Folkstone – Ossidiana

Di “crescita come una vera esplosione” parlavamo ai tempi di Restano I Frammenti a questa pagina, e ancora oggi i Folkstone non si sono fermati. Sono passati per Oltre…l’Abisso e in questo finire di 2017 arrivano con il nuovo album Ossidiana. Tredici tracce assolutamente Folkstone, perché la loro idea di musica non è cambiata, nemmeno oggi, dopo quasi 15 anni dalla nascita del progetto e dopo innumerevoli live anche oltre i confini nazionali. Il loro folk metal resta anche in Ossidiana coerente, potente e diretto. Se dovessimo trovare una loro arma segreta, un ingrediente che su tutti primeggia nel Folkstone-style questo è sicuramente l’ottimo bilanciamento tra strumenti acustici ed elettrici: per dirla in altro modo l’epicità degli strumenti folk che la band mette in scena anche in sede live e la durezza dell’imprinting metal che chitarra e batteria in primis forgiano nei singoli brani trovano nella loro musica una fusione incredibile.

Ma allora Ossidiana è esattamente uguale agli album precedenti?! Noi ci troviamo un pizzico di epicità in meno, elemento che viene come sempre sottolineato dalle linee vocali di Lorenzo, perennemente sugli scudi, ma al quale gli altri strumenti si dedicano meno concentrandosi di più sulle strutture dei brani e sulle singole parti, segno forse di una maturità maggiore raggiunta dalla band. Si veda ad esempio Psicopatia, un brano composto con grande attenzione che oltre a descrivere nei testi le stranezze della nostra società, colloca bene strofe e arrangiamenti vocali in un’idea che è poco “Folkstone dei primi anni” ma più da progetto ormai consolidato. Le cavalcate ritmiche di Asia (nel ritornello sì che c’è epicità), l’approccio metal di Scacco Al Re e di Vado Via, la bellissima interpretazione vocale di Dritto Al Petto sono tutti punti forti dell’album.

In generale chi si aspetta qualcosa di diverso dai Folkstone resterà deluso da questo Ossidiana che è l’ennesima conferma delle radici della band e della ferma intenzione di procedere secondo il proprio corso puntando magari a nuove terre (live) da raggiungere.

Il Colle – Dalla Parte Dello Scemo

Sul colle o sulla collina ci sono gli invasori. In silenzio arriva il passo del soldato e poi in silenzio resta fermo a sentire il fiume che passa lento… anche lui… troppo lento però per trascinare al mare un albero abbattuto da qualche temporale di stagione. Non sto vaneggiando. Ho reso in metafora quel che penso di questo primo disco de Il Colle dal titolo Dalla Parte Dello Scemo. Attualità di una deriva sociale in cui va di moda comprarsi la droga e dove ormai gli ultimi siamo tutti noi, drogati anche dai social e sui social, figli di una decadenza e di una ineluttabile pochezza culturale espressa in ogni dove. E gli artisti che sono chiamati alla rivoluzione? Dove sono? I nostri toscani guidati dalla voce di Fabio Cillo Picchiotti non sembrano affatto portare alta la bandiera di una controcultura e come tanti si adagiano su una forma canzone assai omologata, standard, ricca di belle frasi di circostanza che inneggiano alla denuncia politica (in senso di comunità e di popolo)… dove il pop non arriva con i ritornelli facili, ci pensa l’aria folk, di quella scanzonata di una giornata al mare, di quella che fa venir voglia di abbassare il finestrino e godersi l’aria in faccia. Il Colle ci propone un disco rionale, di bella provincia italiana, un disco appunto solare con quel tocco alla francese che sulle prime mi rimanda a Scarda di Smetto Quando Voglio. C’è dentro Rino Gaetano malamente ispirato, c’è dentro De Gregori quando i Nostri ci vanno assai vicini in Tammi Tamon (ascoltate L’Agnello Di Dio con le dovute differenze). Il picco massimo è la bellissima Mamma Ti Prego Comprami La Droga (dove i Nostri toccano le corde di Gianni Morandi) che non solo riassume in una trovata geniale tutto il leitmotiv di questo disco ma lo fa con una forma canzone assai efficace, snella e di impatto.

