Modena City Ramblers – Mani Come Rami, Ai Piedi Radici

Non so spiegarvi che brutta sensazione quella di dover esprimere un parere quando a far musica è un amico, gente che stimi, piccole radici che ti hanno cullato. Ed io che con i Modena sono venuto al mondo delle coscienze, io che con Cisco ci ho anche suonato Ninnanna nel buio del mio studio di notte, seduti a terra fumando tabacco e bevendo vino rosso di poche lire, io che con Cisco ci ho anche duettato sul mio album di debutto…io che poi ho vissuto l’evoluzione dei Nostri e che con il buon “Fry” Moneti ci siamo chiusi in un altro studio che avevo per dar voce ai violini per il disco di Simone Agostini…e poi tanti altri progetti che ci vede ogni tanto rifare un giro di ricordi. Ora è il turno di mettere su questo nuovo disco dei Ramblers e farlo girare e non sono capace di essere imparziale e di essere spietato e di lacerare le mie emozioni. Lo dico in partenza, lo confesso, denunciatemi pure di scarsa professionalità però c’è da partire da un dato che oserei definire oggettivo: quel marchio Irish dei Ramblers è inconfondibile! Inutile dire che si ripete invariato ormai da anni e non potrei biasimare chi si sente annoiato da questo, poco hanno potuto le infinite collaborazioni – non ultima questa con i Calexico from Arizona – nulla ha potuto qualche colore persiano, forse marocchino, forse asiatico, cinese anche…insomma niente ha potuto contro il dato oggettivo: i Ramblers li riconosci anche se il prossimo disco fosse fatto di rap e di crossover. Quindi il bivio è netto. Ti piace o non ti piace. Accettato questo andiamo avanti.

Mani Come Rami, Ai Piedi Radici è massiccio di contenuti che mai per una volta sembrano abbandonare la politica e la società. Sembrano, attenzione, perché di certo non ci sono le rivoluzioni di classe e la bellissima voce di “Dudu” Morandi non decreta guerre partigiane. Ma la tenerezza di Grande Fiume che ha qualcosa di orientale nel riff portante e qualcosa di cileno da Inti Illimani nella parte corale della scrittura, culla e fa cullare una verità sociale che potrebbe – anzi dovrebbe – appartenere a tutti noi. Grande Fiume è come la vita, come il fluire dei giorni, del nostro tempo…di tutti noi. Una nota stonata voglio comunque metterla: la bella voce del capitan Morandi io l’avrei preferita mixata meglio dato che se ne perdono i lineamenti quando il disco spinge su brani più ritmati come Gaucho, Io E Te che già vedo far muovere le piazze da nord a sud a est a ovest, dal mare alle montagne. Un disco che in fondo non sorprende per niente e lo speravo e me lo aspettavo, lo pretendo ogni volta che ascolto i MCR perché ci sono pilastri della propria cultura che vorresti sempre ritrovarli come li hai lasciati…sempre. Cambiamenti ce ne sono e per quanto per esempio My Ghost Town con gli americani Calexico sembra impossibile potesse trovarsi in un disco dei Ramblers, ad ascoltarla bene dopo un paio di volte ti accorgi che se non stesse qui dentro allora sarebbe una canzone ancora da scrivere, o una cover oppure un omaggio…inglese compreso, anche se delle volte sembra un poco maccheronico e con questi cori poco legati assieme che sembrano ancora in fase di demo un po’ mi fa storcere il naso.

