Voodoo Circle – More Than One Way Home

Tre album in quattro anni sono abbastanza perché un supergruppo possa aspirare allo status di solida realtà dell’hard’n’heavy lasciandosi così definitivamente alle spalle ogni rischio di essere bollato come un capriccio passeggero o, peggio ancora, come una manovra commerciale. Fugato dunque ogni scetticismo i Nostri si riconfermano portabandiera di un genere che ha già fatto la fortuna di Whitesnake, Deep Purple e compagnia bella. Oggi come allora i richiami ai grandi del passato sono evidenti ma il gruppo li affronta senza timori reverenziali e anzi, lasciandosi andare spesso a virtuosismi e raffinatezze compositive, nasconde spesso veri preziosismi tra i solchi di questo CD. Nessuna sorpresa nemmeno nella formazione, riconfermata in toto e a buon diritto vista la grande intensità esecutiva espressa negli episodi precedenti e riproposta anche in questo nuovo episodio. Se ancora una volta la produzione può dirsi praticamente perfetta, altrettanto non si può dire dell’ispirazione che alimenta i dodici brani di questo disco con risultati un po’ disomogenei. Non che ci siano dei veri passi falsi ma alcune tracce sono decisamente più incisive e convincenti di altre. Notevole invece l’impianto melodico che tiene banco per tutto l’album acchiappando l’attenzione dell’ascoltatore per non lasciarla andare fino alla fine.

Il sound roccioso, talvolta fin quasi a lambire i confini del metal, è parte integrante di un songwriting che coniuga egregiamente tanto fruibilità e complessità quanto immediatezza e spunti d’interesse. Da segnalare anche la presenza di un paio di mid-tempo che davvero riportano la mente agli anni delle acconciature cotonate in un tuffo nel passato davvero gradevole…per chi lo sa apprezzare. Dalla copertina infine si poteva pretendere qualcosa di più originale anche se la realizzazione è davvero splendida e la sensazione di qualità offerta dal pacchetto davvero soddisfacente. E’ la stessa cosa che si potrebbe dire dell’intero disco ad ulteriore conferma della bontà di una proposta che nemmeno tenta di staccarsi dalle proprie radici e che per tanto non può essere additata di mancanza di idee ma alla quale va riconosciuta estrema coerenza nonché grande coraggio. Insomma la prova del terzo disco è superata e ci restituisce una compagine solida e in grande spolvero che non può e non deve essere definita side-project e che è invece promessa di grandi soddisfazioni anche per il futuro. Nel complesso un album che si può decisamente consigliare.

Voodoo Circle – Broken Heart Syndrome

A due anni dall’omonimo debutto tornano sul mercato i Voodoo Circle con un album che non cambia il bersaglio designato e anzi ripropone la stessa identica formula degli esordi. Siamo dunque di nuovo nei dintorni di un hard’n’heavy molto, forse troppo, vicino a quello proposto dai Whitesnake ai tempi d’oro ma non per questo prevedibile o banale. Come spesso succede per questi supergruppi produzione e tecnica risultano praticamente inappuntabili mentre è molto interessante analizzare l’impianto compositivo. Frangente che i Nostri affrontano con gran mestiere riuscendo a ben figurare soprattutto per il movimento e la varietà di queste dodici tracce che saranno una vera delizia per gli amanti del genere. Val la pena di ricordare che in formazione figurano calibri come Beyrodt e Readman rispettivamente chitarrista dei Primal Fear e cantante dei Pink Cream 69 quindi con un bagaglio di esperienza che difficilmente può produrre materiale scadente. Detto questo sono mille le influenze, scorrazzate progressive e sventagliate metal comprese, che si intrecciano per colorare gli oltre cinquanta minuti di questo platter così che ce ne sia davvero per tutti i gusti.

