Mr. Hope – Long Way Home

Mirco Pezzani è un artista coraggioso. Ha vissuto in vari luoghi ma ha sempre creduto nella musica e Long Way Home ne è la conferma. Particolare che abbia mosso i primi passi in progetti punk e che con il suo progetto solista abbiamo cambiato direzione, ma probabilmente proprio queste esperienze di vita lo hanno fatto crescere, come un bagaglio che diventa sempre più grande e che dopo anni ha assunto un altro peso, un’altra forma. Così il suo EP di quattro tracce, scritte un po’ qui un po’ all’estero (l’ultimo pezzo ad esempio è dedicato alla Scozia in cui lui ha vissuto), non può che non trattare della distanza rispetto al luogo che si definisce “casa” (saluti, casa, I Miss You…si ripetono nel corso dei quattro brani) e lo fa con un profondo sapore folk seppur contornato da arrangiamenti e ritmi alternativi. Il singolo Drop e il suo mood allegro (seconda strofa e ritornello) potrebbero aderire perfettamente come colonna sonora di uno spot televisivo pieno di panorami e colori pastello, gli stessi colori che Mirco sceglie (insieme all’autore Luca Argelli) per la copertina di questo EP.

Il contributo del violino è un’ulteriore sottolineatura dell’appiglio folk anche se come dicevamo si potrebbe parlare di alternative folk date le aggiunte nei brani di cui va segnalata una produzione davvero molto buona. L’inglese sembra legato a doppia mandata a questo stile musicale, chissà come sarebbe sembrato il sound di Mr. Hope con qualche pezzo in italiano…la speranza c’è.

Ovest Di Tahiti – Luci Della Città

Quando mi è giunto il CD mi è sembrato di conoscere già questa band pugliese della quale c’è, sinceramente, da andare orgogliosi. Inoltre gli Ovest Di Tahiti mi ricordano in particolare bei momenti che ho condiviso insieme a Niccolò Fabi quando, nell’oramai lontano ottobre 2004, fu mio gradito ospite insieme a Giancarlo Susanna, che ricordo con affetto, e Alberto Campo, tutti giunti in Salento per un tributo a Jeff Buckley in occasione dei dieci anni dalla pubblicazione di Grace, probabilmente una delle più belle gemme musicali di tutti i tempi. Insieme a lui anche Elvis Carpinelli, Bludinvidia, Creme e Tobia Lamare. Ma, al di là dei ricordi c’è che questo Luci Della Città è un album di squisita fattezza (come pochi in giro nel panorama italiano) con otto brani che abbracciano un songwriting raffinato ed arrangiamenti che si rifanno a grandi artisti internazionali come Nick Drake. Sin dall’avvio del disco si percepisce subito la forte personalità di questa band e sono proprio loro ad introdurre questo concept dichiarando: “Le luci della città sono tutte quelle piccole cose che succedono sotto i nostri occhi, il terrore della morte, le gioie di una nuova vita, la dolcezza e la malinconia per un accadimento importante o banale che sia. Le luci della città sono tutto ciò che ci permette di riprendere a guardare la strada spesso buia sulla quale stiamo camminando”.

Il pop malinconico che il disco emana coinvolge da subito chi ascolta con sonorità morbide e chitarre, sia acustiche che elettriche, dal suono pulito anche se con riflessi di pop music d’altri tempi. Qui tutto è essenziale, i suoni non escono mai dagli argini del pentagramma perché essenziali e misurati, e le atmosfere che ne disegnano sono di una semplicità unica. Già dalla copertina la visione che ci viene proposta è proprio quella delle atmosfere sonore della band pugliese che ha scelto di muoversi in un indie pop infarcito di tutto quel cantautorato italiano che probabilmente li ha ispirati (Dalla, Fossati, Fabi), ma che ha anche saputo guardare, “al di là del mare”. I passaggi qui sono tutti un divenire sorprendente di delicatezza e sinuosità, e lo si nota già con Autostrada che è un vero e proprio quadretto di atmosfere notturne sulle quali fantasticare; con Indifferente inizia già quella esplosione di emozioni che porteranno poi al bellissimo Taking Over The Reason che, anche se cantato in inglese, si adatta benissimo al resto di tutto il disco che per essere un esordio, è davvero un capolavoro.

