Bad Bones – Demolition Derby

Mattoncino dopo mattoncino si costruiscono i grandi edifici. Così vale anche per il progetto Bad Bones, formazione in cui milita Steve Balocco (White Skull, Nico McBrain) e il fratello Lele, band che sta proseguendo nel suo cammino di crescita conquistando pian piano terreno nel mondo dell’heavy metal. Non a caso i tre precedenti full-lenght hanno visto accrescere il loro seguito (in particolare vi segnaliamo il precedente Snakes & Bones recensito da noi a questa pagina) e ora il quartetto arriva con il nuovo Demolition Derby che ufficializza l’accordo con la label internazionale Sliptrick Records. Ma per avere un edificio sicuro sono necessarie anche delle fondamenta solide e infatti i Bad Bones non cambiano il loro stile anzi vi ampliano la fruibilità: il valore del loro hard’n’heavy classico non viene per nulla scalfito, stile che richiama grandi del passato come Whitesnake e Gotthard, ma anche realtà più moderne come i Chickenfoot. Il tiro c’è ma non è l’elemento preponderante, l’ “asso di spade” di Demolition Derby sono sicuramente le composizioni a tutto tondo che talvolta riescono ad appagare anche i gusti degli appassionati dell’AOR. E qui potremo scomodare la lenta Rambling Heart che strizza l’occhio al Bon Jovi più maturo o anche l’intensa Red Sun in cui compare un duetto con Roberto Tiranti, interprete più che cantante di cui noi italiani dovremo essere fieri. Momenti affascinanti anche se il look stradaiolo dei Bad Bones è sicuramente più in tono con i passaggi più cattivi come nella graffiante Rusty Broken Song o nel riffing compatto di Shoot You Down (per il quale ci chiediamo come sarebbe suonato se vi fosse stata una seconda chitarra).

In tutto l’album, come nel passato della band, aleggia un profumo hair/glam, a volte più intenso altre volte collocandosi un passo dietro, profumo capace di rendere più digeribili i brani e meno metal nel senso stretto del termine. Una prova che ha tutte le carte in regola per duplicare i fan della band, niente di estremo né di innovativo….solo hard’n’heavy molto molto ben fatto!

Matteo Brigo – It Works!

Avevamo già avuto il piacere di conoscere musicalmente Matteo Brigo all’opera con i suoi Maieutica (a questo link la nostra recensione del loro ultimo R.E.S.) e non eravamo rimasti per nulla indifferenti rispetto all’uso che faceva della sei corde. Qui lo vediamo sotto un’altra veste, potremo dire solista ma il condizionale è d’obbligo, una figura che veste i panni del guitar hero anche se lo fa senza quell’autorevolezza che i grandi nomi si auto-etichettano per calarsi nel ruolo del professionista. Matteo dichiara di aver riassunto tutte le sue influenze legate agli anni ’80 e ’90 (quindi film, videogiochi e chi più ne ha più ne metta) in un album di musica strumentale, noi vediamo It Works! come un notevole album di hard rock ottantiano che farà grondare godimento per gli amanti di David Lee Roth, Mr. Big Van Halen et similia. Matteo inserisce dei passaggi scherzosi, dei cambi di tempo inattesi e lo fa sempre senza voler autocompiacersi: quello che percepiamo noi è un vero divertimento nell’espressione chitarristica, che se talvolta si inasprisce in tocchi shred o in tecnicismi particolari, in altri è comunque alla ricerca di una melodia che (paradossalmente per essere un album strumentale) resta impressa anche dopo l’ascolto.

