Rainover – Transcending The Blues And Drifting Into Rebirth

I Rainover sono una band “mediterranea”, con origini spagnole ma che hanno scelto l’Italia per registrare il loro album Transcending The Blues And Drifting Into Rebirth. Eppure la loro anima si muove su sonorità gotiche che, solo sulla carta, si rifanno ad una scena molto attiva nel nord Europa. Perché solo sulla carta? Perché l’heavy metal e la voce femminile non vanno sempre accostate a band come Nightwish, Epica, Within Temptation, After Forever, eccetera; i Rainover infatti sembrano molto più vicini allo stile di Evanescence e Lacuna Coil. le tastiere infatti non sono troppo presenti e la vena gothic metal è molto sobria, piuttosto è l’heavy, che resta comunque molto spesso vestito di rock, a presentarsi in primo piano insieme alla voce di Andrea (una donna) che comunque risulta d’impatto. Un’altra loro caratteristica sono i tempi: il loro sound è sì duro ma soprattutto romantico, non si opta quasi mai per tempi veloci, mettendo quindi da parte l’aggressività e lasciando invece che sia l’ambientazione dark (seppur elettrica) a rendere originale la loro proposta musicale. Cycles è un ottimo esempio del loro buon potenziale: due voci, una maschile e una femminile, si dividono le parti vocali così come la chitarra che si presenta prima in forma elettrica (con refrain molto semplicistici) e poi in veste acustica; struttura da singolo e assolo e ritornello orecchiabili, qualche arrangiamento e un suono pulito fanno il resto. Una ottima hit da dare in pasto alle radio! In alcune tracce si inseriscono un po’ di effetti che a nostro parere potrebbero farli apprezzare a chi usa consumare new wave e musica dark in generale (o anche elettronica), per il resto non vi sono novità di spicco lungo i vari brani.

Rain Over My Tears ad esempio è un altro buon pezzo che segue gli stessi binari di Cycles: il lato compositivo del quintetto non si perde in soluzioni sofisticate né sperimentazioni, il loro intento è quello di mettere sul campo da gioco un rock/heavy semplice, a tratti morbido a tratti deciso, molto democratico (nel senso che accontenta un po’ tutti) e che si fa ascoltare. Non è un caso che noi troviamo molte somiglianze stilistiche proprio con gli Evanescence (ascoltare l’inizio di Hopeless per credere) con cui condividono sicuramente lo stesso ascoltatore medio e lo stesso amore per il dark. Quindi se vi piacciono queste sonorità i Rainover meritano un ascolto, o anche se si vuole trovare una band da cui partire per entrare nel misterioso (e per noi amatissimo) mondo del metal.

Levania – Renascentis

Con una scenica ed esterofila presentazione, i Levania presentano il loro nuovo album dal titolo Renascentis. I ferraresi settano subito le aspettative abbastanza in alto dichiarando da un lato di afferire alla scena gothic metal ma d’altro canto di non essere la classica band con melodie a profusione e voce femminile pulita. Sulla prima in realtà siamo d’accordo perché l’approccio del quintetto resta ancorato al metal e oltre l’ovvio panorama gothic compaiono molte influenze epiche che spingono la tastiera in alcuni momenti a spostarsi in primo piano, ma in realtà ascoltando bene questo Renascentis non possiamo dirci davvero colpiti. Infatti pur essendoci un doppio gioco di ruoli vocali (Still per le linee maschili e Ligeia per quelle femminili, direttamente influenzata da quelle delle sue colleghe), la proposta è in linea con quelle di band molto note della scena. Spicca la componente musicale con una sezione ritmica ben presente e una chitarra che riesce a costruirsi un suo ruolo, forse talvolta anche più presente rispetto agli altri strumenti; il gioco infatti è retto da una parte dal sound grezzo della sei corde e del growl maschile, dall’altra dalla melodia pulita della tastiera e la voce in simil-lirica di Ligeia: questo scontro crea la vera personalità della band che però a nostro parere non contribuisce a condurre più in avanti la scena gothic metal.

