Emotu – Meccanismi Imperfetti

Tornano gli Emotu, dopo una pausa che ha dato loro la possibilità di affrontare altri progetti. Ma era tempo di riprendere il loro progetto principale e così quest’anno danno alla luce Meccanismi Imperfetti, loro terzo album che presenta una band sicuramente matura che sa bene cosa proporre musicalmente. Il sound degli Emotu è tanto chiaro quanto complesso e ricercato da realizzare (sia in termini esecutivi che produttivi): siamo ai confini tra l’elettronica e la new wave, ma c’è in loro un animo rock leggero che è presente in quasi tutti i brani. Effetti ritmici, tastiere, synth sono sicuramente l’essenza e la caratterizzazione di questa proposta, ma ci sono anche linee vocali e chitarra; testi in italiano, talvolta imbastiti di effetti per farli aderire allo stile musicale complessivo, e la chitarra ben dosata, noi l’avremmo apprezzata qualora più presente ma c’è da dire che quando non viene sommersa dagli altri strumenti gioca un ruolo importante.

Una via di mezzo tra i Depeche Mode e i Muse dell’ultimo periodo passando per i Bluvertigo, gli Emotu giocano su questo equilibrio precario tra elettronica e strutture di canzoni più tendenti al rock: Senza Luce è il brano che più si avvicina alla visione rock della band, anche qui non mancano “altri” strumenti ma la batteria è più analogica e il brano arriva in maniera più diretta. Discorso simile in L’uragano che cela una durezza di fondo e una ritmica più accelerata, al contrario Actarus punta a tutt’altre ambientazioni alleggerendo i tempi e puntando più su effetti e suoni; in questo senso sono davvero interessanti le diverse sembianze assunte dalle linee di basso che riescono a vestire panni diversi in funzione delle singole tracce. In una visione complessiva, senza influenze di genere, Meccanismi Imperfetti è un album molto curato ed interessante.

Le Tendenze – Le Tendenze

Vengono da Milano ma guardano oltre la Manica in fatto di sound ed arrangiamenti. L’alternative rock de Le Tendenze infatti non è altro che la somma tra indie rock britannico, electro rock che sembra essere una scelta comune tra molte band emergenti italiane e sulla base del tutto, come fosse la base di una torta, un’inclinazione pop rock nello scrivere le tracce. Linee vocali, ritornelli ed alcuni suoni sono scelte secondo noi mirate appunto verso il pop rock, per ottenere una certa orecchiabilità dai brani (Tigri Umane, Esemplare Difettoso, Charlotte) ed essere adatti ad ascolti diversi. Non mancano i riff certo, On – Off ma anche Virus [Del Raffreddore] sono momenti che abbracciano maggiormente il rock ma anche in queste tracce potremo dire più “decise” si celano alcuni inserimenti più morbidi. La chitarra cerca sempre di crearsi un posto come solista in strofe e intermezzi lasciando molto spazio agli altri strumenti, che infatti vengono fuori, per poi tornare al riff ritmico compatto spesso solo nei ritornelli: questo è un elemento sicuramente distintivo per Le Tendenze che descrive il loro stile e che può sicuramente essere vincente per loro, capace di far apprezzare tutti i contributi all’interno di una canzone.

Sicuramente i brani più ritmati e rock, come quelli citati in precedenza, ci piacciono maggiormente rispetto alle tracce con una maggiore dose di elettronica (come Lato Oscuro) ma sono entrambe espressioni di un sound fatto di più livelli seppur in grado di piacere anche ad un orecchio non sofisticato. In generale, nonostante la ricerca di melodie e di un animo pop rock nelle tracce sia evidente, va detto che la band non è esclusivamente ispirata dal proprio moniker, cioè non è alla ricerca della tendenza a tutti i costi ma mostra vari momenti interessati e diversi ingredienti. Se optassero per una proposta più ricercata sarebbero davvero in grado di regalare canzoni imperdibili.

