A3 Apulia Project – Murex

Gli A3 Apulia Project tornano con un nuovo lavoro curato nei minimi particolari. L’erede di Odysseia (album recensito da noi a questa pagina) ha un enorme onere, cioè quello di risultare all’altezza del suo predecessore che rappresentava un ottimo meltin pot di suoni e sapori, crocevia di un paese dalle mille tradizioni e proprio sulle tradizioni esso si fondava. Dobbiamo subito ammettere che Murex, questo il titolo della nuova opera, non è da meno e lo mette in chiaro non solo dalla forma (artwork, booklet e packaging di gran valore, fatti da chi crede davvero nel proprio prodotto discografico) ma anche nella sostanza, tanto che viene presentato come un concept album. I 34 minuti di Murex non sono però collegati come in una storia inframmezzata in undici racconti; i singoli brani hanno una filosofia comune, delle vene che pulsano suoni mediterranei (come nel classico stile degli A3 Apulia Project) e che si amalgamano solo in una visione comune pur contenendo un fascino particolare anche se ascoltate singolarmente.

Al “primo play” risulta più complesso e audace del precedente Odysseia: tutta la parte centrale è completamente strumentale e stiamo parlando di ben sei tracce una di fila all’altra. Serve coraggio già solo per pensare a qualcosa del genere, ma all’ascolto poi ci si fa trascinare dalla eterogenee musicalità e dai differenti strumenti che si alternano, in una danza folk sperimentale che sembra avvolgerci e contorcerci allo stesso tempo. Non mancano gli estri tecnici (come i vari assoli in Giostre) ma non è quello l’aspetto fondamentale degli A3. La loro natura è fatta di fusione tra elementi diversi e da attaccamento alle radici, le stesse radici che guidano loro nella scelta di determinate melodie. Brani strumentali, dicevamo, ma brevi: dimenticate l’autocompiacimento, quello non fa per questi ragazzi (anche se di tecnica ne hanno da vendere), piuttosto è l’apertura mentale che questo Murex ci lascia, l’insegnamento che altri artisti non riescono ad offrire in un’intera carriera. Affascinante 6 Marzo, traccia con delle aperture dolci e preziose, ancora più ricercata La Course Du Soleil un brano che contiene una dose di epicità forte.

La restante parte dell’album è caratterizzata anche da testi e va segnalata la simpatica Smetto che stempera un po’ i toni seriosi dell’album (almeno per il mood, non per il tema trattato) o Riturnella che abbraccia ancora di più le musicalità pugliesi; infine particolare è la scelta dei testi cantati in dialetto che se da un lato probabilmente chiude alcune spiragli discografici, dall’altro caratterizza maggiormente la proposta della band. Non c’è che dire, il muro è rotto.

Jens Hvalsang – Whale Songs In The Mountain Lake

Jens Hvalsang è un artista italiano ma il suo nome d’arte ci fa già intuire la sua grande ispirazione per le lande nord europee e per il sound freddo che esce dalla sua mente. Jens non è un artista consono a questo paese e lo diciamo senza peli sulla lingua: il suo EP dal titolo Whale Songs In The Mountain Lake mette in scena rumori, arpeggi folk, effetti e linee vocali solitarie ed inumane. Ma Jens lo sa che quanto da lui creato non trova terreno fertile nel nostro paese fatto di melodie, canzonette pop e le “tre parole magiche” che tentano di restare impresse nella mente delle persone per più di una stagione. Per far questo cerca di lim(it)are le sue idee troppo fuori dal coro e presentarsi come un “cantautore”, termine che secondo noi risulta un’accezione generica e riduttiva rispetto a quello che Jens potrebbe regalare. Secondo questa classificazione dovremo ritenere anche Quorthon (periodo Blood On Ice), mente e braccio dei Bathory, un cantautore ma sappiamo benissimo che così non è. Al di là delle parole e delle considerazioni, Jens ci risulta un artista vero, sa benissimo cosa estrarre da uno strumento a corde e come offrirne varie interpretazioni diverse. Suoni, arrangiamenti…in questo EP della durata di 25 minuti c’è tanto e si toccano concretamente le sue potenzialità future.

