Virtual Time – Long Distance

Southern, hard e molto ritmata questa “lunga distanza”, nuova fatica per i Virtual Time. Il disco si apre con l’elettroshock di Remember (Who You Are) per poi concederci Blow Away, una ballatonza dai ritmi alla Black Crowes di inizio millennio in Soul Singing. Di energia in Long Distance ce n’è tantissima, ma di muse ispiratrici ne vedo tre, una presa dai grandi classici dell’antologia del sacro vincolo del rock (meno Deep Purple e più Rainbow, la voce vuole provare ad imitare quello stile –inarrivabile – e la chitarra sembra pure prendere ispirazione da un tardo Ritchie Blackmore), una dai più recenti Black Crowes e una terza dall’essenza inarrivabile della musica, fonte per tutti noi di venerazione, estasi ed ispirazione. Oddio lo sto scrivendo. I Led Zeppelin. Ebbene sì, va ammesso, una bella metà di Long Distance richiama, alternando acustico a cavalcate elettriche la cara buona vecchia Ramble On. E pure l’altra metà contiene gli effetti tanto cari al quartetto del dirigibile. È c’è, come in Immigrant Song, la citazione alla mitologia norrena (Valhalla!). Sono indeciso se Long Distance rispedisca chi lo ascolta a cavallo tra Led Zeppelin II e Houses Of The Holy oppure sia uno shock elettrico dei meglio Black Crowes o del Jack White più aggressivo.

C’è da dire che accetto e mi assumo responsabilità di schiaffi, e verdura in faccia per aver offeso qualcuno evocando i Led Zeppelin, ma Long Distance è un album decisamente cazzuto, l’urlo di Bassano Del Grappa al fulmicotone che scuote l’occidente. Il disco brucia letteralmente il lettore (o se si è su Spotify incendierà il cellulare); è difficile dire quale dei pezzi sia il migliore o da quale si debba partire perché ogni brano è una perla e sembrano quasi registrati in presa diretta, senza trucco e parrucco (o i Virtual Time sono dei fenomeni o chi ha registrato sa decisamente il fatto suo…o entrambe). In tutta onestà non ho capito perché i Virtual Time citino Pink Floyd, King Crimson e Muse tra loro influenze e sonorità. Io ci vedo solo sano, genuino, puro ed esplosivo rock. E ciò è cosa buona e giusta. Nonostante attingano dal passato, i Virtual Time rielaborano il sound della tradizione e lo rendono attuale, in questo ricordano una delle poche altre eccitazioni rock dei nostri giorni, i Kaleo, altra band simile ed esplosiva e che, come i Virtual Time, sono passati come un missile tra le novità del 2016.

È inutile dirlo. I Virtual Time devono essere seguiti e ascoltati dal vivo, il disco è bello, ma, se non sei al live, godi solo a metà. Quindi alziamo il grog e facciamo un in bocca al lupo a Long Distance, album che merita.

Bastian – Back To The Roots

I Bastian sono stati formalmente concepiti nel 2014, mentre la loro prima release è stata ufficializzata l’anno successivo, con l’album scritto e prodotto dal leader Sebastiano Conti Among My Giants (recensito da noi a questa pagina). Il chitarrista italiano ha sempre puntato in alto fin da subito avvalendosi della collaborazione di musicisti di primissimo livello: Michael Vescera (ex-Malmsteen, Loudness, Animetal Usa, Obsession ) e Mark Boals (ex-Malmsteen, Uli Jon Roth, Ring of Fire) alla voce, alla batteria Vinny Appice (Black Sabbath, Ronnie James Dio, Heaven and Hell), Thomas Lang (Paul Gilbert, Glenn Hughes), John Macaluso (ex Malmsteen, James LaBrie, TnT, J. Batten). Dopo il lungo tour del 2016 (con una line up interamente italiana) che ha fatto seguito al loro secondo album Rock Of Daedalus (di cui avevamo parlato qui), Conti ha deciso per questa terza fatica di avvalersi di una line up più ristretta composta dal singer greco-svedese Apollo Papathanasio, alla batteria ancora Vinny Appice e al basso l’inossidabile Corrado Giardina.

