Tubax – Il Mondo Stava Finendo

La classica band nata dalle ceneri di altre formazioni sciolte? Sì, se eliminiamo il termine “classica”. I Tubax infatti vantano una proposta musicale non convenzionale, transgenere, che denota non solo delle ampie capacità tecniche ma anche un’inventiva e una creatività non da poco. Un trio e tantissimi suoni che però non si accavallano indistintamente provocando un’esaltazione delle note a discapito dell’udito, bensì si intrecciano egregiamente in sezioni ritmiche di elevato livello; ogni brano risulta influenzato da tantissime radici, dal progressive al funk, dalla fusion al dub, però suonando senza ombra di dubbio Tubax, senza somigliare a tutti i costi a qualcosa di già detto o già fatto. I Tubax sono una sonda che ti entra nel corpo e ti penetra dentro. Man mano che procede nel suo percorso ti fa scoprire mondi finora ignoti (ma che in realtà esistevano) fino poi a quell’istante in cui la sonda si fa sentire e ti provoca quel piccolo scatto di fastidio, ti tocca quel nervo che ti fa saltare dalla sedia per poi ritornare cautamente a godere di queste scoperte. Quel piccolo fastidio è dato dall’iniezione di elettronica presente nel sound della band, elemento interessante e pieno di innovatività ma che in alcuni istanti, accoppiandosi focosamente con le partiture di batteria, sfocia talvolta fuori dagli schemi a noi più cari del rock. Eppure il sound dei Tubax non è fatto per essere chiuso in quattro sterili paletti: crossover puro, tecnico, attraversa schemi mat(h)ematici (Eola Oirali) e sperimentalismi vari che cambiano tempi e modi nella direzione dell’illogicità, facendo apprezzare una musicalità di sottofondo, complici synth e samples.

È così che si contorce Carapace nei suoi oltre sette minuti di proverbiale musica, oppure Er Nonno che complica ancora di più la trama inserendo dei ritmi asimmetrici e precisi che sanno di puro sperimentalismo mentre i fiati e gli inserti cervellotici prendono il sopravvento in Bigfoot. In Radar finalmente si avverte una chitarra lampante ma anche qui la scena non è completamente conquistata da essa; è solo un contributo che rende il brano attraente, insieme ad un basso ed una batteria assolutamente convincenti. È qui e nella successiva I Topi Non Avevano Nipoti che si percepiscono alcune influenze funky collocate egregiamente per infondere groove e rendere meno inarrivabili i quaranta minuti totali di ascolto.

Un copione assolutamente difficile anche solo da raccontare, ma sicuramente affascinante per le sue idee, lontane anni luce anzi diremo pianeti (rifacendoci all’artwork) rispetto alle scialbe proposte che spesso si ascoltano da formazioni trite e ritrite. Probabimlente il mondo stava finendo…prima che arrivassero loro.

WorldService Project – Live From London

Già avevamo parlato di questo quintetto a metà strada tra una jazz band sofisticata e un combo sperimentale che non riesce a tenere calmi i propri cavalli trainanti. Relentless, lavoro del 2010 già analizzato da noi (recensione disponibile cliccando qui), ci aveva fatto scoprire questa band di alto livello attraversare con disinvoltura scenari e generi diversi riuscendo sempre a stupire: adesso è il momento di ascoltarli in sede live grazie a questo Live From London con il quale i musicisti giocano in casa e riescono a confrontarsi in una dimensione diversa. Cinque brani strumentali, così come la loro formazione; trentotto minuti di musica oltre le righe incise in un EP che fa davvero venire voglia di essere lì, seduti tra il pubblico a degustare le mille peripezie che ci propongono i WorldService Project. Si parte da una De-Frinders eccessivamente sperimentale, uno di quei brani che non può essere incastrato in un pentagramma precostituito ma che ha bisogno proprio del contesto live per lasciare libero sfogo a tutta la propria improvvisazione. Spiragli fusion si incontrano con attimi matematici (appunto math) che credevamo distantissimi dalle ambientazioni jazz e iniziano a trovare un nesso nel pezzo successivo Fire In A Pet Shop dove la musicalità, sempre da prendere con le pinze, inizia ad avere una forma di senso compiuto. Il progressive fa da sfondo onnipresente al songwriting della band che impiega davvero tutte le proprie forze, non a caso per tutta la durata dell’EP si può parlare di band e non di singoli musicisti…nemmeno gli strumenti a fiato, che si dipanano tra mille assoli sbilenchi, riescono a distrarre l’attenzione da tutte le melodie e i ritmi (leggasi tempi differenti) che ne escono fuori.

