Sharptooth – Clever Girl

L’idea iniziale degli Sharptooth era quella di mettere su un progetto punk dalle derive pop punk, ma poi la storia racconta che l’ingresso della front-woman Lauren Kashan ha cambiato la rotta inizialmente tracciata. Il loro esordio, Clever Girl, accende i riflettori su un hardcore ruvido come carta vetrata, il tutto reso molto più riconoscibile dalla voce in screaming di Lauren. 30 minuti di musica che però non punta tutto sulla velocità, come tipico dell’hardcore statunitente: ci sono infatti alcuni momenti più cadenzati che sbilanciano il sound più sul metal che sull’HC in senso stretto (Give Em’ Hell Kid, Can I Get A “Hell No”). Ma chi si aspetta di ascoltare una vera hardcore band non resterà deluso con delle fucilate come Fuck You Donald Trump (dagli intenti non troppo nascosti….”Fill you up with lies, keep us in the dark, red lies, black hearts“) l’opener Rude Awakening e Blood Upon Your Hands.

La titletrack ci ricorda qualcosa dei Dillinger Escape Plan in termini di costruzione e ritmica, ma i ragazzi non tentano mai la strada intricata del math-core, piuttosto si alternano tra esercizi metal e sfiammate hardcore in una ricerca stilistica che probabilmente non è terminata e che secondo noi fa intravedere qualche novità inaspettata per un prossimo lavoro in studio. Bello il chorus di Left 4 Dead che rende più accessibile il pezzo anche a chi non è avvezzo al genere, pur adottando nei testi il classico graffio della band (“Victims of violence suffer in silence but I can’t be silent anymore“) e l’ultima traccia Pushing Forward che si sposa con il metalcore. Chi ama i Walls Of Jericho troverà in questo album un’altra visione dell’hardcore altrettanto emozionante.

Koseakaso – Squaloparco

Diventa difficile, nel mio caso, cercare di recensire una band di stile tendenzialmente punk e per giunta di attuale generazione. Infatti il mio istinto di punk rocker primordiale che da sempre mi accompagna, trova nelle interpretazioni di questo incredibile percorso, molta confusione o meglio ancora molta ingenuità. Non abbiate paura, non è una stroncatura, ma anzi ritengo proprio che in questo ambito l’aspetto evolutivo del punk, sia andato snaturato, trasformandosi in una sorta di ibrido che all’apparenza sembra avere la sua potenzialità, ma alla fine ne diventa una specie di succo di frutta poco naturale tendenzialmente sofisticato se non artefatto. Questa personale sfida comunque va affrontata e con molto entusiasmo e curiosità affronto lo spettro o meglio in questo caso “lo Squalo”. Proprio così la band per cui ho il piacere di recensire, guarda caso, affronta la tematica dello squalo in un contesto più giocoso, ma estremamente curioso. Koseakaso è una band piemontese originaria dalla provincia di Vercelli, nata ben 7 anni fa nel 2011. Come tutte le band giovanili, il mito è l’obiettivo primario per poter percorrere questo fantastico viaggio sonoro. Il punk diventa in un certo senso il simbolo di questa frenesia di ribellione, ma nello stesso tempo permette loro di trovare una propria identità. La formazione attuale è composta da Tia batteria, Teo basso e Ste voce e chitarra. Il trio rocker è perfetto per affrontare l’ultima loro sfida proponendo appunto l’album Squaloparco (2018).

Il progetto prende spunto da un gioco infantile dall’omonimo nome della Mattel. Una sorta di montagna russa che è percorsa da automobiline, naturalmente inghiottite da uno squalo affamato. L’album parte proprio in questo contesto e Selachimorpha è il primo brano che introduce in questo infernale gioco. Una nota emerge subito, le tonalità ed i timbri delle chitarre sono molto vicine ad un sapore metal e corposo. Ricominciare, ha questo colore. Il testo è marcatamente prevalente, tipico delle band italiane. La Spinta ha una sua nuova tendenza e lo stile decisamente hardcore, si amalgama con un ritmo ska, mutando in una sorte di sound indie. Citalopram e A Metà, percorrono assieme un indirizzo prettamente metal punk quasi progressivo. Infatti i brani si legano fra loro interpretando la presenza dello squalo. Squaloparco naviga nelle tendenze hardcore ed è anche il brano rappresentato dal loro ultimo video. Vesuvius invece fa emergere il testo puro, accennando ad una sorte di critica verso le realtà della star in arte lo squalo. Vademecum è una ballata che stacca dalle dinamiche dei brani precedenti. Lo Stesso, termina l’album tornando ad una tipico pezzo dal sapore hardcore.

