Killer Sanchez – Pneuma

Ci avevano ricordato i primi Litfiba i Killer Sanchez ai tempi del loro primo EP dal titolo Ruggine (di cui avevamo parlato a questa pagina) ma per certi versi ricordano anche il rock anni 90, quello che aveva sete elettrica e che voleva arrivare senza starci troppo a pensare, pur optando talvolta per ritmi non a tutti i costi veloci. E’ un po’ questa la ricetta che i Killer Sanchez seguono anche nella loro seconda creatura, Pneuma, che alterna momenti più vispi come l’opener (che ci riporta indietro ai tempi di Un Po’ Di Niente) e trame più ricercate come in Bianco. I ragazzi, ora in quartetto, lavorano però con grande sapienza: una buona ricerca dei suoni e degli effetti (si ascolti ad esempio proprio Bianco), l’assenza di voglia di strafare, piuttosto meglio mettersi in gioco e optare per soluzioni diverse (Immobile). C’è un alone di alternative rock nel retropensiero dei ragazzi, una percezione che arriva non subito perché l’energia dei ritornelli e dei bridge la fa da padrone e sposta il tutto nella direzione di chi si aspetta watt ma elargiti con intelligenza. Mancano invece le radici blues, quelle che avevamo apprezzato con Volevo Solo Vedere Qualcosa Di Bello Morire, probabile passo evolutivo dei Nostri.

Paradossalmente il brano dell’EP che ha i testi più corposi è quello con la durata minore: Serenada Chainsaw è una lotta interiore, una parte strumentale che vorrebbe accendere la miccia, e in parte sfiora l’esplosione sonora, mentre una parte lirica che implode nei sentimenti e in un amore finito, con l’intento di metabolizzare per poi agire, ma non è ancora questo il momento. Una buona prova Pneuma, coerente con l’EP d’esordio ma che suona più matura, concettualmente e soprattutto a livello sonoro. Un EP che è in grado di creare dipendenza ed emozioni per chiunque apprezzi la chitarra e le sue varie sfaccettature sonore.

Jellygoat – Eat The Leech

Secondo EP per i Jellygoat che puntano dritti al grunge di Seattle per una riabilitazione forzata ai giorni nostri. Va subito fatto elogio alla produzione, moderna e in grado di valorizzare i vari strumenti, in primis il ruggito della sei corde che arriva prima di ogni altra cosa. Lo stile però è tutt’altro che univoco: si va da Hate You e si sente un retrogusto blues/rock’n’roll a My Song, molto più melodica e accessibile, in cui ci sembra di sentire echi alla Incubus (anni recenti). Il cuore dei Jellygoat è però il rock nel senso più ampio del termine, vi suggeriamo di ascoltare Morning Light un brano che contiene un certo fascino e, pur senza puntare su chorus da ripetere allo sfinimento, ci resta attaccato alla pelle e suggerisce delle esibizioni live incandescenti. Di tanto in tanto sembra che la band voglia spingere sulle intenzioni e provare certe soluzioni stoner, ma in fondo resta comunque fedele al rock. Da apprezzare la timbrica del singer Alessio Corrado che cede una personalità al sound nel complesso e comunque il lavoro dei ragazzi che, seppur semplice e non innovativo, arriva con piacere alle nostre orecchie e sazia la nostra sete di rock.

One Eyed Jack – What ‘m I Getting High On?

Eravamo rimasti un po’ in sospeso dopo la pubblicazione di Sea Plants Pollen (di cui avevamo parlato a questa pagina), via di mezzo tra EP e album completo che aveva presentato i suoni grezzi e sporchi, ma pur sempre rock, degli One Eyed Jack. Ora, con il nuovo What ‘m I Getting High On? abbiamo la quadra. Il sound è giustamente restato lo stesso, il loro tiro è tipicamente grunge e di ispirazione anni 90; la ritmica è poco veloce e questo da un lato li caratterizza visto che con suoni grezzi e distorsioni accentuate ci si attenderebbero dei tempi sprint; si punta sull’atmosfera dei brani, sull’orecchiabilità dei ritornelli pur restando fedeli al rock, conseguenze che ci saremo attesi appunto con un secondo album. Chiamatela maturità, chiamatelo semplice allenamento nello scrivere canzoni ma What ‘m I Getting High On? sembra più intimo, più sentito, più emotivo ed emozionale. Shitting Blood ad esempio è un brano che difficilmente riscontriamo in esordi discografici: l’intro e il suo arrangiamento, l’accelerazione che ne segue sono tutti elementi che ne disegnano una certa attenzione alla scrittura del pezzo.

