Roadhouse Crow – Roadhouse Crow

Maturazioni ed evoluzioni di chi, dotato di creatività, talento, passione e costanza, continua il suo cammino nel mondo della musica. Ciò è subito percepibile all’ascolto del nuovo, omonimo, EP dei Roadhouse Crow. La giovane band frusinate che, dopo aver dato la luce ad un primo EP nel 2015, Harborleave Inn, e dopo averlo portato in giro nei live show per club non solo della zona ma spostandosi lungo la penisola, ha da poco partorito il suo secondo lavoro. Lo scorso 28 febbraio i 4 musicisti appassionati di retrò pop e retrò rock hanno reso disponibile un nuovo EP di 4 pezzi con 2 inediti (Sugar Rain e Motels) e 2 brani già presenti nel precedente EP (London Love e Galapagos) rivisitati secondo le nuove suggestioni che sono emerse nel songwriting della band. Confrontando questo nuovo lavoro con quello precedente è tangibile come quel gusto retrò e vagamente sognante che li caratterizza sin dall’origine si sia evoluto acquisendo una forma più definita ed emancipandoli maggiormente dall’alveo delle influenze rock settantine da cui erano partiti. Il richiamo al passato è sempre presente ma lo è in altri modi. Dal rock con componente energico-arrabbiata che troviamo in alcuni brani del primo EP al soft-rock e al pop del nuovo. Una nuova ondata di fascinazioni retrò che sfocia in un pop rock d’annata che evoca atmosfere raffinate e vagamente patinate. Mi fa pensare a certi brani degli Eagles e degli America. Ci sento una componente di west coast rock, anche se magari depurata della sua vena più dura e ingentilita per creare immagini di situazioni e vissuto tipici delle coste. Palme, scena di vita costiera, mare. Al tramonto, al crepuscolo, pervasi da una leggera suadente malinconia. Tutto un insieme di suggestioni che evocano proprio quei paesaggi, in quei precisi momenti, con le sensazioni che discendono da essi.

Sugar Rain è il brano d’apertura, nonché l’ultimo ad essere stato composto, ed è paradigmatico delle nuove sensibilità che ora pervadono la band. Sonorità soft tipiche di un pop d’annata, un ritmo caldo e apparentemente rilassato. Ci sento quel sound che poteva appartenere ai Chicago (If You Leave Me Now in particolare), ma anche i Matia Bazar per certe atmosfere raffinate e mondane. Lo scenario è tipicamente cittadino, come si evince anche dal video del brano e la sugar rain che cade sulla vita di questa città sembra davvero di sentirla addosso. E’ come se restasse aggrappata sulla pelle questa “pioggia di zucchero” , per non farci dimenticare cosa abbiamo vissuto, sentito, immaginato. Il secondo brano è l’altro inedito, Motels. Colpisce la spaccatura che lo pervade. Sia a livello di sound e ritmo che a livello di atmosfere evocate si percepisce una divisione abbastanza netta che taglia il brano a metà. Diretta conseguenza, probabilmente, del fatto che il pezzo prende vita da due idee diverse e in due momenti diversi è stato scritto e riarrangiato. La prima parte è calma e rilassata. Caratterizzata da un ritmo suadente. Una lieve malinconia che esattamente a metà canzone cede il passo ad una nuova energia e a un ritmo completamente diverso. Le chitarre si fanno veloci, la voce si alza, il ritmo diventa incalzante. Nasce una forza di reazione che ci allontana dall’abbandono della prima parte del brano per condurci in un mood decisamente più rock. L’evoluzione dei Roadhouse Crow e il coesistere di una vena più soft accanto ad una vena più rock sono perfettamente rappresentati in questo pezzo. Sono diversi i motel in cui ha luogo la storia narrata perché sono varie le sensibilità e le suggestioni, tutte però riconducibili ad una matrice unitaria di scenari sabbiosi, costieri, esotici che veicolano passione e carnalità.