Oltre ai riferimenti a band ingombranti che hanno contribuito a creare il genere, quello scelto dai Levania è un percorso stilistico già imboccato da molte band emergenti come (con i dovuti piccoli distinguo) gli Eternal Silence, i Ravenouse e gli Holy Shire, quindi il loro volersi differenziare lo troviamo assolutamente un’ottima idea ma quasi per niente concretizzata nella loro proposta musicale. Difficile segnalare in particolare una traccia visto che lo stile si ripresenta coerente in tutta la dozzina di brani inclusi in questo lavoro, ad eccezione dell’intro Prooemium dal sapore quasi sinfonico che apre il sipario e di Drakarys. Se infatti la sete di gothic metal è dura a svanire, sopratutto nei Paesi del nord Europa (sarà un caso che la band parla e scrive sul web solo in inglese?!), è pur vero che c’è bisogno di qualcosa di nuovo e noi speriamo che sia una band italiana a condurre la bandiera del gothic dove nessuno l’ha mai portata.

Eternal Silence – Raw Poetry

Gli Eternal Silence sono una band tutta italiana dedita alle sonorità sinfoniche tipiche delle band del nord Europa di cui abbiamo più volte parlato. Sono varie le formazioni nel nostro Paese che seguono questi passi, da quando i Nigthwish avevano lanciato il genere verso il grande successo, ma per una band emergente è davvero molto difficile differenziarsi per vari motivi: innanzitutto si tratta di un genere in cui è già stato detto molto e di solito i nuovi musicisti non amano sperimentare ma seguire pedissequamente i predecessori, inoltre con i pochi mezzi (anche economici) a disposizione delle nuove formazioni è quasi impossibile realizzare un suono perfetto che colpisca l’ascoltatore attento (e magari chi non è proprio abituato a queste sonorità). Infatti il titolo di questo album, Raw Poetry, trova la sua massima declinazione proprio negli aspetti della produzione, curata sì ma che potrebbe risultare più potente e con delle chitarre più corpose che avrebbero accresciuto la personalità metal della band. Si tratta comunque di una considerazione a latere visto che curare i suoni di un gruppo che propone symphonic metal è appunto impegno molto arduo. Questo il biglietto da visita per gli Eternal Silence, band che con Raw Poetry confeziona il primo capitolo discografico e che sfiora l’ora di ascolto.

Va detto che a livello compositivo si percepisce un buon mix tra i vari strumenti, passaggi differenti che mettono in luce le capacità di tutti i musicisti, compresa la cantante Marika Vanni, sicuramente a suo agio con il genere. Purtroppo però non si ottiene nulla di particolare, qualcosa di cui valga davvero la pena parlare. Difficile che Raw Poetry avvicini persone non vicine alle sonorità sinfoniche ed altrettanto difficile che stupisca grandi conoscitori del genere; non siamo però d’altra parte nemmeno fuori traccia visto che questo può rappresentare un buon primo passo verso un secondo lavoro più complesso e ricercato.

Nicumo – The End Of Silence

La Finlandia non è una nazione adatta a chi cerca il divertimento più sfrenato, i lunghi e rigidissimi inverni uniti alla scarsità di luce mettono a dura prova il carattere e la socialità dei propri abitanti, i quali riescono però in modo egregio ad infiammare gli animi altrui attraverso le numerosissime e validissime band di metallo pesante che, forse complici le rigidi temperature e la mancanza di alternative, nascono un po’ ovunque. Il gruppo di cui vi vogliamo parlare oggi proviene proprio da questa affascinante terra e si palese sotto il nome di Nicumo. A prima vista parrebbe di trovarsi al cospetto di una nota marca di accessori auto giapponese, in realtà questi cinque vichinghi nati nel lontano 2007, debuttano con il loro primo LP intitolato The End Of Silence, proponendo un heavy metal di stampo classico impreziosito con elementi doom e gothic di sicuro interesse. Le atmosfere austere spaziano sapientemente da sonorità malinconiche ed estremamente dark a squassanti cavalcate elettriche sostenute da un riffing serrato e da una possente sezione ritmica che non appare mai banale. Ad un primo ascolto colpisce immediatamente la voce del cantante Hannu Karppinen, un intrigante mix tra i connazionali Ville Valo dei blasonati HIM e Tomi Putaansu dei Lordi per quanto riguarda le timbriche più basse e rabbiose. Una nota di merito va senza dubbio spesa per la produzione e registrazione del disco affidata a Kalle Keskikuru che appare precisissima ed estremamente accurata in grado di impreziosire ulteriormente l’ottimo lavoro svolto.

