Heat Fandango – Reboot System

Dopo le varie esperienze con vari progetti tra cui Lush Rimbaud, Jesus Franco And The Drogas, NewLaserMen e Beurk! questi tre musicisti si mettono in gioco e nel nome di Heat Fandango pubblicano un nuovo album. Il suono su cui poggia questo Reboot System (le cui aspirazioni sono dichiarate già nel titolo) è una continua lotta a calci e pugni: da un lato c’è tutta la forza irruente di certo proto-punk e di una parte del garage rock americano, le distorsioni, la ruvidità e il sentore di puzza di umido dei live club nel seminterrato; dall’altro c’è quel legame con un certo indie modaiolo, fatto di hype e di giovani ascolti, che volutamente non vuole vestirsi bene ma intende mettere la “camicia fuori dai pantaloni”, non perché piace ma perché vuole uscire dai canoni. Questo scontro si gioca su un territorio spazio-temporale indefinito, perché i suoni possono essere tanto apprezzati oltreoceano quando aderire a certi contesti anglo-tedeschi (ascoltare la potente Guilty con tutti i suoi effetti e pensare alla scena di Berlino o a certo electro dark) e allo stesso tempo possono trovarsi a loro agio nei decenni più variegati, dagli anni 80 ad oggi. Here They Come è un esempio perché in alcune parti ci ricorda il post-punk, in altre (quelle in cui la sei corde esplode) acquisisce giovinezza e irruenza e potrebbe attecchire nell’indie rock più spinto ma anche nel rock più esigente. Il minimo comun denominatore è la ritmica incalzante che dà colore a tutto e, a parere nostro, predispone a live incandescenti.

Coraggioso sì e sicuramente di un rock trascinante, solo talvolta un po’ troppo stratificato, ma la difficoltà con qui si può inquadrare Reboot System è anche un’arma a doppio taglio perché non passa per vie di mezzo, o piace in pieno o può essere facilmente dimenticato. Al tempo stesso c’è un vantaggio di tutto ciò, cioè che gli Heat Fandango potrebbero aprire ai The Cyborgs così come ai Franz Ferdinand, ai Black Keys così come ad una qualsiasi band rockabilly. E in sede live hanno grandi potenzialità.

Autore: Heat Fandango	Titolo Album: Reboot System
Anno: 2021	Casa Discografica: Bloody Sound Fucktory, Araghost Records
Genere musicale: Garage Rock, Indie Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: www.facebook.com/heatfandangoband
Membri band: Tommaso Pela – chitarra, voce Marco Giaccani – farfisa, basso Michele Alessandrini – batteria	Tracklist: 1. Reboot System 2. Controlled 3. Hard Nite 4. Guilty 5. Here They Come 6. Jungle Fighting 7. C’mon Babe 8. Feelings 9. I Wish You

Not Moving – Live In The Eighties

La carica live degli italianissimi Not Moving era già stata incisa in Live In The 80s uscito ben 16 anni fa ed esaurito in brevissimo tempo, ma ora la band decide di dare una nuova possibilità a quell’uscita che riassumeva tutto il sudore sprigionato su di un palco. Il titolo è leggermente modificato, Live In The Eighties, il formato è il vinile e ci sono due inediti a completare la scaletta caratterizzata da brani propri ma anche da cover. Apre la stoogesiana I Know Your Feelings e subito si intuisce che ci troviamo dinanzi ad un prodotto analogico in tutti i sensi, con le sembianze sonore di un bootleg, senza le produzioni patinate moderne; Catman sembra porre al centro della scena le tastiere (come in Sweet Beat Angel) e una chitarra particolarmente effettata, ma è solo con Suicide Temple che si accelerano i tempi e si vive davvero un’atmosfera garage, la loro atmosfera. Bella la scarica di adrenalina di Looking For A Vision e di Goin’ Down. I suoni cambiano notevolmente con le due tracce inedite che si capisce lontano un miglio essere state registrate in un’epoca completamente diversa: No Friend Of Mine, con le sue linee di basso incalzanti e i solismi taglienti di chitarra e Kissin’ Cousins, fedele alla tradizione garage punk della band.