Il terzo brano è Galapagos, già presente nel precedente EP e qui rimaneggiato sulla base del nuovo mood della band. Immediatamente all’ascolto emerge questo scenario estivo, costiero. La storia si snoda su una spiaggia e ruota attorno a questo relitto che si staglia fra il mare e l’uomo. Un bell’intro di chitarra, dolce. E solare. Ma la malinconia la fa più da padrone. Siamo ancora in estate, ma forse sul suo finire e ciò ci rende un po’ tristi. Siamo al tramonto e l’immagine delle palme che baciano il sole calante ci dà il senso della notte che verrà alienandoci dall’estate. La scelta di inserire questo brano nel nuovo EP risiede, a mio parere, nel fatto che fra i brani precedenti è quello che contiene con maggiore forza la rinnovata sensibilità soft rock che pervade il nuovo lavoro. L’inserimento di altri strumenti, in questo caso le trombe, e un nuovo arrangiamento sono funzionali a rendere Galapagos ancora più spendibile in questo nuovo contesto. Il quarto brano è London Love (uscito come singolo l’estate scorsa) anch’esso presente nel primo EP, anch’esso riarrangiato secondo il nuovo mood creativo della band. Le sensazioni che evoca appartengono ad una sfera più personale e ciò si deduce dal testo che fa riferimento ad un sentimento per una persona lontana, ad un amore distante. Le atmosfere sono un po’ rarefatte, un po’ tremanti, quasi fumose. E ciò avvolge gli strumenti che sembrano procedere quasi con un senso di fatica, di peso, rendendo perfettamente l’idea comunicativa del pezzo: il contrasto tra i colori d’una città in cui si è persa l’unica donna amata veramente ed il fumo grigiastro che si ha davanti. La fumosa Londra in realtà più che un luogo geografico è un luogo dell’anima dove provare a rialzarsi e rinascere dopo una sconfitta.

Terminato l’ascolto mi restano sensazioni agrodolci, scenari incantati che però non si è riusciti a vivere in maniera del tutto felice e spensierata, perché c’è sempre una malinconia di fondo, dolce ma persistente. Davvero ti resta un sapore di labbra salate, come è nell’intenzione stessa comunicata dai 4 musicisti. E la rinnovata veste retrò e soft è il veicolo ideale per questo set di immagini in musica.

Voina – Alcol, Schifo E Nostalgia

Ai tempi chiamati Voina Hen (ci riferiamo all’epoca della pubblicazione del loro esordio Noi Non Siamo Infinito recensito da noi a questa pagina) oggi semplicemente Voina, alle soglie del 2017 si apprestano ad un salto. Non che il livello fosse basso, infatti del precedente lavoro ci avevano colpito le idee e la produzione, ma due anni dopo arriva Alcol, Schifo e Nostalgia e confermiamo che la band mira in alto. Troviamo concretizzato il nostro suggerimento di spingere più sulla ritmica tanto che i nuovi brani si prestano ad una diffusione energetica in sede live che ci fa sperare di vederli presto nella nostra città. Questo probabilmente è il punto centrale del loro lavoro: se infatti in passato i ragazzi si avvicinavano al sound del Management del Dolore Post-Operatorio, ora che la band diretta da Luca Romagnoli sta accantonando le spinte ritmiche a vantaggio di trame più emotive, troviamo l’evoluzione dei Voina più vicina a band come Vintage Violence, seppur con una più marcata anima indie, soprattutto nelle linee/cadenze vocali. Il singolo Io Non Ho Quel Non So Che la dice lunga su questa interpretazione dell’approccio Voina, spinta riformista agli stereotipi della società giovanile che però affonda nella classica visione da hipster (si veda alla voce “disagio da tendenza”).

A seguire bene i loro testi si trova però anche una vena più spessa (come accade anche nei MaDePoPo): in Gli Anni ’80 c’è una critica all’educazione impartita ai Millennials come effetto del boom economico vissuto dai relativi genitori (e delle aspettative riposte sui figli), in Morire Cento Volte e in Il Futuro Alle Spalle leggiamo diverse critiche su coetanei e sulla vita attuale; poi compaiono elementi assolutamente non nuovi nella scena indie italiana, come prese di posizioni su argomenti più leggeri (odio per gli aperitivi in centro o per la SIAE) e la classica impostazione grafica (interna al booklet) color pastello. I brani seguono un stile univoco, fatta eccezione per l’intensa Ossa, crediamo il brano più ispirato tra tutti; uno stile quello dei Voina che ci convince anche in occasione di questo nuovo lavoro, che sa parlare a modelli di ascoltatori diversi e che crediamo si prenderà un vasto spazio nella scena rock emergente tricolore.