Impossibile non fare un salto alla propria adolescenza con tracce come la titletrack, un teletrasporto che ci rimanda ai tempi d’oro dell’hard rock, ma anche l’opener Kaboom rappresenta benissimo l’esplosione che si apre dinanzi alle nostre orecchie. Abnormal e In The Lab tentano le ambientazioni più oscure, rallentando anche i bpm in alcuni passaggi, ma la vera forza di questo lavoro è l’energia e la carica hard rock sprigionata dai suoi tantissimi pori. Se volete una prova ascoltate Super Paradox Combo, esercizio di stile (troppo?!) a livelli di nomi di portata internazionale. Eppure, ad ascoltare bene questo It Works!, non c’è solo la chitarra: ovvio che i suoni e i solismi così come i riff sono in prima linea, ma spesso la sezione ritmica e ancora le tastiere si fanno spazio ed arricchiscono il tutto. Noi ci auguriamo che in un (eventuale) secondo album ci sia più commistione con gli altri strumenti e, perché no, magari anche con inserimenti di suoni meno canonici (sax, banjo…).

Se il tentativo era quello di avvicinare la chitarra, nel suo uso più estremo, a chi non è avvezzo a questi suoni, possiamo dire che in parte Matteo Brigo ci è riuscito. Sicuramente è un lavoro che apprezzeranno gli appassionati di quell’epoca e chi ascolta a profusione G3 ed esercizi vari di stile. A noi, l’intento ma anche il risultato finale, sono piaciuti molto.

Now Or Never – II

Ormai non stupisce più come dalla fucina del nord Europa si forgino a ritmo costante metalli solidi e al contempo melodici. Da una sorgente danese-svizzera nascono nel 2012 i Now Or Never che in quattro anni compongono due full length album, l’omonimo Now Or Never e l’ultimo II. Fondati dal chitarrista Ricky Marx (proveniente dai Pretty Maids) e dal batterista Ranzo, ai quali si uniscono in breve tempo il cantante Jo Amore (ex batterista dei Nightmare, che ha deciso di abbandonare le pelli per le corde vocali) e il bassista Kenn Jackson anche lui ex membro dei Pretty Maids. Fin dalle prime battute si intuisce come i Now Or Never siano riusciti a creare un solido connubio tra il lato melodic e quello heavy del metal. II è un album ricco di armonie vocali accattivanti, riff di chitarra e ritmi incisivi. Non si scorge la minima esitazione neanche quando il piede schiaccia l’acceleratore, I Shall Remain, per avvicinarsi (senza varcarli) nei territori del thrash. Il singer Amore dimostra di aver studiato a fondo i grandi classici del genere come Ronnie James Dio, riuscendo anche a sfoggiare una buona estensione vocale che mette al servizio dell’espressività e della band, che risponde colpo su colpo al suo cantante grazie all’ottima sezione ritmica che procede come un rullo compressore, dimostrando un buon affiatamento. Come punto finale è giusto segnalare l’ottima produzione che conferisce all’album un sound fresco e radio oriented.

Non ci troviamo certo di fronte ad un miracolo discografico, ma il sound hard & heavy che sono riusciti a creare i Now Or Never non è per nulla stantio e convince fin dal primo ascolto. Vale sicuramente la pena ascoltare II più di un paio di volte, anche per i meno fanatici del genere. In fondo la buona musica dovrebbe piacere a tutti.

Ivory – A Moment, A Place And A Reason

Ivory risulta un nome molto scelto da artisti attivi in campo musicale, molti sono i progetti che corrispondono a questo moniker ma oggi ci soffermeremo a parlare della formazione italiana giunta alla seconda fatica sulla lunga distanza, album che presenta un sound molto straniero ma davvero di buona fattura. Il bellissimo artwork di A Moment, A Place And A Reason ci aveva suggerito scenari progressive e invece questo quartetto si attesta su un hard rock con sfumature differenti: più Deep Purple oriented nell’opener e in momenti dispersi qua e là lungo l’ascolto, più hard & heavy in stile Whitesnake, in particolare nella Blues For Fools dove sembra riprendere l’amore di Coverdale per il blues. Ma il loro stile, pur risultando molto classico, non si infrange solo contro i colossi dell’heavy ottantiano bensì cela sfumature che aprono il loro tipico pubblico anche a palati diversi: in particolare il riffing secco e tirato produce sicuramente godimento per gli appassionati di power e in vari momenti (come in Who Am I?) si cela un velo di glam emozionante. In ogni modo niente sperimentazione, gli Ivory si tengono ben lontani da questo termine, non a caso la ricercatezza compositiva viene fuori più per sole trame chitarristiche (si ascolti A Drink At The Village) che non per composizioni che intendono descrivere i paesaggi in copertina.

