Traum Jesters – Subliminal …Ænd?

Il nuovo lavoro dei Traum Jesters è un album futuristico che difficilmente può essere incasellato in un genere preciso, lo diciamo noi che finiamo per catalogare tutto come ogni feticista della musica che si rispetti. Sicuramente c’è un forte legame con i suoni anni 80, la new wave (il rullante dice molto in questo) e alcuni echi alla Depeche Mode (dopo essersi imbattuti in una rissa con i Ministry) che ogni tanto balzano all’orecchio, eppure Subliminal …Ænd? è un album rock che non si intimidisce dinanzi a riff e ritornelli ben costruiti. È proprio la costruzione il centro nevralgico di questo album composto da 11 capitoli interessanti e mai banali, un songwriting che non segue regole già scritte ma si inventa e spazia tra effetti e strumenti canonici per sottolineare quell’alone di mistero che la musica dei Traum Jesters intende profondere. I brani non durano poco e i ritmi mai troppo veloci distendono l’ascolto facendo presagire dei racconti, cercando di costruire il contorno del concept su cui si basa la storia, una storia incentrata su di un uomo dalle grandi capacità oratorie in grado di attirare a sé attenzione e consensi, un concept che prende forma appunto nel racconto e nei testi più che nella musica stessa. Fa eccezione la veloce Self-Referred Bitch che cola nel (nu)metal dalle tinte industrial e dà una zampata più concreta a chi si aspetta trame incisive.

C’è anche tanta psichedelia nella musica dei TJ, elemento questo che rende più sperimentali alcune ricerche sonore ma anche trame rock dall’ascolto semplice come AnimalRama, potenziale singolo. La copertina è un po’ un mistero, gioca probabilmente sul doppio significato di personaggi/oggetti e significati descritti durante il racconto. Su questo ambito di poteva fare meglio a parer nostro. Il sound c’è anche se probabilmente incontra non poche difficoltà in una rappresentazione live. Nonostante ciò per noi il trio è assolutamente promosso.

Marilyn Manson – Antichrist Superstar

Il 1996 è stato un anno particolarmente fertile per l’hard rock e il metal che ha visto la pubblicazione di molti dischi che sono oramai considerati delle vere e proprie pietre miliari come Aenima dei Tool, Evil Empire dei Rage Against The Machine o Roots dei Sepultura (giusto per citarne alcuni). Forse uno più di tutti però è riuscito ad affermarsi prepotentemente consacrando in maniera definitiva il proprio gruppo come una delle band più controverse e discusse del panorama musicale contemporaneo: stiamo parlando del concept album Antichrist Superstar di Marilyn Manson. Uscito per la Nothing e l’Interscope Records questo gioiello discografico si avvale, per la sua produzione, della collaborazione di mostri sacri come Sean Beavan (già affiancatore di gruppi come Nine Inch Nails, Guns ‘N Roses, Slayer e System Of A Down), Dave Ogilvie (frontman degli Skinny Puppy) e Trent Reznor che sono riusciti a dare all’intero album una sonorità unica che fino ad allora non era stata ancora concepita. Antichrist Superstar si distingue infatti per un sound che, fondendo insieme industrial, metal e goth rock, riesce a trasmettere una sorta di energia elettrica che accompagna l’ascoltatore per tutta la sua durata.

Ad aprire il disco ci pensa la prima traccia Irresponsible Hate Anthem che, con il verso di Aleister Crowley “When you are suffering, know that I have betrayed you” dà il via a questa folle corsa di 77 minuti (se si contano anche i secondi di silenzio che formano le 82 tracce vuote e i due minuti scarsi dell’ultima ghost track). Il pezzo successivo invece, nonché primo singolo rilasciato, è l’ipnotica The Beautiful People: un inno alla società contemporanea che ben esprime quel melting pot di sonorità hardcore predominante in questo capolavoro musicale degli anni ’90. Antichrist Superstar continua così a scorrere in maniera naturale alternando tracce più “scarne” e aggressive (Little Horn, Angel With Scabbed Wings, l’eponima Antichrist Superstar, 1996, The Reflecting God) a composizioni più sperimentali e oscure (come Tourniquet, Cryptorchid, Kinderfeld o Minute Of Decay). L’intero concept, incentrato sulla metamorfosi di un personaggio che, da verme si tramuta nella figura di un angelo, viene idealmente chiuso sulle note di Man That You Fear, una ballata malinconica che si scosta, per certi versi, dai ritmi dei brani precedenti.

