Aeroflot feat. Collettivo Radio Mosca – Il Resto del Cremlino Vol.01

Dalla Russia col furgone ecco i toscani Aeroflot feat. Collettivo Radio Mosca e il loro primo album Il Resto Del Cremlino Vol.01. Due chitarre, dei toscanacci e un furgone rigorosamente rosso con falce e martello aerografati ai lati. Si parte sulle ali del comunismo (ricordiamo che l’Aeroflot è anche la compagnia aerea russa). Il Resto Del Cremlino Vol.01 fonde l’ideologia alla musica, il comunismo al folk. Quest’ultimo che, giusto per mettere le cose in chiaro, regge l’intero album. Dopo alcuni secondi iniziali nei quali viene scandito più volte il monito Tovarish y Drusija (amici e colleghi) si parte con l’Inno Ufficiale Del Resto Del Cremlino. Questo in pratica è una ballata folk che consiste in un elenco “russian  version” alla “Maccheroni, Luca Toni, Pepperoni” in cui vengono citate parole o personaggi tipici della cultura russa (Kalashnikov, Trockij, Lenin, Matrioska, etc..). A differenza del tormentone tedesco sopra citato, “l’inno ufficiale” è nettamente ascoltabile. Il nostro viaggio tra i vigneti rossastri della toscana procede con Quanto Grano: sulla base di “Garibaldi fu ferito” e “La cucaracha” non viene nascosto il sempreverde (o meglio rosso) e aspro confronto ideologico che vede contrapposti comunismo e chiesa cattolica. Beh in effetti se la chiesa diventasse un granaio chissà quanto grano ci potrebbe entrare. Oltrepassando Il Mela, scanzonata dal ritmo spagnoleggiante dedicata a un fantomatico o forse non tanto personaggio chiamato “Il Mela”, veniamo traghettati da Brrr…side (stornello di 30 secondi) verso La Ballata Per Le Vittime Del Duomo. Il brano, sempre in chiave folk, fa riferimento ad un tragico avvenimento accaduto nel lontano 1944 presso il Duomo di San Miniato nel quale morirono 55 cittadini. Un proiettile ad alto potenziale esplosivo entrò nella chiesa scatenando l’inferno. Dapprima il misfatto fu attribuito ai tedeschi che precedentemente avevano riunito i cittadini all’interno del Duomo, ma successivamente si scoprì che il proiettile apparteneva all’esercito americano. Di fatto, però, la tragedia non è ancora stata del tutto chiarita.

Dopo questo tragico amarcord ritorna l’irriverente allegria con Deliàno (Decris Summer Song) e Militango. Quest’ultimo in particolare fonde la base di “roma nun fa la stupida” e il tango. Anche il titolo (Militango) è frutto di una fusione tra il concetto di “militanza” politica e lo stesso tango. Proseguendo si arriva a Alice 1983 e Jolie Rouge che, contrariamente al generale andazzo dell’album, donano ai toni allegri e spensierati un sapore agrodolce. In particolare l’ultimo brano, Jolie Rouge, che ci trasporta come una tempesta in un sogno fatto di pirati intenti a bere del rum. I bicchieri vanno giù di continuo. Vai col primo. Il secondo. Il terzo non può mancare e via così fino all’intera botte per scordarti chi sei. Per scordarti di lei. Dopo Jolie Rouge veniamo svegliati dal doposbornia dal sequel di Brrr…side sempre in versione “stornello” in cui il cantante si scaglia senza peli sulla lingua contro il Papa e il Vaticano sperando che tutto possa prendere fuoco. Beh più espliciti di così si muore. Dopo questo discorso cantato in teoria l’album dovrebbe finire e , invece, ecco spuntare non uno, ma ben tre brani inediti sempre sulla scia dello stornello Brrr…side. E via di nuovo con fucili, vedove, re e coglioni il tutto condito da un forte e inconfondibile accento toscano.

