B-SIDE L’altro lato delle canzoni

Se la musica è l’espressione della voce dell’anima qui, in B-SIDE L’altro lato delle canzoni, c’è tutta l’essenza di una scrittrice che ha voluto trasmettere il suo pensiero per capire più a fondo di che musica viviamo. B-SIDE L’altro lato delle canzoni è un viaggio nel cuore della musica, un viaggio fatto di storie che nascono tra le parole delle canzoni e poi crescono aprendosi alla fantasia. La prima parte di questo itinerario che si apre all’autunno porta con sé colori che infiammano come i brani del rock alternativo italiano rappresentato da band come gli Afterhours, i Marlene Kuntz o i Verdena. Un libro che porta alla scoperta di un mondo dove le visioni sono quelle che si hanno ascoltando il rock alternativo di casa nostra, quello che non ha da invidiare nulla a nessuno. In questo volume la Tozzi riesce nel suo intento di dare forma alle canzoni intraprendendo un viaggio verso quel fantastico mondo che viene cantato e che, spesso, si ascolta con disattenzione, ma che qui la scrittrice riveste dei colori dell’autunno; ed è così che i pezzi di tante nostrane band prendono forma e sostanza nel rispetto degli artisti stessi e del messaggio che hanno voluto farci giungere.

Tutto parte da un muoversi tra le pagine musicali dell’underground nostrano, quelle che poi nell’ultimo decennio hanno un po’ dettato la linea di questo filone che sempre più ha preso piede rispetto ad altri generi. E l’autrice dà una sua chiave di lettura a tutto quanto è rappresentato nel volume con un piglio analitico che porta davvero lontano. B-SIDE è un racconto di sogni, di resistenza, di poesia, racconti che si fanno storia grazie alla penna della Tozzi, una penna che con lo stesso piglio sa parlare di vita, morte, musica, amicizia, tutti valori oggi ormai desueti – tranne il primo – e che hanno ispirato di certo la scrittrice. Il suo è un viaggio che coinvolge, un viaggio che sa essere essenza ed essenziale come lo è la musica, in fondo. Si, perché se la musica è l’espressione della voce dell’anima qui, in B-SIDE L’altro lato delle canzoni, c’è tutta l’essenza di una scrittrice che ha voluto trasmettere il suo pensiero per capire più a fondo di che musica viviamo. E così Il Mare Davanti dei Fast Animals And Slow Kids diventa il fiume che guarda l’umanità allontanarsi sempre più da lui, Quello Che Non C’è degli Afterhours, che nel libro è un bambino poi diventato adulto, meglio, donna, attraversa il suo intimo nel confronto con la famiglia che non lo comprende; e poi Inno Del Perdersi dei Verdena che parla di depressione e La Lira Di Narciso che affronta con la maestria dei Marlene Kuntz il tema dell’omosessualità ed ancora, i Massimo Volume, Le Luci Della Centrale Elettrica, i CCCP, un vero e proprio spaccato di quel rock alternativo che ha lasciato il segno in tutto il rock tricolore.

Un libro, quello di Doriana Tozzi, che è la prima parte di un viaggio destinato a continuare, così come le stagioni alle quali, la stessa Tozzi ha voluto abbinare questa sua prima creatura letterario-musicale qui rappresentata da un caldo e forse, meno triste autunno.

Massimo Riva vive!

