Monologue – Belle Époque

Nella coltre scura e affollata dell’indie italiano c’è chi si affanna a trovare la ricetta ideale per “sfondare” e chi invece vorrebbe rafforzare la propria identità puntando a qualcosa di ricercato e distintivo. I Monologue, giovane duo project grossetano, ci provano ma a nostro parere ci riescono solo in parte. Dietro ci sono i soliti argomenti da “giovani indie in lotta contro il mondo”: l’ingiustizia, la tecnologia (“la digitalizzazione a cosa porterà?“), la guerra, i valori di una volta che non ci sono più e tutte le cose che avrebbero fatto gridare al moralismo un adolescente degli anni 90 ma che oggi torna di moda cantare. I Monologue ci provano più musicalmente, cercando di fare della loro essenzialità un punto di forza e aggiungendo suoni (per lo più elettronici) in una visione molto semplicistica dei brani, purtroppo per noi troppo diretta e che non stuzzica il nostro palato. C’è anche un’intensa tinta folk che emerge solo in alcuni passaggi, come nella title track, che forse potrebbe essere il sale per rendere più saporite le loro idee ma che viene usato con parsimonia.

E poi c’è l’indie pop, ci sono i synth, ci sono le melodie che arrivano ghiotte per conquistare un po’ di giovani ascoltatori e piacere al nuovo modo di intendere l’ascolto musicale, quello che cade alle tentazioni dello skip e dei suoni allegri, alle strutture dei brani da radio, agli stacchi e ai crescendo tipici delle pop song. Belli i suoni, tanti suoni e le loro sfumature; meno bene il loro uso al servizio di una melodia che sa di già detta e che di rock, nel senso concettuale del termine, ha davvero poco. Quindi chi mastica indie italiano da classifica e ha trascorso l’estate ad ascoltare Thegiornalisti et similia, con i Monologue avrà di certo una nuova figurina da aggiungere al proprio album. In una pagina qualsiasi dell’album.

Chastity Belt – I Used to Spend So Much Time Alone

Se fossero una band italiana, le Chastity Belt, si incastrerebbero alla perfezione nella scena indie pop (qualcuno la chiamerebbe”hard pop”) in cui testi laconici, melodie che racchiudono disagio e arpeggi orecchiabili la fanno da padrone. Ma il quartetto tutto al femminile viene da Seattle e non nasconde il proprio identikit americano, nemmeno nella propria visione “post” di tutto quello che fu il rock di quella città. Non parliamo propriamente del post-rock, anche se qui si celano alcuni vaghi sentori di quella scena, piuttosto di un “post” che a differenza di quello europeo pone enfasi proprio sulle melodie, vocali e chitarristiche, linee vocali che puntano all’orecchiabilità e che insieme ai numerosi arpeggi e intrecci di chitarra ci ricordano molto l’indie italiano (Don’t Worry è la conferma fatta canzone di questa nostra impressione). Non ci sono visioni di genere per intercettare lo stile delle Chastity Belt, il loro stile è elettrico ma morbido, prodotto con un occhio ai suoni rock di fine secolo scorso, alternativi e vintage nello spirito ma primaverili (ascoltare What The Hell) nel risultato finale. In fondo loro danno forma ad una manciata di brani (a dir la verità l’album raggiunge i 54 minuti di ascolto, comprese le tre bonus track) tutti vicini ai 3 o 4 minuti di ascolto, tracce che arrivano con semplicità e nessuna di loro intende rompere uno schema ben chiaro fin dall’inizio.

Ci piacciono 5am e This Time Of Night per il loro ritmo incalzante e un rock speziato che fa battere il piede pur allontanandosi anni luce da strutture pop rock banali; bella anche Bender per la sua intensità e il suo intento liberatorio. I momenti meno riusciti a parer nostro sono invece Complain e It’s Obvious, che tracciano delle linee meno allegre e che forse non danno la giusta dignità all’energia interiore delle ragazze. Un album che potrebbe attecchire tra gli ascolti del nostro Paese.

