Fair Warning – Pimp Your Past

La generazione 2.0 in cui viviamo mostra sempre più pregi e difetti: in ambito puramente artistico e musicale, ad esempio, la tecnologia oramai imperante consente da un lato, rispetto al passato, di poter disporre praticamente di tutta l’offerta che il panorama proponga. Dall’altro, tuttavia, permette ai vecchi lupi di mare che affollano le tempeste hard/metal da alcune decadi di riconoscere subito i tentativi di proporre o smerciare per nuovi alcuni prodotti già rilasciati in precedenza, sia pur sotto diversa veste. Ed è esattamente questo il caso dei teutoni Fair Warning, che con l’odierno lenght non fanno altro che rivisitare percorsi già battuti ampiamente in precedenza: nel caso di Pimp Your Past ci troviamo di fronte ad un, sia pur buono, remake di brani già ascoltati all’inizio degli anni 90. Riarrangiati e reinterpretati con una pur buona lena, tuttavia, i tedesconi non avrebbero di certo avuto bisogno di proporre una sorta di greatest hits del nuovo millennio, pur con alle spalle una super casa distributrice quale la Spv. Del resto, è il paradosso stesso che troviamo nell’esecuzione dell’album a lasciarci perplessi: una band come la presente, sulla cresta dell’onda (più o meno) da circa un quarto di secolo, che riesce comunque a proporci delle buone reinterpretazioni di brani già ascoltati, poteva tranquillamente impiegare magari qualche mese in più per sfornare un album di inediti?

E dire che la voce di Tommy Heart resta comunque tra le migliori e più limpide che ancora oggi il genere possa vantare, in un con la sagacia e la perizia del tocco raffinato di Engelke alla sei corde, aggiungendo ad essi evidentemente la sezione ritmica ormai consolidata. Gli undici brani che si inanellano tra loro sono certo impeccabilmente arrangiati,con la stessa band a curare la produzione ed i risultati sono certamente visibili, con un sapiente mix tra AOR classico ed hard rock altrettanto a 360 gradi. Longing For Love suona ancora antemica e potente, con la voce del singer non scalfita dagli anni, mentre One Step Closer rimembra echi passati di fantastiche riproposizioni dal vivo, come nel loro fondamentale Live And More. Out On The Run ci ripropone gli antichi ruggiti della band, grazia soprattutto alla maestria del troppo sottovalutato chitarrista, che non eccede mai in virtuosismi fini a se stessi, che fanno invece capolino nella successiva When Love Falls, pur venata di una certa vena malinconica. Long Gone e la sua atmosfera a volte carica di groove non fanno rimpiangere la versione originale, mentre la seguente Burning Heart fa apprezzare ancora la calda voce del singer ed accrescere il rimpianto di non ascoltare invece qualcosa di inedito. Epocale, anche l’interpretazione modernizzata di Picture Of Love con cui Heart si eleva al di sopra dei cloni attualmente imperanti in un genere purtroppo apparentemente incamminatosi verso il viale del tramonto.

Ancora, malinconia a più non posso con Angels Of Love e la band che riesce senza supporti tastieristici a trasmetterci egualmente emozioni non da poco, la successiva Rain Song ci dirige in faccia come un uppercut del Tyson dei bei tempi con emozioni e pathos a tutto spiano. E’ la leggendaria Save Me ed il suo riascolto a donare quell’incollatura in più all’album: brano senza tempo, che ci trasporta all’indietro quando ogni uscita di band del genere era attesa come manna dal cielo. Chiude la cavalcata sicura di Don’t Give Up ed il buon Heart che trova il tempo di rifare il verso ad un Bon Jovi d’annata (e quindi degnissimo): con la medesima lena, lo stesso singer riesce ad infiammare ancora cuori ed anime dei follower, con la speranza di ascoltare presto altri inediti dei tedeschi, che magari riusciranno anche a curare un artwork migliore di quello dell’album da loro stessi curato.

