Neracruz – Neracruz

I Neracruz sono una band attiva dal lontano 1995, sono passati anni e molte vicissitudini, ma finalmente possiamo ascoltare l’omonimo debut album. La formazione italo/britannica è in grande forma, la loro musica è da considerarsi genericamente rock, anche se sfumature gothic, new wave, electro arricchiscono l’intero lavoro, dando quel tocco di originalità alla band, che non guasta di sicuro. La partenza del disco è affidata a Pure Love, capiamo da subito quello che i Neracruz vogliono trasmettere all’ascoltatore, il messaggio di un rock genuino, diretto, suonato senza troppi fronzoli da una parte ma altrettanto elegante dall’altra. Non ci sono cali di tensione, il disco scorre piacevolmente, lasciandoci buon gusto al nostro palato, tra le mie preferite il singolo The Dream e Blind Game, canzoni che nei 3:30 circa racchiudono il concetto Neracruz, rendendo omaggio alla new wave degli anni 80, al rock grezzo e stradaiolo, al gothic.

Chiudendo gli occhi, il primo accostamento che risvontro è quello ai The Cult, periodo Love, specie per le linee vocali, che rimandano al pellerossa Ian Astbury, ho sempre apprezzato questa grande band, ma non ci fermiamo qui nella musica dei Neracruz c’è molto altro, ad esempio l’elettronica dei Depeche Mode, la spontaneità di Billy Idol, il suono ribelle dei Litfiba, e poi c’è il gothic dei maestri Type O Negative, proviamo a frullare tutto questo, ne verrà fuori un cocktail di nome Neracruz. Ogni singolo componente svolge il proprio compito in maniera egregia, delle buone linee vocali, dei chorus mozzafiato abbiamo già parlato; ho apprezzato anche il connubio basso/batteria, ruvido, diretto, quanto efficace alla funzionalità dei brani, le chitarre emergono solo a tratti, anche se quando vengono alla luce riescono ad imporsi, tra le ricche sfumature di questo disco, dove una parte essenziale e molto presente è recitata dalla tastiera e synth.

Pollice in su per le liriche, interessanti e mai scontate, così come un giudizio positivo merita la scelta dei cantati, equamente divisi tra italiano e inglese, fattore che, nonostante le lingue siano per storia e geografia lontane, risulta dare omogeneità all’interno del brano, senza forzature ed ostentazione. Infine la produzione del disco, davvero più che buona, dei giorni nostri, dove la pulizia in un genere come questo è sinonimo di qualità. Siamo al “The End”, i rossi tendoni del teatro si chiudono, mentre la musica dei Neracruz risuona imponente nel nostro cervello sconvolto. In alto il nostro saluto!

Katatonia – Last Fair Deal Gone Down

Da molti considerato il vero masterpiece della discografia dei Katatonia, Last Fair Deal Gone Down, quinta fatica per gli ex doom/death masters di Stoccolma (seconda su Peaceville Records) risente ancora in minima parte, (Dispossession, Clean Today, The Future Of Speech, Passing Bird) del songwriting del passato, fino a Tonight’s Decision compreso. Un percorso perfetto, che vedrà l’apice compositivo con il seguente Viva Emptiness, che passa necessariamente da qui; e da qui non si ritornerà più indietro per Jonas Renske e Blackheim (Anders Nystrom), ora accompagnati da Mattias Norrman, fratello di Fred, al basso, e Daniel Liljekvist, al posto di Dan Swano, alle pelli. Chrome fa subito capire la cifra stilistica di questa evoluzione, batteria più secca sul riff portante, a costituire l’incipit della song, e fin qui poco di diverso dal passato. Delay meno abusati e finalmente un basso che dà più corpo per concludere con una produzione decisamente migliore delle parti vocali. Il vero passaggio di consegne è rappresentato da We Must Bury You, strofa acustica con qualche synth d’accompagnamento che apre ad un chorus letale per potenza ed oscurità.