Usual – Just Feel Alright

Simpatico ed estivo il rock degli Usual, band di casa a Riva del Garda ma che sta macinando chilometri per live in giro per lo stivale. Li avevamo testati on stage in apertura al Management Del Dolore Post-Operatorio (a questo link il nostro live report) e ci avevano subito colpiti. I ragazzi guardano oltre la Manica attingendo dal rock britannico, dall’indie rock in senso stretto e Dog ci conferma con due linee blu questi rimandi, anche se l’opener potrebbe far chiamare in causa prima i Blur e poi i Rolling Stones. Al di là delle influenze e dell’appiglio del loro stile, quello che ci piace è la costruzione dei brani: c’è attenzione e maturità. La stessa Dog contiene un lungo intermezzo che non fa perdere mordente sulla traccia, anzi si incanala perfettamente in quella che potrebbe essere una esibizione dal vivo davvero coinvolgente. La ritmica è sicuramente un elemento prestante nella musica degli Usual, un brano come Down The Road Of My Heart ne fa sicuramente un elemento di successo, però anche la più pacata Blueberries And Wine va dritta in rete rimarcando la multidimensionalità dei ragazzi.

L’ultima resta comunque la traccia più significativa con quel suo chorus da far cantare al pubblico, perfetto per i festival estivi. Bella prova che speriamo si trasformi presto in un secondo capitolo e in un progetto dal meritato seguito.

Mando Diao – Good Times

Otto album ed attivi sin dal 1999. Nuovo album per gli scandinavi Mando Diao, forse la band svedese più famosa di sempre, dopo gli Abba, Roxette ed Europe. Indie rock con suggestioni vintage, così come indicato dalla semi psichedelica copertina. A dirla tutta i dodici brani proposti sono sensibilmente diversi gli uni dagli altri, tanto da sfuggire ad una classificazione ad un primo, distratto, ascolto. In ogni caso la proposta dei ragazzi è decisamente interessante, forse proprio per la curiosità che lega ogni brano: si va da un rock molto easy e di buona fattura (All The Thing) a suggestioni vintage electro (Shake), fino al beat di Brother. In ogni caso quello che colpisce è la cura dei particolari. Ad esempio la registrazione è davvero perfetta ed ogni sfumatura arricchisce un lavoro di per sé ottimo. Dancing All The Way To Hell segna il passo con un beat marziale e aggressivo, mentre One Two Three, ci riporta immediatamente al 1981 e ai brani new wave che passavano dalle radio libere dell’epoca.

A trovare necessariamente un pelo nell’uovo (ma stiamo forzando la cosa, eh!), potrebbe essere la voce molto arrochita e sforzata anche su episodi non richiesti, ma ripetiamo, è una nostra forzatura in quanto il disco scorre tranquillo e sereno nei suoi 50 minuti, dando una valida prova di maturità conquistata sul campo, grazie ai 18 e passa anni di attività. Insomma, secondo il nostro umile parere questa è una delle possibili migliori uscite discografiche del 2017.

Spleeners – A Storm From A Butterfly

Stando alla loro stessa cartella stampa gli Spleeners sono “osservatori di questo secolo mai troppo seri e mai troppo scanzonati” che con questo A Storm From A Butterfly giungono al sempre sospirato traguardo del debutto discografico. Questo trio milanese si è formato nel 2012 e da allora ha costruito la propria identità musicale parallelamente ad un certo modo di vedere ed interpretare la realtà. Il risultato è questo concept il cui “filo conduttore è l’imprevedibilità della vita anche davanti a un apparente monotonia e staticità”. Ecco dunque spuntare l’effetto farfalla (principio matematico-filosofico secondo cui si contempla che il battito d’ali di una farfalla in un emisfero generi un uragano nell’emisfero opposto) che dà il titolo all’album. Chiariti i presupposti, se vogliamo anche un po’ troppo pretenziosi, alla base di questo lavoro non ci resta che esaminarne le (molte) luci e le (poche) ombre. Iniziamo dalla produzione che merita davvero di essere menzionata per prima tanto si riveli addirittura miracolosa a maggior ragione se si tiene conto che questo CD è autoprodotto. Principalmente ne beneficia il sound che con il suo interessante connubio tra rock melodico e blueseggiante, e pop intimista e riflessivo correva il grosso rischio di scivolare in un grigiume indistinto e invece ne viene fuori vivace e molto più che in salute.

Forse il genere non è la più originale delle scelte ma comunque il risultato è assai piacevole e di sicuro effetto soprattutto se siete in vena di ascoltare qualcosa di tranquillo ma non noioso, di immediato ma non banale, di impegnato ma non incomprensibile. La durata di appena trenta minuti e le strutture lineari degli otto brani del disco riducono lo sforzo necessario per fruire di questo lavoro che risulta abbastanza essenziale da essere godibile in ogni circostanza. Dosata con gran senso estetico è anche la tecnica che senza stupire lascia in bocca il sapore delle cose concrete e ben fatte confermando l’impressione di un approccio più improntato alla sostanza che non al sensazionalismo. Concetto questo che è addirittura fin troppo estremizzato nella confezione, magari eccessivamente minimale ma comunque ben realizzata.