Noto una cosa assai importante: la maturità in questo caso la chiamerei esperienza del mestiere. La scrittura si pulisce e si educa ad una forma meno irruente ed irrequieta, come a dire che ormai anche i Ramblers stanno diventando saggi. Ed infatti non poche volte ho ritrovato un gusto assai più pop del solito nonostante i tratti indiscutibilmente loro, privati e personali. Il singolo di lancio Volare Controvento – tanto per parlare di società e non di politica – è perfetto per un radiodate e la struttura è decisamente attenta alle regole del gioco. Ma qui il mestiere diventa importante: facciamo del pop radiofonico ma senza togliere niente alla ricetta vincente dei Ramblers. E anche il video sforna concetti assai cari a chi combatte la massificazione. Insomma lo ripeto: il bivio è netto e definito. I Ramblers sono questi e questi (spero) saranno sempre. Niente di nuovo (per fortuna) niente di rivoluzionario ma solo tanto mestiere e saggezza che prende lo stesso arredamento che c’è da 20 anni a questa parte e lo arricchisce di gustosi dettagli per palati fini. Forse manca da tempo la scrittura del pezzo davvero forte, manca da tempo quel quid popolare che farà muovere una piazza intera per anni e anni…ma la fine suonano Quacet Putein e capisci quanta bellezza c’è dietro il nuovo suono medioorientalmenteirish dei sempregiovani Modena City Ramblers.

The Cat And The Fishbowl – Feels Like Home

I The Cat And The Fishbowl sono un duo un po’ stravagante. Anzi forse il termine stravagante è limitativo per rendere l’idea, ma sono anche un duo molto simpatico. Li abbiamo potuti conoscere on stage, in occasione del Pending Lips Festival e ci ricordiamo ancora come sanno tenere il palco con i loro numerosi strumenti, quell’ispirazione folk e quelle linee vocali molto pop inglese. Il loro essere particolari e sicuramente leggeri lo indica, oltre al moniker, anche l’artwork del loro primo EP, uscita che con quattro tracce ci strappa un sorriso e ci riporta a quei film in bianco e nero, all’ora del the e alle gonne a campana. Can I Kiss Your Cheek? è forse il loro pezzo più identificativo con il guitalele pizzicato, Take Me To The One I Love abbraccia sonorità beatlesiane, Le Caveau suona come un carillon prodotto in Texas e acquistato da Dylan per le sue teneri e amare serate, mentre Betrayal sembra un eco alla Johnny Cash reso dolce dal violino.

Un EP poco impegnativo che mostra un’ampia varietà di sfumature sonore del mondo The Cat And The Fishbowl.

Simon & Garfunkel – Bookends

Reduci dal successo della colonna sonora del film The Graduate, in cui confluiscono pezzi degli album precedenti, inediti scritti per il film e una Mrs Robinson in nuce, il nostro duo crea Bookends. Album prodotto per la prima volta in proprio e del tutto sui generis. Pur rappresentando l’evoluzione della vena folk maturata fin dal debut album, con tutti i suoi stilemi e le sue influenze, Bookends ne è al contempo superamento ed affrancamento. Sappiamo bene che il folk di S&G è di un tenue impegno sociale, bensì piuttosto intimista e quindi teso ad indagare sensazioni ed emozioni di 2 giovani ragazzi nella New York metà anni ’60. Una poetica delle piccole cose, la delicata celebrazione del quotidiano. In Bookends queste istanze si manifestano con tutta la loro forza, facendone un disco che è l’elegia della quotidianità e della normalità. Narrate però con fare poetico. Microstorie, nate osservando al di fuori della propria finestra. Uomini e donne che camminano per le strade della città, che si intrattengono a parlare del più e del meno, che ricordano gli amori passati, un viaggio. I piccoli grandi eroi della vita di tutti i giorni. Non i grandi contestatori galvanizzati dal tripudio sociale ed emotivo del periodo. Non la voglia di spaccare il mondo, ma il desiderio di salvarne il buono che rimane.