Insomma di sicuro con gli Aeroflot feat. Collettivo Radio Mosca non ci si annoia, ma neanche ci si appassiona. Altra sicurezza è data dall’irriverenza che non manca e, anzi, rende il tutto più brioso e frizzante. Un buon folk che bene si accosta ai temi trattati: il comunismo in sostanza. Nulla di nuovo nel concetto, ma originalità nel modo in cui viene trasmesso. In un furgone rosso di ritorno verso la repubblica quest’album non può mancare. Volendo gli si potrebbe accostare anche del buon vino (ovviamente rosso).

Gto – Little Italy

Parlare di folk è un’eterna guerra interna. Il rischio di richiamare i grandi del passato è sempre molto forte, anche se si deve far fronte con nomi che hanno attraversato le generazioni fino ad oggi (Modena City Ramblers) o altri che sono nettamente più moderni (Bandabardò). Spesso il folk modernamente inteso è quello impegnato, schierato e che si addice a certi contesti dove si radunano un certo tipo di persone, quasi nella ricerca di una colonna sonora alle proprie idee o a delle idee promosse tramite uno specifico genere musicale, che poi è quasi la stessa cosa. Su questo filone si muovono anche i Gto che nel 2013 festeggiano i venti anni di attività con questa quinta uscita discografica a nome Little Italy. Come potreste immaginarvi un album di folk moderno? Be’ probabilmente è proprio come ve lo immaginate, un sound forte di tanta esperienza che emerge soprattutto in fase di scrittura dei pezzi; infatti le undici tracce di questo album sono molto ben confezionate, sicuramente troppo come per dargli quella connotazione live dove possono trovare utile sfogo. Super prodotto (e questo è un vantaggio), le linearità melodiche inseguono i tratteggi del genere, senza osare più di tanto ma collocandosi in una proposta tra le tante. Lumea Mea Este è l’esempio più lampante con il suo mood in levare e i fiati che entrano al momento giusto, tutto senza sbavature, senza un solismo che esca da una cornice fin troppo quadrata.

Anche i temi rispecchiano i cliché del genere: Little Italy parla del nostro Paese caratterizzato da “poeti, santi e navigatori”, la storia molto triste di Il Rude che ricorda il De André più amaro, o i testi un pò troppo scontati (e a prova di diabete) di Granelli Di Sabbia. Montedoro è l’ennesima conferma dell’influenza cantautorale assorbita dai Gto (di nuovo la citazione a De André è troppo scontata) mentre si percepisce un alone pop che si muove ordinatamente tra le tracce al fine di cercare la zampata vincente (in termini di vendite più che di valore artistico) della discografia. In generale un album che scorre volentieri ma ad osservarlo con spirito critico di originale ci si trova davvero poco.

Daushasha – Canzoni Dal Fosso

Il moniker di questo sestetto (sì, una formazione folta) ci lancia come un cannone alle sonorità dell’est Europa, scelta che viene confermata anche da alcuni testi in russo di brani come Serenata e Il Vino. Ma in realtà questa non è la caratterista predominante del sound targato Daushasha. Questa band, fatta di giovani musicisti, rappresenta un ottimo connubio tra le influenze folk e la scena cantautorale del passato, la prima fatta di musiche elettriche, la seconda di atmosfere acustiche e fisarmoniche incalzanti. Un qualcosa che va oltre il concetto di commistione di generi, trattandosi di una vera fusione se non un’attualizzazione di come potrebbe essere vista la scena cantautorale dai giovani d’oggi. L’opener Serenata ad esempio apre la porta sulla scuola targata De André e anche i testi ed il racconto di La Contrada Dei Papaveri riprendono le capacità nel romanzare del grande cantautore citato, quelle che lasciano quell’amaro in bocca tipico della cruda realtà. Una trama che si ripete con la storia di Pasquale nel brano che riprende il suo nome o con quella della bella Angelina, in un percorso ormai delineato e molto coerente. Il folk muta con Rajha, assume uno spessore in termini di personalità con effetti di sei corde più duri e refrain vocali che fanno più ballare, maggiormente a loro agio ad una festa popolare (anche i testi sono allineati), occasione questa perfetta anche per La Campagna. In questa parte centrale di Canzoni Dal Fosso i ragazzi si staccano dalle voci recitate e cercano di puntare maggiormente sulle melodie con un interessante risultato (amalgamare sette strumenti e sette menti non dev’essere proprio cosa facile).