Di sicuro, considerando l’attitudine della band, una pubblicazione che cerchi di trasferire la loro energia dal vivo è la scelta ottimale per conoscerli davvero; d’altro canto però la resa sonora è volutamente ruvida e fedele ad un piccolo club con acustica non certo perfetta. Qui c’è l’elemento che vi farà propendere per l’acquisto o meno: se siete appassionati di bootleg, di suoni da piccolo locale nel seminterrato e da orecchie che fischiano per i giorni seguenti ad un live, allora questa uscita fa assolutamente per voi; se invece amate le produzioni molto curate, anche in sede live, allora volgete altrove. Ma d’altra parte il garage punk è sempre stato così e, oltre ad essere una scelta obbligata considerando che i brani furono suonati più di 15 anni fa, magari è anche una scelta voluta.

Autore: Not Moving	Titolo Album: Live In The Eighties
Anno: 2021	Casa Discografica: Go Down Records
Genere musicale: Garage Punk	Voto: 6,5
Tipo: LP	Sito web: https://www.facebook.com/people/Not-Moving-L-T-D/100051397366697/
Membri band: Rita “Lilith” Oberti – voce Dome La Muerte – chitarra “Tony Face” Bacciocchi – batteria Dany Dallagiovanna – basso Mariella “Severine” Rocchetta – tastiere	Tracklist: Lato A: 1. I Know Your Feelings 2. Catman 3. Suicide Temple 4. Spider 5. No Friend Of Mine 6. Cocksucker Blues 7. Sweet Beat Angel Lato B: 8. Looking For A Vision 9. I Stopped Yawning 10. Goin’ Down 11. Break On Through 12. I Just Wanna Make Love To You 13. Kissin Cousins

Spaghetti Wrestlers – Tururarap Turap

Più ascoltiamo questo Tururarap Tura (no, non fatevi ingannare dal titolo quasi indie) e più pensiamo che se questi brani fossero stati pubblicati nell’era di Mtv, magari accompagnati da video estivi con un montaggio veloce, di sicuro gli Spaghetti Wrestlers sarebbero sotto i riflettori. Ma purtroppo l’era di Mtv è finita da un pezzo e con essa non solo la rilevanza che avevano certi videoclip in rotazione ma anche certe sonorità. Quindi, da un punto di vista puramente critico e legato alle proposte vive nella scena, li sentiamo oltre tempo massimo; ma lasciando da parte un’analisi giornalistica va detto che l’EP funziona: dimenticatevi di tutti, dimenticate che siamo nel 2021, che abbiamo la possibilità di ottime registrazioni in digitale, che le band aggiungono effetti particolari e suoni elettronici, annullate tutte le aspettative e preparatevi a muovere il vostro corpo a tempo di rock, senza dei passi congegnati che vanno seguiti in maniera scolastica. Al play partirete e vi scatenerete soprattutto sotto le note della strumentale Outro, ma anche con Stand By Me, perché nei 13 minuti di questo album c’è un garage rock che vi trascinerà proprio alle origini del rock, quello sudato, quello dal palcoscenico, quello che trasmette qualcosa.

Difficile dire se si sentirà parlare degli Spaghetti Wrestlers, noi però un ascolto ve lo consigliamo davvero. Magari riscoprirete la vostra giovinezza spesa davanti la TV a sognare l’America.