Lasciamo ai posteri la disquisizione sull’opportunità o meno di cimentarsi in un genere ormai abbandonato anche da chi ha contribuito a definirlo e portarlo al successo. Facciamoci invece bastare l’occasione per godere di un disco realizzato con cura, prodotto in maniera impeccabile, ricco di composizioni di spessore più che evidente e, non ultimo, suonato con tecnica e perizia. Senza trascurare che, a far davvero dimenticare il controverso retrogusto di già sentito che di tanto in tanto campeggia tra i solchi di questo CD, è l’infinità intensità esecutiva che la band sa mettere in campo. Certamente un esempio soprattutto per quelle giovani band che spesso si sforzano nel tentativo di raggiungere vette tecniche superlative dimenticando che la musica è più di ogni altra cosa una forma di comunicazione. In questo i Voodoo Circle sono maestri e se siete alla ricerca di un album emozionante e coinvolgente che vi rapisca e vi trasporti lontano sulle veloci e collaudate autostrade del rock, allora questo Broken Heart Syndrome fa al caso vostro.

Voodoo Circle – Voodoo Circle

Esordio in grande stile per i Voodoo Circle che con questo omonimo disco si presentano al mondo come compagine di grande spessore. I membri, uno per l’altro, hanno infatti grande esperienza avendo militato in band del calibro di Primal Fear e Pink Cream 69 o lavorato con mostri sacri come Gary Moore e Brian May. Questo ci dice già molto sulla qualità della loro proposta che non presta minimamente il fianco a critiche, come è lecito aspettarsi, né sotto il profilo tecnico, Alex Beyrodt in primis gioca a fare il virtuoso, né per quanto concerne la produzione, moderna ma mai troppo digitale. Meno prevedibile è invece il genere con cui i Nostri si cimentano: un hard’n’heavy a cavallo tra Dokken, Whitesnake, Malmsteen e chi più ne ha più ne metta, con sonorità comunque inquadrabili intorno agli anni ’80. I richiami a quel periodo sono inequivocabili ma anche sapientemente rielaborati tanto che anche chi non apprezzi particolarmente il genere non faticherà a trovare spunti di interesse in questo disco. Uno su tutti è l’estro compositivo che mostra mestiere nell’equilibrio dei brani ma anche ispirazione nel come gli stessi risultino movimentati e mai monotoni. Altro aspetto sicuramente notevole è l’energia sprigionata da queste undici tracce che non lasceranno indifferente nemmeno il più catatonico degli ascoltatori. Ultime, ma non meno importanti vanno sottolineate la ampissima varietà di soluzioni melodiche, la ricchezza degli arrangiamenti nonché le tante e diversissime influenze che qui e là aggiungono striature di colore arricchendo il piatto e sottolineando le diverse estrazioni dei musicisti coinvolti nel progetto.

Insomma abbiamo nel lettore quasi un’ora di ottima musica che non prova nemmeno a cercare una nicchia originale in cui inserirsi ma si butta nella mischia di un genere che ha già fatto in tempo a spopolare, ad inflazionarsi e ad essere superato e che ora risorge in una veste rimodernata. Una scelta coraggiosa che mostra carattere e convinzione e lo fa a buon diritto perché ai Voodoo Circle personalità e qualità non mancano di certo. Lo dimostrano le tante atmosfere create a suon di riff taglientissimi e assoli fulminanti con l’unico scopo di coinvolgere facendo dimenticare nel piacere dell’ascolto quel vago sapore di già sentito che sporadicamente potrebbe emergere nella bocca dei più esperti. Ovviamente obbligatorio per i nostalgici questo album può essere consigliato anche a tutti gli altri “rockettari” in grado di apprezzare un prodotto ricco e davvero ben realizzato.