Che altro dire: le idee ci sono, le capacità pure e con un pizzico di grinta che movimenti un po’ di più la tracklist questi ragazzi potrebbero davvero dire la loro nel sempre più affollato panorama nostrano. E io glielo auguro perché come primo tentativo questo disco è davvero niente male tanto che per il prossimo i Nostri si meriterebbero senza dubbio il supporto di una casa discografica. Questo darebbe al prodotto finito quella completezza che qui manca ma che costituirebbe sicuramente la ciliegina su una torta già prelibata.

Drive Like Maria – Creator Preserver Destroyer

L’urlo di Chen terrorizza anche le Fiandre: terzo e decisamente azzeccato album dei Drive Like Maria questo Creator Preserver Destroyer. La band olandese non si risparmia e concede tredici tracce fresche e attuali, a cavallo tra rock deciso, pop e indie. Come molte altre band delle loro terre (De Staat solo per citare i miei preferiti, il genere è più rock elettronico, tuttavia l’eterogeneità nei generi è la stessa dei Drive Like Maria) concedono un sound eclettico e pesantemente variegato, vero melting pot di generi che esce dalla scrittura sperimentale collettiva. Effettivamente l’impressione che si ha ascoltando è che siano più band a suonare nell’album. A prova di ciò possiamo dire che in Tallight siamo sull’indie pop alla XX, orecchiabile, fresco e piacevole, When The Lights Go Down è quasi soul, Forget e Will We Ever sono belli belli, ma belli in modo assurdo alla Black Keys, mentre Sinners (il mio preferito e quindi by definition ascolto di partenza consigliato) è blues: ce n’è per tutti i gusti e peraltro arrangiato con perfezionismo. Anche se a volte il perfezionismo potrebbe far sembrare i pezzi artificiosi, costruiti e poco genuini c’è da dire che il contesto regge (la prova è Nighthawk, pezzo più rock e duro del disco).

Difatti i Drive Like Maria non sono proprio degli sbarbatelli, oltre a tre album alle spalle vantano un tour addirittura in Cina oltre che in Europa. E a conferma del pedigree di lusso, a quanto pare – e sempre se le mie traduzioni dal Dutch all’inglese con google chrome non mi tradiscono – hanno aperto, il 23 giugno del 2011, ad Amsterdam, a quelle divinità che in una Gibson SG (diavoletto per i profani) racchiudono l’alfa e l’omega del rock, al secolo noti come AC/DC durante il loro Black Ice World Tour. A chiusura dell’anamnesi di una band che merita e di un disco decisamente bello, piccola nota di folklore nostrano: a quanto pare l’album è stato registrato a Firenze, il che conferma che, oltre a mangiare e bere come in nessun altro posto dell’universo terracqueo, lì, oltre ad un sottobosco underground di altissimo livello e BladeRunneroso (cercare e provare eventi targati NightMovers per credere), c’è anche un terreno fertile per la sperimentazione ecletticamente indie rock.

Volemia – Eh?

Come risaputo, seppur con fasi alterne, nel sottopancia del mercato discografico italiano vive, cresce e si espande, un sempre florido fermento indie/alternative che ha prodotto in circa un ventennio dai suoi albori, formazioni più o meno fortunate, che, al di là delle rispettive sorti, hanno indubbiamente contribuito a tenere accese sul fenomeno, le attenzioni delle label indipendenti. Nonostante ciò, sebbene qualche progetto sia riuscito ad affacciarsi con fatica alle ribalte commerciali nazionali, a lungo andare si è inevitabilmente creata un’omologazione di stili e suoni che ha prodotto un appiattimento del livello di molte delle produzioni in circolazione. Tanto ci serve per potervi introdurre ad Eh? ultima fatica dei Volemia, band che, seppur con una certa tendenza al post-grunge, con questo lavoro si aggancia di diritto al filone musicale di cui vi abbiamo parlato in precedenza. Le dieci tracce proposte contengono buoni spunti elettrici (leggasi l’intro Mammut) che – ahimè – nella sostanza, non riescono mai a raggiungere picchi emozionali tali da mostrarci tutta la validità dell’intero full-lenght. I testi, efficaci ma tutti da interpretare, seppur attestandosi sul confine tra il nonsense e la poesia metropolitana, vengono dilapidati nel loro potenziale dalla infausta scelta in fase di produzione, di sovraccaricare il cantato con un evitabilissimo ed onnipresente riverbero (tra l’altro strasentito ed oramai desueto), il quale, allo scopo di creare un abusatissimo “effetto Verdena”, produce nell’ascoltatore attento, l’esatto risultato contrario, ovvero quello di aver intenzionalmente utilizzato questo ed altri espedienti stilistici, allo scopo di poter essere identificati al paro di quella band o di quello stile (su tutte Rovere, Keef o Colto da Panico).