Downflyers – Frequency

Italianissimi, i Downflyers guardano all’estero proponendo un sound che, volutamente, mescola diversi stili e che crea un punk rock ma dall’ampio respiro. Arrivano quest’anno al vero primo album, dopo un EP uscito ben sette anni fa, e consolidando questo sound che è una scoperta. Dopo un intro apocalittico il quartetto espone il fianco al punk rock simpatizzante hardcore melodico, ma è un appiglio troppo semplice da individuare perché l’inganno è dietro l’angolo. In Frequency l’inserimento di effetti e di elettronica è spesso pesante, non si tratta di sfumature o di arrangiamenti bensì di un ingombrante elemento stilistico della band e se in alcuni momenti viene anche digerito bene, in altri risulta troppo ammiccante ad ascolti lontani dalla nostra portata (come RockGarage e come scena italiana) ma soprattutto stride vedere due approcci musicali così differenti tra loro convivere insieme. Apprezziamo Obey! (eccezion fatta per i primi secondi), un brano non estremamente graffiante ma piacevole, in cui rock ed elettronica riescono a non combattere l’uno contro l’altro in una ricetta che in questo caso diventa addirittura radiofonica. Meglio ancora And His Name Is Anthem che ha un buon incedere e lancia un chorus punk rock orecchiabile, al contrario, l’opener Frequencies, il tappeto di synth nel ritornello di Funeral Of Me o la fuori luogo Silence con gli abiti da ballad che però veste male potrebbero solo non essere viste di buon occhio da chi mastica rock.

C’è da dire che Frequency viene presentato come un concept album, una battaglia tra il “silenzio” e il “suono”; noi ci vediamo piuttosto la battaglia tra diversi approcci musicali differenti sui quali si erge indubbiamente l’intenzione di comporre ritornelli melodici e una musica di ampio respiro. A nostro parere qualche allontanamento dal “già sentito” e qualche esuberanza in più (sempre in coerenza con la matrice punk rock scelta) avrebbe reso più attrattivo il songwriting.

Phantomatica – Look Closer

Arriva da Civitanova Marche questo quartetto multiforme che potrebbe aderire al rock come spirito ma che gioca con i suoni e le composizioni presentando tanti ingredienti come se ciascun brano fosse un film a parte. L’opener ad esempio ci sembra imbevuta di elettronica, la successiva Impossible Possibility cade nelle tentazioni dello shoegaze (arrangiamenti) e delle atmosfere indie, passando per Phony Tail con cui i ragazzi abbracciano riff electro rock precisi e strettamente legati agli anni novanta (notevole l’interpretazione del singer in questo brano). In piccolo le diverse dimensioni potrebbero essere riassunte nelle “due Bittersweet”, la prima (Bittersweet Pain) che pesca tanto dalle ballad in stile Smashing Pumpkins, mentre la seconda (Bitterseet Pleasure) che spinge sul rock pur non rinunciando ad alcuni effetti psichedelici che donano un’aurea onirica al tutto.

Si tratta di sicuro di una band matura, le loro elasticità musicali non vanno viste come deviazioni rispetto ad un percorso standard bensì espressioni differenti di idee che partono da basi concrete, infatti per ciascuna traccia sanno bene come creare le melodie giuste e questa sensazione arriva fin dal primo ascolto. Quindi a differenza di quanto si possa pensare i ragazzi sanno molto bene quello che vogliono e lo mettono al servizio di una proposta sicuramente dal potenziale europeo (se non di più). E’ lì che secondo noi devono lavorare.

Tabacco – Tempeste Lunari

Sinceramente non so proprio da dove cominciare. Ho paura di trovarmi nudo in un villaggio nigeriano dove si parla un particolarissimo dialetto swahili di discendenze antiche di generazioni e generazioni. Ho paura di trovarmi alla festa di laurea di Piernoldo Bonamici figlio dell’esimio notaio Piergustavo Clemente Antonio Maria Bonamici vestito con costume da bagno e crema solare (ovviamente anche i braccioli visto che non so nuotare). Ho paura insomma di trovarmi nel posto sbagliato, con una testa sbagliata e con un vocabolario sbagliato. Neanche i miei vestiti penso vadano bene. Che dire poi delle aspettative sulla buona riuscita della serata? Direi che faccio prima a rinunciarvi. Eppure questo disco crea dipendenza e non sono il solo ad averlo detto. Dunque sfoggio un linguaggio armato e appuntito, visionario che dir si voglia, acido di evanescenze. Dunque non mi azzardo – se non per alcuni brevi dettagli – ad avventurarmi in saccenti giudizi di mestiere. Dunque non sarà una recensione. Prova solipsistica del già conosciuto Andrea Tabacco che già con i suoi Elton Junk non aveva di certo proposto musica acustica da camera e di riempimento. Chissà cos’avranno scritto di Bowie il giorno che si è presentato in scena per la prima volta.