Non ditemi che sono di parte perché pugliese, ma vi invito all’ascolto di questo Luci Della Città, che non è solo un disco da ascoltare ma un condensato di musica per lasciarsi trasportare oltre i confini. Altre tracce da ascoltare non ve ne sono perché qui è tutto il disco che va assaporato lentamente assorbendone, per quanto possibile, tutti gli umori di una band che in futuro avrà tanto da dire.

Raoul Moretti – Harpness

Prendo in mano il CD ed aprendolo vedo un uomo che sembra giocare con un’arpa; mi chiedo se abbiano sbagliato ad inviarmi il supporto poi, incuriosito, e prima di metterlo nel lettore lo analizzo. Quando lo inserisco nell’impianto hi fi è lo stesso impianto che mi segnala di non trovarmi di fronte a John Cage o Brian Eno che hanno fatto dello sperimentalismo il loro lavoro principale. Ma questo disco di Raoul Moretti con la sua arpa non è poi così lontano da quei nomi e da quei suoni tanto da capire che l’artista ha inglobato nel suo dna certe idee, ed allora ecco perché mi ritrovo qui a scrivere di quest’artista per i nostri lettori. La musica è tutta qui a dimostrare che Moretti è un genio dello strumento, un musicista completo che sa muoversi in atmosfere che solo uno strumento come l’arpa è in grado di trasmettere. Già dall’apertura di Harpness, affidata a Sharpness si possono ascoltare i primi passaggi che aprono la mente e l’animo ad un disco che sarà tutto un divenire grazie anche al contributo di Michele Bertoni. Il pezzo ci riporta molto vagamente ad un viaggio tra le atmosfere di stile oldfieldiano che incorporano anche alcuni meccanismi alla Juri Camisasca ma che non influenzano la scelta di amalgama fatta da Raoul Moretti. Il pezzo torna a distendersi poi con arie di stile pinkfloydiano che inchiodano sulla sedia in attesa di capire quando e come il viaggio tra i suoni finirà.

Das Unheimlich emana sin dall’inizio dolcezza e ricercatezza alla John Cage grazie anche al violino di Erica Scherl, che è di una calibratura perfetta, in attesa del sopraggiungere della contaminazione di Valerio Corzani che appare ben calibrata e non invade la peculiarità di questa dolcissima passeggiata. Mi Alma Viajera muove l’arpa di Moretti in una specie di viaggio accademico nel post-rock, con una tenuta semplicemente fantastica e mai strabordante anzi, misurata e pentagrammata come si addice a quei musicisti che apparentemente sembrano più preparati ma, in realtà, sono assolutamente dei geni perché amano ricercare suoni inconsueti. Near Death Experience ci porta invece in un ambiente che a noi, personalmente, ricorda il berliner wall di antica memoria quando, visitando la capitale tedesca, sembrava di trovarsi in un limbo tenebroso che prima o poi, ci avrebbe condotto negli abissi infernali meno conosciuti. Con A Kaleidoscoping Mind invece l’inferno esplode tutto nei meandri più reconditi della mente umana, con una serie di suoni che virano verso l’industrial. Probabilmente questo stato di cose fa sì che A Kaleidoscoping Mind sia il brano più concettuale dell’intero lavoro, molto vicino ad un Cage che si affaccia ai nostri tempi facendo viaggiare davvero la mente in un caleidoscopio di colori e luce. Ma non manca molto a raggiungere il massimo dei suoni con The Black Swan che si presenta con una serie di meccanismi ed intrecci musicali ricercati dove diventa fondamentale l’apporto di un Marco Truppo che gondola tra sintetizzatori ed altre diavolerie. Il viaggio (interstellare sonoro) continua con Universi Paralleli (pura coincidenza dare lo stesso titolo dell’album degli Arti & Mestieri) ma qui si ha davvero la sensazione di viaggiare nell’universo per raggiungere il punto di incontro con altri mondi.