La copertina dell’album, che ritrae Paul ed Arty in primo piano che ci guardano con occhi sinceri e puliti, la dice lunga sul loro stile, sul loro approccio al mondo e all’arte che, in questo disco, raggiunge un apice e fonda una loro nuova originalità. Dal folk ad un pop folk colto e raffinatissimo. 12 pezzi in stato di grazia, da ascoltare tutti di un fiato. Un lato A che narra storie incentrate sullo scorrere del tempo, un lato B che raccoglie i pezzi scartati nella produzione della soundtrack de Il Laureato. Un aspetto da concept album che racconta le varie sfaccettature del ciclo della vita. L’inizio dell’album è dolce, con un brevissimo brano strumentale, Bookends Theme, che poi tornerà nella settima traccia con l’aggiunta di voci. Il secondo brano è Save The Life Of My Child. Qui assistiamo ad un allontanamento dalla tradizionale delicatezza del duo con l’uso di un sintetizzatore distorto. Contiene inoltre un estratto di The Sound Of Silence. Capiamo subito che si tratta di un disco di ricerca e di maggiore sperimentazione. La seconda traccia sfuma nella meravigliosa ballad America. Una delle più belle del canzoniere di Paul Simon. Racconta il viaggio di due giovani amanti, le loro speranze, le loro illusioni. Probabilmente autobiografica, l’intro con quell’incantevole “mm mm mm..” e la conclusione con l’organo già fanno tutto. In mezzo chitarre delicate ed impeccabili ed una batteria incalzante quanto basta. Una vera gioia per le orecchie.

Ad America segue Overs. Breve brano delicato e sussurrato, recupera quella leggiadria a cui Paul e Arty ci avevano abituati. La quinta traccia è Voices Of Old People. Un pezzo fatto esclusivamente di dialoghi fra anziani. Un intermezzo parlato, registrato personalmente da Arty in varie case di cura ed ospizi. Scelta singolare questa, ma funzionale alla tematica dell’inesorabile scorrere del tempo che è uno dei fili rossi dell’album. La traccia seguente è Old Friends. Una celebrazione dell’amicizia che ci accompagna vita natural durante. Brano acustico arricchito da fiati e archi che gli conferiscono maggiore profondità e respiro. Quindi entriamo nella seconda parte dell’album. Qui troviamo Fakin’ It e Punky’s Dilemma che ricorrono all’uso di effetti sonori, loop di percussioni, interludi parlati. A riprova di come questo sia un disco di sperimentazione. E qui troviamo anche la versione definitiva di quella Mrs. Robinson che nella soundtrack di The Graduate era stata solo accennata, svelandone le potenzialità ma non l’intera bellezza. Non volevano “bruciarla” Paul e Arty. Erano consapevoli di aver creato una song capolavoro. Una hit potentissima con quel ritornello mandato a memoria da almeno 3 generazioni, e tale da trascinare ai vertici delle classifiche un album che di commerciale aveva davvero ben poco. Un brano leggendario, scritto ispirandosi alla Mrs Robinson del film. Il brano salì al primo posto della classifica statunitense Billboard Hot 100 per tre settimane. Per Simon & Garfunkel fu il secondo “numero uno” dopo The Sound Of Silence. L’intro ritmata di voci è semplicemente roba che non ti leverai mai più dalla mente.

A seguire A Hazy Shade Of Winter, interessante brano con sonorità elettriche rock, a tratti quasi un tentativo di hard rock ante licteram. Ed infine At The Zoo. L’intero album sfuma e si conclude con un delicata canzone acustica. Evocativa e ritmata alla classica Simon & Garfunkel maniera. Quasi un ritorno alle rassicuranti origini del loro marchio di fabbrica. Eppure Bookends è un disco di rottura, maturazione ed evoluzione. Paul e Arty sembravano ormai aver dato tutto il loro meglio. In realtà erano già pronti per il loro meraviglioso commiato, che sarà l’album successivo.

Freaky Mermaids – Everything Could Happen

Il power trio tutto al femminile ritorna con il secondo album (terza pubblicazione) a titolo Everything Could Happen, un album incentrato sul concetto della quotidianità, non vista come superficialità del vivere, ma come adattamento ai mutevoli accadimenti che la vita ci propone. Questo è evidente da uno spirito che aleggia intorno alle otto tracce, meno invece dalle singole musicalità che invece si attenuano e ci cullano in una serie di melodie dolci e suadenti, ma di grande spessore artistico. Le parti vocali sono di immenso impatto: le tonalità, gli accenti sono gli elementi che più restano appiccicati sulla pelle e stupiscono quale vera caratterizzazione della personalità delle Freaky Mermaids. Non vorremo però essere fraintesi: dietro questo progetto ci sono tre grandi musiciste: il contrabasso incisivo (a volte che cede il passo al basso elettrico), la chitarra che sa stratificarsi restando comunque omogenea rispetto agli altri contributi, la parte ritmica che non invade mai la scena ma resta quatta per regalare un mood alle composizioni. Folk potremo dire, ma in chiave elettrica e con una ventata jazzy e bluesy che dona qualche tinta di colore in più ma rende ancora più forte il profilo compositivo del trio.

