Lost Dogs Laughter – Out Of Space

Un bel colpo di fortuna la conversione dei Lost Dogs Laughter dalle sonorità acustiche al rock elettrico. Una fortuna perché altrimenti il loro disco d’esordio non avrebbe avuto il sound cattivo e graffiante come quello di Out Of Space. Un album principalmente rock, anche se contaminato da una chitarra quasi grunge, con i bicipiti dello stoner e la struttura dei singoli pezzi che ci riporta agli anni 90; ascoltare Fallen Angel e non trovarsi catapultati allo scorso secolo è una sfida, una sfida contro cui noi non ci sentiamo di scommettere. Data questa concezione compositiva possiamo garantire che i LDL danno il loro meglio nei pezzi veloci dalla durata limitata, anche se un pezzo come Honestly che supera i 5 minuti riesce a tenere alta l’attenzione e non calare mai. A noi ricordano i primi Muse, sia per quell’intenzione di far esplodere le note proprio quando il brano lo permette, sia per alcune cadenze vocali che non sono molto lontane da quelle di Matthew Bellamy; ad ascoltare con attenzione però Out Of Space troveremo dei suoni diversi che come detto accarezzano più il grunge.

L’accoppiata Go Away / Worse Unknown abbraccia un po’ lo spirito da ballad dell’album, buone composizioni che si poggiano molto sulle linee vocali; sono brani che probabilmente possono essere riarrangiati in chiave acustica proponendo un’altra veste, mentre nella titletrack l’intenzione di comporre una ballad vera e propria è ancora più lampante (davvero buoni gli arrangiamenti). Noi però li preferiamo in versione elettrica. Così Fade (September 1993) conquista il rock’n’roll con una ritmica più marcata e un mood più allegro, interessante è sicuramente Am I? che coniuga l’alone misterioso del titolo con delle strofe oscure e introspettive, per poi esplodere (come si diceva prima) nei ritornelli. Un buon album di rock con testi in inglese che può trovare terreno fertile soprattutto all’estero.

Jack Brain – Epic Spleen

Se il titolo Epic Spleen è stato inteso come “disagio epico”, direi che ci siamo in pieno su quello che trasmette questo album, primo frutto del progetto solista di Giacomo Casile, Jack Brain. Il disco trasuda delle parti più alternative, tormentate e cyberpunk degli anni ’90 e anche un pizzico di darkezza The Cure in qualche frame del pezzo strumentale Anarada. Ascoltarsi Epic Spleen tutto di un botto è un po’ come essere buttati nell’atmosfera tra depressione e malinconia di Come As You Are, con la differenza che la voce, invece che essere graffiante e urlata come quella di Kurt, qui è più sapientemente dosata, malinconica e allo stesso tempo cupissima alla Maynard James Keenan. E sempre dall’universo Tool sembrano presi i riff di Another Day e No One Left To Blame. Quello di Jack Brain però non è manierismo, c’è un bel mix, frullatone e rielaborazione della 1) tradizione grunge nineties del partito Smashing Pumpkins e Nirvana, soprattutto nei testi (un po’ tra il criptico e il depresso – che peraltro è strutturale e in certi frangenti va pure un casino nell’era dell’eterna crisi finanziaria e della vera generazione che non ha futuro, che a dircela tutta non è solo quella di Kurt Cobain) e 2) sonorità alternativa e sperimentale alla Nine Inch Nails e Tool, che esce fuori in Crippling Hurt e No One Left To Blame.

Una piccola nota particolarmente dolorosa per i puristi e aficionados della perfezione anglofona è la pronuncia e dizione dell’inglese, soprattutto su Epic Spleen. La title track a chiusura dell’album è un chiasmo tra un riff veramente succoso che si schianta in mente e non ti lascia più, e una pronuncia che farebbe perdere i capelli a John Peter Sloan. L’effetto in alcuni punti è quasi come quello del “denghiù” di Aldo Biscardi nelle pubblicità dei corsi d’inglese (anche quelle molto anni ’90, questo cimelio di marketing si può trovare tranquillamente su youtube). Ad onor del vero però l’inglese è una lingua universale e per questa universalità forse non dovrebbe vantare dizioni specifiche (e in tutta onestà personalmente non ho mai capito che cosa dicesse Kurt Cobain mentre cantava, neanche lui aveva la pronuncia impeccabile di Mr. Brown de Le Iene o di Freddie Mercury. Sfido chiunque a scrivere in presa diretta senza aiuti il testo di Territorial Pissings).