Che dire, per me è un album decisamente rivolto ad un pubblico di teenager/adolescenti. Sonorità molto fresche immediate e smaliziate. I Koseakaso piano piano si stanno formando, lo dimostrano queste diverse timbriche stilistiche. La voce di Ste, sta assumendo importanza nei riguardi del testo, infatti proprio per la caratteristica della lingua italiana, la tendenza alla pronuncia, porta inevitabilmente ad affrontare tecnicamente il tono della realtà del cantantautore. L’esperienza dovrà diventare sicuramente il punto di svolta per questa band. Nota grafica: la cover ha già una sua impronta ben definita. Stilisticamente esprime una tendenza all’essenziale e quasi japan-pop tipica degli anni 2000. L’autore Casi, centra in pieno la tematica dell’album scherzando e giocando attraverso la grafia ed i testi.

Me Vs. I – Never Drunk Enough

“essenziale” è la parola d’ordine per descrivere l’album Never Drunk Enough dei Me Vs. I. Essenziale fin dal packaging privo di colori, di booklet, di informazioni e di testi, essenziale per l’artwork (anche se la grafica del logo non è così intuitiva), essenziale nella durata (7 tracce per 18 minuti di ascolto) essenziale nello stile. Quando parliamo di stile intendiamo genere musicale, perché lo stile, quello che gli inglesi intendono con “style”, qui è volutamente inesistente: il trio mette in scena un connubio di stoner con tendenze sludge ma con una ritmica hardcore punk e con delle linee vocali ruvide come carta vetrata. A noi quest’album ricorda qualcosa degli Hatesphere ma anche un buona fetta di dirty metal che ha sempre fatto breccia oltreoceano. Uno dei momenti più metal dell’album è Places, pezzo che ingloba alcune influenze death metal pur mantenendo una certa struttura ritmata più affine a proposte rock; diciamo una sorta di death’n’roll che viene poi benissimo fuori con Keep Off The Grass, un pezzo che difficilmente vi farà stare con il piede fermo (e in sede live con le ossa integre).

Never Drunk Enough è un album da mordere e ingurgitare in velocità, se si attende troppo si rischia che esploda in bocca. Meglio capirne e gustarne gli effetti una volta trascorsi i 18 minuti di ascolto.

Alazka – Phoenix

Primo album per gli Alazka, escludendo l’EP uscito un paio di anni prima sotto il nome di Burning Down Alaska, e già il sestetto tedesco, si sente in dovere di risorgere dalle proprie ceneri, come la fenice. Phoenix, singolo e titolo dell’album, è il tema dell’intero lavoro. Ma questo risorgere non è così semplice. Sotto il nome precedente, la band tedesca era arrivata ad aprire band di riferimento, come Parkway Drive e Being As An Ocean, ora punta a ripetere e superare quei traguardi. Questo Phoenix si presenta bene, in modo elegante nel packaging, con una copertina molto bella e un’immagine coordinata altrettanto curata. Un mazzo di rose bruciate che ancora arde, testi scritti sulla cenere di un fuoco (quasi) spento. E quel fuoco è dentro a tutte le canzoni, sia quelle più lente, sia in quelle più tirate. Nel cantato melodico e in quello urlato; nei breakdown come anche nelle chitarre. In apparenza sembrerebbe un buon lavoro e, spoiler, effettivamente non si può dire il contrario; ma c’è qualcosa che non torna. I brani si susseguono senza molta distinzione tra loro, si somigliano tutti un po’ troppo e in alcuni momenti si confondono addirittura. Meglio la prima parte, con Ghost e Empty Throne, con alternanza delle due voci che funziona e metriche tipiche di questo genere, e qualche coretto che strizza l’occhio all’esecuzione live. Cori che ritroviamo bene anche in Everglow, uno dei brani di maggior spicco, e in Hearts Of Gold, così come nella già citata title-track; ma nel complesso la sensazione di ripetitività e quella che più prevale nell’ascolto.