Caratterizzato da testi estremamente provocatori e nichilistici, che affondano le radici nel pensiero di autori come Nietzsche o Heidegger, Antichrist Superstar risulta essere estremamente coerente anche sul piano visivo presentando un booklet molto curato, ricco di riferimenti esoterico/kabalistici, che consente perfino di essere composto e ricomposto in maniere differenti dando senso diverso alle parole su esso riportate (Heaven + Comfort = Heart, Minister + Fiend = Mind, Complaisant + Magnificent = Complacent, Master + Lice = Malice). Impeccabile.

The Omega Machine – The End That Comes With The Omega Machine

Ecco un disco veramente particolare. Questo duo torinese è dedito ad un industrial metal pesante e dalle atmosfere oscure che sicuramente deve essere ascoltato nel giusto contesto per poter essere apprezzato. La rarità di parti cantate, per di più molto in secondo piano, e i tempi dilatati e scanditi con incedere quasi marziale ne fanno la scelta ideale per le serate più nere nonché per gli amanti del genere. Per tutti gli altri l’ascolto potrebbe diventare ostico e il messaggio incomprensibile. La confezione si allinea a questo stile e perciò si presenta minimale nelle informazioni e criptica nell’artwork ma comunque ben realizzata e con una buona sensazione di qualità dalla sua. Coerentemente anche la musica nel CD segue queste caratteristiche e inoltre ad una discreta realizzazione tecnica affianca composizioni mediamente abbastanza lunghe e non troppo complesse. Le otto tracce di questo platter accompagnano l’ascoltatore in un viaggio di una mezz’ora abbondante stordendolo con un sound acido e ruvidissimo nonché estremo in ogni possibile definizione del termine.

Quello che manca invece è un po’ di varietà in più sia all’interno delle singole tracce, che forse esagerano un po’ sull’effetto di ossessiva ripetitività, che anche nel contesto generale del disco, che vede il ritmo movimentato solo dalla breve e lenta It Came To Vomit Liquid Fire. Un ultimo appunto per la produzione che complessivamente soddisfa ma che con una più attenta gestione dei volumi avrebbe potuto donare al disco una maggiore chiarezza e una percezione di migliore qualità. In definitiva è difficile consigliare questo lavoro a chi non sia già devoto al genere. Sicuramente i Nostri hanno profuso impegno e preparazione per sfornare questo debutto che, come spesso accade, soffre un po’ della mancanza di maturità ed equilibrio tipico dei giovani progetti. Poco male perché le idee ci sono quindi non ci resta che aspettare i The Omega Machine alla prossima prova discografica.

D8 Dimension – ProGr 0

I D8 Dimension si sono formati nel 2009 a Livorno e da allora hanno conquistato molte tappe sia sul suolo italico che in altre parti d’Europa. Avendo registrato inizialmente un demo di 5 tracce Demo-N nel 2010, seguito da un EP di sette brani Octocruna nel 2012 e da noi recensito a questa pagina, hanno creato un suono ibrido industriale-metallico con elementi elettronici. Adesso nel 2017 abbiamo una band matura che presenta un complesso full length pieno, intitolato ProGr 0. La prima traccia, -39°C, non spreca tempo e apre l’album con i batteria nu-metal, i riffing di chitarra in puro stile industrial e le tastiere tipiche dell’electronic body music (EBM) che tramutano questa traccia creando il perfetto supporto per le linee vocali rocciose. La traccia è completata da un forte riffage di rottura e un coro aggressivo e ossessivo. My Feast è una canzone sulle passioni e come tale parto piano con l’intro di tastiera, per poi crescere ed esplodere con l’aggiunta dei riff di chitarra abbinati alle pelli della batteria, così come un’altra performance vocale impennata invia. Matryoshka ha un’atmosfera raccapricciante, campionature oscure, rumori di sottofondo e tastiera che dipingono lo sfondo della scena e le chitarre bluesy metal che la modellano. E’ un pezzo simmetrico con struttura delle parti ABCDFGFDCBA, e il testo tratta proprio della forza dell’antitesi tra simmetria e asimmetria che genera continuo mutamento, fondamentale per rafforzare la propria resilienza.