Antonio’s Revenge – All Under Control

Un bel mix di brit pop in chiave italiota quello degli Antonio’s Revenge nel loro album di esordio. L’album mixa 8 inediti a 4 pezzi già parte dell’EP Time Square Lights, rimessi a lustro per l’occasione. Sonorità che portano un po’ di Oxford e Manchester tra Brescia e il lago di Garda. Ma sonorità che ci provano e che, andando a rovistare nel sottobosco underground dello stivale, un po’ di rock esce ancora. Sicuramente piacciono in Better Than Myself e One More Beer che sono i due brani che come motivetto ti rimbombano in testa, anche dopo il primo ascolto (soprattutto il primo). All Under Control non è un titolo, ma è la sintesi della tecnica che accompagna la band; tutto è sotto controllo: la voce, perfetta e senza sbavature, le ritmiche tecniche e precise e le chitarre, gradevoli e controllate. Un plauso va sicuramente alla dote di musicisti del trio, senza ombra di dubbio al di sopra la media. All Under Control è un album leggero e che scorre con una velocità impressionante e in questo è accattivante e piacevole.

Probabilmente non è ancora una pietra miliare o un inno della nuova onda rock italiota che vuole farsi un po’ brit, tuttavia All Under Control è un gioiellino indie che vale la pena di essere gustato perché alterna bene pezzi energici a ballate e non è mai monotono, palloso e autoreferenzialmente alternativoide come molto dell’ “italindie” spesso si dimostra. All Under Control è una bella secchiata di acqua fresca in chiave pop (in qualche pezzo rasenta il punk rock leggero ma gustoso alla Jam) che ci sta sempre come intermezzo.

Phidge – Paris

L’influenza musicale britannica, sin dagli albori, ha sempre contaminato il nostro Paese, che sia metal, punk, o semplicemente rock. E quest’influenza è arrivata anche a Bologna, città dalle forti tradizioni musicali che ha dato i natali ai Phidge nel 2003. I Phidge sono una band che ha alle spalle due dischi ed un EP, e li ritroviamo con un nuovo album, pubblicato pochi mesi fa dall’etichetta di Bolzano Riff Records, dal titolo Paris. Lungo le dieci tracce che vanno a formare il disco abbiamo la citata influenza britannica coadiuvata anche dall’inglese dei testi ed un sound che può tranquillamente essere catalogato come indie rock. Paris, nome non a caso dato che la capitale francese è protagonista di più brani del disco, è un album in cui il quartetto bolognese mostra indubbie qualità, soprattutto in fatto di scrittura. Il sound appare omogeneo e poche volte tende a eccedere in qualche leggera sterzata, come nel caso di Any Good News? dal quasi impercettibile sapore funky, o la stessa Paris, dalle tinte leggermente più ruvide.

Il disco ha come punti finali Road (To The Drops), ballad più in chiave rock, con tanto di assolo di chitarra finale, e Thin, brano dalla struttura minimalista e dalle sonorità più introverse grazie anche all’apporto di un tappetino sonoro di piano. In un periodo dove questo genere ha forse raggiunto il suo più alto livello d’attenzione, i Phidge dimostrano di aver ben poco da invidiare a gruppi molto più altisonanti. Lo spassionato consiglio, per chi ama questo genere, è di dargli una attenta ascoltata. Meritevoli.

Brand New Heroes – Brand New Heroes

Fa sempre un po’ effetto ascoltare band dal sound internazionale ma con una line-up piena di nomi in italiano. Sarà la tendenza a guardare all’estero o il fatto che le band sono convinte di cercare il successo oltre i confini nazionali, ma questa tendenza è tutt’altro che una serie di fenomeni dislocati. I Brand New Heroes sono tra questi ed escono alla luca con un EP omonimo, un prodotto con un buon tiro e un forte potenziale di escalation per chi ama le sonorità anglo-americane elettro rock. La loro maturità, a nostro parere, si misura dalla saggia scelta di Suits come singolo dell’uscita, un pezzo che ha un ritornello talmente furbo da riuscire a ricordarvi almeno dieci band diverse pur senza sembrare completamente rubato; Suits ha anche una velo di elettronica e di hip hop, elementi che aiutano a conferire alla band su uno spettro molto più ampio e ad avvicinare ascoltatori diversi. Ma si tratta di una scelta corretta sulla lunga distanza?! Secondo l’approccio potrebbe essere apprezzato, anche se tra riff tirati e parti elettroniche ci si perde un po’, come se ci si sentisse spiazzati e non si capisse bene dove i “Nuovi Eroi” intendano arrivare. Ad esempio Eleanor lascia un po’ interdetti con il suo elettro pop fine a se stesso, imbottito di synth/tastiere ma che poco lascia dopo il suo passaggio. Anche Trembling Lights ci disorienta, tentativo di unire i Green Day più pop, i Muse e George Michael sulle medesime coordinate; forse andrebbe data qualche martellata in alcuni passaggi per cercare di avere una direzione più univoca.