A noi ha rimandato a quelle atmosfere lugubri e nebbiose della Svezia, tra l’epico e il viking ma prive di una sezione ritmica che detti i tempi, perché sono la voce (molto cruda) e la chitarra (estremamente espressiva) a reggere il gioco. Oscurità, dramma, oppressione, intimità quello che esce fuori da questo EP prodotto molto bene e realizzato come non molti album autoprodotti. Se Jens riuscirà a coltivare una certa lungimiranza musicale (temporale e geografica), noi siamo sicuri che non resterà autoprodotto a lungo.

Cesare Malfatti – Una Mia Distrazione

Una voce sfocata, un pianoforte irrequieto e sensibile ad ogni spostamento d’aria, le palette infarinate sul rullante di velluto, il jazz. Cesare Malfatti dondola sulle nuvole, al tramonto di una tiepida giornata. La luce negli occhi lucidi e la brezza sulla pelle, leggermente eccitata. Quella di Cesare è una storia lunga, fatta sempre di musica. La sua storia attraversa numerosi premi, gli Afterhours e gli Amor Fou, e lo porta al suo ultimo album: Una Mia Distrazione. Un lavoro composto sottovoce in tutti i sensi senza però tralasciare l’eterogeneità che l’arte musicale sa offrire ai suoi adepti. In questo caso ci si scioglie e si sceglie il jazz. Una leggera vena che pompa la maggior parte della linfa vitale all’album stesso. Una Mia Distrazione è un album che, nella sua invisibile stravaganza, segue una logica: la logica della confusione calma. Il pianoforte sembra non fermarsi mai, inciampa, suona, sforna melodie incontrollabili come la danza ubriaca di un attaccante brasiliano. La jinga, il jazz e i soffi d’aria prodotti dalle corde vocali dello stesso Malfatti. Il contrabbasso segue e protegge tutto: si muove maestoso quasi a sgridare con cupi ed elastici tonfi il lavoro irregolare dei suoi compagni.

Una Mia Distrazione è anche fotografia: all’interno del cofanetto si trovano scatti di Cesare Malfatti. I colori freddi dell’azzurro chiaro, del bianco e dell’avorio, del grigio metallizzato e della luce riempiono di vuoto il suo interno. Una Mia Distrazione è arte sottovuoto, leggera, timida, all’azoto liquido che, a lungo andare, dal freddo emana calore. Con quest’album, Cesare Malfatti, accompagnato da una band formata ed informata celebra la mostra della malinconia alla quale chiunque può avere accesso: basta ascoltare e vedere così come il nostro istinto ci ha insegnato.

Elvenking – The Pagan Manifesto

La discografia degli Elvenking è un vero e proprio percorso. Tra il metal estremo dell’album The Schyte e l’acustico Two Tragedy Poets, passando per il rock quasi melodico di Red Silent Tides, gli Elvenking hanno davvero provato soluzioni diverse maturando come musicisti e come compositori. Con il precedente Era, recensito da noi a questa pagina, avevano affermato al mondo di voler capitalizzare questa loro crescita e chiudere un cerchio realizzando un album completo per poi ripartire. A metà dell’anno 2014 i ragazzi giungono con un nuovo lavoro intitolato The Pagan Manifesto, con il quale cercando di allungare il passo pur affidandosi ai suoni che da sempre li caratterizzano. In questi brani infatti l’epic e il folk assumono una forma unica ed è quasi impossibile scindere le due componenti per capire quale sia la loro influenza principale: quando siamo per captare un passaggio più appagante per i vari defender sparsi per il globo o un’influenza più folk che ci rimanda al passato (come in The Druid Ritual Of Oak), ecco spuntare il power metal o una sezione ritmica che trascina via tutto e ci catapulta in una realtà musicale che indubbiamente ha motivo di essere su un mercato discografico internazionale. Al di là di un’analisi tramite la lente di ingrandimento, bisogna ammettere che il sound degli Elvenking risulta compatto, metal quanto basta (quasi mai estremo) e ben prodotto.

