Danzig – 6:66 Satan’s Child

Glenn Danzig è come uno stilista. Lui non ha bisogno di seguire le mode del momento perché è lui a crearle. Con in testa lo svolgimento del suo progetto creativo ha portato avanti la sua idea fin dal tempo dei Misfits senza farsi trascinare dalle correnti e senza subire alcuna influenza esterna. Non che lo stile o persino il genere siano rimasti uguali negli anni ma l’impronta è rimasta la stessa creando un marchio unico che, come per le migliori firme dell’alta moda, si può riconoscere al primo sguardo o, per meglio dire, al primo ascolto. Questo sesto disco ne è la prova: persino il neofita più sprovveduto vi farà il suo nome dopo i secondi iniziali della prima traccia. Ma non fraintendetemi, come le nuove collezioni presentate in passerella sono ogni anno diverse da quelle precedenti, così gli album dei Danzig si evolvono sempre in un continuo mutamento pur rimanendo miracolosamente fedeli a se stessi. Potrebbe sembrare un controsenso ma non lo è. Basta guardare al deciso contributo che l’ingresso di un nuovo chitarrista e di un nuovo bassista ha dato al rimodernamento del sound di questo disco, contribuendo a rafforzare l’impatto e l’immediatezza dell’intero lavoro.

Un enorme passo avanti è stato compiuto anche sul fronte della produzione che si avvale, per la prima volta nella discografia della band, di tecnologie digitali per la registrazione con massimo beneficio sul fronte della chiarezza e della comprensibilità e scongiurando al contempo quello che era stato il punto debole del precedente capitolo, ovvero la confusione generata dalla sovrapposizione dei tanti arrangiamenti e campionamenti sintetici. Il disco continua infatti sulla via di un industrial metal oscuro e malvagio evolvendo il discorso stilistico del precedente album con atmosfere solo un po’ più dilatate e riff più taglienti e rocciosi. Vengono riprese invece in toto le tematiche dei testi coerentemente incentrate sul male, la morte e il dolore e, ovviamente, l’immancabile satanismo già preannunciato dal titolo. Niente stravolgimenti ma massima coerenza quindi nel percorso creativo di una band che continua a raccogliere molto meno di quel che meriterebbe nonostante questo sesto disco sia addirittura migliore del predecessore (e non di poco).

Nella moda, finché c’è ispirazione, si possono influenzare generazioni intere pur essendo veramente capiti e apprezzati solo da una minoranza. E’ così anche per il metal che ha trovato in Glenn un grande interprete…praticamente uno stilista.

Danzig – Blackacidevil

Due anni dopo l’ottimo IV Glenn Danzig, nel suo continuo e incessante bisogno di sperimentazione, decise di allargare ulteriormente i suoi orizzonti e di rivoluzionare la proposta musicale della band. Vi dico fin da subito che la sterzata fu tanto brusca da far storcere il naso persino ai più accaniti fan della prima ora e per di più, sfortunatamente, non raccolse consensi tali da apportare sufficiente linfa nelle fila degli estimatori del gruppo che, di conseguenza, si assottigliarono. Non aiutò il fatto che la formazione venne stravolta, lasciando a casa anche il formidabile e mai abbastanza rimpianto John Christ, cosicché rimase il solo leader fondatore tra i superstiti della compagine che aveva rastrellato tanti successi in passato. Ma sia ben chiaro: non è che Blackacidevil sia un album così pessimo, anzi, è solo che nel 1996 il mondo forse non era sufficientemente pronto per un industrial rock così violento, lancinante, oscuro e per di più contaminato da controverse e anticonvenzionali tematiche sataniche. Bisogna capire che Glenn è sempre stato, era ed è quello che oggi chiamiamo “trend-setter” ovvero, in pratica, un precursore destinato ad essere capito solo dai più illuminati, criticato da tutti gli altri ma comunque seguito quando non addirittura copiato. Ve lo dimostra il fatto che questo album suona piuttosto moderno persino a vent’anni dalla pubblicazione.