In estrema sintesi siamo di fronte ad un album forse un po’ uniforme nei ritmi, tuttavia ben fatto, che si lascia ascoltare e, cosa fondamentale, che trasmette una bella dosa di disagio come nella migliore tradizione alternative/grunge.

Acid Muffin – Bloop

Ho ascoltato gli Acid Muffin live, per caso, prima del concerto delle L7, rimanendo piacevolmente colpito. Qualche tempo dopo mi vedo arrivare questo album da recensire, Bloop, il primo full lenght della band romana. Parliamo di rock/grunge, anche se mi fa sempre un effetto usare la parola grunge se non riferita a una certa posizione geografica e a un certo periodo storico. Ma il grunge c’è eccome; ma non solo. C’è anche il prog come anche il dark, del buon sano classic rock e un pizzico di metal. Un mix complicato ma ben riuscito; suoni grezzi, a tratti psichedelici, qualche ritornello azzeccato rendono questo Bloop un buon album. Down Yo You apre l’album ed è grunge puro, lo stile Alice In Chains per intenderci; un pezzo bello tirato e ben strutturato. Segue Never So Near e già si intuisce che non sarà un album monotono e tutto uguale. Meno tirata, più radiofonica se vogliamo, così come la seguente. Si rallenta ancora di più in Movie, una balladona stile Nickelback. The Last Illusion è il singolo, diventato anche video, trainante dell’album, un pezzo lento, potente, con assoli di chitarra e ritmi alternati.

Personalmente preferisco il cantato come in Turning & Suffering, rock’n’roll bello tirato e graffiante; sembra che possano funzionare molto meglio con questo tipo di sound mentre spesso, durante l’ascolto dell’album, ho avuto l’impressione che volessero un po’ addormentare la situazione con cali troppo evidenti di ritmo. Si torna a tirare su Stain, suoni ruvidi e sinceri. Poi spazio a sperimentazione e contaminazione di Exotic Song e Mellifluous Desire, dove ritroviamo un po’ di prog, di psichedelia e un po’ di RHCP. Chiude Smoking My Little Soul, uno dei brani più belli di tutto l’album, seppur (ancora) diverso, pianoforte, archi, lenta intro, un buon levare e un gran assolo finale, a chiudere un album non facile ma di sicuro interessante.

La copertina non è un granché e tutto il booklet un po’ (troppo) anni 90, ma del resto, se la strada è quella grunge, non può che essere così. Buon lavoro degli Acid Muffin, consiglio di intercettare una delle loro esibizioni live nei club o in apertura a nomi importanti del rock ruvido.

Psychokiller – Higher

Gli Psychokiller (costola ormai rodata degli Hollywood Noise) vengono fuori con la seconda prova in studio dal titolo Higher che colpisce nel centro la scena rock. Peccato che il colpo sia notevolmente debole e non in grado di lasciare segni a quella che è una scena oggi piena di band che sgomitano e in cui ciascuno cerca di giocare le proprie carte per emergere. Qui, almeno secondo il nostro giudizio, non si percepiscono elementi degni di nota e sembra molto inesistente anche un qualsivoglia timido tentativo di differenziare la propria offerta musicale. Dal punto di vista sonoro Higher sembra infatti essere sorto sotto le sonorità della Seattle anni 90, inserito in una macchina di teletrasporto per circa dieci anni e liberato quando l’alternative rock e un certo rock scritto per le classifiche statunitensi andava molto di moda. Ma proprio come nel film La Mosca (e osservando la copertina il riferimento non ci sembra così casuale) al momento dell’apertura l’immagine che ci troviamo dinanzi è tutt’altro che piacevole. I riff mancano quasi del tutto, il suono da chitarra elettrica di sponda punk rock rappresenta lo spirito sposato dal quartetto, prodotto appunto con un orecchio al grunge e uno all’alternative rock da classifica. Sotto i vari watt (ma non i diversi strati sonori, perché non ve ne sono) si celano melodie dal facile ascolto: per una band con due chitarre ci si poteva attendere anche qualcosina in più in termini di composizione.