Grumpynators – City Of Sin

Questo disco, nel momento in cui scrivo, non è ancora nei negozi…uscirà tra qualche giorno (privilegi di questo mestiere)! Per quando leggerete queste righe invece l’ultima fatica dei Grumpynators sarà già disponibile e potrete accaparrarvene una copia…e senza temere di buttare via tempo e soldi. Il progetto è infatti di quelli che vale e alcuni sostenitori piuttosto blasonati hanno partecipato iscrivendoci il loro nome a garanzia della qualità del lavoro di questi ragazzi. La compagine danese giunge al secondo capitolo della propria storia confermando l’hard rock degli esordi ma aggiungendovi maggior tiro e virando leggermente verso sonorità più dure. Niente che non possa comodamente scivolare anche nelle orecchie del più accanito detrattore del metallo ma comunque un piglio più deciso risulta apprezzabile e anche piacevolmente articolato. La varietà è infatti uno dei pregi più spiccati di questo platter che ha sicuramente nell’immediatezza l’altro aspetto su cui i Nostri hanno voluto puntare. Dal punto di vista compositivo i brani sono piuttosto complessi ma rimangono comprensibili soprattutto grazie alla durata mai eccessiva tanto che le dodici tracce di questo CD rientrano comodamente in meno di tre quarti d’ora. Le influenze sono chiare e dichiarate apertamente, si parla di stare a cavallo tra metal e rockabilly, ma su tutte brilla il tributo al lavoro di Lemmy e dei suoi Motorhead qui reinterpretato in chiave meno estrema.

Niente da eccepire nemmeno per quanto concerne la tecnica anche se qualche incursione solista in più avrebbe aggiunto una gradita guarnizione ad un piatto comunque già ricco. Dietro al microfono invece un maggior sforzo interpretativo avrebbe aggiunto sapori ad una pietanza prelibata ma che così rischia di stancare i fruitori meno convinti. Ottima la produzione a cui non si potrebbe chiedere di più visto che aggiunge chiarezza a tutto il lavoro dando anche un gradito e opportuno tocco di vintage alle sonorità del disco. Splendido infine l’artwork che decora la copertina e il ricco booklet con i testi e tutte le informazioni di corredo del caso. Insomma il qui presente City Of Sin conferma quanto di buono detto al debutto permettendosi anche di alzare l’asticella e fornendo prova concreta di quanto questo quartetto danese sia pronto per aggiungersi al mainstream da protagonisti. Gli affinamenti necessari sono davvero pochi perché la personalità è ormai formata, alquanto originale nonché ben delineata e quello che manca sono solo dettagli. Attendiamo quindi fiduciosi di osservare l’ascesa di questa band e nel frattempo ne approfitteremo per perderci volentieri nella città del peccato.

The Brain Washing Machine – Connections

I padovani The Brain Washing Machine inaugurano l’anno dando alle stampe il loro secondo lavoro che non porta particolari novità ma anzi riconferma tra l’altro anche la classica formazione rock a quattro elementi “voce-chitarra-basso-batteria”. La proposta musicale raggiunge invece una maturità che rispecchia in pieno l’ampia esperienza live e i quasi quindici anni di vita del progetto mettendo in luce molta concretezza ma purtroppo ancora non altrettanta originalità nonostante la personalità del gruppo sia perfettamente identificabile. Un peccato veniale dovuto probabilmente al genere sempre più sfruttato, per non dire pericolosamente inflazionato. Ci troviamo infatti di fronte ad un hard rock piuttosto massiccio e dal groove parecchio marcato che abilmente non va però più di tanto a scapito delle melodie di cui si fa carico soprattutto l’intensa e graffiante voce del “Baldo”. A questi ragazzi la grinta non manca di certo ma nemmeno l’ispirazione gli fa difetto e ne risulta un album variegato e dalla pasta sonora equilibrata che tiene lontana la noia e anzi coinvolge facendosi ascoltare piacevolmente. Anche il songwriting dimostra di non seguire schemi troppo rigidi partorendo brani brevi e immediati al fianco di altri più complessi e dilatati. Le atmosfere dunque possono spaziare dal molto diretto al sospeso e quasi introspettivo ma con una certa propensione per la soluzione più energizzante.

Convincente è anche l’espressione tecnica che mostra un padronanza degli strumenti di tutto rispetto senza però andare a scapito della fruibilità del CD nella sua interezza. Un contributo fondamentale per tanta comprensibilità lo dà anche la produzione che talvolta mette forse la voce un po’ troppo davanti rispetto agli strumenti ma che da tanti potrebbe benissimo essere apprezzata proprio per questa sua peculiarità. Infine sono d’obbligo due parole sulla confezione: un pregiatissimo digipack che sprizza qualità da ogni fibra del suo cartone e che per di più è decorato con un artwork ottimamente realizzato anche se non propriamente memorabile. Resta comunque la sensazione che questa autoproduzione sia ben al di sopra di tanti lavori seguiti da una casa discografica e questo rende subito chiaro l’impegno e la convinzione che i Nostri hanno profuso nella realizzazione di questo prodotto.