Considerando l’insieme dell’intro di tastiera, la compattezza ed il groove delle chitarre, possiamo dire che X: Bigger Boat è una traccia che non sarebbe stata poi così fuori luogo in alcune registrazioni dei Rammstein. Rollformer Gospel è una traccia scura ma più “pop” basata su un ritornello in 6/4, ritmo caratteristico del macchinario industriale Rollformer. Astrokiller è un’altra traccia di mish-mash che combina perfettamente elementi metallici, alternativi e industriali, aggiungendo in alcuni pezzi un tamburo tribale, una chitarra elettrica semplice ma efficace, oltre che una parte di tastiera nel coro. Anamnesis invece esplora alcuni riff metallici più classici con voce angosciosa e convincente, forse più che in altri brani. Industrial II già dal titolo non lascia spazio all’immaginazione ed il titolo confermano il sound del pezzo, Les Fleurs è una cover metallizzata che parla della decadenza hippie, la traccia finale Y: Salt On Carthage ancora una volta è una perfetta fusione di tutti gli elementi che la band usa nel suo arsenale: metal, industrial, alternative rock e un ritornello di pianoforte atmosferico.

Questo album è una conferma brillante delle capacità dei D8 Dimension, capaci di creare (da soli, essendo il disco autoprodotto) un sound riconoscibile e per alcuni versi innovativo e futuribile. A questo punto risulta legittimo e anche doveroso varcare il confine per misurarsi anche su palcoscenici europei.

It’s Everyone Else – Heaven Is An Empty Room

Siamo sempre dell’opinione che un duo sia vincolato a ricorrere alla tecnologia per poter proporre una musica stratificata, costrutto e vincolo per il semplice fatto di guadagnarsi il comfort di poter rendere conto a meno teste per prendere una decisione. Gli sloveni It’s Everyone Else non fanno eccezione, alla luce di un sound molto stratificato e che cede a più tentazioni nel nome dell’elettronica. Non dobbiamo però partire prevenuti e dobbiamo ammettere che se non lo fossimo e se non sapessimo che dietro questo progetto c’è un vero e proprio duo, potremo sentire ardenti i pattern di batteria, le voci urlate, le sfuriate che ci ricordano i tempi d’oro dei Prodigy, un certo sapore dark alla Depeche Mode ma imbastito da un rock distruttivo e molto punk nell’attitudine, il tutto in una cornice che ci sembra esaltare la scena industrial. Un’insalata ricca di ingredienti della traduzione della tavola ma anche della cultura new age, tracce veloci, sia a livello di bpm che a livello di durata, gli IEE si esprimono così senza voler trovare una casa, togliendosi il lusso di inserire un intermezzo noise dal nome Nineteennninetyfive.

L’accoppiata synth e batteria martellante di The Jokes Is On The Sun la dice lunga su quanto questo duo riesca a mescolare vena elettrica con quella elettronica, in una fatiscente casa new wave che travalica i decenni e non trova una collocazione temporale ideale, prestando il fianco a discoteche futuristiche come quelle in cui Neo cerca di seguire il “coniglio bianco”, giusto per comprendere l’approccio. Abbiamo citato troppi generi e sembra essere spiazzante ciò, ma la verità è che l’identità di questo progetto è davvero multiforme, a più livelli, senza regole gerarchiche per cui è anche difficile seguire un percorso che le descriva. Attaccatevi alla barra perché il viaggio sulle montagne russe degli It’s Everyone Else è veloce e per nulla pianeggiante.