Autore: Spaghetti Wrestlers	Titolo Album: Tururarap Turap
Anno: 2021	Casa Discografica: Vina Records
Genere musicale: Rock, Garage	Voto: s.v.
Tipo: EP	Sito web: https://www.facebook.com/spaghettiwrestlers
Membri band: Marco Barberis – voce, basso Davide Diomede – chitarra, voce Mirko Losito – batteria, voce	Tracklist: 1. Cobe 2. Stand By Me 3. Battle Royal 4. I Don’t Wanna Know The Way I’ll Die 5. Outro

Shame On Youth! – Human Obsolescence

Gli Shame On Youth! nascono nel 2015 con la formazione attuale. Si presentano con un primo demo autoprodotto Zeronell’agosto del 2017 ed ora finalmente con un intero album inciso nel 2019 ma giustamente ognuno si prende il tempo che vuole ed eccolo pubblicato nel 2020, a fine anno. Shame On Youth! è l’incontro dei due differenti trascorsi musicali dei vari membri: l’hardcore punk ed il garage rock. L’unione di questi background danno origine ad un suono decisamente grezzo e primordiale ma al tempo stesso fatto con la stessa materia di cui raccontano le canzoni stesse. Suono “distorto” come i tempi che viviamo oggi e che non sembrano appartenerci e “fuzzato”, “sfocato” come la mente umana di fronte alla comunicazione di massa; “veloce” come il ritmo della Macchina, che ci impone di vivere, espanderci e consumare. “Pesante” come il fardello passato da una generazione all’altra. Un carico di vergogna come il nome della stessa band Shame On Youth! (“vergognatevi” per i giovani). Un canto rabbioso, un requiem alla perdita quotidiana di una parte del nostro essere umani, felici di essere divorati dalle nostre stesse semplificazioni tecnologiche.

Nove tracce come dedica ad un tempo che non ci appartiene, che ci disorienta e fa sentire il peso dell’eredità che ogni generazione lascia alla successiva. Chitarre allo spasimo, fuzz tirati al limite e ritmi frenetici per un album registrato in presa diretta al Recording Studio di Padova. Dopo tutta questa negatività mostrata dalla band passiamo alla musica e ai testi del disco. La bravura compositiva dei quattro bolzanini (Bolzano e dintorni) è ben evidente. Loro vivono al centro delle Alpi, nella regione Trentino-Südtirol, tra l’Italia e l’Austria, in un angolo di quella che è già stata chiamata Mitteleurope. Valli in mezzo al nulla, piccoli villaggi, montagne, boschi e neve. Il campo da gioco è quello di un rock’n’roll moderno di stampo scandinavo o magari americano dark. 9 brani per un totale di soli 31 minuti e forse un richiamo agli Iron Maiden (il gruppo britannico più popolare di heavy metal anni 80) o ai californiani Guns N’ Roses, insomma peccano un po’ di originalità ma a questo mondo nessuno è perfetto. Le loro chiare influenze musicali riconoscibili vanno dal garage degli Stooges, al punk hardore dei Black Flag, dallo stoner rock dei Fu Manchu e Queens Of The Stone Age, al rock’n’roll dei Motorhead, a The Bronx, i Clutch per citarne solo alcuni. Le altre influenze credo (per i testi) non sono strettamente musicali, ma letterarie e immaginarie: distopia, ad esempio, che gli ha permesso di creare un mondo per definire le loro canzoni, come mostra il loro video di Uniform pubblicato anche come singolo.

Rock duro per la voce di Tomas Menapace (o degli altri in alcuni casi) grezza, intensa. Il canto si riallaccia al growl, tipico esempio di una evoluzione della voce semplicemente urlata del thrash metal. La voce growl (voce gutturale) è una tecnica vocale tipicamente impiegata nei sottogeneri più estremi dell’heavy metal e dell’hardcore punk e gli Shame on Youth! ne fanno buon gioco. 9 brani tiratissimi, voce roca, l’inarrivabile speed in cui vengono evocati i Sick Of It All, The Show Must Go Wrong piena di riff potenti, A Bunch Of Crap (I Don’t Care About) che si rifà a certo grunge e Mr. Crasher dal piglio decisamente metal punk. Una band che ha il suo seguito anche all’estero, Svizzera e Portogallo. Una miscela assai equilibrata di hardcore, del primo trash metal anni 80 ed una attitudine punk. Suoni distorti come growl, scream dissonanti con una sezione ritmica devastante e continui riff di chitarre dallo stile debordante.