Il disco continua fino alla fine su questa scia grazie ad un musicista che utilizza uno strumento poco convenzionale come l’arpa, che apre a nuove strade attraverso una sperimentazione pacata e mai tendente allo strafare ma che punta sempre all’essenziale. Harpness di Raoul Moretti è un lavoro che non manca di stupire quando lo si ascolta perché il musicista italo-svizzero riporta ad ascolti passati che ci hanno visto aprire le porte all’eleganza sonora di Robert Fripp e al geniale Brian Eno. Logicamente qui però è tutto Raoul Moretti e basta.

Cruadalach – Raised By Wolves

I Cruadalach sono una band folk groove metal formatasi nel 2008 in Repubblica Ceca. Dopo una demo e un EP rilasciati rispettivamente nel 2010 e 2011, la band è uscita con l’album di debutto nel 2011 intitolato Lead – Not Follow. Dopo un secondo full lenght dal titolo Rebel Against Me del 2015 ecco uscire nei mesi scorsi il nuovo capitolo in casa Cruadalach. Raised By Wolves è questo il titolo del nuovo album che di fatto ci mette di fronte a una band in buono stato di forma, capace di arricchire il proprio sound, dopo le già convincenti prove del recente passato. I Cruadalach sono dediti a un folk metal ricco di groove e melodia, già dalle prime note con l’opener Eyes Wide Open i Nostri ci trascinano nella violenza sonora, intrisa di riff mid-tempo sorretti da una sezione ritmica mai doma. Folk metal tutto vero ma non lasciatevi ingannare c’è molto di più nella musica dei Cruadalach, a partire dalla rabbia con cui Petr Caisl sputa attraverso il microfono, il suo è un cantato thrashcore, davvero efficace. Tra le mie preferite figura la title track capace di farmi emozionare prima con temi celtici poi a raffiche di riff decisi.

I Cruadalach sono in possesso di un’ottima caratura tecnica, tutto questo emerge in ogni singola canzone, di certo non ci si annoia sulle note di Raised By Wolves anzi a dire il vero il disco scorre via veloce, pur lasciando nell’ascoltatore qualcosa che resta, così come conferma la voglia di fare nuovamente play. In alto il nostro saluto!

Des Moines – Like Freshly Mown Grass

Ci sono istanti di vita e momenti di sogno che non possono venir rappresentati se non dalla musica. Un disegno diviene troppo statico per me. Un film forse troppo ridondante. Una musica certe volte è l’unica a saper dosare il pensiero, il sogno, le aspettative e poi la perdita di razionalità. Ed è la perdita di raziocinio che ci avvia verso una follia romantica in cui diventiamo altro rispetto a ciò che mostriamo di noi a noi stessi e agli altri ogni santo giorno. Un percorso questo che difficilmente avviane. Con questo disco è avvenuto. Saranno le corde spirituali estremamente affini alle mie, saranno quelle scelte stilistiche che in passato ho cavalcato in prima persona, sarà per quell’immaginario intimo di selciato stradale di provincia, ai bordi di un campagna che poi darà il benvenuto al bosco che ammanta il crinale, sarà per quella pioggia finemente ricamata di gocce che le vedi una ad una per quanto cadono sparute…sarà per quel senso di solitudine malinconica che c’è quando sei a fare due passi senza alcuna fretta, che tanto poi devi raggiungere la casa di un amico fidato che promette di accendere il camino per sconfiggere i fantasmi della notte che sta arrivando. E da queste parti la notte non è terrore né nascondiglio. Da questa parti la notte è il momento migliore per restare in silenzio.