Purtroppo anche la parte delle liriche soffre di un forte handicap: la pronuncia in inglese che si avvicina più ad un italiano scolastico che ad una band che ha qualche possibilità oltre i confini nazionali. La lingua per le band emergenti dovrebbe essere vista come uno strumento, se non si è in grado di suonare il violino (ad esempio) nessuno avrebbe il coraggio di suonarlo all’interno di una band. La pacata I Dream It All Tonight, l’opener Tidal Wave o il pop di Free To Choose sono brani innocui, che ascoltati una volta non lasciano il segno e non ci spingono al riascolto. Ma non tutto va scartato: Blackhands ad esempio non è un cattivo esercizio, ma con un numero di battute superiore potrebbe acquisire tutto un altro sapore. Il suggerimento è ricalibrare le rotte e ripartire, ma mai darsi per vinti.

Cromosauri – NOIZ!

Primo full-lenght (dopo un EP di presentazione) per i Cromosauri, band tutta italiana che si presenta come dei “dinosauri colorati”. Ironici ma non nel sound che richiama un certo grunge anni 90, sì spensierato ma che non poggia le proprie natiche su uno stile univoco lungo tutto il suo corso. Le parti vocali di Acoustico come T-Rex sono insindacabilmente grunge, nel sapore e nello spirito, ma il down-tempo dell’opener Broken Green o il tagliente psych rock di Loud sembrano tagliare il percorso dei ragazzi verso un cammino più qualificante. Senza stravolgere il mondo del rock, le sole prime tre tracce ci trasmettono quanto il rock dei ragazzi salti da un panorama storico-musicale all’altro; una spanna sotto questo strato si sentono comunque gli anni trascorsi ad ascoltare rock oltreoceano ma non è possibile dare un’etichetta univoca. Il retrogusto di Red Hot Chili Peppers nell’arpeggio (strofa) di When Somebody Loses Himself, echi dei primi The Smashing Pumpkins (più semplificati) in T-Rex sono alcuni dei momenti in cui ci si convince che questi ragazzi non intendono inventare nulla, piuttosto suonare del rock che arrivi con facilità, probabilmente alla ricerca di una propria individualità su cui poggiano comunque delle buone basi (ascoltare P.A.L. per credere).

Velocizzare un po’ la proposta e smussare qualche spigolo (produzione) potrebbero essere dei buoni primi passi per trovare un percorso più definito e crescere musicalmente. Noi glielo auguriamo.

Il Fiume – Silenziosi Baccani

Autoproduzione e debutto essenziale e minimale per la band milanese Il Fiume. A livello metaforico possiamo anche esserci. Senza dubbio bella, poetica ed evocativa la metafora del fiume che sa essere calmo, morbido e allo stesso tempo impetuoso, distruttivo e travolgente, un po’ come gli alti e bassi del grunge. Bellino anche il CD “viniloso” nel suo impacchettamento totalmente nero e nei suoi caratteri molto semplicemente courier new, esattamente come se fossero usciti direttamente dalla nostalgica macchina da scrivere del power trio milanese. Hanno tanto sapore di DIY questi silenziosi baccani, fatti di uno stile incazzato, disilluso e molto essenziale e di richiami più o meno esplicitamente grunge e forse anche un po’ artificiosamente nonsense. 13 brani che trasudano e trasmettono depressione, frustrazione, malinconia. E anche affermazione dell’essere, della disapprovazione e del distacco dal gregge, cantata con una voce alternativa e superiore in Moderno.

Un album che dividerei in 3 parti. Una prima isolando i testi dalla musica e dal contesto; senza ombra di dubbio i testi racchiudono una evidente poetica disillusa e post-contemporanea, a metà tra l’accusa (Rigetto e Moderno, brani che, entrando nella clusterizzazione alternative de Il Fiume, rigettano lo più o meno esplicitamente lo schifume contemporaneo) e l’abbandono ad un disagio senza speranza, disagio penuria e disillusione che viene trasmesso e cavalca la seconda metà dell’album. Questa prima parte, che si concentra nei testi, è di livello. Una seconda parte che va da L’Ombra Dell’Amore a Samael che concretizza la disillusione e la depressione e malinconia nella parte strumentale, regalando ritmi fatti di alti e bassi che troppo ricordano un manierismo dei primi anni ’90 dell’alternative italiano (tipo Afterhours) e grunge dei Nirvana. Questo scoraggia un po’ quello che nei testi creava aspettative un po’ più alte. Sembra si voglia essere alternativi. Ma nell’era della lunga coda musicale e della frammentazione dei generi esiste o esisterà ancora un mainstream a cui essere alternativi? Nell’era della depressione e delle penurie lavorative ha senso aggiungere ulteriore grunge?