Dicevamo del ritmo. Sì, appare in brani come Carrots Not Souls o Sleight Of Hands, veri viaggi nel tempo del folk, ma non è questo il punto di partenza per avvicinarsi alle diverse sfumature delle FM. Gli intermezzi, le ambientazioni, le sinuosità e l’ispirazione vocali sono tutti emblemi del loro sound da apprezzare in luoghi sacri che ne ispirino l’ascolto. Appaiono infatti anche momenti soffusi come The Other Woman che riprende l’ingegnosità di buckleiana memoria e la ripropone in un quadro diverso, meno intricato chitarristicamente, ma dalla simile intensità. Everything Could Happen è un album che parte dal pop sofisticato e dal folk ispirato e ne inietta personalità, melodie coscienziose, morbidezza, coraggio e sapore di passato. Un lavoro che probabilmente tre uomini non avrebbero potuto ideare.

El Matador Alegre – Dreamland

Abbassate gli amplificatori, alzate la soglia dell’attenzione. Il nuovo album degli El Matador Alegre non è un album dalle forti pulsazioni, almeno stando alle battute e all’irruenza. Piuttosto il duo (accompagnato da alcuni contributi esterni) scrive composizioni pensate in versione acustico e colorate da quelle sfumature elettriche che rendono il sound sognate cercando di trasporre l’ascoltatore in un altro luogo, lontano dagli strumenti digitali e moderni utili ad ascoltare queste nove tracce. Forse è proprio Dreamland il luogo che ha ispirato i ragazzi per questi nuovi brani incentrati sulla melodia ma mai troppo commerciali, con molta attenzione agli arrangiamenti e ai suoni ma senza risultare indigesti o semplicemente complessi. Un lavoro pensato alla sei corde e alla voce, intorno ai quali è stato costruito tutto il resto, resto che giustamente funge da cornice; una costante ambivalenza tra ricercatezza folk e agiatezza pop che costituisce il punto di forza e di debolezza, allo stesso tempo, degli El Matador Alegre.

Appaiono momenti intensi come la lunga For My Demons, altri un po’ troppo easy come Running In Circles (quest’ultimo pensato con la struttura di un singolo) e in questo range si muovono le diverse tonalità dell’album. Un lavoro da ascoltare in camera o con la giusta atmosfera.

Drenaï – Nadirs

Il folk moderno sempre più spesso chiama in causa il folk metal e i francesi Drenaï appartengono proprio a questa schiera di band che di certo non provano timore nell’attivare amplificatori e creare forti riff. Con questo EP dal titolo Nadirs però intendono esplorare il profilo più acustico del loro spirito, mettendo da parte i suoni metal che saranno invece affrontati in dettaglio nel full-lenght di prossima pubblicazione (e già al momento registrato). Più che vero folk i Drenaï (accompagnati per l’occasione dalla Folk Metal Tribe, un ensemble di oltre 15 musicisti) si ispirano molto alla musica medio orientale, creando ambientazioni geograficamente lontane e puntando tantissimo sul profilo narrativo. Infatti dopo una melodica e musicale Broken Nation, i Drenaï si lanciano in incursioni atmosferiche, strumenti a fiati, passaggi avant-garde e tutto quello che il folk più sperimentale può offrire. Una trama epica abbraccia la lunga Shaman, un brano di matrice bathoriana che disegna più un racconto medievale che una traccia vera e propria; andrebbe valutata quindi fuori da un contesto puramente musicale.

