Hortus Animae – Piove Sangue

Ancora una discesa negli Inferi assicurata, con uno dei tanti progetti paralleli di Martyr Lucifer: la band riminese torna stavolta ad insanguinare il nostro apparato uditivo con una esibizione dal vivo registrata in Slovacchia alla fine del 2016. Sei tracce che non fanno sconti né prigionieri: acclamati dall’audience in maniera quasi (appunto) luciferina, il sestetto spara a tutto volume il suo odio verso le cose scontate, brandendo ognuno il proprio strumento come una lancia da affondare nel costato nemico. Si parte con le tastiere dannate che fanno da apripista a Furious Winds / Locusts, dove la voce “maledetta” del Martire accompagna lungo tutto il brano con una atmosfera incandescente di distruzione e desolazione incombente, con il suono cupo e distorto a farla da padrone. La successiva Chamber Of Endless Nightmares si dipana con maggior trasporto tecnico, con le chitarre a disegnare un tappeto fresso di reviviscenze metalliche dei bei tempi, subito ricondotte tuttavia nell’alveo del dark-gotico più spinto, tanto da farci temere che effettivamente di qui a poco piova il sangue di cui al titolo.

La lunghezza e la drammatizzazione di Doomsday viene percepita attraverso una lunga introduzione silenziosa che fa da apripista ad una linea di basso davvero inquietante ed ossessiva, accompagnata dalle tastiere sognanti ed al tempo stesso stranamente ed apparentemente melodiche, sulle quali si immette subito il singer qui molto ispirato in un ritmo saggiamente rallentato, che consente alla band di ottimizzare la propria prestazione strumentale senza dilatare i tempi delle battute: più un brano dalle venature quasi progressive, specie nella fase centrale, che mette in risalto la buona preparazione tecnica del combo, qui a suo agio nel declamare con calma i contenuti della traccia. Segue un medley, iniziato dalle tastiere valide di In Adoration Of The Weeping Skies, con rumori molto “ambient” sui quali la voce del Martire si erge decadente e coinvolgente in un incubo sonoro che avrebbe fatto le fortune del grande regista Roger Corman: segue l’ispessimento del sound con Cruciatus Tacitus, vero e proprio inno di battaglia su cui le chitarre drappeggiano una landa di morte e nichilismo desolato, grazie ancora al cantato pungente e stentoreo ed ai tasti magici ad accompagnarne le evoluzioni maledette, mentre le sei corde si alternano bene tra ritmo e solismi che non stonano con la complessità del momento, che viene chiuso da Souls Of The Cold Wind e le strofe macerate da un canto quasi horror nella sua proposizione: ancora sugli scudi la coppia delle asce ed un valido drumming che stavolta abbonda piacevolmente in crash e timpani.

There’s No Sanctuary parte sparata come una locomotiva, con tastiere e synth abbrancate in un abbraccio mortale, mentre il microfono inizia a sentire la pressione del cantato sinora esibito, quasi a volersi liberare dagli ultimi lacci di sanità mentale, alla deriva totale “grazie” alla conduzione delle danze molto macabra; i growl di sottofondo ed il groove impazzito fanno di questa traccia la probabile vincitrice del lotto, con un potentissimo solo centrale delle asce, che quasi schianta al suolo l’evidentemente già annichilito uditorio dell’Est europeo, sinora devoto e partecipe. Chiude l’intrigante Raining Blood e la presenza a sorpresa di Volker “Freddy” Fredrich dei famigerati Necronomicon e qui la dannazione eterna si scatena, con le asce ormai impazzite nel più brutale thrash-doom-speed che sia possibile esibire in circa 4 minuti: la lacerazione sonora è ormai compiuta con il suono selvaggio cui è difficile restare dietro, essendosi ormai devastati tutti i sensi dell’oscenità musicale ed ogni eventuale livello di dignità umana, abbrutita dall’enormità del suono, senza più freni inibitori a dominare un pubblico ormai senza difese, degnamente concludendo un live-act potente come raramente accade di assistere.