Autore: Shame On Youth!	Titolo Album: Human Obsolescence
Anno: 2020	Casa Discografica: Go Down Records
Genere musicale: Garage Punk, Stoner	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/shameonyouth
Membri band: Tomas Menapace – chitarra, voce Matteo Cova – basso, voce Georg Pomarolli – chitarra, voce Federico Splendore – batteria	Tracklist: 1. Got No Choice 2. The Show Must Go Wrong 3. Seed 4. Mr. Crasher 5. A Bunch of Crap (I Don’t Care About) 6. Uniform 7. Fluke Of Faith 8. Premium 9,99 9. Demons Are Right

OJM – Live At Rocket Club

Maledetto rock’n’roll e quando lo incontrai! Erano gli anni in cui dall’America “puritana” arrivavano i suoni di certe band che corrispondevano ai nomi di Grand Funk Railroad con il grande Mark Farner alla chitarra, o quelli della James Gang Band con l’altro grande Joe Walsh, anche lui alla chitarra, che sputavano nei dischi atmosfere irripetibili soprattutto se poi questi erano dischi live. Ed io dico ancora che quel maledetto rock’n’roll ha contribuito a costruire i miei ascolti che se nel tempo son cambiati per necessità, restano ancora la base su cui sono cresciute poi le mie convinzioni musicali. Basta prendere dischi come James Gang Live In Concert, Humple Pie Live At Fillmore o Live Album dei Grand Funk Railroad, dischi risalenti agli anni 70 per dire a questo bel Live At Rocket Club degli OJM…ben arrivato! Già perché in questo bel disco, sin dal primo pezzo, Welcome, l’atmosfera che si respira con quel rullo di batteria e la chitarra che entra distorcendo, è un vero e proprio grido in faccia di rock tra i più belli ascoltati in questo periodo di assurda chiusura. E dico, ma caspita quanto mi mancano i locali, quanto mi manca il fumo acre delle serate passate ai concerti, quanto mi mancano band come questa che ti fanno uscire il rock che hai dentro da tutti i pori della pelle!

E così mentre l’adrenalina continua a crescere, arriva Venus, altro grido di un rock clasheriano, altro bel tassello di un genere che non muore mai, nemmeno con il covid che sta fermando tutto, cambiando il nostro modo di respirare musica; già perché dal piatto e dallo stereo non escono i fumi del palco o quelli delle birre che si ingurgitano ai concerti. Anche I’ll Be Long mischia rock ad alta tossicità e senza vergognarsene, con la chitarra che svisa su batteria e basso che battono la strada del pentagramma sonoro che questi ragazzi hanno disegnato per rompere la noia e la naja alla quale siamo costretti. Con Wolf si prosegue sulle strade di un rock’n’roll tempestato di ricordi alla Beck, Bogert & Appice (ascoltatevi Beck, Bogert & Appice Live del 1973 con quel Superstition da sballo musicale che non ha eguali e capirete di cosa sto parlando). Già, perché quando oggi parliamo di stoner rock che accomuna tanti generi che vanno dal doom all’heavy, spesso ci dimentichiamo che la base del genere sta tutta nel grande blues accarezzato da rock psichedelico e, come potete notare, come sempre, è il grande blues la vera anima di tutti i generi di rock che son venuti dopo. Ed Ocean Hearts è qui a dimostrare quanto questi ragazzi, americani come sound ma trevigiani di fatto, scoperchiano un contenitore di suoni mai tramontati, diventati, poi, la base del rock del futuro.

