The Shalalalas – Boom

Il duo romano arriva al suo secondo album contenente nove tracce inedite e stampato da Bassa Fedeltà. Con questo nuovo disco i Nostri si preparano ad intraprendere un nuovo percorso. Ai due si affiancano in sala di registrazione Cesare Petulicchio (Bud Spencer Blues Explosion) alla batteria e Federico Camici al basso artistico. Di qui la scelta di portare in tour una formazione a quattro elementi, altra novità rispetto al passato. Anche stilisticamente l’aggiunta di nuovi strumenti conferisce al suono una nuova identità e fornisce la giusta atmosfera agli intrecci vocali della voce maschile di Alex e quella femminile di Sara, sempre molto interessanti e originali. Boom a dispetto dell’onomatopea del titolo, più che un album esplosivo è un album sognante, dolce, raffinato a cui manca il giusto “tiro” per essere definito indie rock. La canzoni più riuscite sono senz’altro Love Me Tonight e Hold Me Tight. Da segnalare anche Difficult, All That We Want, Tomorrow (A Better Day).

Esterina – Canzoni Per Essere Umani

A trovarsi all’interno della roulotte mostrata in copertina, in una location tanto vuota di esistenza quanto piena di pathos, immaginiamo che non ci si sente tanto “essere umani”, per parafrasare il titolo dell’album, almeno non di questa Terra. E infatti i brani inclusi nel quarto album degli Esterina sono tutt’altro che scritti per essere umani, almeno se intendiamo le “persone medie”, quelle che si incontrano spesso nella vita di tutti i giorni, quelle che si accontentano, quelle che vivono in superficie. Niente paura, nella loro musica non c’è sperimentazione né tecnicismi accentuati, anzi a dir il vero il loro sound scende giù in maniera semplice pur non essendo assolutamente banale. La loro capacità? La grande maestria nel fondere effetti ed elettronica con una natura più elettrica ed affine al rock, con tanta attenzione ad evitare che una di queste parti possa inghiottire l’altra (Cometa dimostrerebbe il contrario ma poi cambia pelle e torna sulla propria rotta). Noi non ce la sentiamo di parlare di post-rock, anche se comprendiamo perché questo genere viene chiamato in causa nel descrivere la loro ricetta: alcune ambientazioni tendono a sfumare, i tempi a diluirsi e alcune parti di Meraviglia Normale potrebbero starci in un album di post-rock ma non è lì che i ragazzi vogliono arrivare.

Indie rock, anche questa non è l’etichetta migliore ma quella più vicina allo spirito della band, un indie rock di matrice fortemente tricolore, che attinge dalla scena cantautorale o almeno da quel suo amore per una certa poetica messa in musica (ascoltare la bellissima Te Ed Io), ma che sa anche piazzare melodie piacevoli e non a tutti i costi introverse (Si Che Lo Merita). Preziosi sono i brani con voce e chitarra e poi arricchiti da tanti arrangiamenti: consigliato infatti l’ascolto di Più Di Me e Chiamarsi. È lì che gli Esterina offrono il loro meglio e permettono di gustare di questo album, anche se non vi ritenete completamente umani.

The Zoids – Void Dimension

Esordio per i The Zoids, i cui membri non sono esordienti a tutti gli effetti ma musicisti già rodati. E questo si sente, ma lo si sente musicalmente, a differenza invece di tantissimi debut album che ascoltiamo e che sembrano già degli album mainstream per solo merito della tecnologia che viene molto in supporto. Void Dimension lo potremo etichettare come un buon esercizio di indie rock dove le linee melodie e alcune aggiunge musicali strizzano l’occhio al facile ascolto (ascoltare ad esempio Lex) ma il tutto viene arricchito dal piacere per il rock che è presente in tutti gli strumenti usati per scrivere e suonare queste nove tracce. E’ proprio la vena distorta, talvolta fuzz, che ci piace di questo esordio, perché il desiderio di suonare rock non manca in questi giovani ma collaudati musicisti e questa passione viene fuori soprattutto nei momenti più diretti: le incalzanti e piacevoli Shine On e Time che guardano l’indie rock d’oltremanica, ma va segnalato anche il chorus di Show Me Show Me che sembra essere scritto per far ballare il pubblico.