Bellissimi i “finti finali”, gli stacchi lunghi che si ripetono in maniera diversa in Dance Of The Clown e nella traccia successiva, passaggi che anticipano una conclusione per poi ripartire ad accelleratore a fondo corsa e che rischiano di spiazzare perfino il pubblico presente allo show. Affascinanti i controtempi nel brano The Screamer che qui assume una forma molto diversa rispetto alla sua versione studio, mentre l’EP si chiude con un doppio brano dalla durata di quattordici minuti, di cui la seconda parte è accreditata ai SynKoke che salgono realmente sul palco per aggiungersi alla formazione dei WSP: il risultato è una sperimentazione al quadrato che diviene più ostica sforando quei pochi canoni a cui i Nostri ci avevano abituati.

Nel complesso possiamo dire che, in sala di registrazione o su di un palco, questo quintetto ha molto da dire in un linguaggio che sicuramente non è per tutti e noi, dopo un opportuno corso linguistico, siamo qui ad ascoltarli e comprenderli con piacere.

U’Papun – Cabron!

Il rock si sa viene interpretato in mille modi diversi, ma a noi fa piacere che stia emergendo un filone appartenente alla soleggiata puglia di rock molto personale, in grado di distinguersi dalle uscite in cui ci imbattiamo da anni che propongono sempre le stesse strutture musicali. Dopo aver scoperto gli A3 Apulia Project ed il loro rock dedicato a divagazioni etniche e mediterranee, giungiamo agli U’Papun la cui radice geografica è quasi ovvia dal nome ma molto meno lo è la proposta musicale. Potremo inquadrarlo come un rock/crossover tanto si muoea agiatamente su lidi diversi, prendendosi gioco di se stesso e puntando altresì su una vista diretta e precisa in altri momenti durante i quali il quintetto esprime in maniera decisa le proprie idee (un esempio per tutti è L’Abito). Interessanti le brevi sfuriate metal nella title track (anche in L’Ultimo), contrastate da un piano quasi jazz, che ci fanno subito intuire la complessità del capitolo discografico ma senza doversi obbligatoriamente rifare a territori sperimentali difficili da digerire.

La complessità sta negli arrangiamenti e in alcune scelte che rendono ancora più originali i pezzi, innovativi e trasversali. Un pò alla Bluvertigo o meglio ancora, se vogliamo andare davvero alla radice della questione, alla Franco Battiato, come ci insegna il secondo pezzo Indiesposto colorato anche dai suoi testi irriverenti. Luna riflette la propria luminosità sulle parti vocali che da un lato mettono in mostra le lezioni apprese dalla precedente esperienza con Caparezza (con cui gli U’Papun produssero il singolo L’Apparenza pubblicato sul precedente album), dall’altro richiamano la scena teatrale che rappresenta la medesima ambientazione richiamata durante i live della band. Storia Di Una Disoccupata cita invece in maniera lampante la scuola di Elio E Le Storie Tese con i suoi cambi di tempo, le liriche da storia comica (una disoccupata che un pò per caso si tramuta in escort sovrapagata fino a quando la fortuna e la bellezza non l’abbandonano) e il ritmo allegro. Ricetta che si riscontra anche nella conclusiva Cliché nella qual, a ben vedere, vengono ricalcate altre particolarità comuni agli Elio E Le Storie Tese come la voce molto particolare del singer, Alfredo Colella, e alcune parti in tempi dispari che si apprezzano anche in altri pezzi (Amore Cialtrone).