Sunterra – Reborn

Nel 2006 qualche cuore si era infranto quando i Sunterra decisero di prendersi una pausa a tempo indeterminato, dopo tre album e quasi dieci anni di onorata carriera. Sono stati necessari altri dieci anni di pazienza per vederli tornare con un nuovo capitolo discografico, una nuova etichetta (ma sui cambi di firma loro erano abituati) e una nuova line-up. A leggere la formazione sembra molto poco affine al metal e molto incline a post-produzione e strumenti digitali eppure ascoltando Reborn (un titolo che dice già tutto) dobbiamo ricrederci perché non vi sono elementi che mancano alla loro proposta per essere inserita nella scena heavy. Anzi, ad essere onesti, vediamo i Sunterra di oggi proiettati davvero nel futuro perché il loro marchio di fabbrica diviene un miscuglio di metal industriale, materiale oscuro e decadente elargito a mani basse nonché effetti futuristici che ne conferiscono un fascino particolare. Prendete i Fear Factory ad esempio, quando ai tempi dei loro anni d’oro scardinarono le credenze del metal portandosi un decennio oltre la scena; ecco, questo potrebbe suscitare come effetto un brano dei Sunterra oggi. Ma per capire meglio il loro sound si dovrebbe scomodare l’attenzione sonora dei Daath, le influenze gotiche con doppia voce (maschile e femminile) della scena nord europea, un incedere lento, quasi doom, che talvolta prende il sopravvento ed effetti elettronici a iosa ma collocati con sapienza (quasi sempre).

Un incubo solo in apparenza concreto quello che viviamo ascoltando Reborn, un prodotto di metal sperimentale che passa dalla completa Lord Of Lies (che potrebbe piacere a chi mastica band come i My Dying Bride) ad un brano come This Is W.A.R. che mette in scena un “dance metal” dal sapore amaro durante i primi secondi e che farà storcere il naso (provocatoriamente) a più di un ascoltatore. Ma anche This Is W.A.R. ha un carattere e ad eccezione di queste trame “ballabili” (potremo dire oscene) presenta pattern più ispirati e sempre figli di una forma metal. La visione che i Sunterra hanno in Ministry Of Thoughts è quella che più ci convince: sembra un seme nero pronto a germogliare in un’epoca che di sicuro non è quella odierna ma quella futuristica di un avvenire non tanto vicino. Probabilmente chi non li comprenderà oggi dovrà tornare sulle proprie posizioni tra qualche lustro, quando ci sarà un nome (esempio “cyber-metal”) per definire il genere che i Sunterra, si dirà, hanno creato anni or sono. Avveniristici.

Danzig – 6:66 Satan’s Child

Glenn Danzig è come uno stilista. Lui non ha bisogno di seguire le mode del momento perché è lui a crearle. Con in testa lo svolgimento del suo progetto creativo ha portato avanti la sua idea fin dal tempo dei Misfits senza farsi trascinare dalle correnti e senza subire alcuna influenza esterna. Non che lo stile o persino il genere siano rimasti uguali negli anni ma l’impronta è rimasta la stessa creando un marchio unico che, come per le migliori firme dell’alta moda, si può riconoscere al primo sguardo o, per meglio dire, al primo ascolto. Questo sesto disco ne è la prova: persino il neofita più sprovveduto vi farà il suo nome dopo i secondi iniziali della prima traccia. Ma non fraintendetemi, come le nuove collezioni presentate in passerella sono ogni anno diverse da quelle precedenti, così gli album dei Danzig si evolvono sempre in un continuo mutamento pur rimanendo miracolosamente fedeli a se stessi. Potrebbe sembrare un controsenso ma non lo è. Basta guardare al deciso contributo che l’ingresso di un nuovo chitarrista e di un nuovo bassista ha dato al rimodernamento del sound di questo disco, contribuendo a rafforzare l’impatto e l’immediatezza dell’intero lavoro.

Un enorme passo avanti è stato compiuto anche sul fronte della produzione che si avvale, per la prima volta nella discografia della band, di tecnologie digitali per la registrazione con massimo beneficio sul fronte della chiarezza e della comprensibilità e scongiurando al contempo quello che era stato il punto debole del precedente capitolo, ovvero la confusione generata dalla sovrapposizione dei tanti arrangiamenti e campionamenti sintetici. Il disco continua infatti sulla via di un industrial metal oscuro e malvagio evolvendo il discorso stilistico del precedente album con atmosfere solo un po’ più dilatate e riff più taglienti e rocciosi. Vengono riprese invece in toto le tematiche dei testi coerentemente incentrate sul male, la morte e il dolore e, ovviamente, l’immancabile satanismo già preannunciato dal titolo. Niente stravolgimenti ma massima coerenza quindi nel percorso creativo di una band che continua a raccogliere molto meno di quel che meriterebbe nonostante questo sesto disco sia addirittura migliore del predecessore (e non di poco).