Per il resto questo lavoro manca di sostanza, di idee, manca di ritornelli che ricordi, mancano di messaggi che arrivano a destabilizzare – con una timida eccezione in Io Ti Amo Calimero (Parigi) e in Forse Ha Ragione Francesco. E se i giovani Pablo e il Mare avevano indovinato per molti tratti il cocktail di questo genere, Il Colle ha ancora molto da lavorare anche per la caratterizzazione di un timbro vocale che chiede, anzi pretende musica assai particolare e con un piglio assai più snello e meno “pop” nei suoni. Mi piacerebbe sentire più polvere e meno didattica che poi è esattamente la formula che ha portato un genere assai vintage nell’olimpo degli ascolti che ancora oggi contaminano tantissime cose. Dai Beatles a Gianni Morandi attraversando il surfing dei Beach Boys e via così citando mari e citando monti. Meno pop scolastico e più libertà. Le carte ci sono e sono pronte per essere giocate. Ultima cosa: nei video non fate gli attori. Se non siete attori…se non avete un regista…se non c’è l’esperienza e la competenza non fate il mestiere. Non bastano le idee, ci vuole un mestiere. Perché alla fine il risultato è assai elementare come il video di Io Ti Amo Calimero (Parigi) e così fate il gioco di chi si improvvisa a fare qualcosa…esattamente la parte di chi sui social insegna fisica quantistica e sa sempre tutto di politica e di economia. Cantate bene quando dite che oggi va di moda la droga. Io aggiungere anche che va di moda l’improvvisazione. Perchè se stiamo giocando ok…giochiamo…ma se state facendo seriamente allora ci sono grosse incongruenze tra quello che cantate e quello che mettete in scena.

In soldoni l’esordio gira, ha un equilibrio che molti neanche si sognano ma manca ancora di crescita, spiritualità e una scrittura efficace. Sempre e solo per il mio piccolo ed umile punto di vista.

Oregon Trees – Hoka Key

Prendete un Bob Dylan nel pieno della sua gioventù e vestitelo con abiti giovanili dei tempi d’oggi, poi magari cercate di togliergli quella sua immagine da americano un po’ smarrito, senza fissa dimora e dategli una cittadinanza inglese, magari inserendolo in un periodo preciso dell’anno, di qualsiasi anno: l’estate. Questa l’immagine che ci viene in mente ascoltanto l’EP di debutto degli Oregon Trees, giovane formazione che si altalena tra strutture folk, ritmi e melodie indie e abiti (sempre musicalmente parlando) pop. Questa l’immagine chiara offerta da Eden e If I Went Back (con un cantato un po’ troppo calcato in quest’ultimo brano) mentre in altri momenti come Colors si punta a qualcosa di più orecchiabile. In No One si ricalca la matrice rock della band, stile che a nostro parere attecchirebbe di più negli ascolti oltre oceano, arricchito il tutto da un ritornello perfetto per le radio; sempre folk ma più ricercato nell’ultima che dà il titolo all’EP.

Una prova che si presta alla stagione che stiamo vivendo ma che noi speriamo in futuro possa divenire qualcosa di più impegnato, magari da consumare “4-stagioni-su-4”.

Modena City Ramblers – Mani Come Rami, Ai Piedi Radici

Non so spiegarvi che brutta sensazione quella di dover esprimere un parere quando a far musica è un amico, gente che stimi, piccole radici che ti hanno cullato. Ed io che con i Modena sono venuto al mondo delle coscienze, io che con Cisco ci ho anche suonato Ninnanna nel buio del mio studio di notte, seduti a terra fumando tabacco e bevendo vino rosso di poche lire, io che con Cisco ci ho anche duettato sul mio album di debutto…io che poi ho vissuto l’evoluzione dei Nostri e che con il buon “Fry” Moneti ci siamo chiusi in un altro studio che avevo per dar voce ai violini per il disco di Simone Agostini…e poi tanti altri progetti che ci vede ogni tanto rifare un giro di ricordi. Ora è il turno di mettere su questo nuovo disco dei Ramblers e farlo girare e non sono capace di essere imparziale e di essere spietato e di lacerare le mie emozioni. Lo dico in partenza, lo confesso, denunciatemi pure di scarsa professionalità però c’è da partire da un dato che oserei definire oggettivo: quel marchio Irish dei Ramblers è inconfondibile! Inutile dire che si ripete invariato ormai da anni e non potrei biasimare chi si sente annoiato da questo, poco hanno potuto le infinite collaborazioni – non ultima questa con i Calexico from Arizona – nulla ha potuto qualche colore persiano, forse marocchino, forse asiatico, cinese anche…insomma niente ha potuto contro il dato oggettivo: i Ramblers li riconosci anche se il prossimo disco fosse fatto di rap e di crossover. Quindi il bivio è netto. Ti piace o non ti piace. Accettato questo andiamo avanti.