Terra Madre è invece un omaggio, insieme ovviamente alla cover di Io Non Mi Sento Italiano di Giorgio Gaber (ancora attualissima nei testi), alla scena cantautorale che cambia le musiche (ma non i toni) di Cabron! e si tramuta in un rappresentazione di realismo amaro rispetto alla comicità precedente. Quindi varie facce di una sola medaglia dal nome U’Papun, una medaglia che considerando le idee dei cinque e il sound nel complesso porta con sé un valore estremo.

WorldService Project – Relentless

Meno di un minuto basta per capire che i WorldService Project suonano una musica di varie spanne superiore a ciò che mediamente si ascolta in giro. Musica di classe, non tanto per il complesso mix di generi bensì per il sapiente dosaggio delle capacità degli artisti nel nome della canzone intesa come un qualcosa di artistico a 360 gradi. Di base c’è un jazz che sta stretto perfino a se stesso, lontano dai fraseggi estremi dei vari trio o quartet in giro per il globo (fatta debita eccezione per Bye Bye), ma focalizzato su una trasversalità musicale di alto borgo, che riesce a penetrare, a risultare semplice pur non essendo tale e spiazzante a chi all’ascolto si aspetta l’imprevedibile; oltre il fondo ben declinato si muovono varie influenze diverse, come gli stacchi in controtempo che attingono alle radici progressive e conferiscono quella vena teatrale che tanto valorizza (e valorizzerebbe in sede live) il sound della band, e poi ancora quel crossover/funk che solo gli Incognito sono riusciti a regalarci nel meno recente passato attraverso un connubio amoroso tra strumenti a corde, ritmici e a fiato. Presentati e noti ai più come una punk jazz band, in realtà questi inglesi sono molto di più e con questo lavoro, Relentless, lo sottolineano fino alle singole sfumature; non c’è spazio per scale noiose né per esibizioni di tecnica, ma solo per gusto musicale che rappresenta la vera arma di seduzione dei WorldService Project.

È nel brano In That State Of Mind che il main artist Dave Morecroft prende il sopravvento con il suo piano dalle note tavolta suadenti talvolta pungenti, mentre poi lascia spazio al basso stoppato di Conor Chaplin che crea una antimusicalità in crescendo in bilico tra assolo e armonia. Ma la sperimentazione pura esce fuori con Hero Of The Bus dove il prog viene esasperato ed al rock ammaliante vissuto pochi minuti prima si trasla nella direzione di un crossover trasversale e furibondo; completamente su altri canoni circola Song For Jen, brano con un trombone timido ma incisivo e gli altri suoni che fanno da affascinante contorno. E ancora una volta lo stato d’animo cambia e passa ad una festaiola The Screamer, molto baskers, a tratti ska, che nasconde una seconda anima fusion. Che dire, ogni brano è una scoperta per una band che ha molto da offrire in termini di idee, di musica e principalmente di estro.

Cidodici – Freedom Rebellion

Proprio un bel lavoro questo debut album dei bergamaschi Cidodici che in un’ora e 14 brani ci fanno guardare al passato ma nello stesso tempo riescono magistralmente ad estrapolare dagli strumenti un sound moderno e per nulla scontato. Freedom Rebellion è un disco pieno di guest che già nell’intro (e nell’outro) si fanno sentire. Sono infatti le chitarre di Carmelo Pipitone (nell’intro), chitarrista dei Marta Sui Tubi, e Antonello Gambuli (per l’outro) ad accompagnare il recitativo in due parti di A Note…On The Masses di Charles Bukowski che apre e chiude il lavoro dei Cidodici. Subito finita l’introduzione ci viene lanciata addosso Christitution, violenta ed immediata, che mette in chiaro il fatto che i Nostri non ci lasceranno tranquilli come avevamo pensato ascoltando la prima traccia. Notevole la base ritmica in questa song; basso e batteria spingono come pazzi per quattro minuti e mezzo riuscendo a dare la giusta aggressività che le chitarre, solo per ora, lasciano da parte in favore di arrangiamenti ben fatti. Inoltrandoci nel disco incontriamo Beneath Your Skin che ha le caratteristiche di una mid-time e ricorda molto i Kayser in Good Citizen, di qui passiamo alla parte centrale dell’album dove incontriamo due brani emblematici: Old School Styla, un richiamo appunto alla vecchia scuola thrash e l’impegnata Gli Occhi Degli Altri dove i bergamaschi si lasciano andare ad un crossover che, specialmente nella linea vocale, si richiama alla scena italiana dei Linea 77. Messi uno dopo l’altro i due pezzi acquisiscono un valore aggiunto e portano in loro le impronte digitali di questo meritevole gruppo italiano che, diciamolo, è pronto per il salto qualitativo.