Resta inesplicabile, oltre che profondamente ingiusto, come questo quartetto non abbia ancora trovato un’etichetta presso cui accasarsi ma, se tanto mi dà tanto, avremo molte altre occasioni per provare la macchina per il lavaggio del cervello…e ben vengano!

Living Core – Living Core

I Living Core non sono una band alle prime armi seppur solo quest’anno siano giunti al loro debutto tramite questo EP omonimo. Forti di numerose date dal vivo e scossi da cambi di line-up importanti, come quello avvenuto alla figura del frontman, il quartetto propone sei brani inediti di rock melodico. Per melodico non bisogna intendere un rock da classifica, piuttosto un hard rock con tinte AOR di forte ispirazione anni 70. Noi, durante l’ascolto, ci abbiamo trovato tanta ispirazione ai Deep Purple (periodo più blues che hard rock) ma anche una certa impulso, appunto, melodico vicino alle orecchie nostrane, pur trattandosi questo di un EP sicuramente dal respiro internazionale. Lo spirito che incombe dietro queste composizioni è sicuramente quello giusto e gli strumenti riescono ad esprimere ciascuno un proprio ruolo; va detto però che i Living Core hanno trascorso molti anni suonando cover e brani di altre formazioni e questo si sente, il processo di ricerca di una propria identità musicale è solo ai primi stadi.

Il cantato in inglese, l’approccio stilistico soprattutto alla sei corde, l’altalena tra riff più decisi e arpeggi più delicati sono sicuramente i punti di forza della proposta dei siciliani; d’altro canto la produzione molto scarna, qualche errore di stampa e alcuni passaggi un po’ troppo derivativi (un esempio per tutti Pleasant Life) sono le parti sicuramente da rivedere. Ma è una fortuna che questi punti deboli possono essere rivisti con poco sforzo e che invece i fattori da “pollice in su” ci trasmettono un buon carisma dei LC e tanta voglia di crescere. C’è quindi solo da pensare al meglio per la loro futura carriera artistica.

Alice Cooper – Raise Your Fist And Yell

Dopo un lungo periodo di silenzio che assorbe l’uomo, l’artista Cooper ritorna alle sue composizioni hard, Raise Your Fist And Yell si rivela infatti la chiave giusta per un ritorno sui palchi. Diciassettesima produzione, Raise Your Fist And Yell viene pubblicato nell’ottobre del 1987 piazzandosi alla 73° posizione della classifica americana. L’album, prodotto da Michael Wagener della Double Trouble Productions Inc., è stato totalmente scritto da Alice Cooper e Kane Roberts, escluso Gail, composto anche da Kip Winger. Dal punto di vista sia musicale che compositivo, l’LP ha testi semplici che trattano di ribellione giovanile, politica, serial killer, testi sostenuti da un rock molto pesante quasi a voler consacrare l’esperimento di Constrictor, album precedente che, di fatto, sancisce il passaggio di Alice Cooper al rock/metal. Ed è proprio con questo Raise Your Fist And Yell che il metal cooperiano si fa sentire in tutta la sua dissacrazione. Il pezzo di apertura, Freedom, è pieno di ritmi percussivi e chitarristici che fanno impressione, ritmi che si imporranno per tutta la prima metà dell’album. Freedom è un brano in cui Cooper parla di falsi “santi” (uomini) che invitano a smettere di pensare al divertimento proiettandosi ad essere delle persone giuste, di comportarsi in maniera santa andando in chiesa, di essere attenti all’ascolto di ciò che le autorità dicono, insomma un vero e proprio sermone che come sempre i giovani rifiutano. Musicalmente un pezzo cattivo sostenuto da un’impressionante chitarra.