Nessun calo di stile troppo profondo ma, purtroppo, nemmeno nessun picco di genialità o di fantasia; un album che non riesce a brillare forse per tutta la cenere sparsa nel booklet. Non è ben chiaro quali siano queste ceneri dalle quali gli Alazka debbano risorgere così giovani e freschi; l’album è una buona prova ma deve rappresentare un punto di partenza verso qualcosa di più personale e magari ardito; come già avviene in parte in Legacy e Blossom. La parte finale, quindi, di questo album, potrebbe essere quella iniziale del nuovo lavoro. Una fenice in mezzo alle ceneri. Un gruppo, senza dubbio, da tenere d’occhio.

Satanic Surfers – Back From Hell

Li avevamo lasciati nel 2005, ai tempi di Taste The Poison di cui avevamo parlato a questa pagina, loro ultimo album dopo il saluto alle scene prima della “maggiore età” (cioè dei loro 18 anni di carriera). Eppure i Satanic Surfers non sono riusciti a resistere lontano dalla musica e qualche anno fa annunciarono la reunion, ma è solo con questo Back From Hell che i ragazzi tornano discograficamente parlando. 30 minuti secchi per 10 brani che ci sembrano, se possibile, più incazzati e sparati a raffica rispetto al precedente lavoro. Già l’opener The Usurper è al fulmicotone, a tratti la band sembra prendersi gioco della scena thrash-core spingendo il proprio bolide su un’autostrada assolata; ottimi gli assoli, tutto confezionato al modo giusto, anche la produzione volutamente non laccatissima (come nel loro trademark). Anche per Catch My Breath si corre tantissimo ma citiamo anche All Gone To Shit che va veloce come un proiettile e Going Nowhere Fast che dice tutto già dal titolo.

Diverso il discorso per brani come Self-Medication o Paying Tribute, meno lanciati ma nei ritornelli trasudano di hardcore melodico e possono tramutarsi nelle classiche anthem da concerto. In particolare proprio Self-Medication ha una parte centrale davvero interessante con un cantato giamaicano e delle trame ritmiche molto ricercate, già ci immaginiamo il pubblico impazzito. In generale ci piace come sempre lo stile della band che non mette insieme due riff veloci e banali creando un pezzo semplice e d’impatto, piuttosto si attorciglia e gioca con stop & go oltre che con insegnamenti provenienti dal metal (a volte sembra di percepire alcune parti NWOBHM): ascoltare Madhouse basta per capire le varie sfaccettature del mondo Satanic Surfers. Bella anche la copertina di questo lavoro e il titolo che probabilmente cancella tutti i dubbi: i ragazzi sono tornati!

Confine – Incertezza Continua

Arrivano dal Veneto e sfornano un secondo album lungo 15 minuti ma che ne sembrano 60. Hardcore per un certo verso, ma noi ci vediamo molto di più: un approccio grind alla Cripple Bastards ma con voci pulite per far arrivare bene il messaggio. Quale?! Disagio sociale potremo definirlo, tutti i brani ne sono intrisi e seppur in due brani si faccia riferimento alla religione non è quello il problema principale dei Confine. Perché forse è lo stesso confine della vita, visto come la mentalità delle persone e i limiti che la loro mente si pone, che è stato superato e nel quale i ragazzi si trovano, volenti o nolenti, a ragionare sulle infelicità moderna. Incertezza Continua è un album che piacerà agli appassionati di metal (come non intravedere le influenze dei Pantera in brani come Magone o la titletrack) ma che si affaccia maggiormente al panorama hardcore/grind, sia per durata che per pattern chitarristici. Ma in fondo non è un genere che i Confine vogliono abbracciare (“quanto vi piace catalogare? Fai hardcore-punk, rock o metal? Forse è un problema d’autismo, non un problema mio“) bensì una logica di pensiero (che comunque è molto vicina all’hardcore) e che mette in luce il disagio che i giovani sentono nella attuale società. Alcune band lo esprimono attraverso melodie indie innocue, loro invece puntano a sonorità ben più aggressive e il messaggio secondo noi arriva molto più diretto. Album davvero consigliato.