Chiedi chi era Massimo Riva. Ma, soprattutto, rivolgiti a chi lo ha conosciuto ed amato, con tutti i suoi pregi e difetti, in modo viscerale. Chi, dunque, meglio di sua sorella Claudia, poteva narrare l’iter umano e artistico (breve, purtroppo) dello storico chitarrista di Vasco? Ed ecco qui, nero su bianco, il racconto su tutta, ma proprio tutta, la storia del “folletto rock italiano” per antonomasia, scritta da Claudia (classe 1974, ultimogenita dei tre fratelli Riva, Giuliano e appunto Massimo) e dal giornalista musicale Massimo Poggini. Edita da Baldini+Castoldi, la biografia Massimo Riva vive! (269 pagine, 19,50 euro) rende omaggio, con cura e delicatezza, al musicista emiliano scomparso in modo prematuro a 36 anni. Era 31 maggio del 1999. La scomparsa di Riva – che Vasco ricorda sempre “come il mio fratello minore. Sul palco era il mio Keith Richards” – non ha destato il richiamo mediatico che avrebbe meritato. Ma lo stesso Massimo, poco incline all’apparenza e molto alla sostanza, non crediamo se la sia presa.

Amico, fratello minore e spalla del “Vasco nazionale” (che da quell’ultimo giorno di maggio di venti anni fa non è mai salito sul palco senza ricordarlo), Massimo “ha avuto la bravura di guadagnarsi il diritto di rompere gli schemi, e li ha rotti. Non si è mai accontentato di quello che aveva, ma voleva seguire quella voglia che gli mangiava lo stomaco tutti i giorni”. Divertente e divertito, dal forte spirito provocatorio (“pazienza se ogni tanto ne combinava una un po’ più grossa del solito”), Massimo non è stato “semplicemente” il chitarrista della più grande rockstar italiana. Certo, questa rappresenta la sua esperienza professionale più importante, ma il Nostro non si è mai fermato, tentando anche l’avventura solista, prima con la Steve Rogers Band (cinque gli album pubblicati in studio dal gruppo), poi da solista. Senza dimenticare le collaborazioni con Enrico Ruggeri ed Elio e le Storie Tese (solo per fare due esempi): nel libro ci sono anche le loro testimonianze, al pari di quelle dei musicisti che hanno collaborato con Massimo e di chi lo ha conosciuto a fondo. “Magro come un chiodo, i capelli lunghi, le magliette strappate, lo sguardo spiritato, quel sorriso beffardo, birra in mano e sigaretta tra le labbra”.

La sinossi di Massimo Riva vive! riporta l’identikit di un musicista libero, che ha sempre vissuto al massimo (si perdoni il gioco di parole). Una biografia sincera e (a tratti) dura, quella scritta da Claudia Riva per ricordare il fratello (online c’è anche una curata pagina Facebook massimorivaofficialpage), ripercorrendone tutta la vita (“in paese si vociferava che fosse un bambino strano, solitario, che non andava all’asilo, che quando era a casa amava fare soprattutto una cosa, voleva fare sempre quella: ascoltare la musica”). Scrive ancora l’autrice: “La mattina del 1° giugno 1999, all’età di 25 anni, mi svegliai con una telefonata a cui non risposi e mi alzai dal letto con un messaggio sparato a viva voce dalla mia segreteria telefonica. Era Stefano Bittelli che mi diceva che Massimo non si era presentato alle prove, che non rispondeva né al telefono né al cellulare, Mi vestii con la consapevolezza che mio fratello fosse morto”.

Ciò nonostante, questo intenso racconto, ricco di aneddoti e di un’evocativa gallery fotografica, è – soprattutto – “altro”, e rende tributo ad un artista leggero, in tutti i sensi. Leggendolo si ride, si piange. E si ricorda Massimo, dolce ed inquieta anima rock.