Noi li preferiamo con Eyes, un pezzo quasi punk rock pieno di carica, dove non c’è tempo di ricercare cori orecchiabili, ma solo grinta e un rifferama nel bridge che fa trattenere il respiro; o anche nella convincente Not The Same, al contrario del brano che chiude l’EP che ricade nelle tentazioni pop. Un inizio più maturo di molte band in circolazione ma che espone i Brand New Heroes al rischio di perdere la bussola molto presto se qualche raddrizzata non viene apportata in tempo al proprio sound.

Il Diluvio – Il Diluvio

C’è una strana sensazione che viene fuori nell’approfondire questo progetto. Il Diluvio è un quartetto italiano, fin dal moniker, ma ascoltando la loro musica ci troviamo davvero poco di tricolore. Sonorità britanniche, indie rock, testi in lingua inglese, suoni di alta gamma, melodie, pop rock. E poi c’è un elemento che contraddice sia la nostra prima impressione che quello che abbiamo scovato aprendo il coperchio su questa band: la lunghezza dei brani. Non è intuitivo afferrare i significati di testi e idee e il quartetto decide di allungare ulteriormente le trame in modo da non limitarsi all’accoppiata “strofa-ritornello” da dare in pasto alle radio. Certo, spesso si nota un approccio semplicistico nel songwriting, Rain ad esempio abbraccia il pop da classifica angloamericana e lascia poco sapore sul nostro palato. Se Apollo 1 si sbilancia più verso inserti elettronici, probabilmente per sottolineare l’ispirazione ultraterrena e futuristica del suo racconto, Facebroke rigetta l’animo da internauta povero per collimare con un rock maggiormente costruito e canonico, capace di assumere però una forma palpabile soprattutto nella seconda parte (strumentale). L’EP si chiude con Lullaby che cela il proprio sapore amaro degli amori finiti ma dietro melodie già sentite.

Il Diluvio ha mostrato con questa prima uscita il proprio aspetto, a tratti ambivalente a tratti vago. Gli inserti tastieristici e gli effetti vari rappresentano il fattore più moderno e stimolante di una proposta per il resto poco ricercata. A nostro parere la band deve mettersi maggiormente in gioco e costruire qualcosa di molto più personale.

Buckingum Palace – Macedonia

I Buckingum Palace sono agli esordi eppure mordono passi come fossero già in veloce corsa. Poco più di un anno di vita e già hanno pubblicato un primo demo e un EP ufficiale, questo Macedonia che dà tanto spazio alla musica e poco alle liriche. Il loro stile è indubbiamente indie, nell’uso della chitarra che esula da riff canonici e piuttosto si concede ad inserti come fossero arrangiamenti per il singolo brano; la particolarità è nelle trame non banali, niente di facile ascolto, piuttosto passaggi complessi e studiati. Note singolari con un accento indie che categorizza subito l’uscita su di un target preciso, anche se con Rango Tango le cose cambiano, un brano questo dall’irruenza rock/grunge, classico pezzo figlio delle giornate ad ascoltare musica anni novanta con in aggiunta quella vena angosciante tipica di quelle produzioni. Tipo Coleottero è un brano più ricercato, che mantiene la verve elettrica di Rango Tango ma che insidia un animo più calibrato; nella loro presentazione si parla di math-rock, secondo noi non si raggiunge (ancora) quel livello ma il songwriting di questa traccia è quello di una band più matura che si sofferma maggiormente e trova la forma giusta per esprimere le proprie emozioni.

Ottimo rapporto con i brani strumentali, Colosso ne è un esempio; intricato mette in luce l’identità dei tre musicisti che però già escono con un suono proprio, con una proposta compatta. Sulla lunga distanza queste premesse anticipano un album con tutta probabilità di spessore, attenzione al rischio di risultare troppo “pesanti” su un ascolto che può superare i sessanta minuti.