Bravi Tutti – La Ruota Della Sfortuna

Secondo album completo per questa band proveniente dalla provincia piacentina. Il loro punk hardcore melodico è sicuramente influenzato da band americane come Green Day e Rancid ma è soprattutto l’influenza di band italiane degli anni novanta a balzare subito agli occhi. Prime fra tutte Pornoriviste (con le loro scanzonate melodie ed i testi ironico/demenziali) e Punkreas da cui prendono gli inserti ska e ska-core, tutte band che avranno conosciuto a posteriori dato la loro giovane età, chissà se hanno ascoltato anche i Supereroi, altra band piacentina attiva dal ’95 al ’97. Questo La Ruota Della Sfortuna è un disco molto ben suonato e ben prodotto, energico, divertente ed orecchiabile con testi semplici e diretti. La canzoni parlano di storie personali vissute nel mondo del lavoro Aspettativa, Mutua; oppure di esperienze vissute come band, Gabriele, Egidia, Flop. Non mancano incursioni nel sociale come in Leone Da Tastiera in cui si scagliano contro i cosiddetti haters, in Daniele, La Ronda dove prendono di mira la sicurezza fai da te così molto diffusa al nord e neanche la critica alle band alternative come in Festa Del PD che ironizza su quelle band che predicano la linea da “duri e puri” e poi decidono di suonare alle feste di partito.

La band ha grosse capacità esecutive e di scrittura musicale ed in definitiva ha prodotto un disco dalla facile fruizione. Quello che manca e la giusta cattiveria per affrancarsi dall’essere una band per adolescenti. Hardcore per nostalgici del punk italiano della metà degli anni 90, dove la melodia e la spensieratezza adolescenziale la facevano da padrona e centinaia di giovani si mettevano alla prova in umide cantine di provincia.

Rise Against – Wolves

Per parlare del nuovo disco dei Rise Against verrebbe da scrivere un incipit come “c’era una volta una band che nel lontano 2001 debuttò con il disco The Unraveling, proponendo un hardcore melodico fatto e finito, paragonabile ai mostri sacri del decennio antecedente”. Quasi una fiaba insomma, perché quel sound, giunto al culmine nel 2004 con Siren Song Of The Counter Culture, con il passare degli anni, è andato quasi perso, tesi confermata anche dagli ultimi lavori. Cambiamenti? Maturità? Crescita? Sì tutto può essere ed è per questo che Wolves, nuovo disco del gruppo di Chicago, suscita non poca curiosità. Edito Virgin Records, Wolves rimane in linea con i lavori che l’hanno preceduto: la spinta hardcore, se non per rare eccezioni, rimane un piacevole quanto indelebile ricordo, anche se la opener e title track Wolves, e The Violence, primo singolo del disco, riescono nell’intento di farci tornare indietro di una decina d’anni. Il disco è composto da soli undici brani, ma a tratti tende a cadere in una sorta di anonimato, soprattutto quando il sound si avvicina, con troppi orpelli a un rock al limite del radio-friendly. Ma se da un lato ci ritroviamo, e senza sorprenderci, questa “lacuna” dall’altra abbiamo una crescita riguardo i testi. I Rise Against sono sempre stati attenti alle tematiche sociali, in particolare la politica e l’ecologia, ed è proprio la politica a esser protagonista di Wolves, dato che per quanto riguarda le liriche, tutto il lavoro è stato fortemente influenzato dall’elezione di Donald Trump quale Presidente della loro terra natìa. Brani come How Many Walls o Mourning In Amerika, rappresentano delle forti critiche verso gli eventi a sfondo politico avvenuti in terra statunitense quest’anno, considerato anche che “Mourning In Amerika” inizialmente doveva essere il titolo del disco.

Wolves è un passo avanti rispetto ai recenti Endgame e The Black Market e ci dà la conferma che quelle tinte hardcore emanate dallo scream di Tim e dalle devastanti sonorità create dal resto della band difficilmente le ritroveremo, se non durante il live, contesto in cui i Rise Against dimostrano da sempre di saperci fare. E lo vedremo ulteriormente tra un mese scarso in occasione del BayFest di Igea Marina, dove avremo anche l’occasione di percepire la resa live dei nuovi brani, anche se una grossa fetta di pubblico resterà sempre in perenne attesa di pezzi alla Give It All o Black Masks And Gasoline. Inizialmente si parlava di fiaba, ma è una di quelle che anziché avere un lieto fine, ha un finale quasi scontato.