Brani che hanno un potenziale da colonna sonora portando con sé un forte impatto emotivo e dietrologico (qualche perfido direbbe “eccessivamente nostalgico”) a patto che si accetti la filosofia della band: liriche cupe e strumenti acustici improvvisamente alternati da ritmi danzerecci e folcloristici, caratterizzati da un violino e da una fisarmonica molto presenti, che sempre più spesso oscurano gli strumenti più fedeli alla matrice rock (a cui la band appartiene per spirito ma poco per sound). Cosa c’è di più folk di una strumentale fortemente ancorata su queste sonorità? Taranta, con il suo nome che richiama la danza puglese, giunge al momento giusto per convincere che i Daushasha non sono solo melodie e ritornelli da cantare ma anche vera musica e singoli strumenti. Noi troviamo più simpatica L’osteria, brano dal mood cadenzato anche se un pò più popolare, ma con un refrain che strizza l’occhio a certo indie, segno di apertura dei Nostri. Un genere infine profondamente legato al passato, dal grande stile ma per lo più legato agli amanti della scena.

El Bastardo Outlaw Picker – Wood & Steel

Se decidi di utilizzare come nome d’arte El Bastardo la gente potrebbe di primo acchito pensare che tu componga musica dai suoni estremi, per nostra fortuna si dice che il mondo risulta bello perché vario e l’artista in questione si dedichi con passione alle sonorità folk\blues. Dietro a questo originale pseudonimo si cela infatti Luca Cocchiere, chitarrista dotato di notevole talento conosciuto per aver militato nella band dei Bad Dog Boogie e già autore di ben quattro dischi in solitaria capaci di volgere le attenzioni degli addetti ai lavori un po’ ovunque. La locomotiva della creatività non concede fermate ed eccoci allora qui ad analizzare l’ultimo progetto sfornato da questo eclettico chitarrista intitolato Wood & Steel. Se fossimo costretti ad utilizzare solamente un aggettivo per descrivere questo album la parola sarebbe sicuramente “essenziale”. Ci troviamo di fronte ad un disco che presenta un folk\blues lineare, dove gli unici strumenti che la fanno da padrone sono la chitarra acustica impreziosita da elaborati finger picking, il banjo, e l’armonica nessuna traccia di batteria o basso; in men che non si dica ci si trova catapultati nel sud degli Stati Uniti dove un contadino di mezza età canta la durezza della vita all’interno della propria umile dimora. Ad un primo rapido ascolto si potrebbe arricciare il naso sulla qualità della registrazione che appare approssimativa e poco curata, in realtà l’effetto è assolutamente voluto, il disco è stato registrato interamente in presa diretta senza alcun missaggio o sovra incisione di sorta proprio per mantenerne l’aria vintage spurgata da qualsiasi diavoleria elettronica; ogni fruscio, ogni rumore di fondo viene riportato fedelmente all’ascoltatore tramite un semplicissimo microfono, una scelta che non può non meritare un plauso per il coraggio e la coerenza mostrati così ci si perde piacevolmente nel sentire come il tempo venga tenuto con il battito del piede con il terreno proprio come i vecchi bluesman.

Il progetto propone un equilibrato mix tra canzoni nuove e cover di brani storici in chiave country\blues come l’immortale Hit The Road Jack di R.Charles o la famosissima The Entertainer di S. Joplin. Per quanto riguarda il cantato possiamo dire che in alcuni frangenti la timbrica vocale non pare totalmente convincente, forse una voce più “vissuta” e strascicata nei versi avrebbe reso appieno l’atmosfera voluta, ma nel complesso i brani appaiono tutti abbastanza ben interpretati. In definitiva questo progetto appare assolutamente buono ed originale soprattutto per quanto riguarda il metodo di registrazione utilizzato. Dal punto di vista squisitamente tecnico le tracce appaiono precise e nel medesimo istante grezze, un album che farà sicuramente felici gli amanti del genere e coloro che apprezzano cuore e genuinità. Come una nota pubblicità di tanto tempo fa non vi resta che ascoltare questo disco aspettando che il vostro miglior whisky di malto invecchi a dovere.