McFly’s Got Time – Elsewhere

La sensazione che il soffice vento fresco dell’estate che tarda ad arrivare produce quando lo incontriamo in una giornata soleggiata e spensierata prende forma nel nuovo e primo EP dei McFly’s Got Time, band emergente che si veste di un rock’n’roll dalle tinte indie, per una volta non debitore alla scena anglosassone, molto meno ritmato, più soffuso e ben arrangiato; ma al tempo stesso le liriche sembrano voler prendere come riferimento la scena folk americana e volerne forzare (nel senso positivo del termine) una vena elettrica, sicuramente orecchiabile, ma pur sempre amplificata. Se infatti I’m A Sailor ha un incedere rock leggero, da preferire a nostro parere rispetto al suo remake Rolias A m’I (titolo scritto al contrario), con No One (Runs Faster Than The Man With The Yellow Shirt) si compie un tuffo nel folk statunitense, un po’ malinconico e un po’ ondeggiante, ma anche nel blues grazie alla sua chitarra slide. Spensierata anche Lie che si disinteressa del sapore amaro che il suo titolo suggerirebbe e punta ad un’aria sbarazzina, danzereccia; più intensa Sammy, un brano a stelle e strisce in blues decadente che farebbe da giusto sottofondo in un oscuro locale dell’Alabama.

Un EP fresco che ci tiene volentieri compagnia e ci prepara alla prossima stagione. Buona la compattezza del quartetto e il profilo produttivo, per il loro futuro ci aspettiamo più personalità.

The Circle – How To Control The Clouds

Se non leggessi la line up difficilmente direi che i The Circle sono di Torino e difficilmente immaginerei che How To Control The Clouds sia stato registrato a Milano. Direi che ci troviamo più o meno nel sud dell’Inghilerra o a New York. Il sound è l’indietronica, l’indie pop metrosessuale e cosmpolita a cavallo tra prima e seconda decade del millennio contemporaneo. E ci piace. E questo è un bene, è cosa buona e giusta, perché serve un po’ di indie italiano pop e rock da esportazione: How To Control The Clouds è proprio questo. L’album va via liscio e ci ricorda un mix di Coldplay (per i continui “ooooh oh oh” e “who oh oh” e “ooooooooooooooh”, che comunque, a conti fatti, ci stanno) Kings Of Leon e forse anche quegli U2 nella loro poppeggiante mezza età di All That You Can’t Leave Behind (che ammetto essere un album grandioso e meritevole, pur essendo io “Warista” più che convinto; se dobbiamo tirare in mezzo l’olimpo della musica Bono & Co, la loro annata migliore e che ha segnato e segnerà il mondo per i secoli dei secoli è il 1983, esattamente il 28 Febbraio). Tornando ai The Circle, bisogna ammettere che sono attuali e global nel sound, che è leggero, piacevole e orecchiabile. Parlando di Torino e innovazione non poteva darsi per malato l’innesto elettronico, che infatti non manca e si sente nel pezzo che vale l‘album, la traccia 5, Fire, che probabilmente rappresenta veramente la perfezione del cerchio dei The Circle. Fire è energia, coinvolgimento ma allo stesso tempo leggerezza (e stavolta l’ “oooooh ooh whooo” coldlplayano diventa “uuuuh uhhhhh”, ma ci sta).

Album equilibrato, giudizioso ed essenziale anche nelle grafiche questo How To Control The Clouds. Forse un po’ troppo corto e forse troppo concentrato nei tre pezzi centrali (Fire, il pezzo perfetto, i 50 secondi di Interlude e la ballatona acustico poppeggiante Irene). Ad essere onesti ci si alza con ancora un po’ di appetito a valle dell’ascolto. Però dentro How To Control The Clouds si sente qualcosa di originale e unico che geograficamente si colloca nella terra di mezzo che sta tra il mainstream alla maniera dei Coldplay e il prodotto di culto alla maniera dei The XX. Inutile procrastinare sulla tecnica (indubbio che la registrazione sia di livello) o sui dettagli (drum machine e tastiere sparpaliate etc etc etc): che ti piacciano i Coldplay e ti voglia approcciare ai The XX o che porti ogni giorno il vitello grasso all’altare dei The XX cercando di capire che musica fanno i Coldplay, i The Circle li devi ascoltare.