La terza ed ultima parte di Silenziosi Baccani si condensa nelle prime 5 tracce, ed è la mia preferita perché è quella più originale, fresca e punk nel sound. Nei primi 5 brani, e forse meglio che in tutti in Moralmente Afflitto esce fuori un bel power chord primodriale e Ramonesiano essenziale, semplice, poco fronzoloso, diretto e incazzato al punto giusto. È qui che si sente lo scorrere del fiume ed è questo sound essenziale che piacerebbe fosse la loro eterna sorgente creativa, fresca e senza i fronzoli e l’ampollosità tipiche di una certa frangia di alternative italiota.

The Slaps – Declaration Of Loss

Primo vero album sulla lunga distanza per i The Slaps una band giovane, con tanta voglia di emergente e che nasconde luci ed ombre. Il suggerimento è di sicuro quello di non fermarsi all’opener del loro nuovo album Declaration Of Loss: You Are Nothing è un esercizio mal riuscito nel recitare su un palcoscenico grunge con un appiglio lo-fi e degli echi sulle voci. Meglio decisamente le altre tracce che svelano subito l’ambivalenza del quartetto: da un lato le parti clean di chitarra, che sono molto indie e si lasciano apprezzare davvero per le melodie spensierate e le influenze anglo-americane; dall’altra le distorsioni elettr(oni)ificate che spesso si attivano durante i ritornelli e che rappresentano delle esuberanze gratuite che tolgono fascino alla loro proposta. Non è questione di “rumorosità” bensì di scelta sonora in fase di produzione: ascoltare un pezzo come No Place To Go va più che bene perché il ritornello riesce a potenziare il brano e a distaccarsi dalla strofa molto più morbida creando quel senso adrenalinico che cerchiamo in una rock band, ma ascoltare brani come My Lack Of Will o in misura minore Surf 1975 significa restare completamente sconcertati all’ingresso del maledetto-effetto-pedale-distorsore.

Un altro brano che ci piace è Run che ha un incedere molto californiano, ricordando la spensieratezza del pop punk, ma reso più denso da linee vocali che sanno di (effetto) Placebo, eppure appena salta su il ritornello ecco che storciamo il naso e non ci troviamo un senso. Ascoltando questo album ci viene da dire che l’animo grunge e punk si collocano ben lontano in termini artistici da quello alternative rock e garage e non è stata, a parer nostro, un’ottima scelta quella di mescolarli. Perché non scrivere pezzi come Get A Chance che per intro e strofa è all’altezza di uscite internazionali? I The Slaps restano sicuramente una band da riconsiderare se in futuro riusciranno a prendere una strada più netta e proponibile.

Big Bang Muff – Crash Test

Più che un duo, i Big Bang Muff possono essere considerati il progetto di Alfonso Roscigno, nome già noto per la sua militanza nei Danamaste, che ha composto le musiche per questo lavoro. L’album in 9 tracce non supera i 25 minuti di ascolto, ma non si tratta di una questione ritmica che ci porta frettolosamente alla conclusione di ogni singolo brano; paradossalmente in Crash Test vi sono varie parti lente, intermezzi che racimolano brandelli di melodie e creano sfumature dark per poter poi far balzare l’ascoltatore dalla sedia con un riff potente. L’opener Vivo Nell’ombra ci fa tornare agli esordi dei Verdena in cui rabbia ed elettricità (leggasi grunge) prendevano vita anche al di qua dell’oceano; gli altri brani vedono la band avvicinarsi anche ad altri stili, eppure noi riconosciamo comunque una radice grunge molto forte. Gli arpeggi di Luci Rosse sono un momento crudo, ancora più affascinante l’acustica Stagioni, approccio molto diverso rispetto agli ampli infiammati generati da E=Mc² e momenti decisamente elettrici che trasudano in vari passaggi di Crash Test.

Un rock martellante, che mostra alcuni profili di maturità compositiva (stacchi, ritornelli) arricchiti da una produzione azzeccata per la proposta della band ed altri elementi forse da rivedere (alcuni effetti vocali come in Non È Cambiato Niente), nel complesso comunque un album che appaga la sete di rock e che non fa percepire la mancanza di altri componenti al progetto.