Il sapore UK viene fuori in diverse tracce anche se la trasversalità di Void Dimension e un suo certo sapore vintage (leggasi post-punk?!) si esprimono al meglio in brani come Waiting Sun, momenti pacati che hanno richiesto sicuramente più cura sul songwriting, cura che viene trasmessa fin dal primo ascolto. Un buon esordio di rock melodico ma anche elettrico, con un forte legame al passato e da proporre in tutti i pub d’Europa.

The Glan – Fuss

Indie rock a tinte forti, forse questa è la definizione che meglio rappresenta il primo lavoro discografico dei The Glan, un album attuale e dinamico che prende in prestito i suoni elettronici degli anni 80 e il rock degli anni 90 per dar vita a un linguaggio musicale moderno. I brani contengono buone melodie e testi interessanti, il tutto viene sorretto da ritmiche mai scontate, sempre pulsanti e piene di groove che si muovono sul tappetto sonoro creato da synth e chitarre, queste ultime mai invasive e perfettamente integrate con il mood generale. L’album inizia in maniera ipnotica, catapultando l’ascoltatore in una dimensione onirica e a tratti inquietante, come lo stile vocale sporco e sofferto adottato da Stefano Gatti, che si concede a sporadiche schiarite sapientemente distribuite durante tutta la durata del CD.

L’immagine di copertina rende bene l’ idea della musica dei The Glan, una fumata nera e densa che aspetta di essere dissipata pur mantenendo comunque la sua presenza anche se solo eterea, caratteristica che ogni tanto fa venire alla mente band come i Joy Division. Oltre alle nove tracce che compongono il disco è presente una decima traccia nascosta strumentale che riassume in maniera egregia tutte le varie sfaccettature e tematiche dell’opera. Non c’è che dire, un ottimo inizio.

Fabrica – Bar Sayonara

La Fabrica, collettivo casertano, torna con un nuovo lavoro in cui viene rimarcato il loro compromesso più di valore, la caratteristica che li contraddistingue nella scena: il fatto di proporre sonorità indie senza però cadere in testi ironico-giovanili e chorus da radio, ma piuttosto optando per intensità ed incursioni musicali tutt’altro che scontate. E tutto questo lo fanno spesso all’interno dello stesso brano: infatti da un lato c’è il pianoforte e le linee vocali di Sayonara che si scontrano con la parte più elettrica nel suo intermezzo, o un altro esempio è la calma (non emotiva) di Panorama e i tempi dispari nella seconda parte. Da sottolineare anche gli arrangiamenti (chitarra e fiati) di Oceano, brano che sul finire sembra ingurgitare influenze quasi samba; ancora, La Pioggia Prima Che Cada con l’esplosione di ritmica solo sul finire contrariamente alla leggiadria del suo inizio. Altro film in Bon Voyage, una indie ballad che presenta un crescendo tale da avvicinarla a certo indie britannico me che comunque mostra il fianco ad un certo concetto di melodia, concetto ben presente nella seconda metà dell’album in cui si presentano passaggi più pacati (fatta eccezione per qualche brano come ad esempio Come Dici Tu).

In alcuni momenti si riconosce la fonetica delle linee vocali molto vicina alla terra di origine della band, ma anche questo, secondo certi punti di vista, può essere un ulteriore fattore caratterizzante. I Fabrica si muovono comunque su delle coordinate molto morbide, il loro indie rock è da camera e suggerisce una serie di emozioni a condizione che siate appassionati di queste musicalità. Poca energia, piuttosto ricercatezza ma piacevole all’orecchio.

Malkovic – Buena Sosta

Li avevamo conosciuti in occasione del precedente e primo EP, dal titolo omonimo. Ora i Malkovic, power trio milanese, tornano di nuovo con la formula dell’EP confezionando cinque nuove tracce rock. Anche qui lo spettro musicale della band è variegato, si parte dalla loro natura grunge e alternative per giungere a momenti più rock a tutto tondo: i fan dei primi Muse apprezzeranno Russi che nei suoi 2 minuti piazza un basso che si è esercitato con i suoi effetti (manco fosse Chris Wolstenholme in persona) e una restante parte che si esprime in linea con il rock emergente italiano. Bella anche Gnavi, brano in cui esce fuori una caratterizzazione del sound targato Malkovic nelle strofe per poi aprirsi ad un ritornello di più ampio respiro. Buona la scelta in fase di produzione di tenere la voce un passo indietro e far sentire in primis gli strumenti, tre e sicuramente ben amalgamati tra loro in fatto di songwriting.