Beh il territorio è assolutamente paragonabile. Con questo Tempeste Lunari siamo in piena controcultura, in piena rivoluzione personale, nel pieno della rinuncia sfacciata di ogni cliché pop italiano. Sia chiaro, caro Tabacco: niente di originale eh!? Solo a pensare a cosa faceva Alberto Camerini mi vengono su i goccioloni alle pupille. E come lui, spingendoci sul serioso andante, di nomi a spasso per il mondo potremmo farne tanti. Ma oggi? Oggi che decretiamo Motta come poeta…oggi che la musica se non ha 4 frasi in croce e cambia di vestito al pop per dire che è rock…oggi che sinceramente nessuno osa spingersi oltre…che poi anche questo “nessuno” va ben calibrato. Diciamo pochissimi ecco, pochissimi che si tramutano in rarissime occasioni, oggi che con un click possiamo davvero rivoluzionare il mondo. Che paradosso: lo facevano prima ogni giorno che per registrare un suono ci volevano studi e nastri e fonici e bobine, non lo facciamo oggi che ci basta un click. Oggi ci stiamo soltanto omologando perché di nostro stiamo perdendo consapevolezza e contenuti interiori. Stiamo perdendo la “presenza”. Ci vuole dunque carattere, personalità e un grandissimo equilibrio interiore per governare ed essere fieri di mostrarsi in pubblico, di mostrare la propria follia. Che ben venga la follia quando genera progetti così. E sono sicuro, caro Tabacco, che i più archivieranno questo disco senza averci capito granché, denunciando pazzia e non follia, ficcandolo nel cassetto delle cose bizzarre di gente squilibrata che sarebbe meglio evitare. Sentiamoci Calcutta va…

Forse servirebbe riprenderci quello che più di tutti abbiamo perduto: il tempo. E in questo tempo di stasi, celebrare l’ascolto, e poi avere palle e voglia di avventurarsi a capire, farsi due o tre o quattro domande, inseguire le risposte e alzare il culo dalla plastica di questa omologazione culturale che ci sta facendo diventare delle pecore. Punto e a capo. Se la donna è la “luna” allora le “Tempeste Lunari” (titolo di questo disco) è proprio il gioco ormonale, quello sociale, l’osservazione, l’interazione, l’incontro e lo scontro che Tabacco ha con l’universo femminile. E dallo spazio prossimo compone questi 9 inediti assolutamente digitali, eclettici, visionari, senza punti di appiglio al mondo terreno. Ci troviamo nei colori accesi di Bowie, nel pop pazzo e irriverente dei Decibel, tra le avventure psichedeliche dei giocattoli dei Kraftwerk o a spasso per i sonagli computerizzati dei Koto. E via via il discorso si fa lunghissimo e citazionista. Ma Tabacco ha la sua personalità e questo lavoro – ripeto – crea dipendenza.

A meno che io non capisca nulla (il che è assai probabile anche) mi sento di premiare un lavoro audace che cerca la trasgressione e non pone filtri all’espressione. Il futuro e lo spazio è il tema portante dell’immagine, il rapporto con l’altro è il leitmotiv delle liriche. Brani come Sangue Freddo si inchiodano alla memoria con questi andamenti quasi islamici, la ricchezza di idee di È La Luna Nuova dimostrano quanto terreno fertile e quanto controllo di espressione ci sia. Non so spiegare perché ma trovo assai interessanti per non dire geniali alcuni particolari: i video e i suoni spudoratamente presi dal finire degli anni ’80 ai primi ’90. Le immagini dei video assolutamente vintage, con questi effetti speciali poverissimi ma decisamente coerenti col tutto. È un’apparenza di kitsch che però nasconde grandissima personalità e coerenza. Certo Tabacco lasciami fare anche qualche appunto. La voce che sono sicuro hai voluto lasciare stonata in Il Mordo Del Serpente è qualcosa che davvero non riesco a sopportare. Come non riesco a sopportare nel video In Un Vortice le scene esterne sfacciatamente amatoriali. Eppure, per quanto non le sopporti, mi comunicano coerenza. Probabilmente, ad averci fegato artistico, avrei fatto le stesse scelte. Sempre se queste siano scelte volute.

Insomma. Questo disco poggia su una linea di confine che sinceramente trovo pericolosa. Da una parte c’è la possibilità che questo disco sia un giocattolo balordo (scommetto che è questa la sensazione del 90% di tutti coloro che si approcciano all’ascolto per la prima volta) e dall’altra parte ci troviamo tra le mani il lavoro visionario, libero, espressivo di una mente “geniale” (le virgolette per portare rispetto alle parole) che finalmente torna ad esprimersi invece di pensare per prima cosa a fare il vip. Non sono sicurissimo, confesso di non avere armi buone per capirlo al 100% e quindi mi tengo appoggiato al freno. Voi che ne pensate? Non so perché amici ma io ho la netta sensazione che questo sia un disco importante. E per quanto trito e ritrito, questo linguaggio mi mancava da tempo…troppo tempo.