Ho letteralmente vomitato immagini e sensazioni ma non ho altro mezzo per raccontare le meravigliose sensazioni che arrivano da questo che per me sembra essere uno dei migliori progetti che ho avuto la fortuna di poter ascoltare grazie alla redazione di RockGarage. A quanto pare è il secondo disco per Simone Romei, di Reggio Emilia, uno che poi legge On The Road di Kerouac – che proprio un romanzo a caso non è – e ruba il nome di quel posto che, manco a dirlo, somiglia alla musica che sta suonando. Des Moines si fa chiamare e questo secondo lavoro lo intitola Like Freshly Mown Grass. Sono 8 scritture che provengono da quell’Inghilterra che somiglia tanto all’America, dove tutto mi sembra far parte di uno stesso calderone, da Nick Drake di un tempo ai The King Of Convenience di oggi per arrivare alle tinte dolcemente stravaganti di Stevens Sufjan. Ma non è solo questo: è quel sitar (spero di non sbagliare ma mi pare sia lui) di Daffodils che mi riporta a quei Beatles lì, oppure le carole natalizie di un pomeriggio di sospensione tra l’Irlanda e la Scozia quando suona Wood Gathering. E la delicatezza del fingerpicking assai americano accoglie una voce leggera, pacata, parca, di velluti freschissimi: la splendida Love In Vain è apolide quanto il titolo e il singolo Happy Smiles è dimostrazione alla Drake di questi accordi settimi che risolvono le frasi con interrogazioni irrisolte e dubbiose, scure nell’animo. Che poi ci verrebbe da citare Neil Young quando il nostro Romei chiude le parole e canta in un registro sottile la leggerezza di Whippoorwill.

Tra pitture strumentali da cui non mi aspetto la tecnica ma trovo tantissimo potere visionario fino ai brani cantati. Ogni cosa di questo secondo lavoro di Des Moines ha la forza di una personalità in viaggio. Raramente l’inglese cantato mi piace. Raramente il suono di un disco è coerente con le sue intenzioni. Raramente viene da chiedersi se dall’altra parte del player c’è un ragazzo di questa provincia italiana vista la mole di tentativi di scimmiottare l’America dei grandi cantautori folk. Beh raramente non significa mai. E questo disco ne è una testimonianza. Di certo non ho capito, ma non sono neanche troppo sicuro di aver sentito bene, quel retrogusto di distorsione nella chitarra acustica di Crickets And Cicadas, non ho capito la direzione stilistica di alcuni strumentali che, pur mettendo nella centralità portante la chitarra acustica non sono scritture di vero fingerstyle. Non ho digerito bene quell’equilibrio instabile che c’è in tutto il disco dove il potere di visione e l’arte che arriva è tanta, tanta che da tanta arte aspetto in semplicità soluzioni di gran lunga più efficaci ed invece tutto resta in quel limbo di grandissimo gusto ma mai troppo esaltante. L’appetito vien mangiando, il piatto è ottimo, avrei desiderato tanto urlare di gioia: sempre ad un passo dal farlo, ma libero di farlo per davvero.

E poi, sempre per il grandissimo potenziale di quest’opera, non ho ben digerito che il tutto si consumasse sempre e solo attorno alle stesse soluzioni per tutti i brani. Differenze troppo sottili per un orecchio di massa e popolano. Potevate davvero dare un carattere più esclusivo ad ogni brano invece di sposare un’unica ricetta per tutto il disco. Ma a parte queste tre inezie che faranno il conto con il mio gusto personale, ribadisco di come sia questo uno dei (se non il) migliore disco che fino ad ora ho avuto l’onore e la fortuna di recensire per la redazione di RockGarage…sempre per quel che può contare una mia recensione.

Herself – Rigel Playground

Il sapore amaro della voce di Valenti arriva dritto nelle cuffie del suo nuovo lavoro con il progetto Herself, un progetto che trasuda folk ma che è trattato in maniera attuale, vestito per bene e impreziosito di pietre e perle che ne fanno assumere un aspetto come nel cosiddetto giorno di festa. Il sapore beatlesiano e una caratterizzazione del musicista in termini melodici si mescolano con un sapore scuro che è dietro a diverse tracce di questo Rigel Playground, in alcune di esse si assaggia un’intensità davvero bella, è il caso di Crawling che ad un certo punto si apre come una rosa, come un vecchio brano dei The Smashing Pumpkins (nel loro lato più emotivo). Gli ampli qui sono calibrati per toccare la nostra pelle prima che le nostre orecchie, anche la sezione ritmica è presente in punta di piedi per cercare di lasciare più spazio alle melodie. È affascinante come in diversi momenti le linee vocali siano un passo dietro alla chitarra, ma come quest’ultima non sia collocata per padroneggiare, piuttosto per valorizzare proprio la voce e la sua personalità.