Violacida – La Migliore Età

Bon Iver a pranzo dai Beatles che raggiungono Mina e De Gregori per il dolce e tutti quanti vanno a casa di Fusaroli per il tea time rigorosamente fissato per le 17:00. Poi Fusaroli fa i dovuti onori di casa e invita tutti a restare per la cena e si fa arrostire qualcosa di buono al camino e la giornata passa così. Che poi un giorno o l’altro mi piacerebbe essere invitato ad una di queste cene…I Violacida (secondo me, sia chiaro) hanno messo dentro questo disco la mistura precisa (al mio piccolo e povero orecchio) di tutto quanto metaforicamente dipinto sopra. Che poi io non capisco e non capirò mai una cosa: ok che Fusaroli ha “inventato” una moda sonora, ok che per fare i trasgressivi e gli alternativi questo suono va bene, ok che tanto la qualità oggi non serve a nessuno e spacciamo per qualità anche le cose più astruse e strane (per gli intellettuali di oggi la ricerca artistica = qualità = se non la capite è perché siete banalmente attaccati alle cavolate tutte uguali che passano per televisione etc…)…insomma ok tutto questo, ma nell’era del “voler esserci a tutti i costi” state finendo per essere tutti uguali! Che è esattamente quello che accade ai burattini della televisione!

Brani come Temporale, Varanasi o Il Fiume io li ho sentiti altre mille volte e in altre mille occasioni. E non li so distinguere più…sono tutti uguali. Neanche le voci si distinguono, neanche i testi, neanche i caratteri. Copia e incolla. Però…c’è un però…ed il però è che questa volta l’indie italiano che ormai mi ha decisamente annoiato per la scontentezza e la ripetitività, lascia il posto ad un gusto intimo e sincero…quando parlavo di Bon Iver mi riferivo a queste voci lontane e corali, a brani da un timido (perché ancora ingenui…ma sulla buona strada) potere suggestivo come Monte Blu o Cos’è Una Distrazione o Indifferenti che però è la traccia che meno riesce in questa direzione dato che nel breve volgere di poco si ributta nel cliché dei tanti indie poeti dell’era moderna (tra l’altro ha un passaggio fortissimo casualmente o volutamente riferito all’eterna Mina). Tornando sulla traccia finale Il Fiume…beh che dire…se non è un pezzo di Bon Iver questo? Almeno all’ingresso sia chiaro…e cito i Bon Iver per citare un altro dei cliché che la massa conosce. Non voglio sembrare saccente citando “misconosciuti” come i The Low Anthem anche se per alcune cose ce li vedrei calzare meglio.

Devo direi che una mistura del genere mi giunge nuova e la cosa mi piace molto e ai Violacida va il merito di averci provato in questo disco…forse, vista anche la scrittura, avrei osato di più in questa direzione. Così come Il Sentiero che parte illudendoci di chissà quali spianate islandesi o americane o chissà cos’altro e invece, finiti gli onori di casa, parte il ballatone alla De Gregori (anzi direi che la scrittura e il mix di batteria sembrano proprio La Linea Della Vita del Principe). E poi subito la solita voce distorta e poi finalmente della melodia, perché occhio: nell’indie italiano manca sempre la melodia. Almeno questa volta, De Gregori o no, la melodia esiste, timida che non vuole disturbare ma esiste e non solo in questo brano…finalmente. Ultima chicca che mi viene da sottolineare è il mellotron (?) – perdonate la mia ignoranza in questo, anche in questo direbbe a ben ragione qualcuno…ma non sono sicuro del nome esatto dello strumento, non sono sicuro sia proprio il mellotron…ma per comodità chiamiamolo così anche perché non penso che i Violacida abbiano lo strumento ma sfoggino una parata di master keyboard con mille suoni campionati che oggi poi sono spettacolari più degli originali. E quindi, archiviato tutto questo incipit, direi che un’altra bellissima nota di “originalità” è proprio questo “mellotron” che sentiamo di quando in quando a colorare gli arrangiamenti dei brani (come per esempio in Contraccettivo che però qui sembra più un hammond che un mellotron). E non è solo questa la paternità di comparse elettroniche che troviamo per tutto l’ascolto con suoni poco scontati e decisamente ben piazzati a dare carattere.

Insomma, il mio piccolissimo pensiero, che per quanto vale gioca solo a sfogarsi di ciò che non ho ben chiaro e di quello che può essere riferito al mio personalissimo ascolto e ai dischi che gravitano in questa casupola di provincia. In questo cesto di indie italiano tutto uguale, chi più chi meno, ci sono figure interessanti che danno qualcosa in più. Forse sono ancora troppo giovani e nella scrittura si sente e fa tenerezza delle volte, però i Violacida sicuramente sono tra coloro che vorrò tenere a mente pensando a questo groviglio di indie tutto uguale. Amen.