Fase 39 – Imperfetto

I Fase 39 (iniziale side project dei KinGroove) ritornano al loro pubblico con questo EP dal titolo Imperfetto. Cinque tracce che scendono come una birretta in una giornata soleggiata ma che noi tendiamo, un po’ per tendenze “psico-professionali”, ad analizzare al microscopio per capire i vari elementi che i ragazzi inseriscono nella loro ricetta. Perché è proprio la commistione di scelte sonore e di aggiunte che tende a rendere più ricca la loro proposta ma anche discutibile per chi cerca invece qualcosa di più chiaro e forte di una semplice lager. Vita In Affitto è un buon esempio del poutpurrì musicale del combo, tramite hip hop, chitarra elettrica, linee vocali pop, tastiere elettriche, il tutto mescolato per puntare a qualcosa che stupisca attraverso una melodia semplice ma anche un suono intricato. E’ tutta qui secondo noi l’anima dei Fase 39, momenti in cui questo poutpurrì può sembra un po’ eccessivo ed altri in cui il invece le trame possono risultare un po’ troppo esemplificative (come nell’electro pop di Confusion).

Probabilmente il timone è indirizzato verso qualcosa di “largo consumo”, ascoltando alcuni momenti infatti non abbiamo dubbi sul grip radiofonico di questi ragazzi ma allo stesso tempo crediamo che, per le capacità dimostrare, possano realizzare qualcosa di molto più interessante e distintivo. E noi speriamo che sia la volta della loro terza fatica a dimostrare ciò.

oZZo – #pastislost

Dopo l’esperienza con gli Audrey e dopo un periodo che lo ha visto vivere un rapporto particolare con la musica, Ivano “ozzoHc” Tomba decide di tornare sulle scene e di farlo con un progetto proprio. Per “proprio” intendiamo un progetto che parte dalla sua mente, non come un’avventura solista (questo ci ha raccontato in un’intervista che presto sarà on line sulle nostre pagine) in quanto dietro ci sono strumenti e musicisti che vanno oltre il solo sforzo compositivo di Ivano; dietro ci sono appunto gli oZZo. Non è un caso che in occasione del release party al Rock’n’Roll di Rho (MI) gli oZZo si siano esibiti come una band a tutti gli effetti, con un sound live che ha fatto molta presa sul pubblico. Nel loro EP appare un’ambivalenza tra vena rock/metal e dose elettronica, due anime che però non entrano in guerra tra loro ma cercano di appagare i gusti di un pubblico che è sicuramente diverso dall’altro, rendendo molto labili i confini tra i due stili musicali. Nelle nostre corde entra benissimo Change, una metal ballad che spinge sulla sei corde con una struttura nu metal da classifica, mentre I Let You Get In e Choices sono i momenti in cui gli effetti prendono il sopravvento e che potrebbero collocarsi bene in un dj set. Un compromesso tra le due visioni sembra che arrivi con Nothing But You in cui i diversi arrangiamenti la fanno da padrone.

Ottimo il contributo di Alessio Corrado alla voce con delle linee vocali ispirate ma che soprattutto aderiscono molto bene allo stile proposto e che insieme rendono un sound a parer nostro molto statunitense ma comunque appetibile anche nel vecchio continente. Il tema portante dell’EP è il tempo, soprattutto inteso come insieme di ricordi ed eventi passati che si vuole in qualche modo cancellare o dimenticare, eppure l’EP trasmette musicalmente una certa positività, e questo senza puntare eccessivamente sulla ritmica bensì tanto sulla melodia. Una buona prova, un bel ritorno.