Teargas, primo singolo estratto, ripercorre gli stessi passi proponendo un ritornello molto più melodico ed accattivante, I Transpire mischia ancora un pò le carte andando a pescare ritmiche care all’ambiguo Discouraged Ones, riscoprendole brillantemente nel chorus, Tonight’s Music, rilasciato in veste di singolo/EP qualche mese dopo è una cavalcata con lo schema classico strofa acustica quasi sussurrata e ritornello pestato, in cui si percepisce in modo netto quanto fosse importante inserire un basso di spessore; Sweet Nurse è probabilmente la ciliegina sulla torta di questo CD, con la voce di Renske a costruire sempre di più la linea melodica del brano, in cui si apprezza un utilizzo massiccio di delay e riverberi che saranno una costante nei lavori del decennio successivo. Rimasterizzato nel 2004, sono state aggiunte 3 tracce abbastanza anonime (Sulfur, March 4, Help Me Disappear) per probabili finalità commerciali.

Katatonia – Tonight’s Decision

Primo full-lenght su Peaceville Records per i Katatonia, Tonight’s Decision non convince completamente la critica, convinta che i doom/gothic masters svedesi abbiano voluto riaffidarsi a sonorità più estreme per riprendere i fan persi per strada, dopo aver abbandonato growl e pesanti distorsioni con il precedente Discouraged Ones. Nulla di più falso, e se consideriamo le produzioni successive, risulta evidente che forse è proprio quet’ultimo il vero episodio “incompreso” della discografia dei Katatonia, tentativo di distacco dal death metal “relented” degli albori, malinconico e poco distorto, ma grezzo ed ipnotico ed in ogni caso anch’esso un ottimo full-lenght. E’ altresì un’evoluzione continua quella dei ragazzi di Stoccolma, e Tonight’s Decision rappresenta il trampolino di lancio che vedrà, nei successivi Last Fair Deal Gone Down, Viva EmptinesseThe Great Cold Distance, l’apice stilistico-compositivo della band. Il wall of sound complessivo del disco è palesemente più aggressivo e metal, come giustamente la stessa critica fa notare, ed è stato ottenuto potenziando le chitarre e rendendo il drumming, affidato a Dan Swano, meno trascinato e lontano, oltre che lavorando in modo netto sulla voce.

For My Demons definisce il trademark presente e futuro del sound Katatonia, nel suo lisergico alternarsi tra strofa e chorus, come momenti distanti che si incastrano perfettamente grazie al cantato di Jonas Renske, unico nel suo genere. I Am Nothingprosegue nell’alternanza di distorsioni e suono pulito tra strofa, pre chorus e chorus, e fra melodia ed antimelodia, risultando forse il miglior brano del disco. In Death, A Song risente moltissimo dell’influenza di Dan Swano in studio, nel main riff della strofa e negli stacchi, ricordando Nightingale ed Edge of Sanity. Had To (Leave) ricalca gli slow tempo dei primi lavori ma lascia spazio ad atmosfere molto cupe grazie all’utilizzo di sintetizzatori nello stacco centrale. This Punishment regala una parentesi acustica/vocals, molto suggestiva ed onirica, Right Into The BlisseStrained riportano in auge la caratteristica predominante del gruppo, main riff protagonista su mid tempo e distorsioni a palla, con la linea vocale che cuce la sua trama angosciata e drammatica. No Good Can Come Of Thisnon si distacca un centimetro dallo schema preferito dei Katatonia, con la voce che intreccia il riff portante nel ritornello, come se si stessero inseguendo in un tunnel. A Darkness Coming è un altro ottimo episodio acustico, parecchio Opeth.

Chiudono Nightmares By The Sea, personalissima cover di Jeff Buckley, e Black Session. In conclusione, un disco fondamentale, per nulla interlocutorio, in cui i Katatonia pongono le basi dei successi discografici degli anni a venire, nonostante le future dipartite di Fred Norrman e di altri componenti che si sono succeduti nel corso degli anni.

Blackdahlia – Fragments

Amy Lee con i suoi Evanescence aveva dato uno scossone al dark metal internazionale. Il loro merito era quello di convertire la scena gothic metal e symphonic metal ad un pubblico più vasto aprendo le porte delle grandi classifiche senza svendersi del tutto. Se consideriamo le grandi band con voce femminile del genere (Nightwish, Epica, Within Temptation, After Forever…) hanno tutte come grande nemico (discografico) quello di non riuscire ad approdare al pubblico dei grandi numeri. Nonostante gli enormi successi, nessuno riesce a conquistare una radio commerciale né un’emittente come Mtv, seppur nell’ultimo decennio sia fin troppo affine ai successi da Top 10. Invece gli Evanescence (e solo in seguito i Lacuna Coil) sono riusciti a rendere appetibile questo suono e diffonderlo con risultati ciclopici.