Appino – Il Testamento

Andrea Appino, cuore e anima degli Zen Circus, si prende una pausa dal suo gruppo madre con questo primo lavoro da solista. Il disco, come afferma lo stesso autore in una nota, “È la totale liberazione dei miei dolori più profondi, la vera e difficile storia della mia famiglia usata come veicolo per una terapia di gruppo, necessaria e a tratti violenta”. Dunque brani che parlano di storie personali, di vite vissute. Appino si fa aiutare da molti amici. Favero e Valente, sezione ritmica de Il Teatro Degli Orrori, D’Erasmo, violinista degli Afterhours, Marina Rei e Tommaso Novi dei Gatti Mézzi. Tutti uniti nel mettere su nastro le quattordici tracce rappresentanti quattordici episodi psicoanalitici. La forma-canzone si concentra in quadri oscuri e densi, dove un certo cantautorato, più figlio della rivoluzione dei ’70 che non dell’edonismo ’80 o del nichilismo ’90, si mescola all’impatto frontale di un rock che dona lucidità e profondità alle parole, così cariche di forza esplosiva. La splendida Il Testamento ne è un lampante esempio: dedicata al genio Mario Monicelli parte come placida ballad per poi scoppiare nel punto cruciale della scelta. Un delicato arpeggio di chitarra classica apre Che Il Lupo Cattivo Vegli Su Di Te ma è un fuoco di paglia: il brano si trasforma in una epica ballata hard rock. Il testo? Una ninna nanna al contrario dove un lupo cattivo, arcaico simbolo del male, veglia sui bambini mentre la parte buona, in questo caso la città civile, è il vero mostro. Intelligente l’uso dei synth che colorano con punte neo-prog il basso dark del “ragno” Favero.

L’indie proprio della band madre, fa capolino in alcuni brani (Fuoco!, Passaporto) mentre l’hardcore punk sfocia in tutta la sua potenza in Specchio Dell’anima. Il bello di questo lavoro è che tutti i palati sono accontentati. Gli appassionati di folk saranno felici di ascoltare La Festa Della Liberazione (che vive di citazioni di Dylan, il suo andamento è molto simile, se non addirittura plagio o omaggio a Desolation Row) con il suo testo neorealistico. Così come gli ascoltatori più attenti al versante rock troveranno pane per le loro orecchie. Grazie ad un piccolo aiuto da parte degli amici (Beatles docet) Appino sforna un bellissimo lavoro pieno di carisma, violenza sonora e dolcezza disarmante. Il Testamento non può e non deve rimanere un episodio isolato, qui siamo soltanto all’inizio.

Huldre – Intet Menneskebarn

A volte le bands che provengono “dalla fine del mondo” (per citare una azzeccata affermazione del nuovo Pontefice) suscitano curiosità e perplessità, nel senso di chiedersi a quali livelli di attenzione possano esse far giungere l’uditorio con le loro proposte musicali. Nel caso di specie, la lontanissima Danimarca ha catturato il nostro interesse con un album davvero ben azzeccato e molto ben congegnato. Affondando le sue radici in un insolito folk metal, il sestetto riesce a confezionare un prodotto ben riuscito e che cattura l’ascolto sin dai primi solchi. L’impronunciabilità dei titoli dell’album può inficiare solo la grammatica italiana, mentre invece il sound proposto riesce a far giustizia delle perplessità di cui sopra. Lo stesso cantato in lingua originale è un’arma in più per il gruppo che così riesce a sostenere maggiormente la sua musica come forse la lingua universale non riuscirebbe. Brani come Skaersild e Knoglevkad rendono bene il pathos che permea i testi e le musiche: la voce della Barslev è calda ed avvolgente, mentre le sonorità della band risultano essere saggiamente combinate tra melodia e dramma lirico. Specialmente il secondo dei brani va in controtendenza con la ricerca spasmodica di up-tempo, che donano linfa vitale all’economia del pezzo.