Le tracce presenti nel disco possiedono una discreta complessità ed un’ottima capacità strumentale come nella canzone di apertura intitolata Follow Me che parte malinconica e deflagra con un grande refrain o nella potentissima Devil dove un discreto growl si fonde perfettamente con la distorsione delle chitarre. La doppia anima di questo progetto rende difficile un giudizio globale sul gruppo, quando la melodia si presenta pulita e cantata in maniera armoniosa il tutto appare poco originale e troppo simile ai gruppi da cui viene tratta ispirazione come HIM, Sentenced, Lordi od Opeth; quando invece si passa nel campo della forza bruta e della pura emozione si palesa una personalità del tutto nuova ed originale che lascia intravedere una natura assolutamente interessante e del tutto imprevedibile, solo il tempo sarà in grado di rilevare quale personalità prenderà il sopravvento. In definitiva ci troviamo di fronte ad un buon prodotto che presenta alcune idee davvero interessanti che non sono state purtroppo sviluppate in maniera totalmente adeguata. Solo attraverso un ulteriore evoluzione stilistica sarà possibile, per questo gruppo, emergere in modo netto e distinto mostrando il vero potenziale che è possibile solamente intuire allo stato attuale dei fatti. Benché all’inizio del cammino il sentieri intrapreso appare quello giusto, lavoro e maggior profondità porteranno senza dubbio i frutti sperati.

Saviour Machine – Legend Part III: I

È già il 2001 quando i Saviour Machine pubblicano quello che dovrebbe essere l’ultimo capitolo della saga di Legend. In ritardo sulla tabella di marcia (come detto nei precedenti articoli dedicati al concept, questo album era previsto per il 31-12-1999) a causa dei problemi di salute di Eric Clayton, affetto da esofago di Barrett (malattia causata da riflusso gastrico che impedisce al cantante sforzi proprio con il suo strumento principe, la gola). Legend III: Part I purtroppo non conclude nemmeno stavolta il mastodontico progetto. Dopo avere tanto atteso, una volta ascoltato il disco, non si può certo recriminare. Legend III: Part I è un’autentica bomba, un disco perfetto, una realizzazione pienamente soddisfacente. I suoni rispetto agli altri due capitoli sono molto aggressivi. Certamente il registro stilistico dei Saviour Machine non è certo rivoluzionato ma stavolta le chitarre e soprattutto un drumming potente e che è bene in vista sono la cifra stilistica che saltano di più all’orecchio. Sono sempre presenti le orchestrazioni, i cori, i campionamenti, la teatralità. Ma all’apertura dell’album ci si accorge che Twelve-Hundred Sixty Days differisce da tutte le altre canzoni che l’avevano preceduta per impatto sonoro. La band californiana ci regala anche un po’ di progressive e raggiunge la combinazione perfetta tra tutti gli elementi che l’hanno sempre contraddistinta e queste nuove scelte musicali.

Questo nuovo equilibrio perfetto è manifesto in Revelation 13: in questa canzone è evidente la commistione perfetta tra orchestrazioni, teatralità, aggressività e progressive. Il perfezionista Clayton addirittura per registrare le rullate da orchestra assolda uno strumentista dedito a questo strumento senza farle registrare a Victor Deaton, cosa che la dice lunga sulla perfezione che il leader della band vuole ottenere nelle sue opere. Abomination Of Desolation prosegue sulla nuova strada battuta dall’album. Gli unici episodi calmi del nuovo Legend sono rari ed è incredibile constatare come, nonostante sia un concept, i tre dischi presi singolarmente percorrano tre stili musicali completamente diversi ma che si combinano alla perfezione. Il tutto è dovuto sia ai leitmotiv che legano tutto il progetto sia ai ritmi della storia narrata che devono ognuno avere una connotazione particolare.

The End Of The Age  è il capolavoro che chiude Legend Part III: I con il suo pianoforte, i suoi cori ed i suoi archi a farla da padrone, traghettatrice di quello che sarà davvero il capitolo finale della mastodontica opera. Che, purtroppo, ancora oggi, AD 2013, non è completa. La Massacre ha fatto uscire Legend Part III: II , completamente disconosciuto dalla band. L’album approda sui mercati senza la supervisione di Eric Clayton al mix finale e innesca dichiarazioni al veleno da entrambe le parti. La casa discografica doveva rispettare termini di contratto, Clayton aveva (ed ha) ancora a che fare con quella malattia che lo attanaglia. Su Internet c’è chi si schiera con una o l’altra parte, cosa che a noi non interessa. Per quanto ci riguarda, il vero Legend si chiude qui. Chissà se un giorno riappacificandosi potremmo ascoltare il lavoro che tutti vogliono ed aspettano. Fermiamoci  per ora, al capitolo terzo, che stavolta si presenta con il titolo in blu.