Martyr Lucifer – Gazing At The Flocks

Dopo il buonissimo Farewell To Graveland del 2011 di cui avevamo parlato a questa pagina e l’altrettanto valida raccolta Shards del 2013 disponibile qui, torna sulla scena uno dei più rappresentativi epigoni dell’alternative metal, spaziando tra gothic, rock e dark con altrettanta perizia. Tirandosi appresso alcuni compagni delle precedenti avventure e progetti paralleli vari, il Nostro piazza l’ennesima zampata di successo, con un album “scurissimo” che ci obbliga a guardarci dentro per le tematiche ed il sound in esso espressi. 12 tracce di assoluto valore, che non si ascoltano certo con disattenzione, mantenendo ognuna di esse quel quid che alla fine ci lascia riflettere; ad iniziare dal dittico di Veins Of Sands, in cui la prima parte si articola attraverso un intro completamente strumentale ed intriso di sonorità “nere” e profonde, mentre la seconda parte vede finalmente una maggiore strutturazione vocale, con la chitarra molto ben “sconnessa”, ovvero con una distorsione saggiamente prodotta che ben si sposa con il cantato “malato” del protagonista, già agli inferi dal punto di vista interpretativo. Bloodwaters ed il tocco delicato del cantato al femminile attirano certo l’uditorio, ma il tutto appare slegato dal contesto che il buon Martire vuole offrire a chi ascolta, ovvero sonorità a volte decadenti che inducono a riflettere sui misteri nascosti della vita, pur in questo caso sempre offerti con eleganza e buona distorsione delle atmosfere, nell’ambito di una generale buona prestazione collettiva.

Giungiamo allora all’intrigante Feeders che stavolta riesce a coinvolgere completamente per il suo approccio molto diretto nella narrazione e nel cantato, che qui è del tutto inserito nel progetto “luciferino” del suo Conducator e del quale ben si bea. Ancora un dittico: stavolta si parla di Leda And The Swan, che nella prima parte è ammantata di suono molto gotico e darkeggiante, sul quale ben si inserisce il lavoro della strumentazione elettronica che aggiunge quel quid di intrigante ad un’atmosfera molto noir che ben funge da specchietto per le allodole. Il secondo atto del brano consta totalmente di una esibizione strumentale, dove la fa da padrona la sei corde che dona una veramente notevole dimostrazione di forza ed al tempo stesso di claustrofobia, stante il contesto molto molto drammatizzato ed in cui il suono diventa al tempo stesso quasi “mefitico” all’ascolto già di per sé turbato dalla prima parte del brano. Wolf Of The Gods si delinea subito con il suo coinvolgente groove, laddove Martyr conduce da par suo le danze con un gothic sound molto cupo che in soli 2 minuti o poco più coinvolge all’inferno chi ascolta.

Somebody Super Like You ed il suo ritmo sferzante ci riavvicinano alle corsie del rock sinora misconosciute alla band, anche in questo caso ci troviamo ad ascoltare una sei corde molto intensa che ben si districa nella doppia funzione ritmico-solista. Il cantato di Benighted & Begotten è stavolta molto rilassato, quasi morbido: segno dell’intenzione del Martire di raccogliersi “in preghiera” ed osservare in seguito l’evolversi di un suono acido e decadente e tuttavia gradevole nel suo divenire, che si appalesa altresì molto complesso ed indaginoso con la successiva Spiderqueen: essendo il brano più lungo dell’album, esso si dipana attraverso una complicata e ben riuscita serie di intrecci vocali tra il leader e la calda e passionale Leit, che qui raggiunge vette da autentica poetessa delle Tenebre. Supportati dal buon lavoro di squadra, le due voci sono a proprio agio nell’esecuzione di una traccia davvero notevole, che porta ancor più in alto il Nostro. Flocks ci sorprende per la sua aggressione vocale e sonora, unendosi bene ad una sezione di archi, il brano si cala in una dimensione quasi eterea, sovrannaturale che sfocia nell’epico: molto complessa la fase centrale, in cui si fa ricorso a tutti gli artifizi di studio per poter offrire un suono comunque valido ed attraente, con la sei corde ancora a dettare bene i tempi.

A chiudere, Alkyone’s Legacy e la sua linea pianistica introduttiva che, pur godendo di una buona prestazione vocale della gradevole Leit, non si solleva del tutto da una certa ripetitività rispetto a quanto sinora già ascoltato: pur positivo nel complesso, il brano risulta leggermente sottotono forse paradossalmente a causa della buona esecuzione, che resta ferma ed eguale per tutta la durata della traccia, che non inficia comunque il buon risultato finale dell’ennesimo valido prodotto del Martire.