Skovpolska è un altro momento ben azzeccato, in cui tutta la band riesce a trasporre in musica le migliori tradizioni folk, con in più quella spruzzatina leggera di heavy che certo non guasta. Interagiscono bene le due ladies, con la voce della Barslev a far da contraltare al buon lavoro agli archi della Beck, davvero ben congegnato. Potrebbe apparire, alla lunga, piuttosto pedante l’ascolto di sonorità non propriamente di tutti i giorni, ma con brani quali Havgus possiamo ben ricrederci sulla valenza del prodotto. Il sestetto miscela bene atmosfere quasi gothic in alcuni passaggi, che farebbero la fortuna di miss Tarja Turunen, ed altre che rasentano il dark, nella migliore tradizioni Lumsk o Gate, altre rinomate bands di nicchia, ma non per questo misconosciute ai più. I buoni arrangiamenti rendono gradevoli anche brani apparentemente più ostici, quali ad esempio Vaageblus, dove le sonorità più cupe del solito, se possibile, si fondono in una melodia davvero coinvolgente che sfocia in una cavalcata immaginaria della band in una foresta senza tempo. Spillemand si segnala tra gli altri brani come l’ennesimo momento tecnicamente valido e di sicuro impatto in chi ascolta, per le sue sonorità davvero magiche e nelle quali si intravedono ideali saghe di miti nordici senza tempo.

Ulvevinter è probabilmente il miglior brano dell’album: una piccola gemma che viene impreziosita dal superbo lavoro di violino della Beck che ancora una volta fa da sponda al cantato onirico della singer al femminile, che qui dà prova della sua bravura e del lirismo davvero intenso. Gennem Marsken ci trasporta a mille miglia dalla realtà: flauto incantato che pare provenire da castelli medievali e voce melodica ed angelica proiettata dagli empirei di valchirie lontane. Con Beirblakken l’interpretazione caldissima della female singer ci fa accapponare la pelle per l’intensità ed il trasporto interpretativo: non suona blasfemo un pensiero, in questo frangente , alle sonorità incantate dell’indimenticabile Ronnie James Dio, che qui avrebbe prestato volentieri la sua ugola per accompagnare la Barslev nelle sue evoluzioni senza età. Possiamo ritenerci soddisfatti dell’ascolto, cui ci eravamo appressati senza riserve: il sestetto che viene “dalla fine del mondo” è molto più vicino a noi di quanto ci si attenda.

The Traveller – Life

Come un gomitolo di lana che si srotola man mano, Max Forleo, deus ex machina del progetto The Traveller, ci accompagna lungo il percorso delle nove storie narrate in Life. Nove brani di stampo prettamente britannico, con forti influenze folk (grazie al violino di Mariela Valota) e rock. Si fa apprezzare particolarmente il timbro vocale del Nostro, di scuola Jon Bon Jovi, anche se le ispirazioni sono ben altre: David Bowie, Queen, Police, John Mayer, Jeff Buckley, Massive Attack. Shine On, primo brano, è davvero un bel folk rock con un riff pungente di violino che viene come un’onda del mar (pura poesia). Segue l’arrabbiata Magdalene con un basso distorto e prepotente a farla da padrone. Sembra un outtakes di Bon Jovi (appunto!). Bella e coinvolgente. Da segnalare la poetica Life, dal sound che ricorda certe cose degli U2. 1 Minute si segnala per l’atmosfera laid back, cullata da un nervoso basso e da un violento assolo di elettrica che distrugge per pochi secondi la tranquillità. Paris è un country elettrico alla Dylan della Rolling Thunder Revue mentre The Clown è una ballad arricchita da un gustoso sax. Conclude The Right King, suonata in solitudine da Forleo e My Last Call, “johnmayeriana” fino al midollo.