Nella moda, finché c’è ispirazione, si possono influenzare generazioni intere pur essendo veramente capiti e apprezzati solo da una minoranza. E’ così anche per il metal che ha trovato in Glenn un grande interprete…praticamente uno stilista.

Danzig – Blackacidevil

Due anni dopo l’ottimo IV Glenn Danzig, nel suo continuo e incessante bisogno di sperimentazione, decise di allargare ulteriormente i suoi orizzonti e di rivoluzionare la proposta musicale della band. Vi dico fin da subito che la sterzata fu tanto brusca da far storcere il naso persino ai più accaniti fan della prima ora e per di più, sfortunatamente, non raccolse consensi tali da apportare sufficiente linfa nelle fila degli estimatori del gruppo che, di conseguenza, si assottigliarono. Non aiutò il fatto che la formazione venne stravolta, lasciando a casa anche il formidabile e mai abbastanza rimpianto John Christ, cosicché rimase il solo leader fondatore tra i superstiti della compagine che aveva rastrellato tanti successi in passato. Ma sia ben chiaro: non è che Blackacidevil sia un album così pessimo, anzi, è solo che nel 1996 il mondo forse non era sufficientemente pronto per un industrial rock così violento, lancinante, oscuro e per di più contaminato da controverse e anticonvenzionali tematiche sataniche. Bisogna capire che Glenn è sempre stato, era ed è quello che oggi chiamiamo “trend-setter” ovvero, in pratica, un precursore destinato ad essere capito solo dai più illuminati, criticato da tutti gli altri ma comunque seguito quando non addirittura copiato. Ve lo dimostra il fatto che questo album suona piuttosto moderno persino a vent’anni dalla pubblicazione.

Certo, la produzione alle orecchie di oggi suona un po’ troppo confusionaria e rugginosa ma è comunque riconoscibilissimo il seme che è poi germogliato in tanti altri gruppi magari ancora in circolazione. Quando vide la luce questo rock ultra-sintetico, pesantemente industrial e sofferente all’inverosimile dovette sembrare addirittura alieno ma questa era esattamente l’intenzione del gruppo che così facendo stupiva ancora una volta per originalità, carattere e…coraggio. Glenn dichiarò che il disco suonava esattamente come lui lo aveva voluto e questo mise fine a tutte le discussioni con la casa discografica e oggi sappiamo chi aveva ragione. Detto questo Blackacidevil resta un album difficile da digerire soprattutto per le sue tematiche, pesante nei suoi suoni elettronici, ostico nella sua psichedelia, opprimente nelle sue atmosfere quasi surreali nonché terribilmente complicato da comprendere.

Oltre tutto scivola nelle orecchie dell’ascoltatore come fosse carta vetrata perciò è adatto solo agli amanti del genere più angosciati o a quelli a cui piace essere tormentati. A tutti gli altri rockettari resta da apprezzare questo lavoro per il suo valore storico come avanguardia che ha influenzato centinaia di gruppi e ancora non ha finito di lasciare la sua impronta sulle nuove proposte. Che altro dirvi: un ascolto è d’obbligo… ma due sarebbero meglio.

Deviate Damaen – Retro Marsch Kiss

Band storica e attiva da anni ormai nell’underground musicale italico, i Deviate Damaen (che si chiamavano Deviate Ladies fino al 1998, per chi se li ricorda con questo nome ai tempi delle riviste di settore cartacee) sono un gruppo molto poco politicamente corretto e parecchio irriverente. Per chi non lo sapesse il loro esordio ufficiale, Religious As Our Methods del 1997, uscì in dolby surround e conteneva una confessione tra un prete che non sapeva di essere registrato ed un membro della band. Il tutto verteva sul rapporto tra incesto e sacrilegio. Già da questo si capisce che i Nostri sicuramente non si risparmiano su punti di vista e sperimentazioni non allineate al pensiero comune. C’è da dire che il nuovo album, uscito dopo sette anni di lavorazione e intitolato Retro Marsch Kiss, non si risparmia su pensieri che susciterebbero più di una polemica per le idee ed i punti di vista espressi. Ma noi non siamo qui a discutere di questo ma ad analizzare l’album in sé stesso, dal punto di vista meramente musicale. Gli stomaci deboli, i politicamente corretti nel pensiero e chi non sopporta le sperimentazioni può benissimo tenersi lontano da Retro Marsch Kiss.