Decisamente più secco e martellante è il brano The Witness che offre pulsazioni calibrate nella strofa per poi riconfigurarsi nel ritornello e manifestare tutto il corteggiamento della sei corde. Un album che è una carezza, un morso tenue e che a differenza del folk a cui si è abituati è ricco di inserti ed arrangiamenti, tutti elementi che senza dubbio ispessiscono il valore di Rigel Playground.

Ephyra – The Day Of Return

Divisi in maniera baricentrica tra la scena folk metal e quella symphonic death metal, giungono gli italianissimi Ephyra, formazione ricchissima di musicisti e strumenti diversi che pur se con una vena meno epica e più metal fa la gioia di tanti defender del nostro Paese. Con questo The Day Of Return confermano il loro potenziale compositivo con dieci tracce potenti ma anche dagli ottimi refrain. Non vi fate ingannare dall’aspetto e dalla dicitura folk metal, gli Ephyra non sono accostabili tanto a formazioni tricolore come Folkstone o Furor Gallico (nonostante abbiano partecipato a diverse manifestazioni folk metal dalle nostre parti), piuttosto a noi ricordano i Die Apokalyptischen Reiter, privi però della magica tastiera di Dr. Pest ma con altri suoni in aggiunta. Una caratteristica è di sicuro l’affiancamento della voce femminile a quella maschile (growl e scream), elemento non nuovo nella scena ma nel caso degli Ephyra va detto che il connubio è davvero buono, ciascuno gioca un ruolo essenziale nella quadra dei brani. Ottimo anche il contributo delle due chitarre che costruiscono l’altro elemento centrale del sound della band, il rifferama, si ascolti ad esempio il muro di sei corde in Wayfarer che presto lascia lo spazio ad aperture strumentali interessanti o anche in Dance Between The Rocks.

Per fortuna i brani non si dilungano oltremodo, restando sempre sui quattro minuti (che considerando il riffing intricato non sono proprio pochi) ed evitando lunghe parti che sarebbero scadute in lande troppo epiche perdendo il mordente metal. D’altra parte ammettiamo però che le tracce si muovono tutte sulle medesime coordinate e non vi è una che spicca sulle altre: segnaliamo solo le influenze orientali più marcate di Being Human e un sapore vagamente Blind Guardian in Infinite Souls. In generale una bella prova ma i ragazzi possono sicuramente rendere la proposta ancora più personale e differenziante, magari osando ancora di più. Consigliatissimi a chi ama il power con personalità death e in generale per i defender che cercano proposte musicali forgiate sotto chili di lava vulcanica.

Dead Cat In A Bag – Sad Dolls And Furious Flowers

Tredici brani sono stati necessari per creare il nuovo, terzo lavoro dei Dead Cat In A Bag, una band sicuramente non convenzionale, un trio che mette a fattor comune una serie di collaborazioni con innumerevoli musicisti per dar vita ad un sound di sicuro molto personale. Una proposta alternativa che fonde il fascino occulto e tenebroso di Nick Cave (innegabile la sua presenza in brani come Not A Promise), un certa ricerca musical-poetica alla Capossela, un sapore orchestrale che si allontana dal rock, il tutto speziato da un sapore western in alcuni tratti (o anche bluegrass come in Waste), in altri quasi balcanico. Ma in fondo al tunnel c’è una ricercatezza profonda, una sperimentazione su diversi livelli che è lontana anni luce dal voler confezionare un brano secondo i copioni già noti. La presenza di strumenti come il violino, il piano ma anche il banjo o il synth conferisce non solo un imprinting personale ma una visione complessa ed intricata che rende Sad Dolls And Furious Flowers un album non per tutti, di certo non per chi cerca delle canzoni che arrivino al primo ascolto.