Certo, la produzione alle orecchie di oggi suona un po’ troppo confusionaria e rugginosa ma è comunque riconoscibilissimo il seme che è poi germogliato in tanti altri gruppi magari ancora in circolazione. Quando vide la luce questo rock ultra-sintetico, pesantemente industrial e sofferente all’inverosimile dovette sembrare addirittura alieno ma questa era esattamente l’intenzione del gruppo che così facendo stupiva ancora una volta per originalità, carattere e…coraggio. Glenn dichiarò che il disco suonava esattamente come lui lo aveva voluto e questo mise fine a tutte le discussioni con la casa discografica e oggi sappiamo chi aveva ragione. Detto questo Blackacidevil resta un album difficile da digerire soprattutto per le sue tematiche, pesante nei suoi suoni elettronici, ostico nella sua psichedelia, opprimente nelle sue atmosfere quasi surreali nonché terribilmente complicato da comprendere.

Oltre tutto scivola nelle orecchie dell’ascoltatore come fosse carta vetrata perciò è adatto solo agli amanti del genere più angosciati o a quelli a cui piace essere tormentati. A tutti gli altri rockettari resta da apprezzare questo lavoro per il suo valore storico come avanguardia che ha influenzato centinaia di gruppi e ancora non ha finito di lasciare la sua impronta sulle nuove proposte. Che altro dirvi: un ascolto è d’obbligo… ma due sarebbero meglio.

Deviate Damaen – Retro Marsch Kiss

Band storica e attiva da anni ormai nell’underground musicale italico, i Deviate Damaen (che si chiamavano Deviate Ladies fino al 1998, per chi se li ricorda con questo nome ai tempi delle riviste di settore cartacee) sono un gruppo molto poco politicamente corretto e parecchio irriverente. Per chi non lo sapesse il loro esordio ufficiale, Religious As Our Methods del 1997, uscì in dolby surround e conteneva una confessione tra un prete che non sapeva di essere registrato ed un membro della band. Il tutto verteva sul rapporto tra incesto e sacrilegio. Già da questo si capisce che i Nostri sicuramente non si risparmiano su punti di vista e sperimentazioni non allineate al pensiero comune. C’è da dire che il nuovo album, uscito dopo sette anni di lavorazione e intitolato Retro Marsch Kiss, non si risparmia su pensieri che susciterebbero più di una polemica per le idee ed i punti di vista espressi. Ma noi non siamo qui a discutere di questo ma ad analizzare l’album in sé stesso, dal punto di vista meramente musicale. Gli stomaci deboli, i politicamente corretti nel pensiero e chi non sopporta le sperimentazioni può benissimo tenersi lontano da Retro Marsch Kiss.

Un doppio album che vede nel primo CD molte parti narrate ed atmosferiche, con presenza di rumorismi e moltissima noise. Più teatrale che musicale, con vari sprazzi che citano mostri sacri della letteratura italiana (Pascoli, Manzoni, Foscolo) e della classicità. Il secondo CD, invece, riteniamo sia molto più interessante sotto ogni punto di vista. Sperimentazioni, industrial, noise, avanguardia… c’è di tutto e di più. Si apre con Basta Non Basta lunga canzone aperta da telefonate vere ad ignare persone che si incazzano da morire davanti alle pressanti richieste di quello che sembra un disco automatico rotto ma che in realtà è Emilia, definita nel libretto del CD “tossitrice telefonica”. Il Valzer Del Retrogrado è invece un pezzo che sembra uscire da un grammofono degli anni ’30 e che, ancora una volta, affronta temi scottanti e non allineati. Tutto il secondo CD è un’aperta provocazione, in un miscuglio di suoni e registrazioni, sovra incisioni che mettono in luce molto bene l’ecletticità del progetto e le soluzioni originali che la band porta in seno. Basti pensare che, leggendo il libretto, viene spiegato che “…Lo sfondo sonoro che incombe su tutta la durata di Elektr’n’Culo Pasquinata è stato realizzato inserendo un microfono a spirale nel culo del leader della band e schiacciando REC sul suo minidisk”.

Retro Marsch Kiss è in distribuzione esclusiva presso Mariposa Duomo, storico negozio musicale milanese, ad un prezzo politico deciso dalla band in accordo con i proprietari del negozio. Se avete lo stomaco debole e non vi piacciono le sperimentazioni, non è il disco che fa per voi. Chi invece è curioso o vuole apprezzare un buon prodotto, potrà trovare molto di cui ascoltare.