Il titolo Back To The Roots è già una dichiarazione di intenti di per sé. Rispetto al suono di metallo puro dei loro due predecessori questo disco sprigiona più sfumature hard rock e alcuni tocchi blues, senza perdere di vista il suono duro che ha sempre caratterizzato le sue opere, Conti inserisce momenti più morbidi e meditativi con alcune ballad. Il disco scivola senza inciampi in un musica senza tempo eseguita alla perfezione sia dal punto di vista tecnico che dal punto di vista espressivo. Un disco che ogni appassionato di musica può ascoltare, come un porto sicuro, un faro di riferimento per chi necessita ogni tanto di tornare a casa.

Vicolo Inferno – Stray Ideals

Ritorno in grande stile per gli italianissimi Vicolo Inferno che a tre anni dal controverso esordio Hourglass (recensito da noi a questa pagina) ci riprovano con una sezione ritmica rinnovata e molta più ispirazione. Stray Ideals mostra da subito gran concretezza tanto nelle idee di fondo che nel modo in cui queste sono trasposte nell’impianto compositivo. Il progetto è ben architettato e dei chiari fili conduttori attraversano l’intero disco lasciando spazio a variegature anche piuttosto marcate che scongiurano definitivamente ogni pericolo di annoiarsi. Il tiro micidiale dei riff taglientissimi e dei soli particolarmente espressivi fa il resto del lavoro coinvolgendo piacevolmente nell’esperienza d’ascolto. I Nostri non ci stanno ad aderire al motto decoubertiniano secondo cui l’importante non è vincere ma partecipare e dunque mettono in campo le loro carte migliori raggiungendo picchi davvero notevoli. Il resto dell’album è comunque ottimamente confezionato e si fregia di ottime qualità tecniche soprattutto alle sei corde nonché di un songwriting non esageratamente articolato ma comunque mai banale. Qui e là sono avvertibili molti richiami ma sono rielaborati ad un livello tale da essere perfettamente integrati nel sound della band e quindi non sono percepiti come fastidiose scopiazzature.

Certo, se vi piacciono i Pearl Jam apprezzerete maggiormente il gran lavoro svolto dietro al microfono che comunque, come detto, non si esaurisce in una mera clonazione dello stile di Eddie Vedder. Molto bene. Anche la produzione è di tutto rispetto e con grande equilibrio e molta chiarezza aggiunge comprensibilità ad una proposta che vede così enfatizzata l’immediatezza già insita nel genere. E siamo arrivati alle note di merito. La prima è per l’ottima interpretazione di Caterina Minguzzi, ospite dietro al microfono su Two Matches, che rivelandosi perfettamente complementare alla voce di Igor Piattesi, meriterebbe di essere inserita stabilmente in line-up. Ovviamente l’aggiunta di un nuovo membro complicherebbe l’attività compositiva ma i Vicolo Inferno mi sembrano assolutamente in grado di gestire la situazione. Il ritorno sarebbe di avere maggior varietà e più spessore sull’interezza del prossimo CD…un vero affare. Positiva anche la realizzazione dell’artwork di copertina che risulta originale ed evocativo nonché impossibile da fraintendere nell’intenzione. In poche parole rispecchia l’essenza della musica del gruppo ed è proprio quello che ci voleva. Imperdonabile invece l’assenza di un vero sito internet che arrivati al secondo album e con tante qualità da mostrare sarebbe proprio il caso di metter in pista.

Concludendo questo Stray Ideals è un lavoro che senza dubbio consiglieremo ma ancora di più ci sentiamo di appoggiare la candidatura di questi ragazzi a nuova realtà emergente del panorama rock italiano e visto che i brani si prestano in modo particolare aggiungeremo che devono essere anche un piacere da ascoltare dal vivo. A quando il prossimo concerto?

Electric Guitars – Rock’n’Roll Radio

La Mighty Music è onnipresente in terra danese e si accaparra infatti anche questo combo di spessore che già dal moniker dichiara tutto: Electric Guitars è infatti il progetto di due axemen di una certa esperienza che con questo terzo album decidono di esprimere il loro disappunto per una questione che tocca anche tutti i lettori di RockGarage. Perché un certo tipo di musica non passa mai alla radio? Ovvero perché per ascoltare un po’ di sano hard rock dobbiamo lambiccarci il cervello sulle frequenze più improbabili, sperare di non essere in una zona d’ombra in cui la ricezione tentenni o continuare a rimodulare il sintonizzatore se ci stiamo spostando più di qualche chilometro? Eppure i gruppi che suonano hard’n’heavy riempiono gli stadi e vendono biglietti spesso più velocemente di quanto non si riesca a comprarli! Vabbè, lo sappiamo, la situazione in Italia è drammatica ed evidentemente in Danimarca non va meglio… bene, mal comune mezzo gaudio, ma è comunque una magra consolazione. Secondo me questi ragazzi andrebbero premiati per aver scelto di sollevare il problema in questo modo.