Questo disco, appena uscito, ma registrato al Rocket Club di Landshut in quel di Baviera quando si suonava ancora dal vivo e loro in giro promuovevano Volcano nel 2011, è ora il tributo che mancava per questa band che è già grande, come grandi sono tutti i pezzi di questo disco che anche a volerlo, non potrai mai appenderlo ad un chiodo perché non ha i lacci per essere appeso già, proprio come quel rock che gli OJM ci hanno messo dentro, un rock pieno di energia e vibrazione come quello che sentivamo in quei lontani anni settanta. Già, anni settanta, ma questi ragazzi del 2021 non sono da meno, speriamo solo che continuino a suonare così, con la stessa energia, la stessa potenza, la stessa rabbia perché solo così si possono realizzare dischi come Live At Rocket Club.

Autore: OJM	Titolo Album: Live At Rocket Club
Anno: 2021	Casa Discografica: Go Down Records
Genere musicale: Garage, Stoner Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web:  https://www.facebook.com/OJMband/
Membri band: David Martin – voce Max Ear – batteria Andrew Pozzy – chitarra Stefano Paski – voce, tastiere, basso	Tracklist: 1. Welcome 2. Venus 3. I’ll Be Long 4. Wolf 5. Oceans Hearts 6. Sixties 7. Give Me Your Money 8. Desert 9. 2012 10. Hush (Billy Joe Royal cover)

Dead Visions – A Sea Of Troubles

Non lo scriviamo per compiacere nessuno ma questo album ha tutti i requisiti per ritagliarsi un proprio spazio di visibilità, forse non negli ascolti da alta classifica ma sicuramente all’interno di un circuito più underground o se preferite di nicchia. Questo almeno dovrebbe valere per un qualsiasi fottuto angolo di questo mondo, qui, dove la cultura musicale e intellettiva è prossima allo zero la vedo più difficile ma spero ovviamente di sbagliarmi, resta comunque un mondo che per fortuna è più vasto dei nostri confini nazionali e mentali. Attenzione però, non è tutto oro quel che luccica e noi siamo qui, molto umilmente, per raccontarvi sia l’oro sia le pietruzze minori (in questo caso davvero minime). Oro è questo suono che affonda le sue radici completamente e senza compromessi in un garage proto-punk primordiale, Yardbirds, Fuzztones, The Kingsmen, The Sonics o nei più “recenti” australiani Radio Birdman; oro è il buon lavoro fatto alla Slimer Records, registrato in presa diretta è esattamente il suono che ci si aspetta e che dovrebbe essere, grezzo sporco tirato; buona è la voce di Francesco Mandelli, un buon inglese strascicato e dosato al punto giusto (forse si potrebbe osare di più) e ottimo il feeling e l’interazione fra gli altri membri di questa band di terra toscana, infine un ottimo album anche a livello compositivo, non una banale scopiazzatura di genere ma il frutto di una ricerca personale ben piantata nel presente (ed è giusto così).

Passiamo alle pietruzze, anzi, forse l’unica pietruzza ma considerando il “genere” è un limite facilmente perdonabile soprattutto se ci si lascia trasportare da questa musica: stiamo parlando di una certa “ripetitività” seppur minima, è un difetto?! Non lo è? Questo giudicatelo voi. Si parte con Dust una bella cavalcata adrenalinica a base di chitarre fuzz e ritmica sostenuta per passare alla successiva To Love Who Burns un ottimo e scatenato rockabilly garage in pieno stile Cramps, si torna a pestare nel più classico garage punk di derivazione anni 80 con la buona Dead Visions, buoni cambi e ripartenze sull’incedere sferragliante delle due chitarre (Bigelow e Giammatei, due che sanno trovare il groove giusto). Si prosegue con la quasi rollingstoniana I Got You, ottimi chorus e refrain che fanno subito breccia nel cuore, sicuramente una tra le più riuscite tracce dell’album, come anche la successiva Creatures Of The Night un horror garage che rallenta quel tanto che basta per apprezzarne appieno le tessiture armoniche e il lavoro dietro le pelli di Sergio Innocenti. Belong è un buon garage punk stradaiolo imbevuto di vecchio whiskey ma stenta a decollare completamente, cosa che invece riesce a Black Seagull, pezzo dal giusto tiro sixties, teso e melodicamente eccellente dove finalmente le linee di basso si ritagliano il giusto spazio. Boys & Girls prosegue sulle stesse coordinate, di buona presa ma si sente anche una certa ripetitività di schemi; altro brano ben riuscito è invece Death Knocks On My Door buoni riff e la giusta intensità, scarna ed essenziale ma ricca di profumi sixties. Si chiude con Last Train, introdotta da un giro di basso che spinge fin da subito verso un beat anfetaminico e metallico che vi implorerà di alzare al massimo il volume.