Tiamat – Skeleton Skeletron

I Tiamat sono la creatura concepita dall’eclettico e geniale Johan Edlund, che sul finire degli anni ’80 diede vita a questa band, la quale si ispirava molto al metal estremo, in particolare gli svedesi erano dediti ad una riuscita mistura tra black, death e doom. Il percorso di Edlund e soci però – a differenza di molti altri gruppi in ambito extreme – è sempre stato caratterizzato da una maggiore ricerca per la melodia e la sperimentazione, gli svedesi infatti, difficilmente hanno pubblicato due album uguali, almeno fino al 1999, anno in cui è stato stampato Skeleton Skeletron, questa scelta gli ha permesso di avvicinare nuove schiere di fan alla loro musica, ma allo stesso tempo di perdere la frangia più purista ed estrema. Skeleton Skeletron rappresenta il sesto capitolo della loro discografia, un lavoro che si differenzia dal precedente A Deeper Kind Of Slumber, per un parziale ritorno a sonorità più energiche e dirette, in cui le chitarre distorte sono maggiormente presenti, anche se fondamentale resta il contributo delle tastiere e dei sintetizzatori, un platter che può essere definito come la summa di Wildhoney ed appunto, A Deeper Kind Of Slumber. Il disco si apre in maniera perfetta con l’iniziale Church Of Tiamat, manifesto auto celebrativo della band, il cantato pulito di Edlund ed un effetto di synth evocativo ci introducono nel mondo dei Tiamat, un sound ultraterreno ed onirico che ci fa viaggiare con la mente per la durata complessiva della canzone, che sfiora i cinque minuti.

Il brano successivo è Brighter Than The Sun, per il quale è stato girato anche un videoclip. I ritmi si fanno più veloci,  si tratta di una song che si distingue dalle altre per una maggiore immediatezza ed una formula easy listening, fondamentale risulta il ruolo delle chitarre – dal sapore hard rock – e dell’azzeccato duetto tra male e female vocals, ottimo anche il giro di basso, distorto e pulsante al punto giusto, una canzone che vi entrerà immediatamente nel cervello e difficilmente ne uscirà. A chiudere il trittico iniziale è Dust Is Our Fare, i ritmi rallentano, come nell’opener Church Of Tiamat, ma ancora una volta si tratta di un brano in cui sono le chitarre distorte e la voce baritonale e “cattiva” a farla da padrone, da menzionare lo stacco di synth posto a metà brano e che comunque accompagna i granitici riff di chitarra per gran parte della canzone. Il “viaggio” onirico continua con To Have And Not Have e For Her Pleasure, la prima risulta sicuramente piacevole, ma la seconda è probabilmente il capolavoro di Skeleton Skeletron. Difficile ci risulta descrivere una canzone del genere, possiamo solo consigliarvi di ascoltarla con il cuore e la mente aperta e sarete rapiti da questo autentico gioiello; il connubio tra chitarre pulite, distorte, voce ed atmosfere di synth rasenta la perfezione, buona anche la ritmica di batteria, che gioca molto sui controtempi e conferisce il giusto andamento ad un brano di rara bellezza. Dyala è un semplice intermezzo elettronico che ci introduce alla celebre Sympathy For The Devil, reinterpretazione in salsa dark e goth di un classico dei Rolling Stones, brano piacevole ma che non convince appieno.

Best Friend Money Can Buy e Lucy sono gli episodi più delicati ed intimisti dell’album e si lasciano ascoltare entrambi con piacere, i chitarroni distorti vengono messi da parte e dominano le tastiere, i synth e le eleganti note di pianoforte. In As Long As You Are Mine, nona traccia del disco, torna la discreta presenza del riffing hard rock e dell’alternanza tra atmosfere seducenti e ritornelli di impatto. Skeleton Skeletron conferisce agli svedesi un nuovo volto, da qui in poi i Tiamat si concentreranno sul filone gothic rock/metal ed abbandoneranno quasi completamente le influenze estreme degli esordi.