Ma ora torniamo a questo CD intitolato, omen nomen, Rock’n’Roll Radio che, a sei anni dalla formazione e quattro dall’esordio discografico, ci presenta una band finalmente matura, amalgamata perfettamente e in grado di sfornare oltre tre quarti d’ora di riffettoni esplosivi di stampo settantiano cuciti insieme con un sound moderno nonché ricamati da parti soliste tali da eccitare anche il più addormentato degli ascoltatori. I Nostri affrontano quindi il compito con composizioni articolate ma non complesse e più in generale con un approccio al genere di stampo quasi puristico stemperato appena da alcune parti vagamente vellutate e da altre che accarezzano velleità metallurgiche. Piaccia o no questo è rock da sentire a tutto volume, da cantare e da saltare e nomi come Ac/Dc, Bon Jovi e Def Leppard vengono richiamati alla memoria ma non plagiati e anzi i loro insegnamenti sono amalgamati in uno stile che, considerato il genere, non può essere più di tanto originale ma che al contempo sa mostrare la giusta personalità e una visione musicale concreta e ben strutturata. La tecnica, nemmeno a dirlo, non presta il fianco a critiche anche se chi si aspettasse il classico disco strumentale di shredder funambolici rimarrebbe spiazzato… ma non deluso perché i virtuosismi si sprecano comunque solo che sono dosati con parsimonia e con una certa propensione al groove piuttosto che alla performance velocistica.

La produzione segue di conseguenza e non lascia desiderare nulla di meglio né dietro il mixer né sul piano della comunicazione che al bel digipack appaia un sito chiaro e completo. Insomma cosa manca? Ve lo dico io: di sentire gli Electric Guitars alla radio!

Fair Warning – Pimp Your Past

La generazione 2.0 in cui viviamo mostra sempre più pregi e difetti: in ambito puramente artistico e musicale, ad esempio, la tecnologia oramai imperante consente da un lato, rispetto al passato, di poter disporre praticamente di tutta l’offerta che il panorama proponga. Dall’altro, tuttavia, permette ai vecchi lupi di mare che affollano le tempeste hard/metal da alcune decadi di riconoscere subito i tentativi di proporre o smerciare per nuovi alcuni prodotti già rilasciati in precedenza, sia pur sotto diversa veste. Ed è esattamente questo il caso dei teutoni Fair Warning, che con l’odierno lenght non fanno altro che rivisitare percorsi già battuti ampiamente in precedenza: nel caso di Pimp Your Past ci troviamo di fronte ad un, sia pur buono, remake di brani già ascoltati all’inizio degli anni 90. Riarrangiati e reinterpretati con una pur buona lena, tuttavia, i tedesconi non avrebbero di certo avuto bisogno di proporre una sorta di greatest hits del nuovo millennio, pur con alle spalle una super casa distributrice quale la Spv. Del resto, è il paradosso stesso che troviamo nell’esecuzione dell’album a lasciarci perplessi: una band come la presente, sulla cresta dell’onda (più o meno) da circa un quarto di secolo, che riesce comunque a proporci delle buone reinterpretazioni di brani già ascoltati, poteva tranquillamente impiegare magari qualche mese in più per sfornare un album di inediti?

E dire che la voce di Tommy Heart resta comunque tra le migliori e più limpide che ancora oggi il genere possa vantare, in un con la sagacia e la perizia del tocco raffinato di Engelke alla sei corde, aggiungendo ad essi evidentemente la sezione ritmica ormai consolidata. Gli undici brani che si inanellano tra loro sono certo impeccabilmente arrangiati,con la stessa band a curare la produzione ed i risultati sono certamente visibili, con un sapiente mix tra AOR classico ed hard rock altrettanto a 360 gradi. Longing For Love suona ancora antemica e potente, con la voce del singer non scalfita dagli anni, mentre One Step Closer rimembra echi passati di fantastiche riproposizioni dal vivo, come nel loro fondamentale Live And More. Out On The Run ci ripropone gli antichi ruggiti della band, grazia soprattutto alla maestria del troppo sottovalutato chitarrista, che non eccede mai in virtuosismi fini a se stessi, che fanno invece capolino nella successiva When Love Falls, pur venata di una certa vena malinconica. Long Gone e la sua atmosfera a volte carica di groove non fanno rimpiangere la versione originale, mentre la seguente Burning Heart fa apprezzare ancora la calda voce del singer ed accrescere il rimpianto di non ascoltare invece qualcosa di inedito. Epocale, anche l’interpretazione modernizzata di Picture Of Love con cui Heart si eleva al di sopra dei cloni attualmente imperanti in un genere purtroppo apparentemente incamminatosi verso il viale del tramonto.