Appice – Sinister

Sulla copertina di questo album svetta a pieno titolo la parola Appice e per gli appassionati di heavy metal classico può significare solo una cosa: qui c’è lo zampino di Vinnie Appice. In realtà le zampe sono due, anzi quattro, perché questa uscita targata Spv/Steamhammer sigla l’unione discografica dei due batteristi (fratelli) che portano questo cognome: il mitico Vinnie Appice (Dio, Black Sabbath e un’altra ventina di progetti) e il classico Carmine Appice (Buddy Rich, Rod Stewart, Vanilla Fudge e una serie di progetti solisti come Marty Friedman, Paul Stanley, Michael Schenker). Insieme, uniscono le forze, dopo il rodaggio nel 2014 con Drum Wars – Live!, e lo fanno con il supporto di una quindicina di musicisti di primo livello che arrivano da formazioni di grande peso internazionale come Whitesnake, W.A.S.P., Ozzy Osbourne, Guns N’Roses e Quiet Riot. Vi basta come curriculum per questo Sinister?! Se non dovesse bastarvi potete solo prenderne atto perché in questi 65 minuti di musica molto curata vengono ripresi tutti gli stilemi dell’heavy metal classico, meglio dell’hard’n’heavy a cui i fratelli sono indubbiamente legati. A partire dalle classicissime Monsters And Heroes o Danger, in cui sembra di rivivere certe atmosfere tanto care a(i) Dio, passando per la coverdeliana Killing Floor, che richiama il serpente bianco in tutto e per tutto o la War Cry ripresa dalla discografia dei Black Sabbath (qui rivisitata).

Appare qualche momento più spinto, come l’opener anche titletrack dell’album, che fa intendere uno stile più marcatamente metal, a tratti anche più moderno; su questi binari viaggia anche Riot, altro esercizio in cui sembra che la potenza prenda il sopravvento rispetto ad un trademark “vintage”, falsa illusione visto che la maggior parte dell’album si tuffa nelle sonorità classiche. Duplice il lavoro di drumming con i due a cercare uno stile univoco senza snaturare le proprie radici, stile che però finisce spesso per raddoppiare i passaggi ritmici, irrobustirli…e si sente; per comprendere bene questo concetto basti ascoltare il pezzo Drum Wars completamente incentrato sul loro contributo. Bella anche Suddenly che mostra i muscoli anche alla sei corde. Nota negativa circa l’assenza dei testi all’interno del booklet, ma si sa che ai batteristi non interessano molto le chiacchiere.

Voodoo Circle – Whisky Fingers

Nati nel 2008 come side project del chitarrista dei Primal Fear e del cantante dei Pink Cream 69 i Voodoo Circle si sono evoluti nel tempo da pretesto per ampliare gli orizzonti musicali dei propri componenti a solida realtà di un certo hard’n’heavy di settantiana memoria altrimenti snobbato, sebbene per fortuna mai dimenticato. Oggi la trasformazione continua e da compagine teoutonica i Nostri si ripresentano con questo quarto album come gruppo italo-tedesco grazie all’adozione in pianta stabile dei sempre ottimi Alessandro del Vecchio alle tastiere e Francesco Jovino alla batteria. Conclusa questa doverosa premessa è tempo di esaminare l’ultima fatica discografica della band a titolo Whisky Fingers che non propone nessuna novità per quanto concerne il genere, sempre perfettamente posizionabile tra Whitesnake, Deep Purple, Rainbow con una spruzzata di Led Zeppelin qui e lì. Ovviamente il tutto ha un suono moderno e perfettamente accordato al nuovo millennio compresa una certa durezza di alcuni riff che trenta o quaranta anni fa sarebbe stato impensabile inserire in un disco rock. Poco male, gli amanti del metallo ringraziano. Il resto del lavoro lo svolge una produzione dalle caratteristiche assolutamente contemporanee che oltre tutto dona a tutte le undici tracce una chiarezza e una comprensibilità invidiabili.

La linearità delle composizioni, mai eccessivamente lunghe, completa l’opera rendendo il tutto immediato e coinvolgente e aggiunge un ulteriore tassello a quell’efficacia che è la migliore arma di questa proposta. Conclude questo quadro un impianto melodico molto sviluppato e accattivante che imprime i brani nella mente anche dopo un solo ascolto tanto che ci si ritrova a ripassarne mentalmente i ritornelli anche senza volerlo. Il connubio tra semplicità e ricchezza espressiva senza scadere mai nel banale o nel cervellotico, ma anzi mantenendosi costantemente in un equilibrio che parla la lingua della vera classe, è il reale valore aggiunto di questo CD che anche sul versante tecnico non presta il fianco ad alcuna critica e anzi si esprime su livelli altissimi. Coerentemente anche in questo frangente i Nostri non esagerano e pur lasciandosi andare ad ampie parti soliste non annoiano mai deliziando e stupendo l’ascoltatore più che dare inutile sfoggio alle indubitabili capacità velocistiche.

