Mimì Sterrantino & Gli Accusati – Un Lupo Sul Divano

Ecco, a RockGarage capita anche questo…giunge in redazione il nuovo disco del cantautore Mimì Sterrantino, siciliano (di adozione), di cui ricordavamo il brano Il Nostro Cielo È Il Tetto Dei Rom, dedicata al popolo nomade. Insomma eravamo certi che il lavoro presentato fosse il solito disco di marcette balcaniche, echi di Bella Ciao un po’ ovunque, insomma atmosfere da primo maggio…e invece no! Sterrantino cambia completamente registro e si imbarca insieme al suo gruppo Gli Accusati in un lavoro country rock americano, con influenze decisamente settantiane, da Kristofferson al country fuorilegge di Jennings e soci. Insomma, uau! Il brano iniziale Ringrazio l’Altitudine è da atmosfera western crepuscolare, alla Sam Peckipah, come la successiva La Scorpione. L’Abbandonata è una trascinante ballatona con voce femminile, pure questa su atmosfera da balera western con cappello Stetson e camicia con frange… ci manca solo il vecchietto violinista curvo. Comodo è un brano folk rock rilassato, ricorda qualcosa dei Fairport Convention (che Dio o chi per lui abbia sempre in gloria Sandy Denny).

Uno Dei Tanti ha una bella atmosfera mariachi, La Dignità è cadenzata da colpi di batteria tetri come tuoni mentre chiude il lavoro Caro Dj, un simpatico attacco a chi fa una professione diversa dal musicista, echi del primissimo Bennato, un frizzante banjo che guida tutto ed un solo rockabilly davvero gagliardo. Un lavoro davvero carino, che non annoia (e questo non è da poco) e che ci è piaciuto davvero tanto.

Lizziweil – In Volo Sopra La Polvere

In Volo Sopra la Polvere è il disco d’esordio della cantautrice Lizziweil, al secolo Laura Vertamy. Disco d’esordio sofferto, voluto e maturato dopo dieci anni di esperienze live che spaziano dal busking ai teatri: l’artista piemontese è diplomata in violoncello, sebbene per la realizzazione di questo album si sia dedicata solo alla chitarra acustica ed i dodici brani presenti sono un mazzo di canzoni folk per i due citati strumenti musicali pregni di un’aurea di sacralità più prossima ad una suite di Mendelssohn che a una canzone di Bob Dylan. Dunque un disco solo per chitarra e violoncello? No, affatto. La voce ricopre in questo caso un terzo strumento, anche se – per scelta – è quasi nuda di effetti, spoglia di ogni artificio di sala di registrazione. Le influenze sono le più disparate: Suzanne Vega, Tracy Chapman, il teatro-canzone di Gaber (vedi Nero Di Magia) si fondono in brani sussurrati, puntellati di poche tenere note di flauto traverso, o sporcate da ruvidi ritmi hip hop (il primo singolo Triangolo Sulla Sabbia). La forza di tutto risiede proprio nella figura a tutto tondo della Vertamy, in grado di ammaliare l’ascoltatore con la sua nuda (e cruda, in alcune tracce) voce e il suo playing alla chitarra acustica, riuscendo anche a far dimenticare quel violoncello, in alcuni punti troppo presente e intrigante, che rende (in brevissimi tratti, per carità) ostico l’ascolto.

Però è un bell’esperimento, lontano anni luce dalle quelle famose “cantantesse” odiose e insistenti propinate dai media e considerate salvatrici della patria a ogni piè sospinto. Brava!