A questo album non manca quindi nulla, personalmente avrei visto bene (un po’ come ciliegina sulla torta) l’inserimento di un bell’Hammond, non in tutte le tracce ma giusto per arricchire il suono ed evitare quella ripetitività che alle volte traspare, ma è solo una considerazione personale (per quel che può valere). Alcuni di voi lettori si staranno chiedendo se oggi abbia ancora un senso riproporre certe sonorità appartenenti ad un remoto passato, vi diciamo subito di sì: innanzitutto perché non si tratta di un semplice copia e incolla, in ogni singola traccia si sente chiaramente la personalità e la passione; inoltre perché in questi tempi di plastica (e lattine abbandonate) c’è più che mai bisogno di suoni “vivi” e poco importa se grezzi, sporchi e rumorosamente alcolici, anzi, è questa l’essenza stessa del rock’n’roll. Veniamo al voto, quello che andrete a leggere (se non lo avete già fatto) sarà leggermente inferiore a quello che in un ambito personale avrei dato, questo per mia scelta, cercare di mantenere la recensione il più oggettiva possibile, anche a scapito di un voto più basso, ma vi assicuriamo che non ve ne pentirete così come siamo certi che sarete proprio voi ad alzare quel voto. Ma di una cosa non dimenticatevi, prima di tutto e al di là di un semplice numero, viene la musica, questa musica. Buon garage a tutti!

Autore: Dead Visions	Titolo Album: A Sea Of Troubles
Anno: 2020	Casa Discografica: Slimer Records
Genere musicale: Punk Rock, Garage	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/deadxvisions/
Membri band: Francesco Mandelli – voce Cesar P. Bigelow – chitarra Federico Giammattei – chitarra Carlo Alberto Maria Rossi – basso Sergio Innocenti – batteria	Tracklist: 1. Dust 2. To Love Who Burns 3. Dead Visions 4. I Got You 5. Creatures Of The Night 6. Belong 7. Black Seagull 8. Boys & Girls 9. Death Knocks On My Door 10. Last Train

Kiowa – Bloom

Quaranta minuti dal sapore southern rock per questo Bloom, debutto dei Kiowa, un’altra band del sud degli States, dai suoni blues, rock, psichedelici…aspetta, non è così; o meglio, l’album è esattamente così ma i Kiowa sono italianissimi, di Verona. Il suono è quello tipico southern anche se sono molte le influenze, come detto c’è il blues, il classic rock, ma anche il garage, lo stoner e quella psichedelia che male non fa mai. Anzi. I Kiowa sembrano un mix tra Clutch (River Boat) e Alice in Chains (Ordinary Man), con un pizzichino di Guns n’ Roses del periodo d’oro (Hobo Highway). Consigliate, tra le altre, Chicken Ridin’ Supernova, Rat King, Water Pump, dove i riff sono azzeccati, così come l’alternarsi dei ritmi. Non mancano i pezzi più lenti, Vulture’s Wing, ma in generale il tiro è bello veloce e rock’n’old school, Spider Pit, con una bella voce e un bel cantato.

La copertina mostra un’immagine suggestiva di una natura selvaggia, quasi abbandonata, dove campeggia il moniker della band, che contiene anche uno teschio di bufalo; è tutto un richiamo al sound, seppure in chiave italiana, della band scaligera. Un buon album di genere.