Al contrario Sgrunt è un po’ un esperimento a parer nostro, con le sue chitarre rotonde, le voci in sottofondo e l’intermezzo strumentale a metà brano…prova comunque riuscita. Altro esperimento è dato da The Edge Of The Soul che mostra delle aperture sempre figlie del grunge ma in chiave alternative e più eleganti di quanto un amplificatore possa solo immaginare; ci piace questo desiderio di testate nuove coordinate, di mettersi in gioco ora che le idee sulle loro radici sono più chiare. E poi arriva un lento incedere sparso in alcune tracce (come Washyall e Primetime) che ci avvolge nel fitto terpore tipico di band come Corrosion Of Conformity ma con meno carica energetica nei riff.

Una prova bella, corposa anche se sfumata da tante intimità che il trio ha voluto inserire. Se nel precedente lavoro ci si allenava qui la band ha preso consapevolezza dei propri strumenti e delle proprie idee. Noi seguiremo il loro percorso di crescita che sicuramente non è ultimato.

Lost Dogs Laughter – Out Of Space

Un bel colpo di fortuna la conversione dei Lost Dogs Laughter dalle sonorità acustiche al rock elettrico. Una fortuna perché altrimenti il loro disco d’esordio non avrebbe avuto il sound cattivo e graffiante come quello di Out Of Space. Un album principalmente rock, anche se contaminato da una chitarra quasi grunge, con i bicipiti dello stoner e la struttura dei singoli pezzi che ci riporta agli anni 90; ascoltare Fallen Angel e non trovarsi catapultati allo scorso secolo è una sfida, una sfida contro cui noi non ci sentiamo di scommettere. Data questa concezione compositiva possiamo garantire che i LDL danno il loro meglio nei pezzi veloci dalla durata limitata, anche se un pezzo come Honestly che supera i 5 minuti riesce a tenere alta l’attenzione e non calare mai. A noi ricordano i primi Muse, sia per quell’intenzione di far esplodere le note proprio quando il brano lo permette, sia per alcune cadenze vocali che non sono molto lontane da quelle di Matthew Bellamy; ad ascoltare con attenzione però Out Of Space troveremo dei suoni diversi che come detto accarezzano più il grunge.

L’accoppiata Go Away / Worse Unknown abbraccia un po’ lo spirito da ballad dell’album, buone composizioni che si poggiano molto sulle linee vocali; sono brani che probabilmente possono essere riarrangiati in chiave acustica proponendo un’altra veste, mentre nella titletrack l’intenzione di comporre una ballad vera e propria è ancora più lampante (davvero buoni gli arrangiamenti). Noi però li preferiamo in versione elettrica. Così Fade (September 1993) conquista il rock’n’roll con una ritmica più marcata e un mood più allegro, interessante è sicuramente Am I? che coniuga l’alone misterioso del titolo con delle strofe oscure e introspettive, per poi esplodere (come si diceva prima) nei ritornelli. Un buon album di rock con testi in inglese che può trovare terreno fertile soprattutto all’estero.