I massimi gradi di epicità sono raggiunti da Beyond The Gate, brano fantasy con degli arpeggi e dei cori che tramutano il pezzo un’ottima colonna sonora per un film di guerre all’epoca dell’Impero Romano. Brani non brevi ma che difficilmente seguono lo stesso percorso, si percepisce che la band ha voglia di esprimere diversi lati della propria arte e siamo davvero curiosi di sapere come risulteranno in una veste elettrica.

Are You Real? – Songs From My Imaginary Youth

Sembra quasi il nostro direttore egregio Marcello Zinno a distanza di mille mila chilometri sappia esattamente quali dischi porto in casa per solleticare il mio gusto della settimana. E proprio in questi giorni che sfilavo dagli scaffali i Mumford and Sons o il magico due Simon & Garfunkel mi viene commissionato questa nuova prodezza discografica di Andrea Liuzza ovvero Are You Real? con un titolo assai cinematografico: Songs From My Immaginari Youth. E l’apice di tutto arriva con la delicatissima chitarra acustica che accompagna una melodia soffice intitolata I Kissed Alice ed il cerchio si chiude. Una scena indie americana approdata tra le strade della provincia veneziana, che di italiano ha solo quella stramaledetta pronuncia inglese italica che è a dir poco antipatica. Non riuscirò mai a sopportarla, lo so è un mio maledetto limite. Ma detto questo, l’opera riesce secondo me a parlare un linguaggio davvero americano, almeno ci prova con molta competenza di produzione, tra ballad quasi psichedeliche e qualcosa di assolutamente più classico – per l’occasione oltre alla già citata I Kissed Alice citerei anche Behind You Eyelids dove tornano i sempiterni Beatles a mettere lo zampino.

E ci troviamo anche del sano pop glitterato della scena internazionale come nella bellezza di Run che più di tutte forse si ficca di prepotenza in questa categoria, un po’ come fossimo di fronte alla Breathedi Midge Ure, con i dovuti paragoni per capirci. Ma l’aspetto che più incuriosisce e affascina è la prova di arrangiamento in cui si cimenta il nostro Liuzza, ben riuscita anche se ancora ingenua e traditrice di ossa in parte ancora da formare come si deve. Suoni per niente scontati, ben prodotti e un mix assolutamente coerente anche quando il design sonoro richiede maggiore dinamica come in Shaman Punk che già dal titolo non tradisce le aspettative e vien fuori maggiore ruggine e viscosità nella batteria e nelle chitarre (peraltro mi sono piaciute tantissimo le scelte di effetti che in generale arricchiscono le sezioni di drumming). Oppure la chiusa di tutta la track list con un classicone rock on the road dal titolo I Don’t Wanna Die Young. Un disco di forte personalità che però ha il lusso di non saperla mostrare con l’arroganza di chi si precipita a mettere la faccia sotto i riflettori come fosse una prima donna, ma ci riesce con soluzioni discrete e cesellate a dovere, quasi in punta di piedi. Perchè nonostante tutto questo è un disco quasi sottovoce in cui le favole di giovinezza sembrano essere segreti preziosi che per una qualche ragione a noi sconosciuta Liuzza decide di rivelarceli per la prima volta e con moltissimo pudore.

E dopo un altro ascolto mi viene in mente il bellissimo disco del compianto Nick Talbot (Gravenhurst) dal titolo Fires In Distant Buildings…e i punti di contatto sono molteplici come per esempio quelle pennellate di chitarra elettrica con delay che troviamo a sostenere da basso il battere di We Are The Wild Things o che, sempre in sottofondo, danno personalità al sound di Song For A Stranger. E per tornare al romantico incedere di I Kissed Alice, anche Mr. Talbot in vita scrisse, per quel disco di cui vi dicevo, la bellissima Nicole. Insomma Songs From My Immaginari Youth è un disco dolce e rabbioso, accondiscendente nel suo melodico romanticismo ma allo stesso tempo sicuro di sé quando sa darci dentro con temperamento ed enfasi. Un bel disco…peccato per l’inglese…e dato che Liuzza è un video maker mi aspettavo qualcosa di interessante anche su questo fronte; cercando fiducioso scopro che in rete gira il video proprio del singolo We Are The Wild Things che, se dalle prime sembra banalotto con quella trovata (ormai inflazionata in lungo e in largo) di far vedere i protagonisti mascherati da cavallo, da orso, da cane, da chicchessia, sul finale recupera la bellezza sorprendendo con una sceneggiatura che a tratti commuove. Un video tra l’altro ben fatto e questo non è per niente scontato nella scena indei.