Martyr Lucifer – Shards

La premessa è d’obbligo, trattandosi di un ottimo artista. Non si tratta di un full-length, ma bensì la raccolta di 3 distinti EP che il prolifico artista riminese ha messo su due anni dopo il buonissimo Farewell To Graveland (recensito da noi a questa pagina). Coadiuvato dai tanti colleghi con cui ha collaborato nei vari suoi progetti solistico-paralleli (Hortus Animae, Space Mirrors e via dicendo), il nostro multi strumentista coglie nel segno anche stavolta, proponendoci un lavoro sicuramente “gotico” nell’anima, ma anche colmo di reminiscenze molto cupe ed oscure, volte ad esercitare una forte introspezione del proprio io. Ed è proprio questa piacevole alternanza di stili, molto ben dosata, a caratterizzare ancora una volta il prodotto finale del nostro beniamino che ci offre, è vero, non un vero e proprio new album, ma comunque un paio di cover ben azzeccate ed una versione rieditata di song già ascoltate, senza inficiare il valore del disco. Il desiderio di Martyr, nel rilasciare questo pur valido CD, si concentra principalmente nel rendersi all’uditorio nella sua versione meno aggressiva, colma sì di intimismo e spiritualità ma al tempo stesso molto melanconica e quasi decadente, anche nei testi proposti. Lo possiamo notare sin da A Lesson In Murder, dove alla componente molto elettronica proposta in sede interpretativa fa da contraltare la riflessione introspettiva, laddove un combinato gioco di tastiere rende ancora meglio l’humus psicologico del leader. Bello l’approccio di The Sunrise In May, regalando il gruppo un ben congegnato mix di momenti “agitati” ad altri sempre più riflessivi, ma senza inficiare assolutamente il già alto livello delle composizioni.

Questo primo frammento del disco non contempla tuttavia fasi di stanca: ed ecco che con The Horseride ci interfacciamo con una nuova versione del brano già proposto con Farewell…, sia pur appositamente editata in una versione più corta e tagliata in alcune parti che tuttavia non diminuiscono la portata della nuova veste del pezzo che, come il precedente, vede dietro le pelli nientemeno che il buon Dario Ciccioni (Daniele Liverani docet..). Tra i migliori dell’album, Another Place, Another Time riesce ancora a sublimare il mix di esperienze diverse che il singer vuole donare alle tracce: grazie ad azzeccatissimi arrangiamenti, il legato tra tutta la strumentazione risalta davvero in misura notevole grazie anche alla presenza dei vari ospiti su questo brano, che donano una loro personale visione interpretativa. La prima cover del lavoro la troviamo con House Of Sleep: rivisitando un famoso brano dei finnici Amorphis, la band nostrana dimostra anche una sagace maturità compositiva, concedendo anche delle buone acrobazie tastieristiche e validi arpeggi della sei corde che risultano quasi fedeli alla traccia di origine. Mentre con Poison Heart si paga il secondo tributo, stavolta nientemeno che alla leggenda Ramones, sia pure stravolgendo quasi del tutto il pezzo primigenio. A causa di una semplificazione della linea sonora, la traccia diventa così una ballatona coinvolgente senz’altro, senza perdere di vista tuttavia i canoni essenziali del brano, improntati certo ad una sana aggressività della canzone.

Ci addentriamo negli altri frammenti dell’opera: In Upside Down Woods I Walk conferma che la saggia mano di Simone Mularoni riesce a bilanciare e modellare le intenzioni quasi promiscue di Martyr, senza che venga meno la dedizione del singer alla rivisitazione in chiave quasi onirica dei pezzi, come avviene anche per Oddities, dove il piano di Antarktica rende il brano quasi una composizione operistica a causa dell’approccio orchestrale ad esso dato. And Still We Wonder Sky si posiziona sulla falsariga della traccia precedente, sempre grazie al lavoro del medesimo ospite ai tasti ed è gradevole la melodia che traspare dai solchi e ci trascina in mondi incantati, sia pur in presenza di una ricerca sonora apparentemente non tanto curata, forse a causa di questo perenne dualismo tra le varie anime qui presenti. Anime che tuttavia si ricompattano ampiamente nella conclusiva The Morning Star, dove ancora una volta ci troviamo a fronteggiare l’emotività di Martyr unita ad una stavolta doviziosa ricerca della perfezione sonora che tranquillamente il buon vocalist riesce a trasmettere. Alle corte, un ennesimo step del cursus honorum dell’artista nostrano che desideroso di mostrarci le varie personalità della sua componente artistica, ha probabilmente affilato le armi per un nuovo lenght ed ha effettuato un buon “allenamento” senza forzare in questa raccolta di brani, non tutti inediti.