Deez Nuts – Binge & Purgatory

Arrivano dall’Australia i Deez Nuts ma ci regalano un’attitudine più tipica degli USA che non del nuovissimo continente. Si presentano come un’hardcore band (ormai non più di primo pelo) ed effettivamente alcune cadenze (voce) e ritmi (groove) della scena HC statunitense si sentono in maniera evidente ma il quartetto cerca di inserire nella propria ricetta anche un marchio più metal (soprattutto alla sei corde) che avrebbe il compito di innalzare le loro idee dall’impastata scena fatta di bandane, canotte da basket e Vanz come se non ci fossero altri stili. Questo è un bene anche se a nostro parere l’impiego della vena metal è fatto con un occhio (anzi un orecchio) troppo rivolto al passato, spolverando le riminiscenze nu metal di fine secolo scorso, con tanto di liriche talvolta rappate e groove incalzante per far saltare il pubblico al di là del palco (impossibile restare immobili sotto For What It’s Worth). Alcuni momenti appagano appunto la sete di metal, come Break Out e Lessons Learned, passaggi che ci piacciono e che mostrano un lato della band interessante, soprattutto immaginandoceli in apertura a realtà molto più ingombranti in ambito heavy; al contrario la parte hardcore la sentiamo debole (quante volte abbiamo ascoltato un pezzo come Remedy?), meglio puntare su qualcosa di più particolare che magari possa far nascere una vera e propria scena hardcore australiana.

Raw Power – Inferno

Raw Power. Un nome che non ha alcun bisogno di chissà quale presentazione: stiamo parlando di una band attiva dal 1981 e che, con alternanza, ha tenuto saldamente in piedi la scena hardcore italiana degli anni 80-90, una scena che, con forte prepotenza, ha varcato i nostri confini, imponendosi a livello mondiale. I Raw Power possono orgogliosamente dire che loro c’erano, ma anche che ci sono, tant’è che sono tornati con un nuovo disco, intitolato Inferno, pubblicato con la collaborazione dell’etichetta bresciana IndieBox Music. Il gruppo reggiano torna dunque alla ribalta; seppur con tanti momenti bui alle spalle, momenti che hanno visto anche dei lutti, i Raw Power si ripresentano con la stessa grinta e la stessa rabbia che li ha sempre contraddistinti. I quindici brani presenti in Inferno si alternano tra l’italiano e l’inglese e, attraverso un hardcore duro e puro, chitarra graffiante e ritmiche sparate come una combinazione di diretti, pongono lo sguardo anche sull’attualità come in Sono Morto, sempre all’insegna della protesta, in particolare durante Dedico Questa Righe e I Lost My Patience, tutto urlato attraverso la voce ruvida di Mauro Codeluppi, storico leader del combo emiliano.

Dopo quasi quarant’anni di carriera i Raw Power dimostrano, ancora una volta, di essere una delle realtà più credibili nel panorama hardcore nostrano. Inferno si dimostra un disco rabbioso, energico, ma allo stesso tempo solido quanto ben strutturato. Ma non stiamo parlando ovviamente di 4 ragazzi alle prese con delle prove dentro un garage; parliamo di una band che ha influenzato, e continuerà a influenzare e a crear proseliti, riusciti o meno, continuando a rimanere tra coloro che hanno segnato di più l’hardcore made in Italy. Come si diceva poc’anzi, i Raw Power ebbero un forte riscontro anche all’estero, tant’è che Inferno sarà distribuito anche al di là dei nostri confini, tramite Demons Run Amok Entertainment. Nota di merito anche per l’artwork della copertina del disco, realizzato dall’artista americano Vince Packard, che in passato aveva già collaborato con il gruppo, realizzando le copertine dei dischi Screams From The Gutter (1985) e After Your Brain (1986). Non ci resta che verificare la resa live dei questi nuovi brani. Anche se, conoscendo l’enorme impatto live dei Raw Power, c’è ben poco da verificare.