Parliamo di loro perché gli emergenti Blackdahlia, scritturati dall’Areasonica Records, con il loro album Fragments si avvicinano molto alla proposta musicale di Amy Lee e soci. Voce femminile in assoluta prima linea accompagnata da un piano che regala quella veste di epicità e di oscurità tanto cara a questo sound; anche qui Samuela, come Amy, è l’autrice delle linee vocali e di piano, fatto questo che prova la comunanza ideativa dei due strumenti, pensati per fondersi all’unisono. Ma si tratta pur sempre di rock duro, infatti le due chitarre si appropriano del proprio ruolo e giocano in attacco grazie ad una scelta produttiva che non le fa passare inosservate. Il loro sound è volutamente poco pulito, in modo che possa piacere anche a chi è più avvezzo al metal, e questa è una scelta che può affascinare o far discutere alla luce della eccellente pulizia di voce e piano.

Fragments non è però un album di brani sempliciotti ma cela capacità ideative che si colgono in vari frangenti: ad esempio Wounds (e in parte Fly) è sì caratterizzata da un ritornello popolare seppur duro alla sei corde, ma non nasconde arrangiamenti e sprazzi di iniziative fuori dal concetto di rock anthem che ne rendono più particolare l’ascolto. Nel brano Lost In The Daylight si toccano con mano le similitudini rispetto agli Evanescence e la capacità di abbracciare gusti più da pubblico americano: una sorta di rock ballad che entra nella mente e si confà a situazioni di tristezza come di romanticità senza alcun problema di sorta.

Un lavoro che più che la pura personalità mette in luce delle doti di alto livello e lo fa con una semplicità (almeno percepita) che pochi sono in grado di tradurre in un album.

Aevum – Impressions – Il Palcoscenico Della Mente

Non è facile portare avanti o affrontare un progetto musicale come quello di cui ci accingiamo a parlare. Perché una band di sette elementi che debutta con un album molto particolare, un’opera metal dietro la quale alberga il concetto di teatralità (nel senso di teatro, non di glam rock) al giorno d’oggi può solo avere molto coraggio. Poi se in più l’album è di pregio e ben realizzato, ancora meglio. Ed ecco quindi che Impressions – Il Palcoscenico Della Mente dei torinesi Aevum va avvicinato con molta cautela. Perché di sicuro non è un prodotto alla portata di tutte le orecchie. Non si tratta di proporsi con spocchia ma con una release molto particolare che, quindi, non è di facile fruibilità. La musica proposta dai Nostri è qualcosa che mescola molti generi. La definizione di gothic metal è molto riduttiva anche se poi, per comodità di categorizzazione, l’album può essere così definito. Anche se dentro c’è di tutto e di più. Molto power, molto death, molti passaggi sinfonici e canzoni che ricordano da vicino i Nightwish del periodo Whishmaster. Il condimento poi viene completato da alcune contaminazioni elettroniche e blues. Se gli Aevum vogliono dare vita ad una rappresentazione e ad una storia teatrale decadente, pomposa e barocca, la conclusione è che ci siano riusciti molto bene.

La voce di Evelyn Moon, lirica e pulita e con qualche scream, bene si integra alle risposte maschili nella band Hydra e Richard. Il tutto sostenuto da orchestrazioni e arrangiamenti che si sposano alla perfezione con il continuo contrappunto di voce maschile e femminile ed i cambiamenti che anche la musica si porta dietro. Un continuo intrecciarsi di soluzioni mutevoli. Come dicono nella loro biografia la musica proposta “è un continuo tendere verso l’unione tra l’umano e il divino, fra gli opposti, l’essere maschile e quello femminile”. Di solito trattasi di altisonanti definizioni di presentazione. In questo caso no. E’ proprio la sensazione che Impressions – Il Palcoscenico Della Mente ci ha suscitato durante il suo ascolto.