Secret Tales – L’Antico Regno

I Secret Tales, fuori per Black Widow Records, garanzia di scelte mirate (il catalogo parla da solo), pubblicano il loro esordio (anche se precedentemente avevano già collaborato ad altri progetti) dal titolo L’Antico Regno, tredici brani a formare un vero e proprio concept album. Un bel tappetone di synth accompagna l’intro Stargate, atmosferica chiave d’accesso e trapasso notturno nella dimensione medievale a cui segue Il Menestrello, sostanzialmente una seconda intro, in cui la voce di Tiziana Radis accompagnata da una chitarra acustica incarna il cantastorie, con i suoi presagi e messaggi criptici. La title-track ed Il Giullare mostrano le notevoli qualità della Radis nel destreggiarsi tra passaggi neofolk e ritmiche interessanti, che possiamo definire prog-doom, ed In-Fausto-O Goblin ci spinge sempre di più nei meandri occulti di questa dimensione, anche se la parte cantata non mi convince ed è invece notevole il lavoro della chitarra nel finale, quando finalmente viene liberata da quella distorsione imbarazzante che accompagna la strofa. Il Canto Delle Sirene è un viaggio semi-psichedelico prog folk senza arte né parte, salvato in extremis dal sempre brillante apporto della chitarra elettroacustica solista.

Seguono Rex Introduxit Puellam, atmosferico interludio celebrativo dell’incontro sublime, Princelfa, più simile alla sigla di un cartone animato, L’Unicorno Lucente, piatta ed incolore, Tornano Le Fate, magnifica per melodia ed arrangiamenti e Le Tre, altra nenia dei cavalieri della tavola rotonda. Chiudono il lavoro An Ancient History, simpatico ed emozionante episodio folk ma non si riesce a capire la scelta dell’inglese proprio nell’unico pezzo in cui probabilmente sarebbe calzato a pennello l’italiano e Saluto Del Cantore, che annuncia la fine del viaggio e garantisce all’ascoltatore di riaprire gli occhi prima di andare a schiantarsi in autostrada pensando di essere ancora sul ponte levatoio di questo castello fatato.

Ho sempre sostenuto che l’originalità di una produzione discografica pesi quasi quanto la qualità sulla bilancia immaginaria del giudizio musicale, perché significa intelligenza e capacità di seguire la propria idea e progetto, ed una recensione in cui non vengono fatti paragoni netti con un genere o con altre band di maggior successo, è un ottimo punto di partenza che sommato all’ottima qualità di produzione fa di L’Antico Regno un disco ascoltabile e a tratti molto piacevole, ma nulla più.

Ongaku Motel – Ogni Strada E’ Un Ricordo

In un’altra epoca il principale punto a sfavore delle band emergenti era la tecnica. Ragazzini che avevano un desiderio immenso di veicolare le proprie emozioni, le proprie paure, la propria vita nella musica ma non ne avevano i mezzi tecnici. Sapevano che andava fatto in un certo modo ma a loro mancava esercizio, tecnica musicale e così sono nati tantissime formazioni (punk in primis). Oggi ai giovani musicisti che intendono avviare la carriera musicale non manca la tecnica né gli strumenti per metterla a frutto (la tecnologia dà un grande supporto per la fase di produzione e post-produzione) ma quello che spesso manca è l’originalità (e a volte le idee, che è peggio). Gli Ongaku Motel piazzano il loro primo EP ben suonato e ben prodotto; si presentano come una band folk anche se secondo noi proiettano gli insegnamenti cantautorali in una visione più da band e lo fanno non del tutto da esordienti. In particolare le parti di chitarra sono interessanti e celano tante ore passate non solo al puro esercizio ma anche alla ricerca di melodie e arpeggi che abbiano un valore.

Purtroppo i temi trattati sono sempre gli stessi di centinaia di altre band: le difficoltà della società, le scelte e la paura di imboccare una strada, il timore di crescere e argomenti abbastanza inflazionati, anche alla luce dei testi e di come vengono proposti. Se da un lato è innegabile che questi siano i “veri problemi” che la nuova generazione avverte, dall’altra sarebbe giusto osservare in maniera positiva il proprio futuro e probabilmente trattare anche tematiche un po’ meno “nazionalpopolari”. A livello musicale la strada degli Ongaku Motel è tracciata ma a nostro parere il trio potrebbe puntare su una maggiore ricercatezza compositiva (come avviene in Settembre) in modo da evitare di cadere nel già ampio (e artisticamente inutile), attuale, calderone pop.