Una parentesi ad hoc la merita il brano King Of The Elves che con i suoi quasi 13 minuti fonde lo stile metal della band, all’epic fino a presentare aperture ben più orecchiabili e passaggi acustici; un mix che fa benissimo il punto su dove sono arrivati gli Elvenking oggi. Strano però che il brano non sia stato inserito a fine tracklist, come di solito avviene in questi casi, invece che all’inizio; una scelta coraggiosa a nostro parere, forse un po’ troppo, anche se in fondo la bellezza del brano ripaga. Le varie tracce, come detto, non presentano rotte diverse tra loro ma un unica visione dell’epic metal attuale secondo vari punti di vista, fondendo le sfuriate ritmiche a doppia grancassa di Moonbeam Stone Circle e passaggi molto più blandi come Towards The Shores che ci ricordano i Blind Guardian più medievali. In fondo gli Elvenking offrono esattamente ciò che gli appassionati del genere vorrebbero ascoltare senza differenziarsi più di tanto dai canoni del genere: basta ascoltare Twilight Of Magic per capire che questi ragazzi potrebbero fare davvero molto di più, per tecnica e inventiva e non “limitarsi” a creare brani orecchiabili con buoni refrain.

Un album davvero interessante anche per un appassionato di metal che non è affezionato a questi sottogeneri, anche se con l’aiuto di qualche saggio arrangiamento, qualche chicca e genialata al di fuori della loro ricetta (magari nel cantato), avrebbe potuto salire di livello e divenire una perla tra i più variegati frutti di mare che il mercato discografico oggi ci offre.

Shiva Bakta – Third

La storia di questo album è quanto mai tormentata ma possiamo dire che Shiva Bakta, in arte Lidio Chericoni, ce l’ha fatta a giungere alla relativa pubblicazione ufficiale, qualche mese fa con il supporto della nuova label Gente Bella. Scanzonate seppur profondamente melodiche, le tracce sono ancorate sulla chitarra (spesso acustica) e sulla voce di Lidio; si percepisce che gli altri strumenti sono stati aggiunti a composizione molto avviata, anche se risultano ben amalgamati e ciò offre la possibilità di ascoltare dei pezzi che tutto sommato trovano una forma. Melodia appunto ma che fa il pari con una certa amarezza di fondo, perché il sapore lasciato da questo album è tutt’altro che dolce, “british” nel suo animo più profondo (come in My Weakness) e lacerante nonostante la breve durata dei singoli brani. Echi di showgaze e di psichedelia, ben mescolata al folk (in modo da renderla più digeribile), si differenziano nei quasi quaranta minuti di ascolto, anche se di momenti che restano impressi ce ne sono davvero pochi. La prima parte di Baktism incide di più, come fosse un animale che questa volta vuole mordere davvero, ma poi nella sua seconda versione si acquieta e torna al folk siderale fino al classico crescendo che ormai non stupisce più di tanto.

Con You Should Be Happy si abbracci il pop, di quello più idoneo per le pubblicità estive e atto a far sì che i nostri neuroni si deconcentrino facilmente, tanto che l’unico elemento da segnalare sul finale è la chitarra elettrica in Magic Sun. Niente più da aggiungere.