Insomma questo è un disco solido e convincente sotto ogni aspetto che, pur senza mostrare un’originalità troppo marcata, riesce ad essere abbastanza personale da non uscire dal lettore tanto volentieri quanto ci è entrato. Provare per credere.

Blackfinger – When Colors Fase Away

Tra le fila della giovane label M-Theory compare, all’interno della categorizzazione doom, il nuovo album dei Blackfinger capitanati da Eric Wagner (Trouble, The Skull) alla voce. L’album è compatto e non lascia dietro di sé aloni o macchie che possono far intendere scenari diversi da quelli che hanno in mente i cinque musicisti: la sensazione che l’opener, anche titletrack dell’album, ci infonde è quella di aver messo su un brano targato Led Zeppelin ma aver sbagliato la velocità del giradischi, rallentandola eccessivamente. Stessa ambientazione, suoni simili ma tempi dilatatissimi e lisergici a causa dei quali, molto probabilmente, la band viene collocata nel doom metal. A nostro parere però questa identificazione potrebbe essere fuorviante visto che qui non siamo in casa Cathedral o Candelmass in cui la sensazione è quella di essere calati sei piedi sotto terra all’interno di un avamposto luciferino (solo Till We Meet Again va in questa direzione), bensì il fuoco del rock (e spesso dell’hard rock, ascoltare Can I Get A Witness) arriva e lo fa senza titubanze. Indubbiamente la ritmica è differente da un qualsiasi album hard rock o hard’n’heavy, ma dire che i Blackfinger sono una doom metal band significherebbe confrontarli con realtà che non sono mosse dal medesimo spirito. Piuttosto preferiamo intravedere influenze slow sludge nei riff trascinanti della band, che comunque opta per un buon sound generale seppur rallentato eccessivamente, o addirittura semplice rock come in Wating For The Sun.

My Old Soul è uno dei pezzi più dark del lotto, che usa di proposito accordi scuri e tanto cari a quella che fu la scena depressive metal di tanti anni fa, noi li apprezziamo di più in brani frizzanti come Afternow, Can I Get A Witness o nell’intermezzo strumentale di Crossing The River Turmoil. Nel complesso When Colors Fade Away risulta un album relativamente piatto e ad eccezione dei momenti più spinti c’è davvero poco da segnalare. Particolari i Blackfinger, indubbiamente, anche se crediamo che possano sicuramente esprimere il meglio di loro stessi facendo ingerire una pillola di speed al batterista.

Circus Nebula – Circus Nebula

Debutto a trent’anni di distanza dalla fondazione questo Circus Nebula e la nostra severa sentenza è: meglio tardi che mai! Non è il sound più innovativo del mondo, tuttavia se si è alla ricerca di quel sound da superganzi del rock’n’roll a cavallo tra gli ottanta e i novanta Circus Nebula è l’album giusto. Sì, perché Circus Nebula è una prova, ben fatta e deliziosamente suonata che si rifà al sound dell’ondata di cavalcate rock del lustro 1987 – 1991 (uscita di Appetite For Destruction – uscita di Nevermind, che secondo la nostra severa visione della storia è periodo di massimo splendore dei ganzi del rock tra i quali annoveriamo tutti coloro la cui figosità è stata messa in secondo piano – se non seppellita – dalla leggenda devastante di Kurt Cobain, ovvero: GNR, primi BJ, Poison, Motley Crüe, Queensryche, Twisted Sisters, Van Halen, Extreme, SteelHeart, Great White, Cindarella, Alias…). Quindi, se ti piace il rock ganzo o sei un superganzo come lo era Bret Michaels a suo tempo, fermati di leggere qua, tira un respiro, allaccia la bandana, accendi l’Harley e corri a procurarti Circus Nebula. Te lo ascolterai tutto d’un fiato. Questo perché il disco è un bel bilanciamento tra la “cazzimma” dei Mothoread di Shoot You In The Back (ascoltabile in Ectoplasm), quel rock ganzo e spensierato alla Motley Crüe (ascoltabile in Rollin’ Thunder) e le ballatone per sciogliere le fanciulle dal cuore di metallo alla Poison (ascoltabile in Vacuum Dreamer). Ha forse anche un po’ di metallo a cavallo tra NWOBHM e Megadeth in Spleen, il che fa sempre piacere. Del resto le sonorità un po’ thrash e un po’ NWOBHM sono prezzemoline: un’intensa scapellata ci sta sempre dentro.