Gli Incroci del Rock – I grandi gruppi degli anni Settanta

Pubblicato lo scorso maggio per conto di Arcana Edizioni, il nuovo libro di Giuseppe Scaravilli è quasi un viaggio musicale che attraversando i territori del rock, e non solo quelli, racconta di un’epopea a cui si guarderà sempre con molto interesse. Scaravilli, ancora una volta, abbandona la sua veste di musicista per diventare ricercatore e narratore degli anni Settanta attraverso le grandi band del periodo. Un libro da acquistare, leggere e consultare sempre. Giuseppe Scaravilli amplia la sua attività di musicista dei Malibran, progressive band tricolore formatasi nell’estate del 1987 e che hanno fatto del rock progressivo una sorta di vestito elegante con il quale si presentano al pubblico, anche come scrittore. E se i Malibran con la loro musica richiamano immediatamente alla mente il classicismo e l’enfasi di una rock music senza fronzoli, che diventa ancor più spettacolare durante e loro esibizioni, Scaravilli non dedica il suo tempo solo ed esclusivamente alla musica ed alla band; infatti, la sua passione lo porta a realizzare degli ottimi scritti che sono una vera e propria fonte inesauribile di informazioni per gli amanti del genere. Dopo aver pubblicato nel 2018 Jethro Tull 1968-1978 – The Golden Years per conto di Europa Edizioni, preceduto dall’interessante Crossroads, gli incroci del Rock (Passim Editore 2017) ora Scaravilli si cimenta con un nuovo ed interessantissimo libro, Gli Incroci Del Rock – I Gruppi Degli Anni Settanta edito da Arcana Edizioni nel quale l’autore ripercorre, e nemmeno a grandi linee ma con dovizia di particolari, quella che in molti di noi considerano come il periodo più fulgido per il rock, gli anni Settanta.

E così grandi band come i Led Zeppelin, Balck Sabbath, Deep Purple, King Crimson, gli stessi Malibran, i Jethro Tull, il Banco, i V.D.G.G., la P.F.M., Area, Pink Floyd, trovano il giusto spazio in questo racconto di gruppi che, come scrive lo stesso autore nella prefazione al volume, analizza dettagliatamente ogni band unendo alla narrazione anche interessanti aneddoti poco conosciuti. A completare il tutto una serie di immagini, restaurate in prima persona dallo stesso autore che confermano poi quanto sagacemente viene raccontato nel libro. E non mancano i resoconti degli eventi che hanno caratterizzato quegli anni come i grandi festival e le contestazioni per la musica “gratis” oggi più che mai….un sogno. Altro passaggio che non va dimenticato è che Gli Incroci Del Rock – I Gruppi Degli Anni Settanta si chiude con uno sguardo approfondito sul festival di Woodstock del quale, quest’anno, abbiamo avuto modo di ammirare gli scatti fotografici originali al Medimex di Taranto.

Insomma un libro che non può mancare nelle biblioteche dei musicofili rock e che aiuta a capire meglio quello che i “famosi” anni Settanta hanno rappresentato per tanti come noi. E vero, gli anni son passati, e molti da quel periodo, ma la grande musica rock non muore…mai!

Serving the Servant, ricordando Kurt Cobain

Quando Kurt Cobain si suicidò, il 5 aprile 1994 (ma il suo cadavere venne rinvenuto tre giorni dopo) avevo 15 anni. Dodici in meno di lui. Con Cobain se ne andò anche un pezzo di infanzia. Non solo la mia, considerando – sempre in senso stretto – che al liceo avevo più di un amico che ascoltava (e suonava) i Nirvana. “È meglio bruciare in fretta che spegnersi lentamente”. Venticinque anni dopo mi imbatto in rete nel libro Serving the Servant, ricordando Kurt Cobain (HarperCollins, 328 pagine, 19 euro, traduzione di Alessandra Rotilio) e leggendo la preview ciò che mi colpisce è la firma dell’autore – Danny Goldberg, oggi presidente e proprietario dell’agenzia di management artistico Gold Village Entertainment – che all’inizio del 1991, nel ruolo di manager musicale accolse nella sua scuderia i Nirvana, una nuova band acclamata dall’intera scena musicale underground di Seattle, lavorando con il gruppo fino al 1994. Anni fondamentali questi, che videro il successo planetario di Nevermind (pubblicato il 24 settembre 1991 dalla Geffen Records), disco intriso di canzoni intramontabili (da Smells Like Teen Spirit a Come As You Are, da Breed a In Bloom a Lithium) dove Cobain (voce e chitarra), Chris Novoselic (basso e voce) e David Grohl (batteria, percussioni e voce) toccarono vette irraggiungibili, diventando la rock band di maggior successo al mondo (“Attento a ciò che desideri” è il titolo del capitolo dedicato).