Ai fini della riuscita del prodotto finale, questa scelta al mic e l’ostinata idea di un “muro del suono” composto prettamente da accordi elettrici pieni, omogenizza il sound e nasconde la vera anima di ogni brano, rendendoli tutti molto simili tra loro. Un peccato, poiché tale risultato non consente di far emergere la vera personalità della band, forse acerba, forse ancora in via di consolidamento o forse troppo influenzata da stili e modelli di riferimento che andrebbero messi da parte. Consideriamo Eh? come un momento transitorio dei Volemia, sicuramente propedeutico alla ricerca di nuove strade e nuove idee, con la promessa – da mantenere – di risentirci al più presto con un altro lavoro, se possibile più rappresentativo di una visione musicale più personale.

Palinurus Elephas – Fame Di Niente

Caro direttore ecco un altro disco che cade a fagiolo! Proprio qualche sera fa vedevo il buon Gabbani ospite (anzi voluto, cercato e invitato) dall’eterno Desmond Morris. Ora per chi non lo sapesse diciamo solo che il signor Morris è una celebrità scientifica internazionale e il suo saggio zoologico sull’uomo intitola La Scimmia Nuda è divenuto un riferimento, direi quasi assoluto. Come sappiamo (o come stiamo scoprendo ora) il buon Gabbani lo cita nella canzone che tanto famosa divenne dall’ultimo Sanremo ma ora mi domando e dico: davvero devo credere che Desmond Morris ha invitato il nostro Gabbani per parlare con lui della zoologia e di quanto finalmente la sua canzone rappresenti a pieno la situazione sociale di oggi? Ho sentito (se non erro) anche frasi di encomio e di complimenti per aver generato qualcosa di assoluta novità. Cioè veramente devo credere che una celebrità scientifica internazionale come lui abbia tempo e spazio da dedicare a simili lusinghe per una canzone (bella per carità ma banalmente pop) dai contenuti assolutamente inflazionati?! Come dire che Pasolini si è fatto le seghe per anni…e ora Morris sente il bisogno di celebrare Gabbani come novità: Signori ecco l’artista che mancava e che finalmente dice le cose come stanno! Dico ma mi si piglia per i fondelli? E guarda caso la telecamera seguiva la conversazione dei due e in onda mandano solo questo ovvio scambio di battute…

Allora, campiamoci. Per difendere la mia intelligenza e magari anche un po’ di etica voglio pensare che anche questa sia tutta una farsa, anche perché, caro il mio signor Morris (o chi di voi abbia costruito questo teatrino promozionale), basta dare un orecchio ai tantissimi dischi della nuova scena italiana per scoprire che ci sono mille mila artisti che trattano lo stesso argomento, non solo ora ma lo stanno facendo da anni e, spesso e volentieri, anche con più gusto. Ed eccovi quindi il disco d’esordio dei Palinurus Elephas: un nome ostico sia a dirlo che a scriverlo. Sarà una bella noia per i giornalisti. Si intitola Fame Di Niente e direi che nel titolo è scritto tutto con maggiore poesia de “La Scimmia Nuda Balla” e se il disco si apre con Testa Bassa che d’impatto mi rimanda ad una ballad (forse troppo moderna) dei Ramblers o a qualche trascinante poesia rock dei Negrita, se ad un tratto nella tracklist troviamo Ursula Andress che rispolvera il buon vecchio funky che un poco mi ricorda il giovane Renato Zero dei Triangoli, per il resto l’impatto è quello del solito format canzone indie di chi si è rotto i benemeriti e cerca di fare la morale e lo fa con distorsioni e dissonanze. Sembra, e dico sembra, ripetersi la solita ricetta, sempre quella, sempre impersonale. Quando parte Il Settimo Giorno con il solito “cazzo” adolescenziale di finti rivoluzionari che si sono scocciati, ecco che ho forte l’impressione di sentire una canzone sentita mille altre volte da mille altre voci. Certo non sarete d’accordo ma le sensazioni sono personali e per quanto assurde avranno il loro perché da rispettare. E le sensazioni sono anche le prime a mettere sotto torchio perché da un ascolto (e ne basta uno soltanto credetemi) si scoprono melodie che in un primo impatto scivolavano via, si scoprono arrangiamenti, idee e soluzioni che rendono questo disco un esordio davvero efficace, intelligente e di gusto.