Procedendo verso la chiusura di Freedom Rebellion ci si imbatte in T.V.Ictims e nei suoi assoli particolari e A Life To Learn dove troviamo alle chitarre niente di meno che Aldo Lonobile, dei Death SS e Secret Sphere, e Dario Beretta dei Drakkar che danno man forte ai cinque Cidodici (anche se, forse, un minuto e dieci di assolo sono un po’ lunghi) e per finire una versione aggressiva di Impressioni Di Settembre che funziona molto bene e si conclude con la chitarra acustica del già citato Antonello Gambuli che si fonde con l’outro recitata da un testo di Bukowski …On The Masses. Per concludere: un buon lavoro, maturo e completo per i Cidodici e non vediamo l’ora di sentirne un altro sperando che, come l’isotopo del carbonio da cui sospetto prendano il nome, riescano a ricombinare loro stessi per creare album sempre nuovi. Di certo ne hanno le competenze.

Eskimada – Eskimada

Eskimada è il nome della band. Eskimada è il nome del primo capitolo sulla lunga distanza. Un film apparentemenete semplice ma la realtà è ben diversa. Dietro questo nome infatti si celano una serie di artisti provenienti da altri progetti: la voce dei Golgo, la batteria dei Millennium, la chitarra degli Acting Out ed il basso degli Unframed uniscono le forze ed in cinque anni costruiscono un qualcosa, spinti anche dai vari concorsi musicali vinti negli anni. La proposta dei cinque può essere configurata come un crossover non ricco di tecnicismi ma alla costante ricerca di una compattezza sonora ed una raffinatezza apprezzabili. Le somiglianze con band che hanno già detto molto su questi ambiti (come in All I Need dove troviamo richiami diretti ad Incubus e meno diretti a Limp Bizkit) sono ben percepibili anche se c’è uno sfondo di tutto questo film che tende a far luce su una certa personalità del combo (che pensiamo uscirà ancora di più in futuro). Raffaele Pibiri, autore di quasi tutti i testi dell’album, sembra avvicinarsi a Mike Patton nelle parti più calde mentre si allontana a miglia di distanza nei momenti più aggressivi mostrando un’escursione (più che un’estensione) vocale davvero rilevante. La già citata All I Need soffre un pò dell’eccessiva lunghezza: gli Eskimada infatti risultano preziosi sulla breve distanza, finendo per ripetersi un pò troppo nei refrain principali lungo il cammino; non a caso Keep In The Strength resta impresso nella mente e convince subito circa le intenzioni della band. Ciò non toglie che i 32 minuti dell’album risultano assolutamente piacevoli e non un compito assolvibile da chiunque.

Sopra le righe le parti di basso che spesso prendono il sopravvento e sono, a ragione, valorizzate nella produzione di queste 9 tracce; una parentesi a parte il brano Lose Control che assume uno humor diverso, quasi una sperimentazione cercando comunque di restare ancorati al forte impatto rock di base. Ma gli Eskimada non sono solo riff duri ed impatto sonoro: in Interiudio mostrano tutto il loro amore per l’armonia senza doversi per forza di cose abbandonare ad una ballad, mentre nella bella Action restano fedeli al senso più canonico di crossover (ammesso che ne esista uno) riuscendo perfino ad entrare negli ascolti di qualche neofita. Una band giovane ma che molto probabilmente in futuro avrà molta voce in capitolo.