Ma questi sono anche gli anni dell’incontro e delle nozze di Cobain con l’estrosa e volubile Courtney Love (non male il suo percorso artistico con gli Hole), della nascita della loro figlia, Frances Bean (oggi 27enne), della lotta – di dominio pubblico – contro la dipendenza. Un combattimento giunto al capolinea, purtroppo, con il suicidio. Per tutto il tempo, Goldberg, manager e amico intimo di Cobain, si schierò al suo fianco, come si evince anche dall’introduzione di Serving the Servant (il titolo riprende quello del brano Serve the Servants, che apre il terzo disco in studio dei Nirvana, In Utero, pubblicato nel 1993): “Nonostante lo squallore dei momenti più bui della sua vita e la grottesca realtà della sua morte, ho una visione per lo più romantica del lato creativo e idealista di Kurt”. Così, attingendo ai ricordi personali dell’autore, a documenti inediti, ad interviste con familiari (inclusa Courtney Love), amici nonché compagni di Cobain (c’è anche il contributo di Novoselic), il volume vira l’attenzione del lettore sul genio, la compassione, l’ambizione e l’eredità (ancora non raccolta) di Cobain, evitando di indugiare – si legge nella presentazione – “sulla comune ossessione per l’angoscia e la depressione che apparentemente guidavano Kurt”.

Dunque un volume dove, al centro di tutto, ci sono l’artista e l’impatto che ha avuto sulla musica di ieri e di oggi. Un uomo “che considerava ogni aspetto della sua vita, pubblica: ogni performance dal vivo, ogni intervista, ogni singola fotografia. Malgrado diffidasse della fama, era in grado di servirsene in maniera molto efficace”, spiega ancora Goldberg. Certo, Cobain era e rimarrà un mito indimenticabile (“75 milioni di dischi, 27 anni di vita, idolo di due generazioni, icona di un’epoca”, riporta la quarta di copertina) – chissà oggi, nell’epoca dei social network, quale sarebbe il suo pensiero – ma Serving the Servant viaggia molto più in alto. Meglio, in profondità, attraverso l’approccio più veritiero e senza fare sconti. “Non tutti gli aspetti della sua eredità sono così teneri”, evidenzia l’autore. Aggiungendo: “Dopo la sua morte in molti mi hanno chiesto chi fosse davvero Kurt. A volte non potevo fare altro che guardarlo attraverso un vetro oscurato dietro al quale alcuni suoi aspetti rimanevano inaccessibili”.

Suicide, Dream Baby Dream

Sconvolgere, rivoluzione. Quante volte questi termini, negli ultimi 25 anni, sono stati usati ed abusati nel mondo musicale per spingere un mercato fiaccato da molteplici eventi e varianti. Nella maggior parte dei casi, queste definizioni erano (e sono) emerite stronzate pronunciate da un marketing furbo per acchiappare gonzi che hanno un background musicale più piatto della Terra come la intendono i terrapiattisti. Per i Suicide, invece, il verbo sconvolgere è non solo azzeccato, ma può essere considerato o trademark o sinonimo del duo. Il contesto storico in cui Alan Vega e Martin Rev dettero vita alla loro proposta musicale era la New York negli anni 60-70, uno dei posti peggiori in cui vivere nel mondo occidentale. Dimenticate la città attuale e cercate alcune foto del Lower East Side di quegli anni per capire di cosa si stia parlando. E fare breccia in certe pellacce dure di quel posto, abituate al peggio del peggio, in tempi in cui dominavano prima il jazz, seguito poi dall’esplosione dalla disco music e successivamente dalla nascente ondata punk che tutto travolse nel mitico CBGB, non era esattamente facile.

