovviamente. A quanto pare il combo romano ha deciso di chiudere la loro storia con questo lisergico album, speriamo di no perchè ci incuriosce davvero un eventuale seguito. A proposito, l’album è scaricabile gratuitamente da loro sito ufficiale. Ascoltatelo e acquistatene una copia…magari cambiano idea!

Tubax – Il Mondo Stava Finendo

La classica band nata dalle ceneri di altre formazioni sciolte? Sì, se eliminiamo il termine “classica”. I Tubax infatti vantano una proposta musicale non convenzionale, transgenere, che denota non solo delle ampie capacità tecniche ma anche un’inventiva e una creatività non da poco. Un trio e tantissimi suoni che però non si accavallano indistintamente provocando un’esaltazione delle note a discapito dell’udito, bensì si intrecciano egregiamente in sezioni ritmiche di elevato livello; ogni brano risulta influenzato da tantissime radici, dal progressive al funk, dalla fusion al dub, però suonando senza ombra di dubbio Tubax, senza somigliare a tutti i costi a qualcosa di già detto o già fatto. I Tubax sono una sonda che ti entra nel corpo e ti penetra dentro. Man mano che procede nel suo percorso ti fa scoprire mondi finora ignoti (ma che in realtà esistevano) fino poi a quell’istante in cui la sonda si fa sentire e ti provoca quel piccolo scatto di fastidio, ti tocca quel nervo che ti fa saltare dalla sedia per poi ritornare cautamente a godere di queste scoperte. Quel piccolo fastidio è dato dall’iniezione di elettronica presente nel sound della band, elemento interessante e pieno di innovatività ma che in alcuni istanti, accoppiandosi focosamente con le partiture di batteria, sfocia talvolta fuori dagli schemi a noi più cari del rock. Eppure il sound dei Tubax non è fatto per essere chiuso in quattro sterili paletti: crossover puro, tecnico, attraversa schemi mat(h)ematici (Eola Oirali) e sperimentalismi vari che cambiano tempi e modi nella direzione dell’illogicità, facendo apprezzare una musicalità di sottofondo, complici synth e samples.

È così che si contorce Carapace nei suoi oltre sette minuti di proverbiale musica, oppure Er Nonno che complica ancora di più la trama inserendo dei ritmi asimmetrici e precisi che sanno di puro sperimentalismo mentre i fiati e gli inserti cervellotici prendono il sopravvento in Bigfoot. In Radar finalmente si avverte una chitarra lampante ma anche qui la scena non è completamente conquistata da essa; è solo un contributo che rende il brano attraente, insieme ad un basso ed una batteria assolutamente convincenti. È qui e nella successiva I Topi Non Avevano Nipoti che si percepiscono alcune influenze funky collocate egregiamente per infondere groove e rendere meno inarrivabili i quaranta minuti totali di ascolto.

Un copione assolutamente difficile anche solo da raccontare, ma sicuramente affascinante per le sue idee, lontane anni luce anzi diremo pianeti (rifacendoci all’artwork) rispetto alle scialbe proposte che spesso si ascoltano da formazioni trite e ritrite. Probabimlente il mondo stava finendo…prima che arrivassero loro.

WorldService Project – Live From London

Già avevamo parlato di questo quintetto a metà strada tra una jazz band sofisticata e un combo sperimentale che non riesce a tenere calmi i propri cavalli trainanti. Relentless, lavoro del 2010 già analizzato da noi (recensione disponibile cliccando qui), ci aveva fatto scoprire questa band di alto livello attraversare con disinvoltura scenari e generi diversi riuscendo sempre a stupire: adesso è il momento di ascoltarli in sede live grazie a questo Live From London con il quale i musicisti giocano in casa e riescono a confrontarsi in una dimensione diversa. Cinque brani strumentali, così come la loro formazione; trentotto minuti di musica oltre le righe incise in un EP che fa davvero venire voglia di essere lì, seduti tra il pubblico a degustare le mille peripezie che ci propongono i WorldService Project. Si parte da una De-Frinders eccessivamente sperimentale, uno di quei brani che non può essere incastrato in un pentagramma precostituito ma che ha bisogno proprio del contesto live per lasciare libero sfogo a tutta la propria improvvisazione. Spiragli fusion si incontrano con attimi matematici (appunto math) che credevamo distantissimi dalle ambientazioni jazz e iniziano a trovare un nesso nel pezzo successivo Fire In A Pet Shop dove la musicalità, sempre da prendere con le pinze, inizia ad avere una forma di senso compiuto. Il progressive fa da sfondo onnipresente al songwriting della band che impiega davvero tutte le proprie forze, non a caso per tutta la durata dell’EP si può parlare di band e non di singoli musicisti…nemmeno gli strumenti a fiato, che si dipanano tra mille assoli sbilenchi, riescono a distrarre l’attenzione da tutte le melodie e i ritmi (leggasi tempi differenti) che ne escono fuori.

Bellissimi i “finti finali”, gli stacchi lunghi che si ripetono in maniera diversa in Dance Of The Clown e nella traccia successiva, passaggi che anticipano una conclusione per poi ripartire ad accelleratore a fondo corsa e che rischiano di spiazzare perfino il pubblico presente allo show. Affascinanti i controtempi nel brano The Screamer che qui assume una forma molto diversa rispetto alla sua versione studio, mentre l’EP si chiude con un doppio brano dalla durata di quattordici minuti, di cui la seconda parte è accreditata ai SynKoke che salgono realmente sul palco per aggiungersi alla formazione dei WSP: il risultato è una sperimentazione al quadrato che diviene più ostica sforando quei pochi canoni a cui i Nostri ci avevano abituati.