A2aThoT – Gestalt

Necessita di parecchi ascolti questo Gestalt della one man band A2aThoT per essere apprezzato come merita. Difficile da digerire, soffocante, ruvido. In passato l’avrei stroncato senza farmi troppi problemi; invece, piano piano, è riuscito a catturare la mia attenzione, sollecitando le corde più sensibili, approfittando di particolari stati d’animo e momenti (la notte, l’ansia). La seconda parte del disco, nettamente più sperimentale, psichedelica e spettrale, si fa preferire alla prima, esageratamente cancerogena. Registrato un paio d’anni fa esce ora sotto promozione della Buil2Kill Records dopo il remastering a cura di Tommy Talamanca ai Nadir Studios di Genova. Dopo un Intro rumorista, si passa a Wrong Way, distorsioni (appositamente?) casalinghe, antimelodie esasperate, un ritornello che ricorda alla lontana alcuni lavori di Paul Chain, e questa sensazione costantemente incombente di fine del mondo che non ti molla un secondo. Hic Et Nunc è lontana, accompagnata da un loop circolare e maniacale, aggiunge un voce quasi sussurrata alla chitarra, ancora più malsana nella distorsione.

Is This Brutal?, che sembra quasi doom nell’incedere cadenzato e regolato da un riff e da un basso finalmente presente, cede il passo a Cutting Knives, che apre a scenari più space oriented, ricordandomi alla lontana gli ancestrali Therghoton e Neptune Towers, con i suoi riff pesantissimi alla Toni Iommi che sfondano le casse. Hiding In A Glass House resta su tempi slow motion e ricorda certe produzioni Neurosis o i primi Scorn, così come Maybe It’s Not Up To Us, nel suo incidere semi industrial. Concludono il lavoro (M)e Blanket, complessivamente quasi venti minuti in cui A2aThoT sperimenta qualcosa di diverso, abbandonando completamente le distorsioni ed avventurandosi in un minimal sound pregevole. Direi che è sicuramente questa la strada da perseguire in futuro, magari affidando le parti vocali ad un perfomer di maggior impatto.

Vitrea – Songs Of Glass

Se il rock/metal viene fuso all’elettronica e alle sonorità anni ’80 (beat e batteria in generale) ne esce fuori un unico prodotto: l’industrial. I Vitrea conoscono molto bene i loro riferimenti musicali tanto da creare un sound molto vicino ai Nine Inch Nails da un lato (per la vena cupa e introspettiva) e ai Depeche Mode dall’altro (per l’orecchiabilità e i ritmi talvolta trascinanti), band citate tra l’altro nella loro stessa biografia. Idee chiare che dopo due EP prendono forma in un album completo dal titolo Songs Of Glass, un lavoro che è zucchero puro per tutti gli amanti della new wave e delle influenze dark. Percorsi sonori imitati da molti (anche dallo stesso Marilyn Manson ai tempi dell’esordio Portrait Of An American Family, prodotto non a caso da Trent Reznor) ma rivisti qui in chiave rock. I ragazzi infatti cercano di creare quella giusta distanza con l’ambiente metal: dimenticate quindi sfuriate alla Ministry (fatta una parziale eccezione per la ghost track), quello che i Vitrea propongono è qualcosa di sperimentale e a tratti introspettivo (come la psichedelica January), molto incentrato sull’elettronica, qualcosa che nel pieno della new wave avrebbe fatto proseliti di giorno in giorno ma che risulta attuale tutt’ora grazie ad una modernità di fondo infusa dal power trio friulano.

In qualche momento di questi quasi cinquanta minuti sembra che l’animo elettrico prenda un po’ troppo il sopravvento (come in Goodbye Horses o in Indigo Waves) ma probabilmente è solo la forsennata ricerca di una ritmica che non passi inosservata. Oltre alla parte ritmica emerge anche una certa ricerca melodica (Antiheroes) che però non depaupera il valore artistico della band, anzi lo arricchisce trasformandolo in qualcosa di più musicale ancorché innovativo (un po’ come avevano fatto i Bluvertigo nei ’90, anche se con un approccio più provocatorio). Varie sfumature e diversi approvvigionamenti per un sound che risulta comunque moderno e per questo va premiato.