Quindi un genere ben rodato eppure non c’è d’aspettarsi il solito monolite retrospettivo sempre uguale a se stesso: infatti mentre Feeling Alive ricorda i Savatage del periodo d’oro colmi di melodie potenti, con Inner Breath i pattern diventano più duri accostandosi a quanto fatto da formazioni NWOBHM come Judas Priest e Saxon. Abbastanza fedele alla versione reale la cover di Come Together, un po’ troppo diluita Through Gloria’s Eyes ad essere pignoli, mentre la restante parte dell’album va assaporata con gioia ad alto volume. Un plauso comunque va al nuovo singer Roberto Bruccoleri che non solo interpreta molto bene i brani ma risulta particolarmente dotato ricordandoci a tratti una serie infinita di artisti, dall’interpretazione di Mike Patton all’ugola di Sebastian Bach (almeno questa è l’impressione). Un buon lavoro per gli appassionati di questo genere che difficilmente tramonterà.

St. Prostitute – Glorified

Parlare della musica dei St. Prostitute è semplice e allo stesso piacevole. Così come il nome è davvero d’impatto (difficile dimenticarlo e l’artwork in questo ci viene in aiuto), il quintetto danese si cala nel pieno del rock graffiante e ruffiano che se da un lato abbraccia la scena hard’n’heavy ottantiana (Whitesnake e tutto ciò che seguì), dall’altro cela un’attitudine rock’n’roll (Turbonegro) priva di fraintendimenti condita da spallate glam/sleaze (dai Mötley Crüe agli Hardcore Superstar) che rendono ancora più ricca l’offerta. Un mix musicale di sicuro molto noto ma che nei St. Prostitute trova linfa vitale e stimoli particolari nel divenirne accaniti fan: infatti se l’opener Farewell & Goodbye ci aveva già suggerito metà del disco, fatta di riff tirati e ritmiche veloci e trascinanti, Red Car e City Lights ci fanno capire quanto il rock e l’hard’n’heavy possono in realtà puntare su bpm non così elevati ma risultare lo stesso di impatto. Certo, sarebbe superfluo immaginare questi danesi lontani dal rifferama di All Mine o dalla chitarra tagliente e da headbanging continuo di Dead By Rock’n’Roll, un brano quest’ultimo cupo ma pieno di sudore e dirty rock.

D’altra parte, come detto, c’è anche un altro lato della medaglia fatto di momenti più pacati: niente a che vedere con le ballad perché i Nostri non cedono alla tentazione del romanticismo, ma pezzi come Running With Scissors o Suicide Girl sono meno esplosivi di momenti come l’opener ma non meno belli. Energia e pathos all’interno della stessa ricetta quindi, valorizzata da una produzione di ottimo livello che lancia la band nell’olimpo del rock’n’roll moderno. Va detto che i St. Prostitute sono comunque già noti sulla scena internazionale, complice i riscontri del debut album Here Come The Prostitutes e del tour di supporto ai Pretty Maids di qualche anno fa (lo stesso tour da cui fu estratto It Comes Alive – Live In Switzerland recensito da noi a questa pagina). E noi non possiamo che parlare bene del loro meritato successo sperando che vengano a trovarci in Italia.