Unico neo, non imperdonabile ma sicuramente da schiaffetto sulle mani per i Circus Nebula è il riff ammiccante a quel rock embrionale e indiavolato anni 50 stile Chuck Berry/Jerry Lee Lewis/Fats Domino di Mr Pennywise, brano a nostro avviso totalmente decontestualizzato che stona rispetto all’armonia generale dell’album, decisamente più indirizzato verso il rock dei successivi 30 anni a quando Martin McFly suonava davanti ai propri genitori al ballo della scuola. Tuttavia è inutile dilungarsi: Circus Nebula è un album con tanto cuore e tanta qualità, con un genere ben definito e un sound rotondo e deciso, da avere se sei un supporter del metallo italiota con classe, a cui Andromeda Relix, casa dei Circus Nebula, ci sta abituando con le ultime uscite.

The Unity – The Unity

Dopo Empire Of The Undead i Gamma Ray si sono fermati, almeno dal punto di vista discografico. Uscì un “best of”, il live Lust For Live e mentre tutti si aspettavano un ritorno in studio da parte dei tedeschi ecco la sorpresa: Kai Hansen pubblica con degli amici (non in line-up Gamma Ray) XXX – Three Decades In Metal e Michael Ehré (batteria) insieme a Henjo Richter (chitarra) danno invece alla luce un nuovo progetto chiamato The Unity e pubblicano così un album omonimo. Diciamo che a differenza del progetto di Hansen qui le sonorità non sono intransigentemente power: la matrice di base resta quella, così come le scelte produttive, ma l’approccio in generale sembra molto più orientato all’hard’n’heavy, con un po’ di fantasia ci sembra di ascoltare più un side-project dei Whitesnake, dei Dio o in parte degli Europe che non una costola del “raggio gamma”. Sarà stato il contributo degli altri musicisti in formazione (un sestetto ha sicuramente molte più idee da proporre) o forse la volontà di inserire anche molte melodie nel proprio suono, eppure questo The Unity si presta trasversalmente ad ascolti di fan molto diversi.

Brani come No More Lies, Close To Crazy o Killer Instinct affidano sicuramente un peso maggiore alle chitarre e sui muri di suono creati. in generale va detto che le tastiere non sono troppo ingombranti, ad eccezione di poche tracce, lasciando proprio alle due sei corde esprimere il meglio e rafforzare la parte elettrica. Anche un brano come Firesign, che sembra attingere ad inizio a lande sinfoniche, si lascia presto dietro le spalle i tasti bianchi e neri per piazzare una classica traccia power (qui i Gamma Ray si sentono) con tanto di refrain cantabile a squarciagola. In fatto di tastiere Always Just You propone qualcosa di nuovo che piacerà a chi mastica new wave, anche se nel complesso il brano non fa impazzire; ci piace molto The Wishing Well che fa leccare le dita ai fan dei Dio (è solo un caso che Ronnie James Dio abbia realizzato un brano Wishing Well nel suo periodo con i Black Sabbath), potente ed epica, ma anche la simpatica Reedemer, anch’essa molto epica, che ha un retrogusto alla Deep Purple.

Ma allora com’è stato scritto questo album? Con tanta maestria e saggezza compositiva: c’è una canzone con il titolo Rise And Fall, i cori in God Of Temptation fatti per i live, molti ritornelli scritti e suonati per restare impressi, voce molto pulita (un plauso va sicuramente all’italianissimo Giamba Manenti) e tutti i fattori che grandi professionisti sanno mettere al posto giusto per piacere e lasciarsi ascoltare. Cosa vuol dire? Che vi sono tutti i cliché del power e dell’hard’n’heavy quindi se vi aspettate una band che vi sorprenda prego rivolgervi altrove, ma se siete appassionati del genere e masticate riff hard e produzioni moderne allora The Unity è più che consigliato.