Dalla loro, i Palinurus hanno belle melodie che non sono immediate e sfacciate ma si devono notare con pazienza, non si limitano solo alle distorsioni di chitarre ma curano suoni e arrangiamenti e l’inglesina Regina Del Mercato mi piace davvero con quelle voce corali e quel synth stile Farfisa che mi riporta inevitabilmente ai Beatles e compagnia cantando. Ma l’intro di Le Piante è sbagliato? Una scelta strana, non l’ho capita e il pezzo è assai interessante, complimenti. Ecco signor Morris (o chi per voi mette su i teatrini ogni giorno), ascolti questo brano o ancor di più ascolti la successiva Mondo Cieco con un rispettabilissimo inciso il cui testo non lascia scampo: tanto per farle un esempio che in Italia impera e detta legge la Televisione ma se spegnessimo questo cioccolo di plastica e burattini forse daremo retta a tante altre proposte che meritano l’ascolto e l’attenzione. Fosse solo per crescere…reciprocamente. E come esordio direi che gli perdoniamo tante ingenuità, testuale soprattutto e facciamo un plauso alla personalità che vien fuori…piano piano e in punta di piedi, ma vien fuori! Bravi!

Run River North – Drinking From A Salt Pond

Leggendo che i Run River North sono una band coreano-californiana siam rimasti un attimino basiti, ma appena inserito il CD i dubbi sono immediatamente spariti. Un bel indie rock gioioso, catchy, fresco, ecco cosa ci offrono i ragazzi. Nel mare magnum delle produzioni indie rock bisogna inventarsi qualcosa, altrimenti si rischia di essere buttati nel calderone. Se questa cosa in Italia non l’hanno capita in Corea/California pare proprio di sì ed il disco della band se ne scende in un attimo. Intro (Funeral) Parade spicca per la potente voce, 29 per la melodia particolarmente intrigante. Insomma, va bene. Non neghiamo per un attimo di essere stati trasportati all’ascolto nei primi anni 2000, quindi correremo il rischio di essere influenzati dall’effetto nostalgia, ma non è così. Il disco lo riascolterete parecchie volte, poco ma sicuro. Classico lavoro da mettere nel lettore mp3 per ascolti in palestra, o da tenere in auto in loop eterno mentre si cerca parcheggio da Ikea la domenica pomeriggio.

Bello davvero, ma ora andate. E anche per oggi vi abbiamo consigliato bene.

Roadhouse Crow – Roadhouse Crow

Maturazioni ed evoluzioni di chi, dotato di creatività, talento, passione e costanza, continua il suo cammino nel mondo della musica. Ciò è subito percepibile all’ascolto del nuovo, omonimo, EP dei Roadhouse Crow. La giovane band frusinate che, dopo aver dato la luce ad un primo EP nel 2015, Harborleave Inn, e dopo averlo portato in giro nei live show per club non solo della zona ma spostandosi lungo la penisola, ha da poco partorito il suo secondo lavoro. Lo scorso 28 febbraio i 4 musicisti appassionati di retrò pop e retrò rock hanno reso disponibile un nuovo EP di 4 pezzi con 2 inediti (Sugar Rain e Motels) e 2 brani già presenti nel precedente EP (London Love e Galapagos) rivisitati secondo le nuove suggestioni che sono emerse nel songwriting della band. Confrontando questo nuovo lavoro con quello precedente è tangibile come quel gusto retrò e vagamente sognante che li caratterizza sin dall’origine si sia evoluto acquisendo una forma più definita ed emancipandoli maggiormente dall’alveo delle influenze rock settantine da cui erano partiti. Il richiamo al passato è sempre presente ma lo è in altri modi. Dal rock con componente energico-arrabbiata che troviamo in alcuni brani del primo EP al soft-rock e al pop del nuovo. Una nuova ondata di fascinazioni retrò che sfocia in un pop rock d’annata che evoca atmosfere raffinate e vagamente patinate. Mi fa pensare a certi brani degli Eagles e degli America. Ci sento una componente di west coast rock, anche se magari depurata della sua vena più dura e ingentilita per creare immagini di situazioni e vissuto tipici delle coste. Palme, scena di vita costiera, mare. Al tramonto, al crepuscolo, pervasi da una leggera suadente malinconia. Tutto un insieme di suggestioni che evocano proprio quei paesaggi, in quei precisi momenti, con le sensazioni che discendono da essi.