A3 Apulia Project – Murex

Gli A3 Apulia Project tornano con un nuovo lavoro curato nei minimi particolari. L’erede di Odysseia (album recensito da noi a questa pagina) ha un enorme onere, cioè quello di risultare all’altezza del suo predecessore che rappresentava un ottimo meltin pot di suoni e sapori, crocevia di un paese dalle mille tradizioni e proprio sulle tradizioni esso si fondava. Dobbiamo subito ammettere che Murex, questo il titolo della nuova opera, non è da meno e lo mette in chiaro non solo dalla forma (artwork, booklet e packaging di gran valore, fatti da chi crede davvero nel proprio prodotto discografico) ma anche nella sostanza, tanto che viene presentato come un concept album. I 34 minuti di Murex non sono però collegati come in una storia inframmezzata in undici racconti; i singoli brani hanno una filosofia comune, delle vene che pulsano suoni mediterranei (come nel classico stile degli A3 Apulia Project) e che si amalgamano solo in una visione comune pur contenendo un fascino particolare anche se ascoltate singolarmente.

Al “primo play” risulta più complesso e audace del precedente Odysseia: tutta la parte centrale è completamente strumentale e stiamo parlando di ben sei tracce una di fila all’altra. Serve coraggio già solo per pensare a qualcosa del genere, ma all’ascolto poi ci si fa trascinare dalla eterogenee musicalità e dai differenti strumenti che si alternano, in una danza folk sperimentale che sembra avvolgerci e contorcerci allo stesso tempo. Non mancano gli estri tecnici (come i vari assoli in Giostre) ma non è quello l’aspetto fondamentale degli A3. La loro natura è fatta di fusione tra elementi diversi e da attaccamento alle radici, le stesse radici che guidano loro nella scelta di determinate melodie. Brani strumentali, dicevamo, ma brevi: dimenticate l’autocompiacimento, quello non fa per questi ragazzi (anche se di tecnica ne hanno da vendere), piuttosto è l’apertura mentale che questo Murex ci lascia, l’insegnamento che altri artisti non riescono ad offrire in un’intera carriera. Affascinante 6 Marzo, traccia con delle aperture dolci e preziose, ancora più ricercata La Course Du Soleil un brano che contiene una dose di epicità forte.

La restante parte dell’album è caratterizzata anche da testi e va segnalata la simpatica Smetto che stempera un po’ i toni seriosi dell’album (almeno per il mood, non per il tema trattato) o Riturnella che abbraccia ancora di più le musicalità pugliesi; infine particolare è la scelta dei testi cantati in dialetto che se da un lato probabilmente chiude alcune spiragli discografici, dall’altro caratterizza maggiormente la proposta della band. Non c’è che dire, il muro è rotto.

Jens Hvalsang – Whale Songs In The Mountain Lake

Jens Hvalsang è un artista italiano ma il suo nome d’arte ci fa già intuire la sua grande ispirazione per le lande nord europee e per il sound freddo che esce dalla sua mente. Jens non è un artista consono a questo paese e lo diciamo senza peli sulla lingua: il suo EP dal titolo Whale Songs In The Mountain Lake mette in scena rumori, arpeggi folk, effetti e linee vocali solitarie ed inumane. Ma Jens lo sa che quanto da lui creato non trova terreno fertile nel nostro paese fatto di melodie, canzonette pop e le “tre parole magiche” che tentano di restare impresse nella mente delle persone per più di una stagione. Per far questo cerca di lim(it)are le sue idee troppo fuori dal coro e presentarsi come un “cantautore”, termine che secondo noi risulta un’accezione generica e riduttiva rispetto a quello che Jens potrebbe regalare. Secondo questa classificazione dovremo ritenere anche Quorthon (periodo Blood On Ice), mente e braccio dei Bathory, un cantautore ma sappiamo benissimo che così non è. Al di là delle parole e delle considerazioni, Jens ci risulta un artista vero, sa benissimo cosa estrarre da uno strumento a corde e come offrirne varie interpretazioni diverse. Suoni, arrangiamenti…in questo EP della durata di 25 minuti c’è tanto e si toccano concretamente le sue potenzialità future.