Smako Acustico – Smako Acustico

Ecco il nuovo lavoro dei Smako Acustico, band vicentina in circolazione ormai dal 2000. Formazione a trio ben diversa dai canoni del power trio (basso-chitarra-batteria): chitarre abbassate, tamburo dritto e selvaggio e armonizzazioni a tre voci. Il disco si compone di dodici tracce ora autobiografiche altre atte ad indagare sulla vita di personaggi cari ai membri della band. Siamo sinceri, il disco ci ha lasciato alquanto delusi. Forse per le chitarre così down-tuning, forse per la registrazione non eccelsa, però abbiamo trovato alquanto noioso il lavoro. Insomma, due chitarre acustiche, percussioni e armonie a tre voci poteva far sperare in un disco cristallino e potente ma non è così. Non aiuta – come detto – la registrazione che nasconde le interessanti voci del trio e non fanno lievitare in generale i brani. Ascoltato il primo pezzo (Tra i Falchi, Sibilla) si spera in una variazione, in un cambio… insomma in un qualcosa che ti permetta di prender lo slancio, ma ciò non accade e si va avanti per inerzia fino alla conclusione del disco, perfetto minestrone di folk, roots, blues con una punta di cantautorato ma noioso. Speriamo nel prossimo lavoro perché per il momento li bocciamo.

Il Pozzo Di San Patrizio – Miserabilandia

Per fortuna ci sono alcune band che non si prendono troppo sul serio, o almeno è questo quello che a primo acchito si intuisce dall’ultimo, quinto, lavoro della band Il Pozzo Di San Patrizio. Un lavoro di rock diretto, influenzato sì da certe sfumature folk/irish, come anche la stessa band ammette, ma che suona innanzitutto rock, nelle idee e nella musica. Infatti basta qualcosa di più di un ascolto e si intuisce la carica esplosiva dei ragazzi e le idee chiare che hanno voluto rappresentare in modo simpatico e allo stesso tempo disarmante (il titolo Miserabilandia spiega questo concetto da solo). La copertina, a cura di Bruno Brindisi, disegnatore di Dylan Dog, offre il giusto punto di vista sulla musica proposta: allegra nei refrain e con racconti che fanno quasi sorridere ma che se ascoltati con attenzione descrivono lo stato dell’arte degli eventi nel nostro Paese e come si può immaginare il quadro non è di certo positivo. Ci sono sicuramente momenti molto “impegnati” come Articolo 1 o Bastian Contrario (quest’ultima dall’enorme impatto live a nostro parere), momenti che non possono essere ignorati visto che sono una parte significativa delle radici della formazione e che sono in grado di conquistare i fan del punk di sinistra e non solo. Noi li preferiamo nei momenti più rock: la titletrack suona graffiante con la voce di Antonella che gli dà ancora più carica, ma anche Il Punto è da ascoltare bene, un brano quest’ultimo bello maturo che in soli tre minuti allarga il pubblico della band…a noi piace molto. Da segnalare il brano Carosello, pezzo strumentale con cui i ragazzi si mettono in gioco ma contemporaneamente mostrano con coraggio tutta la loro tecnica senza risultare tediosi.

La natura de il Pozzo Di San Patrizio è sicuramente fomentata on stage: momenti come Via Da Qui o Sono Ossessionato (reggae nelle strofe) trovano la giusta forma dal vivo, sia per i testi che per i ritmi veloci e coinvolgenti. Ultimo elemento che ci piace è l’alternarsi tra voce maschile e voce femminile che offre più respiro all’ascolto globale dell’album e regala una diversa personalità vocale alla band. Insomma, di aspetti positivi in questo Miserabilandia ce ne sono, quindi secondo noi l’album di questo potente e diretto combo risulta tutt’altro che misero.

Kalevala – Tuoni Baleni Fulmini

I Kalevala sono una band di folk metal che avevamo già avuto il piacere di conoscere tramite il loro Musicanti Di Brema ma anche grazie all’ultimo There And Back Again (recensito da noi a questo link), una band in altri termini che a cadenza quasi annuale fa sentire la propria voce sul mercato discografico. E anche stavolta non si tira indietro ma anzi compie un passo coraggioso pubblicando un doppio album incentrato sulla loro resa live: un CD audio, registrato in studio ma con un approccio molto live (e privo di correzioni fatte in fase di post-produzione) e un DVD che ritrae uno dei loro spettacoli più caratteristici. Il loro approccio al folk è molto originale, saccheggia la tradizione irlandese e ci mette tanta allegria; non è il rock che prevarica sul metal o viceversa, è una questione di approccio musicale verso il pubblico e probabilmente per questo la scelta di registrare un live è quanto mai azzeccata.