Ministry – Last Tangle in Paris – Live 2012

I Ministry, creatura musicale che ha saputo mutare più volte dalla sua creazione avvenuta ormai numerosi anni fa, presentano Last Tangle in Paris. DVD del live registrato nel piccolo club parigino La Cigale nel 2012 e che documenta il DeFiBrilLaTouR con dietro le quinte inclusi, backstage, prove in studio, e la vita quotidiana della band. Il pacchetto è completato da 3 CD. Il primo è semplicemente la riproposizione audio della performance presentata con il DVD, gli altri due CD includono ulteriori tracce live, ma senza indicazione sul dove e quando siano state registrate. La performance live dei Ministry è visivamente impressionante. Oltre alla band sul palco e all’assalto audio, lo spettacolo teatrale comprende un immenso schermo visivo con spettacolo di luci dietro la band. Il concerto inizia in maniera spettacolare, con un video di Al Jourgensen sopra un palco buio in cui parla di personaggi del calibro di Morrison, Hendirx, Joplin, Cobain facendo notare che lui non è ancora morto!! Improvvisamente il palco si illumina inondato di luce rossa e la band inizia a suonare Ghouldiggers. La potente voce di Jourgensen domina il suono della band. Ma non sembra esserci una particolare stella dello spettacolo, un mattatore o dittatore. Mentre Jourgensen come lead vocalist sicuramente attira più attenzione di altri, l’elemento chiave dei Ministry è la band stessa, in toto. Mirabili sono i primi piani del (compianto) chitarrista Mike Scaccia sulla sua Gibson Explorer, il suo talento come chitarrista speed metal è evidente.

La tracklist si concentra principalmente su materiale degli ultimi dieci anni, riprendendo una buona selezione di materiale in tutta la loro carriera 2004 fino al 2012. Per il bis, si tuffarono di nuovo ai giorni di Paul Barker, con tre tracce dal 1992 PSalm 69 (PSalm 69, NWO, Just One Fix) e Theives from The Mind Is a Terrible Thing to Taste (1990). Durante il DVD si può assistere al tributo concesso a Mike Scaccia: Al Jourgensen parla di come ha incontrato il chitarrista quando militava nei Rigor Mortis. I due hanno elaborato il concetto di fusione tra la musica industriale e speed metal. C’è poi un breve filmato di Jourgensen mentre definisce se stesso e Scaccia come “fratelli di madri diverse”. Divertente poi è quando Scaccia racconta l’episodio in cui Jourgensen ha preso a calci Keith Richards e Ron Wood dei Rolling Stones fuori dalla sua casa. Il DVD si conclude con il video di Mike Scaccia mentre si propone in una jam session in studio per poi suonare l’assolo di Jesus Built My Hotrod. Si chiude con l’ingegnere Sammy D’Ambruoso esporci che l’ultimo pezzo registrato da Scaccia è Side Fx Include Mikey’s Middle Finger, un pezzo piuttosto duro e grezzo.

Last Tangle in Paris – Live 2012 è un DVD che appaga dal punto di vista uditivo e visivo, con il suono cupo, violento stordisce ed inchioda l’ascoltatore con la violenza del thrash. I CD audio risultano forse ridondanti, in special modo i CD con le tracce bonus. Soprattutto se si pensa che questo nuovo live album esce ad un anno di distanza dal precedente Enjoy The Quiet – Live At Wacken 2012 (recensito da noi a questa pagina). Certo la morte di Scaccia deve aver cambiato i piani della band, infatti Jourgensen stesso afferma che “non c’è nessun Ministry senza di lui (Scaccia)”. Un uscita corposa, intensa, che tutti i fan dei Ministry non dovrebbero esitare a possedere. Certo anche per chi ha intenzione di cominciare ad approfondire la materia dei Ministry non dovrebbero esserci molte esitazioni sul mettere le mani su Last Tangle in Paris – Live 2012.