Nel complesso possiamo dire che, in sala di registrazione o su di un palco, questo quintetto ha molto da dire in un linguaggio che sicuramente non è per tutti e noi, dopo un opportuno corso linguistico, siamo qui ad ascoltarli e comprenderli con piacere.

U’Papun – Cabron!

Il rock si sa viene interpretato in mille modi diversi, ma a noi fa piacere che stia emergendo un filone appartenente alla soleggiata puglia di rock molto personale, in grado di distinguersi dalle uscite in cui ci imbattiamo da anni che propongono sempre le stesse strutture musicali. Dopo aver scoperto gli A3 Apulia Project ed il loro rock dedicato a divagazioni etniche e mediterranee, giungiamo agli U’Papun la cui radice geografica è quasi ovvia dal nome ma molto meno lo è la proposta musicale. Potremo inquadrarlo come un rock/crossover tanto si muoea agiatamente su lidi diversi, prendendosi gioco di se stesso e puntando altresì su una vista diretta e precisa in altri momenti durante i quali il quintetto esprime in maniera decisa le proprie idee (un esempio per tutti è L’Abito). Interessanti le brevi sfuriate metal nella title track (anche in L’Ultimo), contrastate da un piano quasi jazz, che ci fanno subito intuire la complessità del capitolo discografico ma senza doversi obbligatoriamente rifare a territori sperimentali difficili da digerire.

La complessità sta negli arrangiamenti e in alcune scelte che rendono ancora più originali i pezzi, innovativi e trasversali. Un pò alla Bluvertigo o meglio ancora, se vogliamo andare davvero alla radice della questione, alla Franco Battiato, come ci insegna il secondo pezzo Indiesposto colorato anche dai suoi testi irriverenti. Luna riflette la propria luminosità sulle parti vocali che da un lato mettono in mostra le lezioni apprese dalla precedente esperienza con Caparezza (con cui gli U’Papun produssero il singolo L’Apparenza pubblicato sul precedente album), dall’altro richiamano la scena teatrale che rappresenta la medesima ambientazione richiamata durante i live della band. Storia Di Una Disoccupata cita invece in maniera lampante la scuola di Elio E Le Storie Tese con i suoi cambi di tempo, le liriche da storia comica (una disoccupata che un pò per caso si tramuta in escort sovrapagata fino a quando la fortuna e la bellezza non l’abbandonano) e il ritmo allegro. Ricetta che si riscontra anche nella conclusiva Cliché nella qual, a ben vedere, vengono ricalcate altre particolarità comuni agli Elio E Le Storie Tese come la voce molto particolare del singer, Alfredo Colella, e alcune parti in tempi dispari che si apprezzano anche in altri pezzi (Amore Cialtrone).

Terra Madre è invece un omaggio, insieme ovviamente alla cover di Io Non Mi Sento Italiano di Giorgio Gaber (ancora attualissima nei testi), alla scena cantautorale che cambia le musiche (ma non i toni) di Cabron! e si tramuta in un rappresentazione di realismo amaro rispetto alla comicità precedente. Quindi varie facce di una sola medaglia dal nome U’Papun, una medaglia che considerando le idee dei cinque e il sound nel complesso porta con sé un valore estremo.

WorldService Project – Relentless

Meno di un minuto basta per capire che i WorldService Project suonano una musica di varie spanne superiore a ciò che mediamente si ascolta in giro. Musica di classe, non tanto per il complesso mix di generi bensì per il sapiente dosaggio delle capacità degli artisti nel nome della canzone intesa come un qualcosa di artistico a 360 gradi. Di base c’è un jazz che sta stretto perfino a se stesso, lontano dai fraseggi estremi dei vari trio o quartet in giro per il globo (fatta debita eccezione per Bye Bye), ma focalizzato su una trasversalità musicale di alto borgo, che riesce a penetrare, a risultare semplice pur non essendo tale e spiazzante a chi all’ascolto si aspetta l’imprevedibile; oltre il fondo ben declinato si muovono varie influenze diverse, come gli stacchi in controtempo che attingono alle radici progressive e conferiscono quella vena teatrale che tanto valorizza (e valorizzerebbe in sede live) il sound della band, e poi ancora quel crossover/funk che solo gli Incognito sono riusciti a regalarci nel meno recente passato attraverso un connubio amoroso tra strumenti a corde, ritmici e a fiato. Presentati e noti ai più come una punk jazz band, in realtà questi inglesi sono molto di più e con questo lavoro, Relentless, lo sottolineano fino alle singole sfumature; non c’è spazio per scale noiose né per esibizioni di tecnica, ma solo per gusto musicale che rappresenta la vera arma di seduzione dei WorldService Project.

È nel brano In That State Of Mind che il main artist Dave Morecroft prende il sopravvento con il suo piano dalle note tavolta suadenti talvolta pungenti, mentre poi lascia spazio al basso stoppato di Conor Chaplin che crea una antimusicalità in crescendo in bilico tra assolo e armonia. Ma la sperimentazione pura esce fuori con Hero Of The Bus dove il prog viene esasperato ed al rock ammaliante vissuto pochi minuti prima si trasla nella direzione di un crossover trasversale e furibondo; completamente su altri canoni circola Song For Jen, brano con un trombone timido ma incisivo e gli altri suoni che fanno da affascinante contorno. E ancora una volta lo stato d’animo cambia e passa ad una festaiola The Screamer, molto baskers, a tratti ska, che nasconde una seconda anima fusion. Che dire, ogni brano è una scoperta per una band che ha molto da offrire in termini di idee, di musica e principalmente di estro.