Rainover – Transcending The Blues And Drifting Into Rebirth

I Rainover sono una band “mediterranea”, con origini spagnole ma che hanno scelto l’Italia per registrare il loro album Transcending The Blues And Drifting Into Rebirth. Eppure la loro anima si muove su sonorità gotiche che, solo sulla carta, si rifanno ad una scena molto attiva nel nord Europa. Perché solo sulla carta? Perché l’heavy metal e la voce femminile non vanno sempre accostate a band come Nightwish, Epica, Within Temptation, After Forever, eccetera; i Rainover infatti sembrano molto più vicini allo stile di Evanescence e Lacuna Coil. le tastiere infatti non sono troppo presenti e la vena gothic metal è molto sobria, piuttosto è l’heavy, che resta comunque molto spesso vestito di rock, a presentarsi in primo piano insieme alla voce di Andrea (una donna) che comunque risulta d’impatto. Un’altra loro caratteristica sono i tempi: il loro sound è sì duro ma soprattutto romantico, non si opta quasi mai per tempi veloci, mettendo quindi da parte l’aggressività e lasciando invece che sia l’ambientazione dark (seppur elettrica) a rendere originale la loro proposta musicale. Cycles è un ottimo esempio del loro buon potenziale: due voci, una maschile e una femminile, si dividono le parti vocali così come la chitarra che si presenta prima in forma elettrica (con refrain molto semplicistici) e poi in veste acustica; struttura da singolo e assolo e ritornello orecchiabili, qualche arrangiamento e un suono pulito fanno il resto. Una ottima hit da dare in pasto alle radio! In alcune tracce si inseriscono un po’ di effetti che a nostro parere potrebbero farli apprezzare a chi usa consumare new wave e musica dark in generale (o anche elettronica), per il resto non vi sono novità di spicco lungo i vari brani.

Rain Over My Tears ad esempio è un altro buon pezzo che segue gli stessi binari di Cycles: il lato compositivo del quintetto non si perde in soluzioni sofisticate né sperimentazioni, il loro intento è quello di mettere sul campo da gioco un rock/heavy semplice, a tratti morbido a tratti deciso, molto democratico (nel senso che accontenta un po’ tutti) e che si fa ascoltare. Non è un caso che noi troviamo molte somiglianze stilistiche proprio con gli Evanescence (ascoltare l’inizio di Hopeless per credere) con cui condividono sicuramente lo stesso ascoltatore medio e lo stesso amore per il dark. Quindi se vi piacciono queste sonorità i Rainover meritano un ascolto, o anche se si vuole trovare una band da cui partire per entrare nel misterioso (e per noi amatissimo) mondo del metal.

Levania – Renascentis

Con una scenica ed esterofila presentazione, i Levania presentano il loro nuovo album dal titolo Renascentis. I ferraresi settano subito le aspettative abbastanza in alto dichiarando da un lato di afferire alla scena gothic metal ma d’altro canto di non essere la classica band con melodie a profusione e voce femminile pulita. Sulla prima in realtà siamo d’accordo perché l’approccio del quintetto resta ancorato al metal e oltre l’ovvio panorama gothic compaiono molte influenze epiche che spingono la tastiera in alcuni momenti a spostarsi in primo piano, ma in realtà ascoltando bene questo Renascentis non possiamo dirci davvero colpiti. Infatti pur essendoci un doppio gioco di ruoli vocali (Still per le linee maschili e Ligeia per quelle femminili, direttamente influenzata da quelle delle sue colleghe), la proposta è in linea con quelle di band molto note della scena. Spicca la componente musicale con una sezione ritmica ben presente e una chitarra che riesce a costruirsi un suo ruolo, forse talvolta anche più presente rispetto agli altri strumenti; il gioco infatti è retto da una parte dal sound grezzo della sei corde e del growl maschile, dall’altra dalla melodia pulita della tastiera e la voce in simil-lirica di Ligeia: questo scontro crea la vera personalità della band che però a nostro parere non contribuisce a condurre più in avanti la scena gothic metal.

Oltre ai riferimenti a band ingombranti che hanno contribuito a creare il genere, quello scelto dai Levania è un percorso stilistico già imboccato da molte band emergenti come (con i dovuti piccoli distinguo) gli Eternal Silence, i Ravenouse e gli Holy Shire, quindi il loro volersi differenziare lo troviamo assolutamente un’ottima idea ma quasi per niente concretizzata nella loro proposta musicale. Difficile segnalare in particolare una traccia visto che lo stile si ripresenta coerente in tutta la dozzina di brani inclusi in questo lavoro, ad eccezione dell’intro Prooemium dal sapore quasi sinfonico che apre il sipario e di Drakarys. Se infatti la sete di gothic metal è dura a svanire, sopratutto nei Paesi del nord Europa (sarà un caso che la band parla e scrive sul web solo in inglese?!), è pur vero che c’è bisogno di qualcosa di nuovo e noi speriamo che sia una band italiana a condurre la bandiera del gothic dove nessuno l’ha mai portata.