Mani Come Rami, Ai Piedi Radici è massiccio di contenuti che mai per una volta sembrano abbandonare la politica e la società. Sembrano, attenzione, perché di certo non ci sono le rivoluzioni di classe e la bellissima voce di “Dudu” Morandi non decreta guerre partigiane. Ma la tenerezza di Grande Fiume che ha qualcosa di orientale nel riff portante e qualcosa di cileno da Inti Illimani nella parte corale della scrittura, culla e fa cullare una verità sociale che potrebbe – anzi dovrebbe – appartenere a tutti noi. Grande Fiume è come la vita, come il fluire dei giorni, del nostro tempo…di tutti noi. Una nota stonata voglio comunque metterla: la bella voce del capitan Morandi io l’avrei preferita mixata meglio dato che se ne perdono i lineamenti quando il disco spinge su brani più ritmati come Gaucho, Io E Te che già vedo far muovere le piazze da nord a sud a est a ovest, dal mare alle montagne. Un disco che in fondo non sorprende per niente e lo speravo e me lo aspettavo, lo pretendo ogni volta che ascolto i MCR perché ci sono pilastri della propria cultura che vorresti sempre ritrovarli come li hai lasciati…sempre. Cambiamenti ce ne sono e per quanto per esempio My Ghost Town con gli americani Calexico sembra impossibile potesse trovarsi in un disco dei Ramblers, ad ascoltarla bene dopo un paio di volte ti accorgi che se non stesse qui dentro allora sarebbe una canzone ancora da scrivere, o una cover oppure un omaggio…inglese compreso, anche se delle volte sembra un poco maccheronico e con questi cori poco legati assieme che sembrano ancora in fase di demo un po’ mi fa storcere il naso.

Noto una cosa assai importante: la maturità in questo caso la chiamerei esperienza del mestiere. La scrittura si pulisce e si educa ad una forma meno irruente ed irrequieta, come a dire che ormai anche i Ramblers stanno diventando saggi. Ed infatti non poche volte ho ritrovato un gusto assai più pop del solito nonostante i tratti indiscutibilmente loro, privati e personali. Il singolo di lancio Volare Controvento – tanto per parlare di società e non di politica – è perfetto per un radiodate e la struttura è decisamente attenta alle regole del gioco. Ma qui il mestiere diventa importante: facciamo del pop radiofonico ma senza togliere niente alla ricetta vincente dei Ramblers. E anche il video sforna concetti assai cari a chi combatte la massificazione. Insomma lo ripeto: il bivio è netto e definito. I Ramblers sono questi e questi (spero) saranno sempre. Niente di nuovo (per fortuna) niente di rivoluzionario ma solo tanto mestiere e saggezza che prende lo stesso arredamento che c’è da 20 anni a questa parte e lo arricchisce di gustosi dettagli per palati fini. Forse manca da tempo la scrittura del pezzo davvero forte, manca da tempo quel quid popolare che farà muovere una piazza intera per anni e anni…ma la fine suonano Quacet Putein e capisci quanta bellezza c’è dietro il nuovo suono medioorientalmenteirish dei sempregiovani Modena City Ramblers.

The Cat And The Fishbowl – Feels Like Home

I The Cat And The Fishbowl sono un duo un po’ stravagante. Anzi forse il termine stravagante è limitativo per rendere l’idea, ma sono anche un duo molto simpatico. Li abbiamo potuti conoscere on stage, in occasione del Pending Lips Festival e ci ricordiamo ancora come sanno tenere il palco con i loro numerosi strumenti, quell’ispirazione folk e quelle linee vocali molto pop inglese. Il loro essere particolari e sicuramente leggeri lo indica, oltre al moniker, anche l’artwork del loro primo EP, uscita che con quattro tracce ci strappa un sorriso e ci riporta a quei film in bianco e nero, all’ora del the e alle gonne a campana. Can I Kiss Your Cheek? è forse il loro pezzo più identificativo con il guitalele pizzicato, Take Me To The One I Love abbraccia sonorità beatlesiane, Le Caveau suona come un carillon prodotto in Texas e acquistato da Dylan per le sue teneri e amare serate, mentre Betrayal sembra un eco alla Johnny Cash reso dolce dal violino.

Un EP poco impegnativo che mostra un’ampia varietà di sfumature sonore del mondo The Cat And The Fishbowl.