Ancora, malinconia a più non posso con Angels Of Love e la band che riesce senza supporti tastieristici a trasmetterci egualmente emozioni non da poco, la successiva Rain Song ci dirige in faccia come un uppercut del Tyson dei bei tempi con emozioni e pathos a tutto spiano. E’ la leggendaria Save Me ed il suo riascolto a donare quell’incollatura in più all’album: brano senza tempo, che ci trasporta all’indietro quando ogni uscita di band del genere era attesa come manna dal cielo. Chiude la cavalcata sicura di Don’t Give Up ed il buon Heart che trova il tempo di rifare il verso ad un Bon Jovi d’annata (e quindi degnissimo): con la medesima lena, lo stesso singer riesce ad infiammare ancora cuori ed anime dei follower, con la speranza di ascoltare presto altri inediti dei tedeschi, che magari riusciranno anche a curare un artwork migliore di quello dell’album da loro stessi curato.

Grumpynators – City Of Sin

Questo disco, nel momento in cui scrivo, non è ancora nei negozi…uscirà tra qualche giorno (privilegi di questo mestiere)! Per quando leggerete queste righe invece l’ultima fatica dei Grumpynators sarà già disponibile e potrete accaparrarvene una copia…e senza temere di buttare via tempo e soldi. Il progetto è infatti di quelli che vale e alcuni sostenitori piuttosto blasonati hanno partecipato iscrivendoci il loro nome a garanzia della qualità del lavoro di questi ragazzi. La compagine danese giunge al secondo capitolo della propria storia confermando l’hard rock degli esordi ma aggiungendovi maggior tiro e virando leggermente verso sonorità più dure. Niente che non possa comodamente scivolare anche nelle orecchie del più accanito detrattore del metallo ma comunque un piglio più deciso risulta apprezzabile e anche piacevolmente articolato. La varietà è infatti uno dei pregi più spiccati di questo platter che ha sicuramente nell’immediatezza l’altro aspetto su cui i Nostri hanno voluto puntare. Dal punto di vista compositivo i brani sono piuttosto complessi ma rimangono comprensibili soprattutto grazie alla durata mai eccessiva tanto che le dodici tracce di questo CD rientrano comodamente in meno di tre quarti d’ora. Le influenze sono chiare e dichiarate apertamente, si parla di stare a cavallo tra metal e rockabilly, ma su tutte brilla il tributo al lavoro di Lemmy e dei suoi Motorhead qui reinterpretato in chiave meno estrema.

Niente da eccepire nemmeno per quanto concerne la tecnica anche se qualche incursione solista in più avrebbe aggiunto una gradita guarnizione ad un piatto comunque già ricco. Dietro al microfono invece un maggior sforzo interpretativo avrebbe aggiunto sapori ad una pietanza prelibata ma che così rischia di stancare i fruitori meno convinti. Ottima la produzione a cui non si potrebbe chiedere di più visto che aggiunge chiarezza a tutto il lavoro dando anche un gradito e opportuno tocco di vintage alle sonorità del disco. Splendido infine l’artwork che decora la copertina e il ricco booklet con i testi e tutte le informazioni di corredo del caso. Insomma il qui presente City Of Sin conferma quanto di buono detto al debutto permettendosi anche di alzare l’asticella e fornendo prova concreta di quanto questo quartetto danese sia pronto per aggiungersi al mainstream da protagonisti. Gli affinamenti necessari sono davvero pochi perché la personalità è ormai formata, alquanto originale nonché ben delineata e quello che manca sono solo dettagli. Attendiamo quindi fiduciosi di osservare l’ascesa di questa band e nel frattempo ne approfitteremo per perderci volentieri nella città del peccato.