Eternal Silence – Raw Poetry

Gli Eternal Silence sono una band tutta italiana dedita alle sonorità sinfoniche tipiche delle band del nord Europa di cui abbiamo più volte parlato. Sono varie le formazioni nel nostro Paese che seguono questi passi, da quando i Nigthwish avevano lanciato il genere verso il grande successo, ma per una band emergente è davvero molto difficile differenziarsi per vari motivi: innanzitutto si tratta di un genere in cui è già stato detto molto e di solito i nuovi musicisti non amano sperimentare ma seguire pedissequamente i predecessori, inoltre con i pochi mezzi (anche economici) a disposizione delle nuove formazioni è quasi impossibile realizzare un suono perfetto che colpisca l’ascoltatore attento (e magari chi non è proprio abituato a queste sonorità). Infatti il titolo di questo album, Raw Poetry, trova la sua massima declinazione proprio negli aspetti della produzione, curata sì ma che potrebbe risultare più potente e con delle chitarre più corpose che avrebbero accresciuto la personalità metal della band. Si tratta comunque di una considerazione a latere visto che curare i suoni di un gruppo che propone symphonic metal è appunto impegno molto arduo. Questo il biglietto da visita per gli Eternal Silence, band che con Raw Poetry confeziona il primo capitolo discografico e che sfiora l’ora di ascolto.

Va detto che a livello compositivo si percepisce un buon mix tra i vari strumenti, passaggi differenti che mettono in luce le capacità di tutti i musicisti, compresa la cantante Marika Vanni, sicuramente a suo agio con il genere. Purtroppo però non si ottiene nulla di particolare, qualcosa di cui valga davvero la pena parlare. Difficile che Raw Poetry avvicini persone non vicine alle sonorità sinfoniche ed altrettanto difficile che stupisca grandi conoscitori del genere; non siamo però d’altra parte nemmeno fuori traccia visto che questo può rappresentare un buon primo passo verso un secondo lavoro più complesso e ricercato.

Nicumo – The End Of Silence

La Finlandia non è una nazione adatta a chi cerca il divertimento più sfrenato, i lunghi e rigidissimi inverni uniti alla scarsità di luce mettono a dura prova il carattere e la socialità dei propri abitanti, i quali riescono però in modo egregio ad infiammare gli animi altrui attraverso le numerosissime e validissime band di metallo pesante che, forse complici le rigidi temperature e la mancanza di alternative, nascono un po’ ovunque. Il gruppo di cui vi vogliamo parlare oggi proviene proprio da questa affascinante terra e si palese sotto il nome di Nicumo. A prima vista parrebbe di trovarsi al cospetto di una nota marca di accessori auto giapponese, in realtà questi cinque vichinghi nati nel lontano 2007, debuttano con il loro primo LP intitolato The End Of Silence, proponendo un heavy metal di stampo classico impreziosito con elementi doom e gothic di sicuro interesse. Le atmosfere austere spaziano sapientemente da sonorità malinconiche ed estremamente dark a squassanti cavalcate elettriche sostenute da un riffing serrato e da una possente sezione ritmica che non appare mai banale. Ad un primo ascolto colpisce immediatamente la voce del cantante Hannu Karppinen, un intrigante mix tra i connazionali Ville Valo dei blasonati HIM e Tomi Putaansu dei Lordi per quanto riguarda le timbriche più basse e rabbiose. Una nota di merito va senza dubbio spesa per la produzione e registrazione del disco affidata a Kalle Keskikuru che appare precisissima ed estremamente accurata in grado di impreziosire ulteriormente l’ottimo lavoro svolto.