Sugar Rain è il brano d’apertura, nonché l’ultimo ad essere stato composto, ed è paradigmatico delle nuove sensibilità che ora pervadono la band. Sonorità soft tipiche di un pop d’annata, un ritmo caldo e apparentemente rilassato. Ci sento quel sound che poteva appartenere ai Chicago (If You Leave Me Now in particolare), ma anche i Matia Bazar per certe atmosfere raffinate e mondane. Lo scenario è tipicamente cittadino, come si evince anche dal video del brano e la sugar rain che cade sulla vita di questa città sembra davvero di sentirla addosso. E’ come se restasse aggrappata sulla pelle questa “pioggia di zucchero” , per non farci dimenticare cosa abbiamo vissuto, sentito, immaginato. Il secondo brano è l’altro inedito, Motels. Colpisce la spaccatura che lo pervade. Sia a livello di sound e ritmo che a livello di atmosfere evocate si percepisce una divisione abbastanza netta che taglia il brano a metà. Diretta conseguenza, probabilmente, del fatto che il pezzo prende vita da due idee diverse e in due momenti diversi è stato scritto e riarrangiato. La prima parte è calma e rilassata. Caratterizzata da un ritmo suadente. Una lieve malinconia che esattamente a metà canzone cede il passo ad una nuova energia e a un ritmo completamente diverso. Le chitarre si fanno veloci, la voce si alza, il ritmo diventa incalzante. Nasce una forza di reazione che ci allontana dall’abbandono della prima parte del brano per condurci in un mood decisamente più rock. L’evoluzione dei Roadhouse Crow e il coesistere di una vena più soft accanto ad una vena più rock sono perfettamente rappresentati in questo pezzo. Sono diversi i motel in cui ha luogo la storia narrata perché sono varie le sensibilità e le suggestioni, tutte però riconducibili ad una matrice unitaria di scenari sabbiosi, costieri, esotici che veicolano passione e carnalità.

Il terzo brano è Galapagos, già presente nel precedente EP e qui rimaneggiato sulla base del nuovo mood della band. Immediatamente all’ascolto emerge questo scenario estivo, costiero. La storia si snoda su una spiaggia e ruota attorno a questo relitto che si staglia fra il mare e l’uomo. Un bell’intro di chitarra, dolce. E solare. Ma la malinconia la fa più da padrone. Siamo ancora in estate, ma forse sul suo finire e ciò ci rende un po’ tristi. Siamo al tramonto e l’immagine delle palme che baciano il sole calante ci dà il senso della notte che verrà alienandoci dall’estate. La scelta di inserire questo brano nel nuovo EP risiede, a mio parere, nel fatto che fra i brani precedenti è quello che contiene con maggiore forza la rinnovata sensibilità soft rock che pervade il nuovo lavoro. L’inserimento di altri strumenti, in questo caso le trombe, e un nuovo arrangiamento sono funzionali a rendere Galapagos ancora più spendibile in questo nuovo contesto. Il quarto brano è London Love (uscito come singolo l’estate scorsa) anch’esso presente nel primo EP, anch’esso riarrangiato secondo il nuovo mood creativo della band. Le sensazioni che evoca appartengono ad una sfera più personale e ciò si deduce dal testo che fa riferimento ad un sentimento per una persona lontana, ad un amore distante. Le atmosfere sono un po’ rarefatte, un po’ tremanti, quasi fumose. E ciò avvolge gli strumenti che sembrano procedere quasi con un senso di fatica, di peso, rendendo perfettamente l’idea comunicativa del pezzo: il contrasto tra i colori d’una città in cui si è persa l’unica donna amata veramente ed il fumo grigiastro che si ha davanti. La fumosa Londra in realtà più che un luogo geografico è un luogo dell’anima dove provare a rialzarsi e rinascere dopo una sconfitta.

Terminato l’ascolto mi restano sensazioni agrodolci, scenari incantati che però non si è riusciti a vivere in maniera del tutto felice e spensierata, perché c’è sempre una malinconia di fondo, dolce ma persistente. Davvero ti resta un sapore di labbra salate, come è nell’intenzione stessa comunicata dai 4 musicisti. E la rinnovata veste retrò e soft è il veicolo ideale per questo set di immagini in musica.