System Of A Down – Mezmerize

System Of A Down, band autrice di 5 album nella prima parte della propria carriera, pochi come numero ma essenziali per imprimere un solco nel music-style odierno. In realtà la novità portata dai SOAD è stata proprio quella di proporre un sound molto heavy, formato dalle radici del nu metal (etichetta spesso erroneamente affibbiata alla band), ma allo stesso tempo molto lontana dai timpani dell’ascoltatore medio. La miscela di idee e di sound differenti incorniciati da cambi di tempo imprevisti e sperimentazioni sempre dietro l’angolo hanno fatto dei System Of A Down una band culto e subito hanno scaraventato i Nostri verso un successo immediato. Se proprio si vuole disquisire, le argomentazioni sono tutte sul genere: secondo noi si possono incastrare i SOAD nel crossover di nuova generazione, che tanto deve a Faith No More (per i più tradizionalisti) ed ai primi Incubus (per i più moderni). Così dopo 3 grandi successi i nostri 4 eroi armeni si fanno sentire ancora una volta con Mezmerise, uscito nella primavera 2005, assaggio per il successivo Hypnotize.

Mezmerise continua la strada percorsa in passato dall’omonimo e da Toxicity su tutti, mettendo sempre in prima luce una sperimentazione, questa volta anche vocale, di tutto rispetto. La produzione è migliorata oltre i limiti già toccati in precedenza ed il sound si è evoluto verso una direzione molto più heavy e compatta, studiata e tecnica ma sempre avvolgente ed a tratti accessibile: in varie parti sembra trovarsi dinanzi ad un “Metallica-sound”, convincente e roccioso. Le variazioni sul tema sono tante e per chi ascolta i System dagli esordi si sa che non c’è nulla di programmato nelle loro idee. Una delle poche radici comuni è data dai significati politici conferiti ai testi, con le numerose campagne svolte in passato dalla band a causa del massacro di un milione e mezzo di armeni da parte del governo turco nel 1915 e realizzate affinché gli Stati Uniti recidessero i legami con la Turchia. Dopo B.Y.O.B. e Cigaro, che rappresentano una sedia elettrica per il nostro debole cuore, entrambe impreziosite da potenza rude e gretta, è da segnalare la doppietta che segue il concept targato “Hollywood”: la prima che potrebbe sembrare una ballad dei Green Day a ben vedere risulta un pezzo molto studiato e malinconico, protagonista di mille emozioni differenti pur risultando un dislivello rispetto alle track precedenti; la seconda ancora più seriosa si avvale di una voce prodotta da un synth ben calibrato, e l’heavy che riprende anima e ricchezza.

Cosa attenderci dai System Of A Down a questo punto?!? Non lo si sa più ma è tutto da vivere e così compaiono venature prog nella dolorosa Question!, in calzante bilico tra la depressione e l’avveniristico desiderio di esplosione, complice un riffing da paura. Ancora maggiore enfasi viene data ad una sonorità thrash, emozionante novità rispetto al passato, sicuramente uno delle perle dell’album. Anche Radio-video risulta essere degna di nota con un passaggio folkloristico spartiacque tra riff cadenzati e turbolenti, heavy come non mai, e le voci che si mescolano ed ipnotizzano, mentre i tempi diventano sempre più retrò e futuristici allo stesso tempo. Un’innovazione quasi vintage, è questo il vero segreto della band che finisce per stupire sempre concedendo una forte personalità ad ogni singolo pezzo.