Simon & Garfunkel – Bookends

Reduci dal successo della colonna sonora del film The Graduate, in cui confluiscono pezzi degli album precedenti, inediti scritti per il film e una Mrs Robinson in nuce, il nostro duo crea Bookends. Album prodotto per la prima volta in proprio e del tutto sui generis. Pur rappresentando l’evoluzione della vena folk maturata fin dal debut album, con tutti i suoi stilemi e le sue influenze, Bookends ne è al contempo superamento ed affrancamento. Sappiamo bene che il folk di S&G è di un tenue impegno sociale, bensì piuttosto intimista e quindi teso ad indagare sensazioni ed emozioni di 2 giovani ragazzi nella New York metà anni ’60. Una poetica delle piccole cose, la delicata celebrazione del quotidiano. In Bookends queste istanze si manifestano con tutta la loro forza, facendone un disco che è l’elegia della quotidianità e della normalità. Narrate però con fare poetico. Microstorie, nate osservando al di fuori della propria finestra. Uomini e donne che camminano per le strade della città, che si intrattengono a parlare del più e del meno, che ricordano gli amori passati, un viaggio. I piccoli grandi eroi della vita di tutti i giorni. Non i grandi contestatori galvanizzati dal tripudio sociale ed emotivo del periodo. Non la voglia di spaccare il mondo, ma il desiderio di salvarne il buono che rimane.

La copertina dell’album, che ritrae Paul ed Arty in primo piano che ci guardano con occhi sinceri e puliti, la dice lunga sul loro stile, sul loro approccio al mondo e all’arte che, in questo disco, raggiunge un apice e fonda una loro nuova originalità. Dal folk ad un pop folk colto e raffinatissimo. 12 pezzi in stato di grazia, da ascoltare tutti di un fiato. Un lato A che narra storie incentrate sullo scorrere del tempo, un lato B che raccoglie i pezzi scartati nella produzione della soundtrack de Il Laureato. Un aspetto da concept album che racconta le varie sfaccettature del ciclo della vita. L’inizio dell’album è dolce, con un brevissimo brano strumentale, Bookends Theme, che poi tornerà nella settima traccia con l’aggiunta di voci. Il secondo brano è Save The Life Of My Child. Qui assistiamo ad un allontanamento dalla tradizionale delicatezza del duo con l’uso di un sintetizzatore distorto. Contiene inoltre un estratto di The Sound Of Silence. Capiamo subito che si tratta di un disco di ricerca e di maggiore sperimentazione. La seconda traccia sfuma nella meravigliosa ballad America. Una delle più belle del canzoniere di Paul Simon. Racconta il viaggio di due giovani amanti, le loro speranze, le loro illusioni. Probabilmente autobiografica, l’intro con quell’incantevole “mm mm mm..” e la conclusione con l’organo già fanno tutto. In mezzo chitarre delicate ed impeccabili ed una batteria incalzante quanto basta. Una vera gioia per le orecchie.

Ad America segue Overs. Breve brano delicato e sussurrato, recupera quella leggiadria a cui Paul e Arty ci avevano abituati. La quinta traccia è Voices Of Old People. Un pezzo fatto esclusivamente di dialoghi fra anziani. Un intermezzo parlato, registrato personalmente da Arty in varie case di cura ed ospizi. Scelta singolare questa, ma funzionale alla tematica dell’inesorabile scorrere del tempo che è uno dei fili rossi dell’album. La traccia seguente è Old Friends. Una celebrazione dell’amicizia che ci accompagna vita natural durante. Brano acustico arricchito da fiati e archi che gli conferiscono maggiore profondità e respiro. Quindi entriamo nella seconda parte dell’album. Qui troviamo Fakin’ It e Punky’s Dilemma che ricorrono all’uso di effetti sonori, loop di percussioni, interludi parlati. A riprova di come questo sia un disco di sperimentazione. E qui troviamo anche la versione definitiva di quella Mrs. Robinson che nella soundtrack di The Graduate era stata solo accennata, svelandone le potenzialità ma non l’intera bellezza. Non volevano “bruciarla” Paul e Arty. Erano consapevoli di aver creato una song capolavoro. Una hit potentissima con quel ritornello mandato a memoria da almeno 3 generazioni, e tale da trascinare ai vertici delle classifiche un album che di commerciale aveva davvero ben poco. Un brano leggendario, scritto ispirandosi alla Mrs Robinson del film. Il brano salì al primo posto della classifica statunitense Billboard Hot 100 per tre settimane. Per Simon & Garfunkel fu il secondo “numero uno” dopo The Sound Of Silence. L’intro ritmata di voci è semplicemente roba che non ti leverai mai più dalla mente.