Dirty Fingers – 250 Dollars

I Dirty Fingers (da non confondere con l’anonima hardcore band belga) sono tutti italiani e giungono al loro esordio discografico con tutte le fatiche delle band emergenti. Pur ricalcando in qualche scatto fotografico l’ironia dei Nofx, i Dirty Fingers si posizionano già dal primo brano nella calda scena dell’hard rock sanguigno o meglio del southern rock che si lascia ammaliare dalle sei corde heavy. Non a caso 250 Dollars è un lavoro che secondo noi potrebbe piacere molto, per note e per grafica, ai Pantera che furono, lasciando da parte però le influenze estreme che portò Mr. Anselmo ma focalizzandosi più sulle influenze texane dei fratelli Abbott (con tanto di passione sconfinata per Eddie Van Halen da parte di Dimebag Darrell, che anche qui trova una sua natura). Così il sound Dirty Fingers risulta graffiante e ruffiano, qualcuno potrebbe azzardare qualche accostamento con la scena glam losangelina, soprattutto grazie ad alcuni riff, ma secondo noi i Dirty Fingers hanno più una matrice hard rock che brilla stelle e strisce, un sound molto americano e molto incentrato sulla sei corde; infatti prima delle composizioni c’è una certa ricerca del sound che raggiunge la vetta proprio con il moniker della band ispirato al modello di pick-up “dirty fingers”.

Bella Heroes’ Days che ricalca un certo groove, elemento tipico dei riff targati Dirty Fingers, decisa invece I Am che punta più sull’heavy metal abbandonando appunto l’aria southern delle prime tracce. I brani sono comunque differenti per trame anche se al loro interno avremo preferito una maggiore varietà; va detto che lo stile è ben definito e nell’hard rock/hard’n’heavy i brani sono brevi ed essenziali, l’attitudine delle band è costruita più sul “tiro” che non su composizioni stratificate. Un buon esordio che merita però un’evoluzione stilistica per valorizzare le capacità di questa band rispetto a quanto l’hard’n’heavy ha già sfornato negli ultimi decenni.

Highway Dream – Wonderful Race

Ci sono band la cui musica vive all’interno di un CD o di un vinile ed altre che hanno davvero senso solo se messe su di un palco. Gli Highway Dream rientrano nella seconda categoria con il loro hard rock (anche hard’n’heavy) molto segnato dalla tradizione americana e da qualcosa di più vicino a noi. I brani del loro Wonderful Race sono lustrati proprio per raggiungere il culmine nelle esibizioni live: i riff, le aperture vocali e gli intermezzi…l’intero film è creato per “suonare”, nel vero senso della parola. Negli Highway Dream, tra l’altro italianissimi, potrete trovare tantissime formazioni del passato: dalle chitarre affilate in stile Van Halen (meno tecniche però!) all’approccio hard’n’heavy dei Whitesnake, dagli AC/DC più irrobustiti fino ai nostri Gotthard. Insomma un genere che ha dato il meglio ormai trenta anni fa ma che, ammettiamolo, è davvero duro a morire e che può tranquillamente essere riproposto tutt’oggi. Il quartetto non punta a ritmi veloci né a strutture tipiche del metal (ad eccezione di qualche passaggio come nel brano che dà il nome alla band), piuttosto usa la chitarra per dettare il ritmo e non per sconvolgere chi ascolta; le linee vocali di Isa Gorni sono in linea con questo modo di intendere la musica tanto da dare la giusta melodia in più di una occasione. L’esempio lampante è la stoppatissima Many Reasons, brano retto dalla chitarra (anche un po’ sola ad essere pignoli, avrebbe giovato una seconda chitarra) e dalla voce, quest’ultima spiccando come unico spiraglio di melodia.

Una sorta di ballad si presenta con Let Me Be Your Breath che però contiene troppi cliché: dal titolo al mood, inoltre è piazzata a metà scaletta e questo ce lo aspettavamo fin dalle prime tracce; ma non ce la fa ad essere una ballad a tutti gli effetti e quindi la chitarra elettrica esce fuori e combina l’animo romantico dei suoi quattro minuti con un po’ di verve; stesso copione con Some Stars… con la differenza che qui la scossa dopo oltre un minuto è maggiore. Noi li preferiamo nelle vesti più aggressive di Fallin’ Down, pezzi in cui una sei corde grezza prende a cazzotti chi si era fatto un’idea di band laccata. L’hard del combo è trascinante anche se in alcuni momenti una maggiore velocità avrebbe trascinato di più (Born To Be A Rockstar ci piace davvero), nonostante ciò sul palco sono da provare.