Molto particolare il DVD che ritrae la partecipazione della band al Brintaal Celtic Folk Festival in uno spettacolo assolutamente singolare: non può definirsi semplicemente “un concerto”, una sequenza di brani eseguiti davanti ad un pubblico amico, bensì un vero e proprio show che inizia con un pubblico in silenzio, la band sul palco e un intro che immerge tutti negli scenari folk. La band compare assolutamente a suo agio, in primis il singer Simone Casula che sa benissimo quando inserire intermezzi e quando caricare il pubblico. Dalla loro la scenografia, l’inserimento dei percussionisti nel brano Folk Metal, Baby, e un sound che spazia saggiamente tra il folk rock e il folk metal; dall’altra parte c’è un pò di sfortuna nell’occasione di quello show (il pubblico non era folto anche a causa della pioggia che cadeva copiosa) e un pò di mordente mancante nei passaggi meno energici, quelli più epici. I pezzi da “salto immediato” non mancano come Dicey Reilly, ma un concerto dei Kalevala non è una cavalcata continua, è un insieme di mille respiri; per intenderci non è un headbanging costante come potrebbero garantire band come i Folkstone, ma momenti diversi, elettrici e acustici, più pomposi e meno nei quali anche il flauto e la fisarmonica giocano un ruolo preponderante. Simpatica Waterloo con i suoi testi in francese e le scelte iconografiche che richiamano ovviamente le gesta di Napoleone, molto epica e possente Come Dio Comanda e davvero bella anche la riproposizione di Supernaut dei Black Sabbath ma con lo stile targato Kalevala.

Applaudo anche per il CD audio che contiene alcune cover (Master Blaster, Il Galeone e Whiskey On A Sunday, la già citata Supernaut), altri brani proposti anche nel live al Brintaal (Come Dio Comanda, Donald, Where’s Your Trousers?) ed altri pezzi per la band importanti come le title track delle ultime due fatiche discografiche pubblicate e prima citate. Anche se la produzione è curata in maniera egregia resta una percezione da studio, anche per l’assenza di rumori legati al pubblico e ad altri piccoli imprevisti che accadono sempre durante i live. Resta comunque ben inteso che il sound di questa band è particolare e prende le distanze dalle tantissime folk band in circolazione che si limitano a ripercorrere gli stilemi del passato. Bravi!

I Matti Delle Giuncaie – Cignal Patchanka

Prendete una band proveniente dalla rossa Toscana, rossa come il colore scelto per la copertina del loro nuovo album. Prendete la scena folk, quella sì influenzata dal cantautorato del passato ma soprattutto quella da festa del Paese (per non citare un altro tipo di festa molto adatta a questo genere). Prendete tutti queli strumenti che da subito vi fanno capire il luogo e l’ora in cui possono essere incastrati, come il mandolino o l’ukulele. A questo punto vi fermate e non aggiungete null’altro, perchè in realtà il quartetto dal nome I Matti Delle Giuncaie risponde perfettamente a tutti gli stereotipi che ci sono balzati in mente pensando a quanto appena detto. Sì è vero, ci sono dei tempi in levare, tipici dello ska (Pizza Taxi è l’esempio più forte in tal senso), che rendono più energica la loro proposta e non a caso la troviamo molto più conforme alle feste in piazza e ai palchi che non in uno studio, o in un CD. Questo forse il loro pregio, ma per il resto non c’è tanto da segnalare. La presenza di Enrico Greppi, leader dei Bandabardò, che collabora in due brani di questo Cignal Patchanka conferma la nostra idea che i ragazzi puntano dritti a quella scena, senza voler differenziarsi in qualche modo. Folk (Il Bagno Nella Canapa) e cantautorale (Tarantussa), non ci sono altri elementi nelle menti de I Matti Delle Giuncaie.