This Void Inside – My Second Birth My Only Death

Ritornano dopo anni di silenzio i This Void Inside, combo dedito ad un gothic rock secondo noi interessante ed esportabile all’estero. Qualche anticipazione era giunta un paio di anni fa con la presentazione del singolo Losing My Angel ma la band ci ha fatto attendere tanto prima di dare alle stampe My Second Birth My Only Death, circa un’ora di musica oscura ma che non cede il passo a facili umori depressivi. Il sound degli ragazzi è fortemente legato agli anni 80 (brani come Memories’ Dust, Here I Am o Ocean Of Tears lo confermano) e viene rimarcato da due fattori molto evidenti: il primo è legato all’uso dei synth che rafforzano l’imprinting gothic e ammorbidiscono anche il sound generale rendendolo più rotondo e meno affine al rock; il secondo è dato dalle melodie molto presenti in questo lavoro, ogni singola traccia infatti potrebbe essere un singolo che ben rappresenta la proposta dei This Void Inside. Quindi dimenticate il gothic di band oscure e più vicine al metal perché My Second Birth My Only Death suona davvero versatile e adatto anche a chi è un neofita del genere. L’eccezione si chiama The Artist And The Muse, un brano che segue stilemi del gothic rock più classico e introspettivo, arricchito da liriche in italiano.

Probabilmente in alcuni momenti i ragazzi perdono un po’ di personalità a vantaggio di qualcosa che possa piacere a tutti i costi (Another Fucking Love Song, Losing My Angel) e secondo noi è un peccato perché sicuramente le idee, quelle vere, non mancano. Altra cosa che evidenziamo è l’eccessiva lunghezza di alcuni brani, la stessa Memories’ Dust vede ripetere troppe volte il ritornello e alla lunga può stancare; i chorus che strizzano l’occhio al pop rock hanno il pregio di entrare subito nella mente dell’ascoltatore ma anche il difetto di risultare indigesti se ripetuti allo sfinimento. Anche le parti finali dei brani sono diluite un po’ troppo, diciamo che l’album poteva durare 5-10 minuti in meno senza togliere contenuti di valore, anzi forse riassumendo meglio le idee della band. In generale comunque l’album è consigliato a tutti, anche a chi non ha un buon rapporto con i suoni gothic.

Labyrinthus Noctis – Opting For The Quasi-Steady State Cosmology

I milanesi Labyrinthus Noctis ci propongono il loro terzo full lenght album Opting For The Quasi-Steady State Cosmology. Il disco mostra strutture articolate e arrangiamenti solidi in ciascuna delle sue tracce. La struttura del lavoro è composta da tre capitoli, in modo da illustrare le diverse destinazioni di un viaggio cosmico, con destinazione il nucleo del pianeta Marte (Labyrinthus Noctis è una regione del pianeta rosso). La metafora del viaggio come percorso introspettivo è sintetizzata ed espressa in modo efficace dall’amalgama di generi che crea anfratti emotivi dove trovare riparo: gothic, doom, dark, folk, prog, elettronica sono nomi che identificano un’infrastruttura musicale chiara ma assai complessa e sfaccettata nei dettagli. Questi colori musicali vestono buone melodie, una sezione ritmica dinamica e compatta, una voce impeccabile ed espressiva, capace di spingersi su vette e terreni impervi, come la cover Padre Davvero, originariamente pubblicata da Mia Martini nel 1971.

Un ottimo disco per gli amanti del genere, che dovrebbero averlo a tutti i costi. Consigliato anche per chi ha voglia di farsi un viaggio, come si diceva negli anni 60-70, naturalmente meno psichedelico e più corazzato e tecnologico.