A noi ha rimandato a quelle atmosfere lugubri e nebbiose della Svezia, tra l’epico e il viking ma prive di una sezione ritmica che detti i tempi, perché sono la voce (molto cruda) e la chitarra (estremamente espressiva) a reggere il gioco. Oscurità, dramma, oppressione, intimità quello che esce fuori da questo EP prodotto molto bene e realizzato come non molti album autoprodotti. Se Jens riuscirà a coltivare una certa lungimiranza musicale (temporale e geografica), noi siamo sicuri che non resterà autoprodotto a lungo.

Cesare Malfatti – Una Mia Distrazione

Una voce sfocata, un pianoforte irrequieto e sensibile ad ogni spostamento d’aria, le palette infarinate sul rullante di velluto, il jazz. Cesare Malfatti dondola sulle nuvole, al tramonto di una tiepida giornata. La luce negli occhi lucidi e la brezza sulla pelle, leggermente eccitata. Quella di Cesare è una storia lunga, fatta sempre di musica. La sua storia attraversa numerosi premi, gli Afterhours e gli Amor Fou, e lo porta al suo ultimo album: Una Mia Distrazione. Un lavoro composto sottovoce in tutti i sensi senza però tralasciare l’eterogeneità che l’arte musicale sa offrire ai suoi adepti. In questo caso ci si scioglie e si sceglie il jazz. Una leggera vena che pompa la maggior parte della linfa vitale all’album stesso. Una Mia Distrazione è un album che, nella sua invisibile stravaganza, segue una logica: la logica della confusione calma. Il pianoforte sembra non fermarsi mai, inciampa, suona, sforna melodie incontrollabili come la danza ubriaca di un attaccante brasiliano. La jinga, il jazz e i soffi d’aria prodotti dalle corde vocali dello stesso Malfatti. Il contrabbasso segue e protegge tutto: si muove maestoso quasi a sgridare con cupi ed elastici tonfi il lavoro irregolare dei suoi compagni.

Una Mia Distrazione è anche fotografia: all’interno del cofanetto si trovano scatti di Cesare Malfatti. I colori freddi dell’azzurro chiaro, del bianco e dell’avorio, del grigio metallizzato e della luce riempiono di vuoto il suo interno. Una Mia Distrazione è arte sottovuoto, leggera, timida, all’azoto liquido che, a lungo andare, dal freddo emana calore. Con quest’album, Cesare Malfatti, accompagnato da una band formata ed informata celebra la mostra della malinconia alla quale chiunque può avere accesso: basta ascoltare e vedere così come il nostro istinto ci ha insegnato.

Elvenking – The Pagan Manifesto

La discografia degli Elvenking è un vero e proprio percorso. Tra il metal estremo dell’album The Schyte e l’acustico Two Tragedy Poets, passando per il rock quasi melodico di Red Silent Tides, gli Elvenking hanno davvero provato soluzioni diverse maturando come musicisti e come compositori. Con il precedente Era, recensito da noi a questa pagina, avevano affermato al mondo di voler capitalizzare questa loro crescita e chiudere un cerchio realizzando un album completo per poi ripartire. A metà dell’anno 2014 i ragazzi giungono con un nuovo lavoro intitolato The Pagan Manifesto, con il quale cercando di allungare il passo pur affidandosi ai suoni che da sempre li caratterizzano. In questi brani infatti l’epic e il folk assumono una forma unica ed è quasi impossibile scindere le due componenti per capire quale sia la loro influenza principale: quando siamo per captare un passaggio più appagante per i vari defender sparsi per il globo o un’influenza più folk che ci rimanda al passato (come in The Druid Ritual Of Oak), ecco spuntare il power metal o una sezione ritmica che trascina via tutto e ci catapulta in una realtà musicale che indubbiamente ha motivo di essere su un mercato discografico internazionale. Al di là di un’analisi tramite la lente di ingrandimento, bisogna ammettere che il sound degli Elvenking risulta compatto, metal quanto basta (quasi mai estremo) e ben prodotto.