The Brain Washing Machine – Connections

I padovani The Brain Washing Machine inaugurano l’anno dando alle stampe il loro secondo lavoro che non porta particolari novità ma anzi riconferma tra l’altro anche la classica formazione rock a quattro elementi “voce-chitarra-basso-batteria”. La proposta musicale raggiunge invece una maturità che rispecchia in pieno l’ampia esperienza live e i quasi quindici anni di vita del progetto mettendo in luce molta concretezza ma purtroppo ancora non altrettanta originalità nonostante la personalità del gruppo sia perfettamente identificabile. Un peccato veniale dovuto probabilmente al genere sempre più sfruttato, per non dire pericolosamente inflazionato. Ci troviamo infatti di fronte ad un hard rock piuttosto massiccio e dal groove parecchio marcato che abilmente non va però più di tanto a scapito delle melodie di cui si fa carico soprattutto l’intensa e graffiante voce del “Baldo”. A questi ragazzi la grinta non manca di certo ma nemmeno l’ispirazione gli fa difetto e ne risulta un album variegato e dalla pasta sonora equilibrata che tiene lontana la noia e anzi coinvolge facendosi ascoltare piacevolmente. Anche il songwriting dimostra di non seguire schemi troppo rigidi partorendo brani brevi e immediati al fianco di altri più complessi e dilatati. Le atmosfere dunque possono spaziare dal molto diretto al sospeso e quasi introspettivo ma con una certa propensione per la soluzione più energizzante.

Convincente è anche l’espressione tecnica che mostra un padronanza degli strumenti di tutto rispetto senza però andare a scapito della fruibilità del CD nella sua interezza. Un contributo fondamentale per tanta comprensibilità lo dà anche la produzione che talvolta mette forse la voce un po’ troppo davanti rispetto agli strumenti ma che da tanti potrebbe benissimo essere apprezzata proprio per questa sua peculiarità. Infine sono d’obbligo due parole sulla confezione: un pregiatissimo digipack che sprizza qualità da ogni fibra del suo cartone e che per di più è decorato con un artwork ottimamente realizzato anche se non propriamente memorabile. Resta comunque la sensazione che questa autoproduzione sia ben al di sopra di tanti lavori seguiti da una casa discografica e questo rende subito chiaro l’impegno e la convinzione che i Nostri hanno profuso nella realizzazione di questo prodotto.

Resta inesplicabile, oltre che profondamente ingiusto, come questo quartetto non abbia ancora trovato un’etichetta presso cui accasarsi ma, se tanto mi dà tanto, avremo molte altre occasioni per provare la macchina per il lavaggio del cervello…e ben vengano!

Living Core – Living Core

I Living Core non sono una band alle prime armi seppur solo quest’anno siano giunti al loro debutto tramite questo EP omonimo. Forti di numerose date dal vivo e scossi da cambi di line-up importanti, come quello avvenuto alla figura del frontman, il quartetto propone sei brani inediti di rock melodico. Per melodico non bisogna intendere un rock da classifica, piuttosto un hard rock con tinte AOR di forte ispirazione anni 70. Noi, durante l’ascolto, ci abbiamo trovato tanta ispirazione ai Deep Purple (periodo più blues che hard rock) ma anche una certa impulso, appunto, melodico vicino alle orecchie nostrane, pur trattandosi questo di un EP sicuramente dal respiro internazionale. Lo spirito che incombe dietro queste composizioni è sicuramente quello giusto e gli strumenti riescono ad esprimere ciascuno un proprio ruolo; va detto però che i Living Core hanno trascorso molti anni suonando cover e brani di altre formazioni e questo si sente, il processo di ricerca di una propria identità musicale è solo ai primi stadi.

Il cantato in inglese, l’approccio stilistico soprattutto alla sei corde, l’altalena tra riff più decisi e arpeggi più delicati sono sicuramente i punti di forza della proposta dei siciliani; d’altro canto la produzione molto scarna, qualche errore di stampa e alcuni passaggi un po’ troppo derivativi (un esempio per tutti Pleasant Life) sono le parti sicuramente da rivedere. Ma è una fortuna che questi punti deboli possono essere rivisti con poco sforzo e che invece i fattori da “pollice in su” ci trasmettono un buon carisma dei LC e tanta voglia di crescere. C’è quindi solo da pensare al meglio per la loro futura carriera artistica.