Saviour Machine – Legend Part I

I Saviour Machine sono una band californiana molto atipica. Fondati dai fratelli Eric e Jeff Clayton, esordiscono nel 1993 e sono fautori di un metal che combina gothic, prog e orchestrazioni il cui tema centrale è la religione Cristiana. Per questo vengono annoverati nel calderone del white metal o, come viene definito più specificatamente negli Usa, christian metal. La teatralità è alla base della band. Oltre alle orchestrazioni presenti nei loro dischi, il cantante Eric Clayton si presenta dal vivo con la testa completamente dipinta di bianco ed un diadema da cui pende un crocifisso attaccato alla fronte. Dopo aver realizzato i primi due album ( Saviour Machine e Saviour Machine II rispettivamente del 1993 e 1994) la band annuncia la realizzazione di un progetto faraonico: un concept che narri l’Apocalisse. L’impresa prevede che l’opera sia divisa in tre parti e che la terza e ultima release venga immessa sul mercato il 31-12-1999 (cosa che darà adito a speculazioni riguardanti Clayton spingendo molti a credere che il potente singer fosse convinto che il mondo sarebbe finito nel 2000, affermazioni mai rilasciate dal carismatico leader della band). Legend Part I arriva sul mercato nel 1997. Un album mastodontico, bellissimo, sicuramente non di facile ascolto e comprensione. La musica che i Saviour Machine propongono in questo disco vede una forte presenza di tastiere, pianoforte, cori gregoriani e orchestrazioni che si miscelano perfettamente con le chitarre di Jeff Clayton mentre la voce potente e profonda di Eric completa le atmosfere dei vari pezzi. È proprio questa una delle caratteristiche peculiari dell’album: le canzoni che dovrebbero toccare temi più aggressivi (ad esempio Antichrist I) vengono rese dal mood creato e non da un aumento di velocità o distorsione degli strumenti. È tutto un gioco ed un alternarsi di resa sonora e sensoriale che permea l’ascoltatore. Viene fatto anche un largo e particolare utilizzo di melodie arabeggianti e mediorientali soprattutto da parte delle chitarre.

Una stupenda e maestosa Overture  apre l’ascolto e il viaggio in quella che Clayton ai tempi definì “la colonna sonora della fine del mondo”. I pezzi più notevoli e belli dell’album sono I Am, The Eyes Of The Storm  e la magnifica The Night. Certo non è facile, comunque, definire ed estrapolare una canzone in particolare a causa del legame che tutto il disco ha. Prendendo e decontestualizzando un solo brano si crea il rischio di sminuirlo. Infatti da Legend Part I non fu estratto nemmeno un singolo. Il CD si presenta in una elegante confezione nera con il titolo scritto in rosso ed il nome della band in argento. All’interno, il libretto la cui copertina, composta con quelle dei futuri capitoli della saga, avrebbe creato la copertina completa. Piccola curiosità: i cori che sentite nell’album sono scritti, arrangiati e diretti da Eric Clayton e sono stati registrati nella cattedrale di Wurzburg, in Germania.