Il viaggio dei nostri viaggiatori non finisce qui, ma si prendono solo una meritata sosta prima di tornare prepotentemente on the road!

Leitmotiv – A Tremula Terra

Terzo album per i quattro pugliesi Leitmotiv e disco della maturità. Insieme dal 2001, vengono dalla Puglia solo anagraficamente ma appartengono a quella patchanka europea grazie alla loro straordinaria vitalità con cui intrecciano stili e culture. La musica dei Leitmotiv acquisisce colori netti tra art rock, folk alternativo e post-punk con una loro matrice mediterranea. I quattro si buttano nel progetto a tremulaterra (ossia a capofitto) sin dall’introduzione a cappella, per condurci come pecore nel loro mondo fatto di melodie folk alternativo, new wave e ballate sixties. Romeo Disoccupato è il loro singolo di riferimento. Un ballata groovy contagiosa e avvolgente sulla quale viene sussurrato un testo disperato e arguto che esplode nell’ancora più nero ritornello. Il quasi sirtaki apre Les Jeux Sont Faits. Sognante, melodica, con tocchi di classe qui e lì. Ritorna il folk in Controluce, brano da tonalità estive e solari. Tra gli altri brani spicca il quasi funk di Fiori d’Iloti, con il suo basso presente e pulsante e la sperimentale Non Ci Resta Che Il Mare, amaro e chiaroscuro canto di rabbia accompagnato da un piano dal suono stravolto ed onirico. La bellezza come rifugio nonostante le botte. La giustizia come meta nonostante gli oltraggi. Il mare come emblema nonostante l’uomo.

L’ultimo brano (ultimo?…ascoltate bene tutto il disco!) è Cattive Compagnie. Un calypso ruvido con un compatto groove a sostenerlo. Ruvido nel testo nonostante l’apparente calore.

LU-PO – Stendere La Notte

Non sappiamo perché, ma nell’ascoltare questo lavoro ci è sembrato di recensire una colonna sonora di un film francese, di quelli pesanti. Per capirci, di quelli che li vedi al cinema ma solo perché ti ci portano e dopo appena dieci minuti smadonni in silenzio rimpiangendo pellicole di altro genere come Giovannona Coscialunga, L’Esorciccio e La Polizia Si Incazza. Ma qui si parla di musica non di cinema, quindi siamo obiettivi (confessiamolo, il cinema francese lo odiamo, ok?). Allora, abbiamo ben 11 tracce del buon Lu-Po, ossia Gianluca Porcu. Lavoro interamente strumentale con reminiscenze folk e sperimentali. Magari è un accostamento sbagliato ma in alcune tracce sembra forte l’infuenza di Philip Glass (Nostalgia delle Stelle) e Laurie Anderson (L’Amore Che Non Aspetta), dunque con tutto l’aspetto minimalista proprio di questi due artisti. Molto interessante Valzer Del Bugiardino con “rumori” tipici della musica elettronica pronti a scontrarsi con archi tradizionali. Malinconica Gocce, composta per pianoforte e chitarra classica, mentre La Fiaba presenta loop percussivi molto evocativi in un background simile a qualcosa di Rustichelli. Burattino apre con un malinconico e cupo carillon da giallo italiano anni ’70 musicato da Morricone o Nicolai, ben lontano dagli stilemi collodiani o comenciniani. Lo stesso carillon, in solo questa volta, ricompare nella omonima traccia successiva. Anche qui l’effetto giallo è in agguato. Se Porcu avesse messo qualche là-là-là il brano poteva figurare tranquillamente in un’opera di Argento.

La Vampa chiude il lavoro, e qui ci si diverte: immaginiamo i Daft Punk che vanno con le loro attrezzature al paesello dove si festeggia il Santo patrono. Elettronica spinta, da ballare. L’effetto malinconia aleggia in tutto il disco (tranne, ovviamente, nell’ultima traccia) e dà un certo spessore a questo disco.