Insomma un bel ritorno questo di Liuzza che ha forti carte da giocarsi…manca ancora il pezzo che fa voltare lo sguardo e fa ingrossare di emozione il mio cuore, manca ancora la grande maturità ma sotto pelle c’è sangue caldo nelle vene. La prossima volta forse un po’ meno artificioso e un po’ più basico, se posso permettermi caro Liuzza – un banale punto di vista il mio…perché almeno nei suoni di questo genere musicale, l’America sa fare grande la scena stando sempre in posizioni composte e senza tanti fronzoli. Almeno per questo genere. Buon ascolto gente!

Passenger Side – It Means A Lot

Bellissimo esordio ed esordio bellissimo per quanto mi riguarda. Il progetto Passenger Side capitanato da Mario Vallenari corredato da compagni di viaggio musicisti dà alla luce un primo disco sporco di sabbia, di fango delle grandi route e poi di quell’ingenua voglia di munirsi solo del biglietto di andata…per quanto l’auto-stop non diventi una necessità. Si intitola It Means A Lot e ci troviamo dentro 8 tracce di cui una prima sospensione di piano di appena 51 secondi dal titolo Last Night Alive che rapisce e subito mette tutti sull’attenti che di ali a seguire c’è tanta carne che sta cuocendo sulla brace ardente. E si prosegue con lo sviluppo di questa prima traccia e troviamo Black Dawn che mette a nudo subito un primo ed unico neo (almeno parlando del mio solito gusto contorto delle cose): l’inglese! Maledizione siamo italiani e si sente e non c’è cosa peggiore. Per il resto, il tutto vira con fare randagio e assolutamente disinteressato ai cliché, alle forme e agli stili…randagio con un sound davvero americano di ballad sospese che un po’ fanno pensare agli U2 e un altro po’ al moderno folk indipendente che i nostri cari amici italiani ancora si sognano. E se dentro vi trovassi quel modo di cantare e di far crescere le tensioni che un pochetto i Foo Figheters mi hanno insegnato, mi prendete per pazzo?

Suggestiva, berliniana o anche decisamente europea la successiva Devil Said con il fantasma Beatles che bussa dietro la finestra che vuole entrare e di sottofondo c’è del mellotron o qualcosa che gli somiglia ed è così che il fascino aumenta. Grunge e arrogante di ruggine Pieces e qui, tanto ormai sono pazzo, penseri anche ai REM e a quel modo di fare ballad rock…che qui il rock con questi distorsioni mi riportano a What’s The Frequency Kenneth come anche alle rocchettare band da college pettinati. Il top del top si raggiunge nella blueseggiante I Speer To Love You e per me si può anche finire qui. Il vertice del disco, del mix e soprattutto della bellezza libera di essere si manifesta in tutto e per tutto…siamo davvero sul lato passeggero della macchina, il viaggio prosegue e non mi interessa proprio dove come e quando…come…davvero non mi importa nulla del come. Ci si vede quando capita.

Passeggeri Side hanno dato vita ad un bel progetto che più di tutto ha il pregio di comunicare quello che finalmente manca alla voce di tanti artisti e saccenti conoscitori di questo “mestiere”: la voglia di fare e non di apparire. E ancora lo capiamo che la musica è strumento vitale per se stessi e non per le copertine dei giornali. Non voglio tirar somme frettolose, ma dal sound sporco e randagio di queste soffici ballad mi sa tanto che i Passenger Side l’hanno capito. Punto a loro e palla al centro. Davvero un ottimo ascolto.