Black Hole – Evil In The Dark

Evil In The Dark dei Black Hole è davvero un album che non si sa dove collocare a causa della sua difficoltà interpretativa, capace di giocare tra l’essere una vera e propria colonna sonora ed il divenire vera e propria dark wave. Il concetto di sound qui è fuori da ogni schema perché i vari passaggi che compongono il disco sembrano scaturire da una illogicità musicale che pur delineandosi poco a poco, sembra essere più votata alle sperimentazioni sonore che altro. La curiosità però non manca anzi, si anima ancora di più quando le keybords lavorano per costruire sottofondi alla Deep Purple che si convertono in suoni oscuri che ricordano i Black Sabbath degli esordi. Potremmo qui dire che i Black Hole sono quella parte di dark metal immaginifico che viaggia sulle atmosfere dell’underground di matrice italiana, un concetto questo abbastanza complesso da capire se non si ascolta attentamente il disco. Infatti, anche per questo, i Black Hole sembrano essere una band fuori dagli schemi e lo conferma proprio questo Evil In The Dark che impone, prima di una scelta definitiva di genere, un senso di dubbiosità in chi ascolta per la prima volta questo lavoro.

Il fuori canone qui è di casa, il disco sembra essere la composizione di tante prove ma è concepito in realtà con un senso dell’orientamento da parte della band che non lascia scampo. Infatti i veronesi Black Hole sono una di quelle poche band che non si è voluta per nulla assoggettare ai “momenti”, alle mode musicali, né tanto meno alle case discografiche, una scelta di stile che merita un elogio per il coraggio fin qui dimostrato. Fatto è che da Land Of Mystery, album del 1985 presto divenuto un album importante e di culto, sono passati a quel Living Mask del duemila per poi dissolversi e ritornare in questo 2018 con Evil In The Dark che raccoglie tante idee della band sviluppate nel corso del tempo. E’ di certo un album per pochi intimi, ma è anche un lavoro che affascina se lo si ascolta con la giusta predisposizione.

Un album che viaggia tra irrazionalità e progressione sonora con un sottile piacere di italianità. Per chi ascolta un bel viaggio nell’oscurità. Buon inferno a tutti!

Asphodelia – Welcome Apocalypse

Lacuna Coil ed Evanescence sono i nomi che ritornano alla mente ascoltando la proposta degli Asphodelia autori (a loro dire) di un symphonic metal che sa però più di gotic metal, con alcune atmosfere oniriche e chitarroni ribassati dal retaggio nu metal. Forse questo non è il momento più propizio per le band appartenenti a questa scena, di sicuro 10 anni fa un album del genere avrebbe “tirato” parecchio, anche perché la produzione e i suoni del CD sono all’altezza dalla situazione. Ciò che in questo CD paga un pesante scotto è la ripetitività di alcune soluzioni stilistiche in brani come Alive e Dust, che vanno a cozzare contro episodi perfettamente riusciti come Heroes e Mirro Mirror che si muovono in un perfetto equilibrio tra melodia e aggressività. Questa monotonia creativa di fondo non permette al CD di decollare e spesso quando ti gasi per un brano l’eccitazione scende a fondo scala con la composizione successiva, nel mezzo ci sono canzoni come Cassandra e Like Water che lasciano l’amaro in bocca per il senso di incompiuto.

In particolare la cantante Samuela per quanto brava e dotata riesce a esprimersi in un unico registro sonoro, questo a volte va a cozzare con le chitarre chiuse e potenti e a poco servono le sporadiche incursioni della voce maschile alla Brigth Me To Life per colmare la mancanza di versatilità vocale. Nota a parte per la bonus track With Or Without You che è la cover del brano degli U2 modificata in chiave minore (anche qui un’idea molto simile a quella degli A Perfect Circle per il brano Imagine di Lennon) che si sposa con il resto dell’album come le cozze con il caffè latte, ma che di sicuro garantirà una certa visibilità alla band visto l’interesse che ruota intorno alla band di Bono e soci. Ovviamente stiamo parlando di un lavoro più che sufficiente e di musicisti capaci nonché talentuosi, ma per poter emergere nel marasma sempre crescente delle uscite musicali gli Asphodelia dovrebbero lavorare di più sulla forma canzone, estendendo questa ricerca a ogni composizione e non concentrandosi solo su poche buone canzoni.