Jack Brain – Epic Spleen

Se il titolo Epic Spleen è stato inteso come “disagio epico”, direi che ci siamo in pieno su quello che trasmette questo album, primo frutto del progetto solista di Giacomo Casile, Jack Brain. Il disco trasuda delle parti più alternative, tormentate e cyberpunk degli anni ’90 e anche un pizzico di darkezza The Cure in qualche frame del pezzo strumentale Anarada. Ascoltarsi Epic Spleen tutto di un botto è un po’ come essere buttati nell’atmosfera tra depressione e malinconia di Come As You Are, con la differenza che la voce, invece che essere graffiante e urlata come quella di Kurt, qui è più sapientemente dosata, malinconica e allo stesso tempo cupissima alla Maynard James Keenan. E sempre dall’universo Tool sembrano presi i riff di Another Day e No One Left To Blame. Quello di Jack Brain però non è manierismo, c’è un bel mix, frullatone e rielaborazione della 1) tradizione grunge nineties del partito Smashing Pumpkins e Nirvana, soprattutto nei testi (un po’ tra il criptico e il depresso – che peraltro è strutturale e in certi frangenti va pure un casino nell’era dell’eterna crisi finanziaria e della vera generazione che non ha futuro, che a dircela tutta non è solo quella di Kurt Cobain) e 2) sonorità alternativa e sperimentale alla Nine Inch Nails e Tool, che esce fuori in Crippling Hurt e No One Left To Blame.

Una piccola nota particolarmente dolorosa per i puristi e aficionados della perfezione anglofona è la pronuncia e dizione dell’inglese, soprattutto su Epic Spleen. La title track a chiusura dell’album è un chiasmo tra un riff veramente succoso che si schianta in mente e non ti lascia più, e una pronuncia che farebbe perdere i capelli a John Peter Sloan. L’effetto in alcuni punti è quasi come quello del “denghiù” di Aldo Biscardi nelle pubblicità dei corsi d’inglese (anche quelle molto anni ’90, questo cimelio di marketing si può trovare tranquillamente su youtube). Ad onor del vero però l’inglese è una lingua universale e per questa universalità forse non dovrebbe vantare dizioni specifiche (e in tutta onestà personalmente non ho mai capito che cosa dicesse Kurt Cobain mentre cantava, neanche lui aveva la pronuncia impeccabile di Mr. Brown de Le Iene o di Freddie Mercury. Sfido chiunque a scrivere in presa diretta senza aiuti il testo di Territorial Pissings).

In estrema sintesi siamo di fronte ad un album forse un po’ uniforme nei ritmi, tuttavia ben fatto, che si lascia ascoltare e, cosa fondamentale, che trasmette una bella dosa di disagio come nella migliore tradizione alternative/grunge.

Acid Muffin – Bloop

Ho ascoltato gli Acid Muffin live, per caso, prima del concerto delle L7, rimanendo piacevolmente colpito. Qualche tempo dopo mi vedo arrivare questo album da recensire, Bloop, il primo full lenght della band romana. Parliamo di rock/grunge, anche se mi fa sempre un effetto usare la parola grunge se non riferita a una certa posizione geografica e a un certo periodo storico. Ma il grunge c’è eccome; ma non solo. C’è anche il prog come anche il dark, del buon sano classic rock e un pizzico di metal. Un mix complicato ma ben riuscito; suoni grezzi, a tratti psichedelici, qualche ritornello azzeccato rendono questo Bloop un buon album. Down Yo You apre l’album ed è grunge puro, lo stile Alice In Chains per intenderci; un pezzo bello tirato e ben strutturato. Segue Never So Near e già si intuisce che non sarà un album monotono e tutto uguale. Meno tirata, più radiofonica se vogliamo, così come la seguente. Si rallenta ancora di più in Movie, una balladona stile Nickelback. The Last Illusion è il singolo, diventato anche video, trainante dell’album, un pezzo lento, potente, con assoli di chitarra e ritmi alternati.

Personalmente preferisco il cantato come in Turning & Suffering, rock’n’roll bello tirato e graffiante; sembra che possano funzionare molto meglio con questo tipo di sound mentre spesso, durante l’ascolto dell’album, ho avuto l’impressione che volessero un po’ addormentare la situazione con cali troppo evidenti di ritmo. Si torna a tirare su Stain, suoni ruvidi e sinceri. Poi spazio a sperimentazione e contaminazione di Exotic Song e Mellifluous Desire, dove ritroviamo un po’ di prog, di psichedelia e un po’ di RHCP. Chiude Smoking My Little Soul, uno dei brani più belli di tutto l’album, seppur (ancora) diverso, pianoforte, archi, lenta intro, un buon levare e un gran assolo finale, a chiudere un album non facile ma di sicuro interessante.