Scarlett D. Gray – Scarlett D. Gray

Le belle sorprese, a volte, ci sono molto più in casa di quanto possiamo attenderci: non sempre l’erba del vicino è più verde della nostra. La proposta dell’odierno quintetto piemontese ne è ennesima conferma: con una solida gavetta alle spalle, giunge al primo full-lenght che sa tanto di salto nel passato, passato storico…ovvio. Con un gothic davvero azzeccato, le dieci tracce dell’album si articolano tra elettronica ben congegnata e prestazioni strumentali davvero ben interpretate. La opener track tratteggia già i canoni del lavoro: tastiere magicamente incantate e voce che pare provenire da manieri medievali abitati da gentiluomini in livrea con un tocco di elettricità che non stona nell’assieme. Essence si distingue per la sua base molto intimistica ed a tratti nostalgica, su cui si erge ancora il buon cantato che serve a dipingere l’atmosfera ormai ben delineata. Il buon lavoro della sezione ritmica consente al synth di costruire la base sonora su cui articolare l’intenso bridge che rimembra in alcuni passaggi i gloriosi Symphony X. Il livello compositivo si arricchisce con l’ascolto di Trust On Me: l’articolazione complessa del brano mantiene la giusta tensione in ogni frangente, grazie anche al buon intervento della sei corde che qui propone un solo finale degno di menzione, permettendo al brano di segnalarsi di già tra i migliori dell’album. Giungiamo alla ballad, degnamente rappresentata da Lost Soul: un intro di piano consegna il brano al decadentismo più smaccato, ma non per questo indegno di nota. Le sembianze malinconiche che impregnano la traccia dedicano l’opera ai degni epigoni del genere. Anche il singer si traveste da improvvisato araldo che con la sua voce consegna all’uditorio note sempre drammatiche e caratterizzate dal giusto stacco che offre al delicato assolo dell’ascia a metà brano, ancora tra i più rilevanti.

Self Destruction si caratterizza principalmente per il buon lavoro strumentale, mentre l’approccio vocale appare troppo diretto, dove forse le atmosfere proposte avrebbero invece suggerito un maggiore insistere sulla base sonora, per poi protenderla verso una più manierata intro della voce. La stessa falsariga parrebbe seguire I Will Never Die, con un approccio molto incisivo del singer, salvo poi diradare verso un buon connubio della strumentazione. Il drumming risulta gradevole negli stacchi ed il basso costruisce una solida base ritmica atta a spianare anche i cori al centro del brano, dominato dalle intense tastiere e dal refrain corposo. Bella l’intro elettronica di Earthquake, che invece smentisce il titolo, trattandosi anzi di un brano molto cadenzato e ben poco movimentato, in cui la voce la fa da padrona e le tastiere immancabili sono attente a seguirne le evoluzioni. La sei corde continua a mostrarsi attenta nel dipingere le giuste atmosfere, che qui divengono via via più intense, senza però sforare nel “fracasso” che il titolo avrebbe suggerito. Hold Me riesce a trasmetterci bene il senso della proposta del quintetto: le atmosfere ritornano ad essere quasi d’oltretomba, donandoci quel giusto senso di soffocamento che la traccia tratteggia. Molto claustrofobico in alcuni passaggi, il brano risulta essere una buona combinazione di tasti e sei corde per un esito affatto scontato: il pezzo è oltremodo coinvolgente, tanto da indurci a sperare che termini in fretta, tanto penetrante è l’afflato drammatico che fuoriesce dai solchi. Davvero rilevante, nell’economia del disco, il pezzo ci lascia attoniti.

L’indirizzo dato a Don’t Break Away risulta pomposo nella fase iniziale, mentre il singer stavolta travalica i canoni cui sinora si è ispirato, esibendosi in una prova molto muscolare e molto poco rispondente all’originario genere di provenienza. Brano duro in alcuni passaggi, ma nel complesso gradevole grazie anche alla solidità della band che si cimenta nel passaggio finale, Portrait..And Nothing Else, con l’ennesimo approccio diretto, qui tuttavia ben modulato dai cori che attenuano l’incisività della traccia. Il lavoro sottotraccia dei tasti consente di apprezzare l’intensità sempre crescente, di cui è perfettamente consapevole il singer che qui volutamente allunga le note per dare ulteriore appeal e visibilità al pezzo, il brano che chiude degnamente l’album colmo ancora di passione e tecnica. Noi speriamo che ne seguiranno altri di eguale intensità e drammatizzazione artistica.