Il secondo pezzo dell’album continua sulla stessa vena compositiva del precedente e Lock Me Up si presenta con un bell’intro esplicativo: anche questo brano è abbastanza anarchico, infatti Cooper invita a fare sempre ciò in cui si crede senza pensare alle possibili conseguenze. Il fatto stesso che Alice canti “potete prendere il mio capo e tagliarlo…ma ciò che potrete fare, forse sarà solo quello di tentare di cambiare la mia mente” fa riflettere molto. Give The Radio Back è un pezzo invece che parla della censura musicale e di come la musica di Cooper sia sempre stata criticata a causa dei contenuti e delle impostazioni che l’artista ha dato ai suoi concerti, mentre con Step On You ci si ritrova in un’atmosfera più cupa, più dark. Da questo punto in poi inizia la scalata verso la parte finale di Raise Your Fist And Yell. Una considerazione: è probabile che il personaggio che viene rappresentato in quest’album avrebbe potuto essere spinto ad uccidere a causa delle regole dettate dalla società, regole troppo rigide per essere accettate. Time To Kill è lo snodo essenziale per la storia raccontata, un brano che non va tralasciato per nulla, un brano dove si parla di come a volte durante la vita venga la voglia di uccidere (?!), così come accade nel successivo Chop Chop Chop, pezzo elettronico dove la musica fa risaltare la volontà dell’assassino di far fuori prostitute ricordando quanto già avvenuto nel caso di Jack the Ripper. Ed è proprio questo brano che con la ripetizione del nome Gail, introduce al successivo pezzo dal titolo, guarda un po’, Gail che nonostante sia un brano morbido in rapporto al resto dell’album, grazie anche ad un bel suono di pianoforte da far venire i brividi, resta comunque una canzone minacciosa.

La successiva Roses On White Lace è minacciosa come la precedente ma anche estremamente dark, un bel pezzo davvero che fa capire quanto Cooper si stia riprendendo con questo lavoro dalla precedenti sbandate alcooliche. Un grande ritorno fatto con stile ed intelligenza, un album buono insomma che ci riporta indietro al miglior Cooper che conosciamo. Ascoltarlo ne vale la pena, e se avete ascoltato il precedente Constrictor non ne rimarrete delusi. Mettetevi le cuffie allora e… buon rock!

MotelNoire – On Tv

Tornano dopo un anno dalla loro precedente release i MotelNoire, band del milanese che rilascia il nuovo full length dal titolo On Tv. E qui la solita annosa questione che sorge è la seguente: c’è il rock, c’è il blues ma non sarà tutto per celare il solito pop? Non crediamo, per chi scrive, che questo riguardi l’album in questione. La domanda sorge semplicemente spontanea per una sorta di malfidenza tutta italiana nei confronti dei gruppi nostrani che cercano di trovare un equilibrio tra diversi generi ed uno sbocco radiofonico che accontenti band, produttori e case discografiche. Un certo tipo di rock può piacere o non piacere, ma sotto tutti i punti di vista rimane rock, nonostante tutte le levigature che gli si possono dare. I MotelNoire di sicuro non lesinano in potenza ed i riff e le canzoni proposte sono pronte a soddisfare e fare scatenare l’ascoltatore che si trova davanti On Tv. Il tutto viene bene mescolato ad influenze funky e blues, sia moderne (Blues Traveller su tutti) sia quelle classiche che tutti hanno in mente con il riff stereotipato di chitarra appartenuto ai grandi padri fondatori di questo genere.

Di certo, i ragazzi potrebbero virare su altri lidi di potenza e dare il “la” a qualcosa di più graffiante e caotico. Perché sia la padronanza degli strumenti che la produzione (ottima) li farebbero volare verso lidi molto più heavy, ma le scelte artistiche non si discutono e noi siamo chiamati a giudicare l’album per quello che é. Un discreto lavoro su cui, tra l’altro, dobbiamo dire ancora qualcosa. Per quanto riguarda i testi, che sono di protesta per questa società che ci circonda, scritti in maniera diretta e chiara, senza troppi ghirigori o giri di parole intellettuali ed artistoidi che sono la caratteristica principale di altre italiche band.

I MotelNoire sicuramente con questo album si ritaglieranno una buona fetta di pubblico e di fan. Lavoro che a chi ascolta da anni rock ed ha un background sofisticato non dirà nulla di rivoluzionario. Ma On Tv è degno di nota nel panorama musicale della nostra nazione e trova sicuramente uno spazio suo che, se nel futuro la band si confermerà e continuerà a battere su questo sound e stile, avrà un angolo proprio ben definito.