La copertina non è un granché e tutto il booklet un po’ (troppo) anni 90, ma del resto, se la strada è quella grunge, non può che essere così. Buon lavoro degli Acid Muffin, consiglio di intercettare una delle loro esibizioni live nei club o in apertura a nomi importanti del rock ruvido.

Psychokiller – Higher

Gli Psychokiller (costola ormai rodata degli Hollywood Noise) vengono fuori con la seconda prova in studio dal titolo Higher che colpisce nel centro la scena rock. Peccato che il colpo sia notevolmente debole e non in grado di lasciare segni a quella che è una scena oggi piena di band che sgomitano e in cui ciascuno cerca di giocare le proprie carte per emergere. Qui, almeno secondo il nostro giudizio, non si percepiscono elementi degni di nota e sembra molto inesistente anche un qualsivoglia timido tentativo di differenziare la propria offerta musicale. Dal punto di vista sonoro Higher sembra infatti essere sorto sotto le sonorità della Seattle anni 90, inserito in una macchina di teletrasporto per circa dieci anni e liberato quando l’alternative rock e un certo rock scritto per le classifiche statunitensi andava molto di moda. Ma proprio come nel film La Mosca (e osservando la copertina il riferimento non ci sembra così casuale) al momento dell’apertura l’immagine che ci troviamo dinanzi è tutt’altro che piacevole. I riff mancano quasi del tutto, il suono da chitarra elettrica di sponda punk rock rappresenta lo spirito sposato dal quartetto, prodotto appunto con un orecchio al grunge e uno all’alternative rock da classifica. Sotto i vari watt (ma non i diversi strati sonori, perché non ve ne sono) si celano melodie dal facile ascolto: per una band con due chitarre ci si poteva attendere anche qualcosina in più in termini di composizione.

Purtroppo anche la parte delle liriche soffre di un forte handicap: la pronuncia in inglese che si avvicina più ad un italiano scolastico che ad una band che ha qualche possibilità oltre i confini nazionali. La lingua per le band emergenti dovrebbe essere vista come uno strumento, se non si è in grado di suonare il violino (ad esempio) nessuno avrebbe il coraggio di suonarlo all’interno di una band. La pacata I Dream It All Tonight, l’opener Tidal Wave o il pop di Free To Choose sono brani innocui, che ascoltati una volta non lasciano il segno e non ci spingono al riascolto. Ma non tutto va scartato: Blackhands ad esempio non è un cattivo esercizio, ma con un numero di battute superiore potrebbe acquisire tutto un altro sapore. Il suggerimento è ricalibrare le rotte e ripartire, ma mai darsi per vinti.

Cromosauri – NOIZ!

Primo full-lenght (dopo un EP di presentazione) per i Cromosauri, band tutta italiana che si presenta come dei “dinosauri colorati”. Ironici ma non nel sound che richiama un certo grunge anni 90, sì spensierato ma che non poggia le proprie natiche su uno stile univoco lungo tutto il suo corso. Le parti vocali di Acoustico come T-Rex sono insindacabilmente grunge, nel sapore e nello spirito, ma il down-tempo dell’opener Broken Green o il tagliente psych rock di Loud sembrano tagliare il percorso dei ragazzi verso un cammino più qualificante. Senza stravolgere il mondo del rock, le sole prime tre tracce ci trasmettono quanto il rock dei ragazzi salti da un panorama storico-musicale all’altro; una spanna sotto questo strato si sentono comunque gli anni trascorsi ad ascoltare rock oltreoceano ma non è possibile dare un’etichetta univoca. Il retrogusto di Red Hot Chili Peppers nell’arpeggio (strofa) di When Somebody Loses Himself, echi dei primi The Smashing Pumpkins (più semplificati) in T-Rex sono alcuni dei momenti in cui ci si convince che questi ragazzi non intendono inventare nulla, piuttosto suonare del rock che arrivi con facilità, probabilmente alla ricerca di una propria individualità su cui poggiano comunque delle buone basi (ascoltare P.A.L. per credere).

Velocizzare un po’ la proposta e smussare qualche spigolo (produzione) potrebbero essere dei buoni primi passi per trovare un percorso più definito e crescere musicalmente. Noi glielo auguriamo.