Il thrash la fa da padrone anche in Revenga e Sad Statue con quest’ultima che ha un bridge da paura, lento e che fa innamorare di sé senza scampo, condito da chitarre ferratissime; dopo una intro blanda come una carezza data prima della buona notte, giunge uno dei colpi più indimenticabili del lotto, This Cocaine Makes Me Feel I’m On This Song, la quale riprende la pazzia degli esordi e la riporta direttamente ai giorni nostri accennando anche un minimo di screaming che infervora un Malakian senza timore, sia per quanto riguarda riff poderosi e distruttivi che per un pianoforte lontano anni luce da quanto ci si potrebbe attendere in una tale atmosfera. Attimi che sembrano durare una vita, mentre ci si sveglia con Violent Pornography, aperta da strofe rappate quasi in stile Suicidal Tendencies. Ma la vera sorpresa sono i tempi dei vari attimi vissuti che si intrecciano prima di giungere ad un ritornello granitico ed indistruttibile che rilancia di nuovo il ’tallica-riffing veloce e protagonista dell’intera uscita. Insomma 12 brani che fanno venire l’acqualina per il successivo Hypnotize e che anticipano la nascita di centinaia di band a venire.

NoMoreSpeech – NoMoreSpeech

Tanto si potrebbe dire su questa giovane band dal nome ormai noto ai più. Ormai viviamo un’era in cui le band giungono all’esordio discografico già molto conosciute, ma in questo caso non scomodiamo youtube o il social network di turno, perchè i NoMoreSpeech stanno costruendo una gavetta fatta di live (come cover band) in giro per l’Italia e del nome del(la) frontwoman Alteria, già conosciuto come speaker radiofonico e per la conduzione di programmi musicali (su Rock TV e su RAI5) oltre che per la sua collaborazione nel progetto Rezophonic. Finalmente i ragazzi giungono alla loro prima fatica che ha scomodato gli At The Strands Studio di California per la fase di mastering, un album con un biglietto da visita non soggetto a diverse interpretazioni. L’iniziale Lying Queen, profondamente influenzata da Chris Cornell per le parti vocali, è un brano in cui Alteria cerca di dare una rivisitazione diversa della sua ‘personalità vocale’: invece di puntare sul classico attacco aggressivo decolla con una voce pacata che però al tempo stesso presagisce l’inferno. Curiosa la scelta di inserirla come opener di un esordio, probabilmente complice anche il riff di chitarra che la fa da protagonista.

La semplicità degli AC/DC per quanto concerne le strutture delle tracce, un impianto chitarristico molto debitore al nu metal, ma più di tutti si notano come minimo comun denominatore le influenze delle band che i NoMoreSpeech hanno portato in giro attraverso le loro cover: Rage Against The Machine, System Of A Down e Lacuna Coil in primis (oltre a qualcosa targato Stone Sour). Lo stesso Tony Cordaro, alle sei corde del progetto, richiama Tom Morello in alcuni assoli e dimostra una buona maturità stilistica nei vari pezzi. Non a caso i brani sono tutti di grande impatto e trascinano in un groove piacevole; ad un ascolto approfondito ci si aspetterebbe qualcosa di più considerando il calibro dei musicisti, senza riferirci alla bravura, che emerge da ogni singolo minuto d’ascolto, ma solo in termini di personalità e caratterizzazione del sound. Think Or Feel è un esempio di un pezzo ottimamente bilanciato tra la razionalità di un songwriting ben realizzato e l’emotività di quattro minuti che restano nel segno, pieno di diverse influenze e con vari arrangiamenti che mettono in chiaro l’esperienza del quartetto. Ma ad esempio Bplan chiama in causa i System Of A Down con il loro crossover inframmezzato da parti pazzoidi e refrain più diretti con stacchi ritmai, mentre Picture Of Cold sa qualcosa di Pantera/Down pur aprendosi con una buona ambientazione che in fretta mette in risalto i ritmi slughe metal delle band citate.

Mettendo in disparte la cover di Relax, troviamo in chiusura una Screaming For Nothing che se da un lato rende più morbidi i nostri NoMoreSpeech stuzzica la curiosità su una personalità che i Nostri potrebbero man mano assumere. In conclusione a livello di produzione e di sound questo lavoro risulta assolutamente ineccepibile e si notano comunque delle particolarità evolutive tra gli undici brani del full-lenght, fattore che ci spinge ad essere curiosi sul futuro di questa band.