Die Krupps – The Machinists Of Joy

Era il 1997 quando i Die Krupps pubblicarono il loro ultimo album Paradise Now. Da allora la Engler e soci hanno rilasciato solo alcune compilation e singoli, che sono inclusi nel nuovo album The Machinists Of Joy, come Risikofaktor. La line-up dei Die Krupp è oggi formata dal deus ex machina Jürgen Engler, il vecchio eroe Ralf Dorper e il chitarrista metal Marcel Zürcher. Il tema principale dell’album è industrial vecchia scuola accompagnato da linee di basso melodiche e rappresenta un ritorno alle radici per il gruppo tedesco. Alcune parti di crossover appartenenti a retaggi passati sono ancora presenti, ma sono stati integrati con gusto nelle canzoni, senza prevaricare il resto. La prima parte dell’album è per gran parte di matrice elettronica (EBM). Nocebo rappresenta l’avanguardia metal dei Die Krupps, una bella fusione tra elettronica e metal che ricorda molto il tanz metal degli esordi dei Rammstein. Come detto The Machinists Of Joy è un album dall’anima industrial, dura, ma le punte melodiche sono creative e intelligenti. Lo stilofono è messo a buon uso.

La produzione dell’album è di alto livello, che rende al massimo quando il volume sale, tanto che le parti vocali sembra arrivino direttamente sulla faccia, mentre le linee di basso smuovono gli organi interni. La maggior parte delle canzoni sono cantate in tedesco e in inglese. Difficilmente questo album attrarrà nuovo pubblico, ma di sicuro farà impazzire i fan del sound elettronico industrial.

Crematory – Antiserum

Chi non conosce i Crematory potrebbe osservare la copertina dell’ultimo loro studio album, Antiserum, e associare la band ad una formazione death metal o a qualsiasi cosa che si traduca in estremo. Non che l’artwork sia particolarmente violento, ma i tratti grafici richiamano molto le scelte estetiche di band appartenenti a scenari musicali estremi, serpenti e fantascienza compresi. In realtà siamo lontani da questi scenari perché i Crematory appartengono ufficialmente alla scena gothic metal anche se attingono tantissimo dall’industriale e, per dirla senza peli sulla lingua, la melodia gioca un ruolo davvero importante nelle loro composizioni. Quindi non c’è da stupirsi se alle prime note dell’album qualche buon metallaro potrebbe storcere il naso, considerando gli inserti elettronici e la tastiera che presentano questo lavoro targato 2014. Ma si tratta solo di un’intro che scopre il sipario e che intende confermare a tutti il ritorno dei Crematory (la band infatti si era sciolta tempo fa per poi ritornare in forze nel 2004 con un’intensa attività in studio e dal vivo). E così che una chitarra pesante compare nei vari momenti di questo album, anche se cerca di farsi spazio a spallare tra samples e tastiere che inondano il sound.

Until The End apre con delle buone speranze in quanto al riffing si alternano bene le tastiere, almeno nei primi secondi, supporto reciproco che procederà non così bilanciato nel resto dell’album. If You Believe puzza di Fear Factory e di Rammstein (questi ultimi quasi clonati in Kommt Näher), con un sapore crudo dato dai testi in tedesco, fino a giungere alle aperture del ritornello con una voce pulita che spezza la corsa intrapresa fino a quel momento. Una scelta quella di alternare i differenti timbri vocali che si ripete lungo varie tracce di Antiserum e che sicuramente amplia il potenziale pubblico di questa band, a partire da chi ama i suoni più gothic/dark alla My Dying Bride fino a certo nu metal orecchiabile come quello degli Evanescence. Il metal appunto non è un miraggio in questo album, infatti Irony Of Fate presenta una chitarra di gran lunga indurita, che rafforza il classico groove insito nel trademark dei Crematory; anche la successiva Virus contiene una cattiveria nel growling non indifferente, peccato sia retta su una struttura ritmica lontana anni luce dal metal.

In sostanza quindi un’uscita che sconsigliamo agli intransigenti del metal, piuttosto da suggerire a chi ama un sound lugubre e a chi apprezza dell’industrial più i passaggi melodici che non quelli più ispirati ai suoni delle fabbriche.