Una parentesi ad hoc la merita il brano King Of The Elves che con i suoi quasi 13 minuti fonde lo stile metal della band, all’epic fino a presentare aperture ben più orecchiabili e passaggi acustici; un mix che fa benissimo il punto su dove sono arrivati gli Elvenking oggi. Strano però che il brano non sia stato inserito a fine tracklist, come di solito avviene in questi casi, invece che all’inizio; una scelta coraggiosa a nostro parere, forse un po’ troppo, anche se in fondo la bellezza del brano ripaga. Le varie tracce, come detto, non presentano rotte diverse tra loro ma un unica visione dell’epic metal attuale secondo vari punti di vista, fondendo le sfuriate ritmiche a doppia grancassa di Moonbeam Stone Circle e passaggi molto più blandi come Towards The Shores che ci ricordano i Blind Guardian più medievali. In fondo gli Elvenking offrono esattamente ciò che gli appassionati del genere vorrebbero ascoltare senza differenziarsi più di tanto dai canoni del genere: basta ascoltare Twilight Of Magic per capire che questi ragazzi potrebbero fare davvero molto di più, per tecnica e inventiva e non “limitarsi” a creare brani orecchiabili con buoni refrain.

Un album davvero interessante anche per un appassionato di metal che non è affezionato a questi sottogeneri, anche se con l’aiuto di qualche saggio arrangiamento, qualche chicca e genialata al di fuori della loro ricetta (magari nel cantato), avrebbe potuto salire di livello e divenire una perla tra i più variegati frutti di mare che il mercato discografico oggi ci offre.

Shiva Bakta – Third

La storia di questo album è quanto mai tormentata ma possiamo dire che Shiva Bakta, in arte Lidio Chericoni, ce l’ha fatta a giungere alla relativa pubblicazione ufficiale, qualche mese fa con il supporto della nuova label Gente Bella. Scanzonate seppur profondamente melodiche, le tracce sono ancorate sulla chitarra (spesso acustica) e sulla voce di Lidio; si percepisce che gli altri strumenti sono stati aggiunti a composizione molto avviata, anche se risultano ben amalgamati e ciò offre la possibilità di ascoltare dei pezzi che tutto sommato trovano una forma. Melodia appunto ma che fa il pari con una certa amarezza di fondo, perché il sapore lasciato da questo album è tutt’altro che dolce, “british” nel suo animo più profondo (come in My Weakness) e lacerante nonostante la breve durata dei singoli brani. Echi di showgaze e di psichedelia, ben mescolata al folk (in modo da renderla più digeribile), si differenziano nei quasi quaranta minuti di ascolto, anche se di momenti che restano impressi ce ne sono davvero pochi. La prima parte di Baktism incide di più, come fosse un animale che questa volta vuole mordere davvero, ma poi nella sua seconda versione si acquieta e torna al folk siderale fino al classico crescendo che ormai non stupisce più di tanto.

Con You Should Be Happy si abbracci il pop, di quello più idoneo per le pubblicità estive e atto a far sì che i nostri neuroni si deconcentrino facilmente, tanto che l’unico elemento da segnalare sul finale è la chitarra elettrica in Magic Sun. Niente più da aggiungere.

Smako Acustico – Smako Acustico

Ecco il nuovo lavoro dei Smako Acustico, band vicentina in circolazione ormai dal 2000. Formazione a trio ben diversa dai canoni del power trio (basso-chitarra-batteria): chitarre abbassate, tamburo dritto e selvaggio e armonizzazioni a tre voci. Il disco si compone di dodici tracce ora autobiografiche altre atte ad indagare sulla vita di personaggi cari ai membri della band. Siamo sinceri, il disco ci ha lasciato alquanto delusi. Forse per le chitarre così down-tuning, forse per la registrazione non eccelsa, però abbiamo trovato alquanto noioso il lavoro. Insomma, due chitarre acustiche, percussioni e armonie a tre voci poteva far sperare in un disco cristallino e potente ma non è così. Non aiuta – come detto – la registrazione che nasconde le interessanti voci del trio e non fanno lievitare in generale i brani. Ascoltato il primo pezzo (Tra i Falchi, Sibilla) si spera in una variazione, in un cambio… insomma in un qualcosa che ti permetta di prender lo slancio, ma ciò non accade e si va avanti per inerzia fino alla conclusione del disco, perfetto minestrone di folk, roots, blues con una punta di cantautorato ma noioso. Speriamo nel prossimo lavoro perché per il momento li bocciamo.