Un doppio album che vede nel primo CD molte parti narrate ed atmosferiche, con presenza di rumorismi e moltissima noise. Più teatrale che musicale, con vari sprazzi che citano mostri sacri della letteratura italiana (Pascoli, Manzoni, Foscolo) e della classicità. Il secondo CD, invece, riteniamo sia molto più interessante sotto ogni punto di vista. Sperimentazioni, industrial, noise, avanguardia… c’è di tutto e di più. Si apre con Basta Non Basta lunga canzone aperta da telefonate vere ad ignare persone che si incazzano da morire davanti alle pressanti richieste di quello che sembra un disco automatico rotto ma che in realtà è Emilia, definita nel libretto del CD “tossitrice telefonica”. Il Valzer Del Retrogrado è invece un pezzo che sembra uscire da un grammofono degli anni ’30 e che, ancora una volta, affronta temi scottanti e non allineati. Tutto il secondo CD è un’aperta provocazione, in un miscuglio di suoni e registrazioni, sovra incisioni che mettono in luce molto bene l’ecletticità del progetto e le soluzioni originali che la band porta in seno. Basti pensare che, leggendo il libretto, viene spiegato che “…Lo sfondo sonoro che incombe su tutta la durata di Elektr’n’Culo Pasquinata è stato realizzato inserendo un microfono a spirale nel culo del leader della band e schiacciando REC sul suo minidisk”.

Retro Marsch Kiss è in distribuzione esclusiva presso Mariposa Duomo, storico negozio musicale milanese, ad un prezzo politico deciso dalla band in accordo con i proprietari del negozio. Se avete lo stomaco debole e non vi piacciono le sperimentazioni, non è il disco che fa per voi. Chi invece è curioso o vuole apprezzare un buon prodotto, potrà trovare molto di cui ascoltare.

A2aThoT – Gestalt

Necessita di parecchi ascolti questo Gestalt della one man band A2aThoT per essere apprezzato come merita. Difficile da digerire, soffocante, ruvido. In passato l’avrei stroncato senza farmi troppi problemi; invece, piano piano, è riuscito a catturare la mia attenzione, sollecitando le corde più sensibili, approfittando di particolari stati d’animo e momenti (la notte, l’ansia). La seconda parte del disco, nettamente più sperimentale, psichedelica e spettrale, si fa preferire alla prima, esageratamente cancerogena. Registrato un paio d’anni fa esce ora sotto promozione della Buil2Kill Records dopo il remastering a cura di Tommy Talamanca ai Nadir Studios di Genova. Dopo un Intro rumorista, si passa a Wrong Way, distorsioni (appositamente?) casalinghe, antimelodie esasperate, un ritornello che ricorda alla lontana alcuni lavori di Paul Chain, e questa sensazione costantemente incombente di fine del mondo che non ti molla un secondo. Hic Et Nunc è lontana, accompagnata da un loop circolare e maniacale, aggiunge un voce quasi sussurrata alla chitarra, ancora più malsana nella distorsione.

Is This Brutal?, che sembra quasi doom nell’incedere cadenzato e regolato da un riff e da un basso finalmente presente, cede il passo a Cutting Knives, che apre a scenari più space oriented, ricordandomi alla lontana gli ancestrali Therghoton e Neptune Towers, con i suoi riff pesantissimi alla Toni Iommi che sfondano le casse. Hiding In A Glass House resta su tempi slow motion e ricorda certe produzioni Neurosis o i primi Scorn, così come Maybe It’s Not Up To Us, nel suo incidere semi industrial. Concludono il lavoro (M)e Blanket, complessivamente quasi venti minuti in cui A2aThoT sperimenta qualcosa di diverso, abbandonando completamente le distorsioni ed avventurandosi in un minimal sound pregevole. Direi che è sicuramente questa la strada da perseguire in futuro, magari affidando le parti vocali ad un perfomer di maggior impatto.