Interessante l’interpretazione di Venus In Furs che diviene una prova al banco per i Dead Cat In A Bag, una rivisitazione polverosa ma allo stesso tempo moderna e ricca. Nel complesso si tratta di un album per chi è senza tempo, per chi intende toccare i granelli di sabbia mentre il vento li sposta, un album per chi vuole leggere tra le righe, per chi vuole calarsi nei mille strati e pescare ciò che più gli piace. E’ un album con tantissime melodie eppure non ce n’è una che vi resterà in testa, a meno di non incanalarvi in queste tracce, con la dovuta calma e con la pazienza di un pescatore che sa che prima o poi il risultato arriverà.

Babbutzi Orkestar – 5

5 è il titolo ideale non solo per questo EP ma più in generale per identificare questo periodo storico dei Babbutzi Orkestar e della loro discografia. Usando le loro parole: “5 brani, 5 momenti, 5 follie, 5 danze, 5 strumenti” e noi aggiungiamo per loro 5 parti discografici trattandosi questa della quinta uscita a loro nome. “Musica balcanica” potrebbe essere l’etichetta da usare per far capire il loro stile ma queste due parole non riescono a racchiudere tutte le sfumature che si trovano dietro questo combo: vero che i fiati dell’opener Chiky Chiky richiamano quelle influenze, ma tutto il resto ci porta su tutt’altra strada, rock stoppato e intensità vocale fanno da padroni. Il rock si intensifica in Vinoploda, un pezzo che cavalca i suoni elettrici passando per il rock steady con un pizzico di follia (fiati prima e chitarra poi contribuiscono ad offrire una ricercatezza molto apprezzata). Queste le coordinate principali su cui si muove l’EP.

Un plauso per le parti strumentali che aggiungono davvero spessore alle composizioni dei Babbutzi Orkestar, rispetto alle strofe e ritornelli che sono decisamente più orecchiabili e a volte scanzonate (Tony Makkeroni). Ottima anche la produzione, abbiamo tra l’altro apprezzato il basso davvero in prima linea, come colonna portante del sound. Mai confondere questa band con uno dei classici gruppi balcanici da festa del 1° maggio (come canterebbe il sommo Elio) perché in loro c’è molto di più.

Lucy Anne Comb – Letting You Go

A due anni dal primo EP intitolato Yourselfie torna a farsi sentire il pesarese Guido Brualdi in arte Lucy Anne Comb con un album interamente autoprodotto stampato su di un cd–r assemblato a mano e registrato in casa in puro stile do it yourself. 7 brani di cantautorato folk scarno ma non proprio lo-fi, in cui si avvale della preziosa collaborazione di Erica Terenzi (Be Forest) alle percussioni e Luca Sorbini che oltre a prestare la casa per le registrazioni partecipa al progetto con chitarra elettrica e basso. Questo Letting You Go è un disco davvero ispirato ed emozionante pervaso da un atmosfera malinconica e piena di pathos, una sorta di concept album che racconta la fine di un amore adolescenziale. La prima vera storia d’amore di un ventenne, di quelle che lasciano il segno, che fanno soffrire ma che inevitabilmente verranno superate perché una nuova stagione della vita sta per cominciare, un nuovo spiraglio di luce si intravede, una porta si sta schiudendo verso nuove storie.

Windir, Wannabe, Lucy Anne, Daily News fino a Breakdown il momento della rottura che culmina in Letting You Go, il momento più intenso dell’album, la presa di coscienza che tutto ormai è finito…devi lasciarla andar via. Ma non tutto è finito ed è con l’ultima September che si comincia a vedere la nuova luce e la vita che verrà. Sicuramente c’è molto di autobiografico in questo disco visto il picco emozionale con cui è stato interpretato, e considerato che il personaggio del disco ed il suo autore hanno la medesima età. Una bellissima prova che richiama un certo cantautorato americano degli anni 90, primo fra tutti sicuramente Jeff Buckley, ma che in certi momenti i ha fatto venire in mente gli Alice in Chains in versione unplugged.