La vena elettrica dei Malkovic non è mai fine a se stessa, pur essendo ben delineata c’è sempre una ricerca melodica che dà forma alle tracce, lo conferma questo anche la titletrack in cui le vibrazioni delle corde degli strumenti vengono sopraffatte dalle linee vocali e dai cori. La lunga strumentale Chitarrina chiude un EP che conferma il piacevole effetto rock regalato dai Malkovic i quali in Buena Sosta restringono maggiormente l’obiettivo sulla loro proposta musicale, obiettivo che incontra il nostro apprezzamento.

Soviet Malpensa – Astroecology

Album come Astroecology dei Soviet Malpensa risultano tremendamente difficili da raccontare quanto altrettanto semplici da ascoltare. La cura dei dettagli sonori, arricchiti da sofisticati arrangiamenti e da atmosfere perennemente in equilibrio tra fragilità emotiva e sopito disincanto, disegnano su tutto l’album, tra riverberi ed echi synth, una spiccata capacità di passare, tra le altre, da influenze tipicamente indie (Everest, Lucifer), a spunti di elettronica raffinata (Pluto), fino ad arrivare a forme nuove di cantautorato moderno (La Scienza dei Sogni). La buona personalizzazione delle nove tracce proposte, riesce quindi a spiazzare l’ascoltatore che, mano a mano, rimane affascinato ed al tempo stesso incuriosito dall’insieme variegato e contaminato di tutti questi mondi sonori, differenti certo, ma al tempo stesso anche compatibili tra loro, suggeriti dal sound del quartetto capitanato da Claudio Turco. A tal proposito, Astroecology dà l’impressione di essere un disco che nelle intenzioni sembra rimanere aggrappato con una mano all’avanguardia elettronica degli anni ’80 (Habitat 7220) e con l’altra a quel sound post-moderno fortemente identificativo della realtà metropolitana milanese (This is the Life).

A livello progettuale, una proposta artistica di tale livello mancava in Italia dai tempi dei primi Bluvertigo di Morgan ed Andie, a cui, verosimilmente, i Nostri stanno al paio, tralasciando l’aspetto elettrico, soprattutto nella capacità di lasciarsi contaminare dai suoni e di saperli legare tra loro grazie a soluzioni che, come ingranaggi, lavorano operose sottotraccia, come ad esempio le fantastiche linee di basso apprezzabili in ogni brano. Milano, quindi, resta e si riafferma a livello nazionale il ventre più prolifico per la produzione e la crescita di progetti musicali capaci di sviluppare un’idea indie forte ed idonea a compiacere anche – e soprattutto – i palati più difficili; una direzione, forse, non esattamente pronta ad una propensione commerciale (il limite, ovviamente, è più oggettivo che soggettivo), ma di sicuro vincente per quanto concerne l’aspetto prettamente artistico.

Bonsai Bonsai – Bonsai Bonsai

Sotto una vestaglia indie e giovanile i Bonsai Bonsai, esordiente formazione livornese, cela un approccio rock settantiano. Questa l’impressione principale che il loro nuovo EP ci regala nei primi momenti: non sono solo le tastiere ma anche alcune parti ritmiche e taluni riff che ci portano alla mente l’hard rock dei bei tempi (ascoltare Opening). L’impressione purtroppo svanisce dopo la prima traccia, probabilmente perché la band non vuole essere scaduta già sul nascere e decide di piazzare momenti dal più facile (ops…moderno) ascolto come Question che soprattutto nella prima metà lascia il fianco scoperto ad un indie showgaze poco corpulento e molto fluorescente, dimenticando la ritmica. Anche Ripe in realtà manca di ossatura portante, piuttosto tastiere e incedere lento fanno da presagio a qualcosa che difficilmente resterà impressa nelle nostre menti e che sfuma senza mordente. Una cerca ricercatezza di fondo sembra essere espressa dal combo, ricercatezza che però non è di per sé finalizzata ad un risultato particolare: ci si perde infatti nel dipanarsi di brani come Trees, un pezzo da 3 minuti che ne sembrano 7.