A seguire A Hazy Shade Of Winter, interessante brano con sonorità elettriche rock, a tratti quasi un tentativo di hard rock ante licteram. Ed infine At The Zoo. L’intero album sfuma e si conclude con un delicata canzone acustica. Evocativa e ritmata alla classica Simon & Garfunkel maniera. Quasi un ritorno alle rassicuranti origini del loro marchio di fabbrica. Eppure Bookends è un disco di rottura, maturazione ed evoluzione. Paul e Arty sembravano ormai aver dato tutto il loro meglio. In realtà erano già pronti per il loro meraviglioso commiato, che sarà l’album successivo.

Freaky Mermaids – Everything Could Happen

Il power trio tutto al femminile ritorna con il secondo album (terza pubblicazione) a titolo Everything Could Happen, un album incentrato sul concetto della quotidianità, non vista come superficialità del vivere, ma come adattamento ai mutevoli accadimenti che la vita ci propone. Questo è evidente da uno spirito che aleggia intorno alle otto tracce, meno invece dalle singole musicalità che invece si attenuano e ci cullano in una serie di melodie dolci e suadenti, ma di grande spessore artistico. Le parti vocali sono di immenso impatto: le tonalità, gli accenti sono gli elementi che più restano appiccicati sulla pelle e stupiscono quale vera caratterizzazione della personalità delle Freaky Mermaids. Non vorremo però essere fraintesi: dietro questo progetto ci sono tre grandi musiciste: il contrabasso incisivo (a volte che cede il passo al basso elettrico), la chitarra che sa stratificarsi restando comunque omogenea rispetto agli altri contributi, la parte ritmica che non invade mai la scena ma resta quatta per regalare un mood alle composizioni. Folk potremo dire, ma in chiave elettrica e con una ventata jazzy e bluesy che dona qualche tinta di colore in più ma rende ancora più forte il profilo compositivo del trio.

Dicevamo del ritmo. Sì, appare in brani come Carrots Not Souls o Sleight Of Hands, veri viaggi nel tempo del folk, ma non è questo il punto di partenza per avvicinarsi alle diverse sfumature delle FM. Gli intermezzi, le ambientazioni, le sinuosità e l’ispirazione vocali sono tutti emblemi del loro sound da apprezzare in luoghi sacri che ne ispirino l’ascolto. Appaiono infatti anche momenti soffusi come The Other Woman che riprende l’ingegnosità di buckleiana memoria e la ripropone in un quadro diverso, meno intricato chitarristicamente, ma dalla simile intensità. Everything Could Happen è un album che parte dal pop sofisticato e dal folk ispirato e ne inietta personalità, melodie coscienziose, morbidezza, coraggio e sapore di passato. Un lavoro che probabilmente tre uomini non avrebbero potuto ideare.

El Matador Alegre – Dreamland

Abbassate gli amplificatori, alzate la soglia dell’attenzione. Il nuovo album degli El Matador Alegre non è un album dalle forti pulsazioni, almeno stando alle battute e all’irruenza. Piuttosto il duo (accompagnato da alcuni contributi esterni) scrive composizioni pensate in versione acustico e colorate da quelle sfumature elettriche che rendono il sound sognate cercando di trasporre l’ascoltatore in un altro luogo, lontano dagli strumenti digitali e moderni utili ad ascoltare queste nove tracce. Forse è proprio Dreamland il luogo che ha ispirato i ragazzi per questi nuovi brani incentrati sulla melodia ma mai troppo commerciali, con molta attenzione agli arrangiamenti e ai suoni ma senza risultare indigesti o semplicemente complessi. Un lavoro pensato alla sei corde e alla voce, intorno ai quali è stato costruito tutto il resto, resto che giustamente funge da cornice; una costante ambivalenza tra ricercatezza folk e agiatezza pop che costituisce il punto di forza e di debolezza, allo stesso tempo, degli El Matador Alegre.

Appaiono momenti intensi come la lunga For My Demons, altri un po’ troppo easy come Running In Circles (quest’ultimo pensato con la struttura di un singolo) e in questo range si muovono le diverse tonalità dell’album. Un lavoro da ascoltare in camera o con la giusta atmosfera.