Nonostante tutto bisogna ammettere che i ragazzi ce la mettono tutta e tecnicamente mettono in luce degli ottimi requisiti di base. Riescono nel complesso a tenere alta l’attenzione pur non proponendo nulla di nuovo; probabilmente saranno una delle nuove formazioni a portare avanti il discorso del folk più tradizionale dalla grande carica live (impossibile non muoversi su brani come Danza Rubla), interessanti per gli aficionados, ignorabili per gli altri.

Stella Burns – Stella Burns Loves You

Calca il suolo che brucia sotto i suoi passi, anima il corpo di Gianluca Maria Storace; Stella Burns, giovane alieno, ha inciso questo primo disco solista di 15 tracce tra il west, Morricone, Bowie e romantiche ballate folk. In Stella Burns, appare per la prima volta al teatro La Loge nel cuore di Parigi, successivamente viene avvistato in tour in Italia assieme alla cantante e attrice Sukie Smith (aka Madam). Gianluca Maria Storace, grafico, videomaker, autore, cantante, si dedica a noi in quest’album, Stella Burns Loves You, fatto di sinceri blues e ballate dal profondo tocco personale. Polistrumentista autodidatta suona un impressionante numero di strumenti in funzione della scrittura e del canto, già frontman degli Hollowblue, band pop noir con cui ha pubblicato 3 dischi, ha vinto un premio ad Hollywood per il miglior video tridimensionale, raggiunto collaborazioni con Anthony Reynolds, la cantante ed attrice Sukie Smith, Lara Martelli, Luca Faggella, Dan Fante, senza dimenticare un’intera pagina di elogi sul sito del suo idolo personale: David Bowie. Cavalcando microfoni ed effetti anni ’60/’70, Gianluca Maria Sorace, affiancato da molti altri musicisti, bussa ai nostri timpani con Black Clouds In The Summer Sky, apertura dell’album e primo inusuale e lieve accenno blues. Stella Burns Loves You fa entrare in scena Stella su un trascinato e swingato blues, una dolorosa immagine di sé, controbilanciata dal profondo, complesso e tenero legame con la propria musa, espresso nella successiva ballad sotto lo pseudonimo di Tiny Miss F.

You Can’t Be Safe From The Effects Of Love, Ordinary Man, Who Burned The Town? sono parte del vero cuore ruvido e blues di Stella, di cui la terza traccia rientra tra le più ritmate e spavalde. Swans, Russians Eyes, The Big Tide, A Little Piece of Blue, si inviluppano su loro stesse, in giravolte che mantengono una cadenza lenta, a volte cupa, ma che vede alcuni spiragli di speranza, sottile intreccio melodico mai troppo invadente ed una voce sempre in prima linea sulla scena, che esprime la sua anima con delicatezza e prudenza. L’undicesima traccia, Morricone, può essere considerata come la scintilla scatenante del progetto artistico, chiaro omaggio ed ispirazione del disco, che nasce per amore della frontiera, del blues e del western, dell’apocalisse e della fantascienza. Brano partorito assieme agli Hollowblue, Morricone prende quasi subito una vita propria, stimolando la creazione da parte di Stella della label Twelve Records, per la vita e la promozione di Stella Burns Loves You in tutta Europa.

The Night Of The Tears, Over The Sea, sono alcune delle ballate più lente e sofferte, il testamento finale e la chiusura di questo racconto di cicatrici, amore e perdono che con cura ci avvicina al Piano Finale; sul delicato suono delle Tubular Bells, rallentiamo come un carillon in una secca chiusura. Clack!