Lacrimosa – Lichtgestalt

Came back dei Lacrimosa targato 2005, duo che abbandona una major dopo due album per tornare alla beneamata Hall Of Sermon, casa discografica nata per volontà dell’artistico Tilo Wolff, leader e fondatore del gruppo. I Lacrimosa festeggiano con questa uscita il loro 15° anno di operatività sempre all’insegna di un gothic molto oscuro e tenebroso che minimizza l’uso delle chitarre ed estremizza l’utilizzo delle tastiere nonché della lingua d’origine del singer, il tedesco, al fine di conferire più rudezza ai brani. Un ottimo album da ascoltare in camera, possibilmente al buio, molto riflessivo e pieno di emozioni da ritrovare tutte nella scelta delle linee vocali nonché nelle leggiadre, a volte, e crude note spirate da Tilo. Non un caposaldo se confrontato alle varie uscite gothic che si sono succedute negli anni ed alle atmosfere standard ormai propinate in quasi tutte le salse. C’è però un alone di novità che si nasconde dietro le varie tracce. Nell’opener, ad esempio, tale alone non viene né annoverato né tanto meno sfiorato mentre si possono citare brevi e duri riff lungo l’ascolto. In sostanza non si tratta di un brano che fa gridare al capolavoro. In Kelch Der Liebe sono lampanti le influenze dei maestri My Dying Bride e degli Evereve; qualche passaggio è degno di nota non solo per un corretto uso delle tastiere, non eccessivamente profuse e significative, ma anche per un costante e dichiarato amore verso l’oscurità che sfocia in un sound cupo ed introverso, per l’appunto molto riflessivo. La title track, per altro non lunghissima rispetto agli altri brani, sa molto di Alice Cooper, quasi teatrale è incentrata su di una strofa ed un ritornello ripetuti varie volte. Niente variazioni, niente alterazioni, niente sorprese e il fatto che lo sia proprio una traccia dello stesso nome dell’album ci fa pensare ad una scelta abbastanza voluta. La voce diviene molto gutturale, ma oltre a ciò non c’è veramente nulla da aggiungere.

Con Nachtschatten si inizia ad ascoltare qualcosa di interessante, qualcosa che vuole distinguersi, che vuole cercare di mettere in gioco la proprio personalità. Dimenticate il metal, questo è puro gothic orchestrale, con archi e violini, voce suadente, tempi ben cadenzati ed atmosfere lugubri: benvenuti nel regno dei morti. Prolungata volontariamente, ha il gusto di un’opera ben costruita che in crescendo esplode sul finale con un’energia sprigionata dal profondo. Iniziano gli unici brani parzialmente in inglese dell’album, My Last Goodbye e The Party Is Over, con l’ingresso di Anne Nurmi alla voce che seduce e conquista. A tratti sembra davvero di ascoltare il buon vecchio Cooper che si imbatte in una sceneggiatura intricata ma il sound che accompagna il tutto è ben diverso, le chitarre tornano in primo piano condite da un basso molto suadente e deliziosamente arrangiato che premia la voce di Anne molto ben calibrata. L’album scorre con la giusta lentezza ed è scritto proprio per chi vuole gustare di quest’opera con la massima calma, ricercando una quite intrisa in ogni singola nota di The Party Is Over, brano pieno di agonia e dolore, quasi espressione di una sconfitta avvenuta, abbandonata da tutte le forme di speranza. Il sapore è bello e speziato soprattutto se confrontato con le sonorità fin qui proposte, le pene sfociano nella serenità fin quando la festa finisce sul serio. Successivamente riprendono il palcoscenico i riff duri proposti all’inizio, con un sapore vagamente Rammstein, ma che fa a cazzotti con il brano precedente. Una convincente picchiata, forte di un’interpretazione a 360° di ciò che si intende, nel 2005, per gothic.

Si giunge così all’ultimo pezzo, che con la durata di 14.30 minuti si affida totalmente all’orchestrale con un sottile sapore di epico e smielato. Sicuramente un bel pezzo, una potenziale colonna sonora, che rimarca le oscure intenzioni di Tilo, ben chiare da quando il CD ha iniziato a girare. Si gode anche di un assolo, nulla di ipertecnico ma qualcosa che funge da ingrediente per una ricetta studiata e ben preparata senza dar adito a sperimentazione alcuna. L’album contiene anche una bonus track, è ripresa The Party Is Over e suonata interamente al piano da un Tilo veramente ispirato. Il pianoforte, si sa, dona un valore unico ad ogni brano e le dita di Tilo Wolff sanno davvero come muoversi; un pezzo che va dritto al cuore e colpisce nel segno. Come definire questa uscita dei Lacrimosa? Sicuramente reclusa per gli appassionati del genere, non eclettica ma spesso relegata alla sua natura, che può tramutarsi sì in un punto di forza se ben sviluppata ma anche in una limitazione creativa. Un ascolto però è consigliato a tutti.