Le tracce presenti nel disco possiedono una discreta complessità ed un’ottima capacità strumentale come nella canzone di apertura intitolata Follow Me che parte malinconica e deflagra con un grande refrain o nella potentissima Devil dove un discreto growl si fonde perfettamente con la distorsione delle chitarre. La doppia anima di questo progetto rende difficile un giudizio globale sul gruppo, quando la melodia si presenta pulita e cantata in maniera armoniosa il tutto appare poco originale e troppo simile ai gruppi da cui viene tratta ispirazione come HIM, Sentenced, Lordi od Opeth; quando invece si passa nel campo della forza bruta e della pura emozione si palesa una personalità del tutto nuova ed originale che lascia intravedere una natura assolutamente interessante e del tutto imprevedibile, solo il tempo sarà in grado di rilevare quale personalità prenderà il sopravvento. In definitiva ci troviamo di fronte ad un buon prodotto che presenta alcune idee davvero interessanti che non sono state purtroppo sviluppate in maniera totalmente adeguata. Solo attraverso un ulteriore evoluzione stilistica sarà possibile, per questo gruppo, emergere in modo netto e distinto mostrando il vero potenziale che è possibile solamente intuire allo stato attuale dei fatti. Benché all’inizio del cammino il sentieri intrapreso appare quello giusto, lavoro e maggior profondità porteranno senza dubbio i frutti sperati.

Saviour Machine – Legend Part III: I

È già il 2001 quando i Saviour Machine pubblicano quello che dovrebbe essere l’ultimo capitolo della saga di Legend. In ritardo sulla tabella di marcia (come detto nei precedenti articoli dedicati al concept, questo album era previsto per il 31-12-1999) a causa dei problemi di salute di Eric Clayton, affetto da esofago di Barrett (malattia causata da riflusso gastrico che impedisce al cantante sforzi proprio con il suo strumento principe, la gola). Legend III: Part I purtroppo non conclude nemmeno stavolta il mastodontico progetto. Dopo avere tanto atteso, una volta ascoltato il disco, non si può certo recriminare. Legend III: Part I è un’autentica bomba, un disco perfetto, una realizzazione pienamente soddisfacente. I suoni rispetto agli altri due capitoli sono molto aggressivi. Certamente il registro stilistico dei Saviour Machine non è certo rivoluzionato ma stavolta le chitarre e soprattutto un drumming potente e che è bene in vista sono la cifra stilistica che saltano di più all’orecchio. Sono sempre presenti le orchestrazioni, i cori, i campionamenti, la teatralità. Ma all’apertura dell’album ci si accorge che Twelve-Hundred Sixty Days differisce da tutte le altre canzoni che l’avevano preceduta per impatto sonoro. La band californiana ci regala anche un po’ di progressive e raggiunge la combinazione perfetta tra tutti gli elementi che l’hanno sempre contraddistinta e queste nuove scelte musicali.

Questo nuovo equilibrio perfetto è manifesto in Revelation 13: in questa canzone è evidente la commistione perfetta tra orchestrazioni, teatralità, aggressività e progressive. Il perfezionista Clayton addirittura per registrare le rullate da orchestra assolda uno strumentista dedito a questo strumento senza farle registrare a Victor Deaton, cosa che la dice lunga sulla perfezione che il leader della band vuole ottenere nelle sue opere. Abomination Of Desolation prosegue sulla nuova strada battuta dall’album. Gli unici episodi calmi del nuovo Legend sono rari ed è incredibile constatare come, nonostante sia un concept, i tre dischi presi singolarmente percorrano tre stili musicali completamente diversi ma che si combinano alla perfezione. Il tutto è dovuto sia ai leitmotiv che legano tutto il progetto sia ai ritmi della storia narrata che devono ognuno avere una connotazione particolare.

The End Of The Age  è il capolavoro che chiude Legend Part III: I con il suo pianoforte, i suoi cori ed i suoi archi a farla da padrone, traghettatrice di quello che sarà davvero il capitolo finale della mastodontica opera. Che, purtroppo, ancora oggi, AD 2013, non è completa. La Massacre ha fatto uscire Legend Part III: II , completamente disconosciuto dalla band. L’album approda sui mercati senza la supervisione di Eric Clayton al mix finale e innesca dichiarazioni al veleno da entrambe le parti. La casa discografica doveva rispettare termini di contratto, Clayton aveva (ed ha) ancora a che fare con quella malattia che lo attanaglia. Su Internet c’è chi si schiera con una o l’altra parte, cosa che a noi non interessa. Per quanto ci riguarda, il vero Legend si chiude qui. Chissà se un giorno riappacificandosi potremmo ascoltare il lavoro che tutti vogliono ed aspettano. Fermiamoci  per ora, al capitolo terzo, che stavolta si presenta con il titolo in blu.