Priscilla Bei – Facciamo Finta Che Sia Andato Tutto Bene

Ho sempre amato avventurarmi nei boschi. Ma se dovessi farlo per davvero allora vorrei ci fosse notte fonda, nebbia da tagliare a fette grosse e poi, signori miei, ci voglio i lupi che ululano soltanto da lontano. Ma se ad un certo punto di questo film arrivasse il cielo sereno di stelle e una bella veduta sulla città, direi che qualcosa non ha funzionato nella sceneggiatura. Insomma: didattica sì ma soprattutto coerenza. E in questo esordio che mi viene fatto girare nello stereo ci sono meravigliosi scorci di psichedelia ed evanescenze spazio-tempo ma qualche fastidiosissima incoerenza che non riesco a fare a meno di sottolineare. Priscilla Bei, esordio in rosa finalmente. Ce ne sono rari, ci avete mai fatto caso? Insomma, tra uomo e donna, il numero è sicuramente minore da un lato piuttosto che dall’altro. Ma questo c’entra poco anzi niente. Torniamo al bellissimo lavoro dal titolo Facciamo Finta Che Sia Andato Tutto Bene. Esatto: “bellissimo”. Mi riporta a Debut di Björk (inevitabile non pensarci) ma io citerei anche quell’aria berlinese di una certa e precisa ispirazione di Erika Badhu o quel dub saccente di Sua quando ci canta One Is A Crowd. Ma insomma diciamo che l’artista islandese è la prima della lista. E questo disco prodotto con molta passione e libero da pregiudizi di ghiaccio e di aria aperta ne ha da vendere anche se spesso cerca l’urbanizzazione, il cemento, la chiusura di periferia come per esempio in Faccio A Meno in cui tutto traballa, si sospende, resta appeso…perde un tubo dell’acqua, luce di neon e poi da un muro ceduto lo sguardo d’improvviso si può gettare nella valle oltre la staccionata. Bellissimo il video del singolo Keplero, da vedere subito gente. Sulle prime e anche sulle seconde ha davvero poco da invidiare alle grandi produzioni e senza troppo pensarci bene mi viene da pensare ad Aroused di Tom Vek (precipitatevi subito).

Quindi elettronica, quindi a suo modo libero spazio alla visione e anche un’intelligente occhiolino strizzato alle melodie. Quindi una formula vincente anche con testi per niente banali ma che forse hanno ancora da scegliere la composizione migliore. Ed il neo di cui tanto parlavo all’inizio con quella boiata del bosco? Beh la bella Priscilla Bei ha una bellissima voce che però così prodotta suona incoerente al progetto che sento. La voce della Priscilla Bei è sottile, dolcissima, incantata. Siamo tra le trame di un dolce mondo alla Amelie o rimando subito al bellissimo nuovo disco di Rita Zingariello o ancora – calcando un poco di più la mano sul concetto del fantastico – citerei Amalia Grè e chi ne ha più ne metta. Siamo nel campo delle voci “standard” che però qualcosa di standard non fanno. Tutt’altro. Cercano il carattere e l’unicità e spesso, come in questo caso, lo fanno riuscendoci perché questo è un disco davvero ricco di carattere. Quindi? Beh quindi mi sarei aspettato una produzione che avesse immortalato la voce in un contesto molto ma molto più coerente di quanto invece ha fatto. Il risultato che ho davanti è un disco di psichedelia elettronica, nei suoni, negli arrangiamenti, nella scrittura, con una voce pop da ballata radiofonica in rosa dai colori pastello. Scusa: hai messo del caciocavallo sulle cozze? Torniamo a citare Björk e ascoltiamo questa voce. Infatti anche la Bei quando si rilassa nella scrittura e ci propone brani come La Perfezione in cui il contesto torna pop d’autore, tutto l’equilibrio viene ripristinato. Così come nella chiusura Autostrade dove ci viene riproposta una registrazione casalinga di lei piano e voce a cui si aggiunge una percussione e dell’altro proveniente dallo spazio…ma tutto è coerente. Tutto. Prendete il brano Deserto in cui la voce della Bei si ingrassa di riverberi…prendete Cose Serie in cui la voce è distorta. Ma per il resto, eccezion fatta per isolati momenti, il caciocavallo resta sulle cozze e sinceramente non riesco a mandarlo giù.

Solo questo mi viene da dire. Potrei dirvi che ormai sentire un piano reale mezzo stonato ripreso in ambiente nella verità di una stanza è una soluzione scontata quasi come far sentire la puntina sul vinile prima di iniziare a spararci del rock in endovena, ma ho già abusato fin troppo della mia parte di professore “so tutto io”. Punto a capo. Bell’esordio Priscilla Bei.