Autore: Kiowa	Titolo Album: Bloom
Anno: 2020	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Southern Garage, Stoner	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: www.facebook.com/kiowametalband
Membri band: Christian Gazzabini – voce Johnny Legnazzi – chitarra Fabio Milanese – chitarra Leonardo Fravezzi – basso Tommaso Rebonato – batteria	Tracklist: 1. River Boat 2. Ordinary Man 3. Hobo Highway 4. Chicken Ridin’ Supernova 5. Green Mushrooms 6. Rat King 7. Vulture’s Wing 8. Waterpump 9. Stone Valley 10. Spider Pit

Santamuerte – KonoKono

KonoKono è un salto nel passato, ad un’era poco decifrabile, quando il rock sapeva di garage, quando puzzava di noise, quando si inzuppava nel grunge, quando la voglia di alzare il volume al massimo dell’ampli arrivava dopo aver suonato la seconda nota del primo pezzo. È così che ci appare il secondo lavoro dei Santamuerte, band in tutto e per tutto pugliese ma che propone un sound senza tempo e senza luogo, obbligatoriamente in formato vinile per valorizzarne le imperfezioni. Ma attenzione perché se i giri di chitarra (si sentono sempre due chitarre ma in formazione è tutto ad appannaggio di Vito Mannarini), il groove infuso in alcuni passaggi e le ambientazioni ci rimandano obbligatoriamente ai panorami garage rock che furono, in KonoKono appare anche una voglia di non accelerare gli animi e non spingere sui ritmi di batteria. Così la parte iniziale di Mistery Days rallenta i colpi, ma anche Without You sembra influenzata da certo space rock e diventa fumosa, quasi lisergica. Sicuramente i brani più veloci offrono più energia, immaginiamo anche in sede live (ci riferiamo a My Pills o a Spit Of Gold) ma noi apprezziamo molto anche i passaggi più “ragionati” perché regalano una visione diversa del garage rock e da un certo punto di vista un qualcosa di più personale.

Miracle, che chiude il lato A del vinile, porta con sé un fortissimo sapore The Clash (incendiario l’assolo), nel secondo lato il copione non cambia, fatta eccezione per i soli nomi (più lunghi) delle tracce; così compaiono pezzi più carichi (va citata Why You con le sue scariche a metà corsa) e momenti più pacati (Sand And Haze che porta con sé tutto il sapore settantiano). KonoKono è un lavoro tutt’altro che scontato che a differenza dei diversi lavori garage in circolazione non punta solo sull’istinto ma anche su una forte dose di razionalità. Una band sicuramente da tener presente nel genere.

Autore: Santamuerte	Titolo Album: KonoKono
Anno: 2019	Casa Discografica: MiaCameretta Records
Genere musicale: Garage Rock	Voto: 6,75
Tipo: LP	Sito web: https://www.facebook.com/santamuertemoladibari
Membri band: Vincenzo Dalessio – batteria, voce Vito Mannarini – chitarra, voce Gianmarco Tinelli – basso, voce	Tracklist: Lato A: 1. My Pills 2. Mistery Days 3. Without You 4. Spit Of Gold 5. Miracle Lato B: 1. A Thousand Miles Of Cigarettes 2. Pain, Sadness & Cheese 3. Why You? 4. Sand And Haze 5. ‘Cause She Will Come

Go Cannibal – Go!

I Go Cannibal sono una bomba ad orologeria. Il loro sound pesca dal rock’n’roll garage, andando a richiamare i Rolling Stones e tutti gli adepti che da allora si sono succeduti cercando di ripeterne le gesta. Dopo tanta attività e diversi concerti Go! è l’album che racchiude tutti i loro brani e presenta la band nel migliore dei modi, brani che si collocano quasi tutti intorno ai 2 minuti netti di musica e barrette energetiche elettriche che prendono forma dalle loro corde (solo chitarre) e dal drumming incessante. Una qualsiasi di queste tracce rende perfettamente l’idea del sound a cui i ragazzi si ispirano ma ci sono alcuni momenti che a nostro parere regalano qualche emozione in più, come nella ricercatissima Artichokes, dal refrain stoppato e con chitarre che si intrecciano alla grande, o in A Nice Cup Of Tea che sembra offrire un parto alla Primus, rigorosamente senza il basso e tinteggiato da bluegrass. Ma la loro è pura follia che in alcuni passaggi viene scaraventata con energia e velocità (I Don’t Know, Videogame, Shot From Behind), in altri sembra più calibrata e ha quasi un sapore radiofonico (Flavour) in altri ancora porta con sé un pathos dirompente (Adelaide).