Il sound (per quanto concerne la produzione) è buono ma a parere nostro va rivisto il songwriting per trovare un stile più affilato ed efficace. Questo è solo il primo EP, sicuramente ne avranno di possibilità in futuro.

Il Re Tarantola – Scopri Come Ha Fatto Il Re Tarantola A Fare 50.000 Euro In Una Settimana

One man project dietro il quale si cela il bresciano Manuel Bonzi. Questo terzo album dal titolo chilometrico è stato scritto, suonato, composto, registrato, mixato, masterizzato dal solo Bonzi ed prodotto per la sua etichetta La Stalla Domestica che lo pubblica in formato CD oltre che in formato digitale acquistabile su iTunes o liberamente scaricabile sul loro bandcamp. Questo Scopri Come Ha Fatto Il Re Tarantola A Fare 50.000 Euro In Una Settimana viene presentato come una sorta di indie rock concept album sulla sfiga e sull’essere sfigato, non solo inteso come tipo sfortunato, ma anche come tipo non proprio in gamba. L’artwork invece gioca sulla scaramantica figura del gatto nero che questa volta diventa autista dell’auto che vede attraversare lo stesso Re Tarantola come portatore di sfiga (oltre che sfigato egli stesso).

Tutto l’album è pervaso da quell’ironia autobiografica che lo rende godibile e divertente dal punto di vista letterario ma che lascia molto a desiderare dal punto di vista della scrittura musicale. Forse il fatto di non avere una band con cui scrivere rende l’aspetto musicale piatto e poco ricercato, si notano influenze punk rock e ci sono qua e là bei riff di chitarra (in realtà triti e ritriti) ma buona parte dell’accompagnamento sembra messo lì al servizio delle liriche dei suoi pezzi sempre divertenti e dei titoli lunghissimi come Suono Per Pagarmi Le Multe Che Prendo Quando Vado In Giro A Suonare oppure La Nostra Evoluzione Artistica Deriva Solo Dalle Sigarette. Una maggiore considerazione della parte musicale gioverebbe molto all’intero progetto che resta secondo il nostro modesto parere poco sotto la sufficienza.

Amandla – Non Ci Pensare

I giovani Amandla puntano ad un genere musicale giovane. Giocano con il rock muovendosi lungo una striscia continua che vede le melodie indie pop e tanta orecchiabilità radiofonica da un lato (come in Febbre) e alcune partiture più alternative (potremo dire alcuni inserti) che li fanno aderire di più al rock (come in Spine). Una striscia che i ragazzi cercano di mantenere come linea di demarcazione ma che ogni tanto fa perdere l’equilibrio, un esempio è Al Posto Delle Parole che attinge dalle lezioni della dance e si immerge in paesaggi pop. La scrittura comunque è tutt’altro che emergente, il mood dei ritornelli (appositamente piazzati a ripetizione) fanno sì che i brani entrino nelle playlist degli under twenty; il suono del rullante è un altro elemento che caratterizza gli Amandla e che strizza l’occhio a certi gusti più sintetici, più indie e meno accostabili ad una rock band in senso stretto; il basso esce poco e quando lo fa (Sogni) lo apprezziamo. La traccia più ricercata ci sembra Mai Come Ieri, un esercizio che a tratti sfiora la psichedelia mentre per altri sembrerà rivestito di post-rock ma reso molto più digeribile dalle liriche (pop).

I testi dell’intero album puntano alle classiche argomentazioni intrise di paure e difficoltà delle giovani generazioni, cresciute tra grosse iniquità sociali ed enormi punti interrogativi circa il proprio futuro. Un album ben suonato e ben prodotto, che spazia ma che non sottolinea alcuna caratteristica musicale differenziante per gli Amandla, perdendosi nella folta scena indie pop.