James And The Butcher – Plastic Fantastic

Molti vedono il cuore del sound dei James And The Butcher nelle loro pulsazioni elettroniche, un electro rock fatto di una produzione di livello che cerca di accontentare sia chi è cresciuto a suon di rock (potremo dire alternative rock) sia chi apprezza maggiormente i suoni sintetici. In realtà a parer nostro il loro cuore pulsa nel momento in cui cercano di dare molto più respiro alle tracce. Come nell’opener con le sue orchestrazioni e un passaggio acustico di un’intensità tale che ricorda i Pink Floyd misti a Morricone o anche in Queen Of The Galaxy che ha un buon refrain e, seppur con testi di ispirazione rap, mostra un suono elettrico ben in vista ed un’ottima attenzione al connubio dei vari strumenti (piacevoli le linee di basso in prima linea). Anche la parte finale di Core è interessante, un brano che inizia con tendenze alla Bluvertigo ma poi finisce con gioielli dal taglio jazzy. Eppure per presentare al meglio la band suggeriamo di ascoltare Miracolous Cancer che è un pezzo dalla buona vena calorica con l’esplosione in stile Muse lungo il ritornello e delle strofe centrate nell’electro rock.

Per una tartaruga che arriva al mare ce ne sono tante che muoiono prima. Ad esempio brani come Say My Name o Antibiotics li troviamo fuori traccia, canzoni che prestano un po’ troppo il fianco alle classifiche statunitensi e alla loro passione per pad, dub e suoni elettronici; Loola-Bye è una ballad a tratti brit rock che non aggiunge nulla, anche la melodica 2nd Plan sembra essere un buona buona colonna sonora da tenere in sottofondo ma resta poco incisa nella nostra mente. Nel complesso il titolo Plastic Fantastic rende l’idea più per la prima parola che non per la seconda, soprattutto per chi ha sete di una vena rock che qui tarda ad arrivare. Eppure la band ha idee e le mette in gioco tutte, non a caso l’album suona come un lavoro dalle tante sfaccettature che può dividere fan e critica.

Gambardellas – Survive

Una delle cose più belle del lavorare dietro RockGarage è che scopriamo delle band alla prima uscita e ne seguiamo gli sviluppi, il suono che matura, le idee che vengono affilate album dopo album e ne vediamo crescere musica e seguito. È capitato per varie band (non tantissime a dire il vero, molte purtroppo gettano la spugna o cambiano moniker) e i Gambardellas sono tra questi. Ai tempi di Sloppy Sounds, primo full-lenght recensito a questa pagina, ci erano piaciuti ma non ci avevano fatto innamorare, con l’EP Ashes di cui avevamo parlato qui avevamo capito che non puntare su di loro sarebbe stato da sciocchi e anche per questo eravamo in trepidante attesa del successore di quell’EP, album che ha tardato ad arrivare sul mercato. Tutta questa attesa è stata premiata da un album molto curato e che suona come un insieme di brani da sdoganare su tutti i continenti: Survive schiaccia il piede sull’approccio esterofilo della band, non solo per i testi in inglese ma anche per quella forte componente elettronica che predomina pur senza isolare il ruolo della chitarra che emerge quando necessario (nei riffi portanti di Chemical ad esempio ma anche in vari assoli).

Il groove è sicuramente il poker d’assi del power trio: ascoltare Leave Me Be senza essere travolti da quella sua trama profondamente ritmica ma dal sapore elettronico è impossibile, anche in Everything Sucks si segue questa tendenza, con meno bpm e una maggiore dose melodica (si vedano i cori nel ritornello). È una costante battaglia tra elettronica e groove: la titletrack Survive è un cazzotto in pieno volto, prima del gancio per far cadere l’avversario al tappeto. Poi c’è un altro profilo dei Gambardellas, un profilo che cita gli anni 80 e che inghiotte synth e luci colorate (Seven) ma che si sposa benissimo con lo spaccato elettronico che da sempre contraddistingue la band. E se avete dubbi su quanto i ragazzi siano cresciuti, musicalmente parlando, provate ad ascoltare Come Away, un brano che difficilmente proporranno dal vivo per non intaccare la dieta ipercalorica dei loro show, ma che sa di ballad statunitense e a cui più di una label a stelle e strisce potrebbe essere interessata; altro momento succulento per qualcuno oltre oceano è Citizens Of The New World, una traccia dalla forte impostazione grunge in cui noi troviamo piccoli elementi desert.

Davvero buona la produzione, al di là dei suoni molto curati, va segnalata la scelta di una voce riverberata e un passo indietro rispetto alla parte strumentale che esce fuori come una belva, sicuramente la loro arma letale in sede live. Album consigliatissimo, la conferma che sono usciti fuori i muscoli ai ragazzi e che ora possono competere su ring internazionali.