Go! non propone uno stile innovativo anzi qualcosa che guarda al passato ma si presenta con un pieno di carica calorica soprattutto per i contesti dal vivo, vero habitat naturale per la band. Peccato per l’artwork che poteva essere più curato.

Autore: Go Cannibal	Titolo Album: Go!
Anno: 2019	Casa Discografica: S.F.A. Records, Araghost Records
Genere musicale: Garage, Rock’N’Roll	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/gocannibalgo
Membri band: Nando – batteria Vioz – chitarra, voce Terence – chitarra, voce	Tracklist: 1. Right Shoes, Wrong Feet 2. Bad Situation 3. Another Universe 4. (Feelin’ Like) I’m Going To Die 5. I Don’t Know 6. Flavour 7. Artichokes 8. Maybe 9. A Nice Cup Of Tea 10. Asshole 11. Go High 12. Videogame 13. Adelaide 14. Shot From Behind 15. Go Cannibal Go!!

The Junction – Dive

Da sempre a firma Dischi Soviet Studio, il power trio The Junction torna con un nuovo album, il terzo, dal titolo Dive. A nostro parere il loro campo da gioco è sempre il garage rock anche se i The Junction mettono in luce diverse aperture a seconda delle tracce (elemento che accomuna Dive con i precedenti lavori). Ad esempio Try Something New non tradisce le loro radici post-punk (in primis sulle linee vocali) anche se il brano contiene una ritmica decisa e veloce che ci porta lontano da quella scena; così esce fuori anche una certa Far Away, un esercizio di psychobilly dal sapore molto angloamericano pronta a conquistare quelle classifiche, arricchita da linee di basso che si fanno sentire e da una metamorfosi sperimentale che la conduce su territori aspri ma interessanti. Imprevedibili questi The Junction, energia ed estro si fondono ma quello che più ci piace è che i ragazzi non si adagiano su riff preconfigurati e pur essendo solo in tre cercano di strutturare i brani in modo che arrivino pieni di ispessimento musicale (The Twang è solo un esempio). Riff che dà melodia e basso che dà ritmica? Assolutamente no, loro scompongono questa regola e inseriscono gli strumenti come preferiscono, anche cambiando la rotta di un brano laddove un’altra band ci avrebbe costruito un’intera hit.

Altro elemento vincente è l’aderenza al rock distorto e serrato: anche quando le trame sembrano più pacate, come in Bombay Movie, i ragazzi non si placano e inseriscono comunque delle accelerazioni, o dei suoni fuzz, o delle distorsioni e questo sicuramente è ottima cosa per chi ha sete di rock. Provate ad immaginarvi una Niki Louder suonata in un live club dove scorrono fiumi di alcol e quintali di watt: chi è capace di restare immobile rischia di essere cacciato via. Bel lavoro, sicuramente meglio se provato in sede live, la dimostrazione che tante buone idee sono più efficaci di suoni iperprodotti ed effetti costosi.

Autore: The Junction	Titolo Album: Dive
Anno: 2019	Casa Discografica: Dischi Soviet Studio
Genere musicale: Garage Rock	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: http://www.thejunction.it
Membri band: Marco Simioni – voce, chitarra Francesco Reffo – batteria, voce Alessandro Maroso – basso	Tracklist: 1. Die Alright 2. Dive 3. Try Something New 4. Crazy 5. Far Away 6. The Twang 7. Bombay Movie 8. Niki Louder 9. Lost In The Middle East 10. Love 11. The Widow