Paragon Collapse – The Dawning

Dalla Romania giunge questa band interessante che sfiora il doom metal per le sue cadenze ritmiche lenti ma che in fatto di suoni è molto più vicina all’heavy metal in senso generale del termine. Più che doom noi avremo parlato di gothic per presentare le composizioni dei Paragon Collapse, una band che punta sull’oscurità e sulle tonalità alte della singer gran parte del proprio stile. La vena progressive in realtà non deve trarre in inganno: vi sono partiture ricercate, sia ritmiche che chitarristiche, ma al di là di quale momento (come Nirvana) non bisogna immaginarsi un album prog metal con tempi asimmetrici, piuttosto una ricerca continua dal punto di vista compositivo, arpeggi e costruzioni intricate che suggeriscono un grande lavoro di architettura della musica. Già nell’opener la voce soave di Veronica Lefter la fa da padrone ma anche l’ambientazione lugubre e polverosa creata dal combo che non può non ricordare i My Dying Bride, i tempi si dilatano ma siamo lontani dai classici album doom metal in cui una cadenza si ripete all’inverosimile: i Paragon Collapse, in una pellicola unica, propongono tessiture chitarristiche particolari ma mai sperimentali, all’interno di una cornice nera come la pece e tante variazioni che rendono piacevoli anche i brani che superano i dieci minuti.

Bello anche l’esercizio strumentale dal titolo A Whisper Of Destiny, un brano dalla durata più congrua ma che non stenta a mutare forma e pelle, presentando riff ruvidi come intermezzi più introspettivi con violino al seguito; un pezzo sicuramente più digeribile. Noi instancabili ascoltatori restiamo conquistati anche da Climbing The Abyss, un pezzo che abbraccia il depressive metal rafforzandone la vena heavy e che lungo i suoi 11 minuti regala tanti cambi d’atmosfera. In generale l’impostazione musicale della band è davvero originale, muovendosi sulle coordinate di un heavy metal cadenzato, gotico e variabile; noi avremo preferito delle chitarre più muscolose in quanto a produzione e magari con dei suoni più limpidi ma si entra nel campo dei gusti e anche la scelta di avere delle sei corde più grezze e thrashy piacerà a molti.

Blut – Inside My Mind Pt. II

I Blut sono una formazione italo/svizzera capitanata da Alessandro Schumperlin, Inside My Mind Pt. II è il secondo full lenght che andiamo a smascherare. Si tratta di un genere a metà tra gothic/electro/industrial, con un’immagine votata al vampire, mentre le tematiche affrontate ci rimandano alle malattie mentali. La musica come vuole il genere è sintetica, ciò non toglie che alcune canzoni sono davvero trascinanti, come nel caso di Jerusalem Calls Me. I Blut hanno in possesso una buona dose di teatralità, elemento che aggiunge altre sfumature alla musica della band. Synth, dark ambient le nostre orecchie sono violentate da queste atmosfere, con la sensazione di trovarci sotto il tendone di un folle circo sotto gli occhi tristi di alcuni clown che non fanno più ridere. A riportare ritmo trascinante ci pensa Wind Ego grazie a riff energici, per un attimo lasciamo i temi freaks e finalmente possiamo scapocciare. My Naked Soul di certo si pone come uno dei picchi più alti dell’album con la voce di Marika Vanni (cantante degli Eternal Silence) che si consacra in un mare di note che disegnano trame eleganti e misteriose.

In chiusura Folly Of Two un omaggio alla bellissima Doris Day sulla melodia di Tea For Two una scelta coraggiosa e apprezzabile. Ekbom di fatto chiude l’album sulla “cattiveria” di metriche in stile Rammstein. Inside My Mind Pt. II è un buon disco, grazie a spunti personali e un’immagine circense, dove i personaggi originali sono pronti a esibirsi con numeri mai visti. In alto il nostro saluto!

Gloom – Catharsis

Metto il CD nel lettore, a un primo ascolto il CD non convince per niente, va bene lo ascolto di nuovo domani…la notte porta consiglio, ma i Gloom portano sbadiglio. Il genere è un gothic metal che ricorda in alcune parti gruppi come Evanescence e Him, quindi brani dai toni oscuri, intro e break con pianoforte e testi tetri e introspettivi, manca però l’ispirazione nonostante la band sia tecnicamente preparata e il CD sia prodotto in modo discreto. Se non fosse per i bpm che variano leggermente da un brano all’altro, sembrerebbe di ascoltare sempre la stessa canzone, una noia mortale dovuta ad un’assenza di idee originali. Tra tutti i brani l’unico degno di nota è Lillyann ma non basta una sola canzone a reggere tutto un lavoro che non regala alcun tipo di emozione, dato non trascurabile per il genere che i Gloom sono andati a scegliersi.