Eppure quei due, con un Vega che sul palco combinava di tutto e teneva la scena da solo, mentre il fido Rev tesseva trame incontrollabili sul suo organo distorto ed una drum machine da quattro soldi impassibile dietro i suoi occhiali da sole giganti, riuscirono ad essere amati da pochi e odiati da tutti. Persino da quei punk che dicevano che la musica commerciale andava combattuta, da quelli che sopportavano le ondate sonore di Velvet Underground e degli Stooges, che quando i Suicide facevano da opening act scagliavano di tutto sul palco, scatenando ancora di più le provocazioni di Alan Vega che aizzava la folla senza scappare (l’episodio dell’ascia scagliata sul palco durante la data europea all’Apollo di Glasgow di supporto ai Clash dovrebbe essere uno dei momenti nella top ten della storia del rock’n’roll). E sempre quei due, senza guadagnare un soldo, trovando pochissime date per esibirsi, hanno avuto una influenza epocale su moltissimi artisti. Non c’è nulla da obiettare su questo e sono fatti che ormai la storia ha confermato ampiamente. Ed è anche qui che il verbo “sconvolgere” trova ancora la sua simbiosi perfetta con i Suicide: musica rivoluzionaria, poche vendite, eppure una influenza enorme su chi verrà dopo di loro. Citati (e coverizzati) da Bruce Springsteen, The Cars, Billy Idol, Sigue Sigue Sputnik. Voluti fortemente come opener dagli stessi Clash, tanto per fare capire quanto siano monumentali questi due personaggi.

Le voci raccolte in questo magnifico libro dal giornalista inglese Kris Needs e pubblicato da Goodfellas in Italia (finalmente, osiamo dire!) narrano e raccontano questa epica storia, di cui la nostra amata musica vede rarissime pagine. Il tutto è ottimamente contestualizzato nei tempi in cui questo affascinante percorso artistico si è svolto, approfondito in maniera maniacale e assolutamente minuziosa, facendo completamente immergere il lettore nel tempo che fu, avendo il pregio di coinvolgerlo completamente, tanto da far sembrare di essere lì sul posto. In più, le digressioni che vengono fatte su altri innumerevoli artisti citati, offrono spunti di ascolto da sfruttare appieno. Leggetelo, leggetelo, leggetelo. Assolutamente fondamentale.

Cantanti, Musicisti e Rock Band – I 100 film più belli

Ok sarò scontato: cinema e musica hanno sempre avuto un forte legame. Quanti film ci ricordiamo, magari solo pensando alla colonna sonora? E quante colonne sonore hanno ricevuto i più importanti riconoscimenti? Pensiamo a Ennio Morricone nei western movie di Sergio Leone o a Beethoven in Arancia Meccanicadi Stanley Kubrick. Di esempi possiamo trovarne a centinaia. Ignazio Senatore, psichiatra, psicoterapeuta e critico cinematografico, con alle spalle numerose pubblicazioni su attori e registi, ha realizzato un libro, intitolato Cantanti, musicisti e rock band – i 100 film più belli, pubblicato tramite Arcana, il cui intento è proprio quello di raccontare quanto la musica sia stata importante per il cinema e viceversa. Il libro racchiude 100 schede di film musicali, accompagnate dalla trama, da alcuni dialoghi significativi presenti nella pellicola, e soprattutto da un dettagliato elenco dei brani che ne fanno parte.

L’autore non fa distinzione di generi; l’approccio verso l’idea è a 360°, senza alcuna distinzione, parlando di rock, di musica classica, di punk, di jazz, senza cadere nel solito snobismo che spesso accompagna questo genere di opere. Sono dunque trattati sia le monografie (tra i tanti vengono citati Elvis Presley, Sid Vicious dei Sex Pistols, Ian Curtis dei Joy Division) ma anche i “musicarelli” nostrani con Little Tony o Gianni Morandi. Il libro è indubbiamente di forte interesse, in particolare per gli amanti di queste due forme d’arte, a maggior ragione per chi le ama alla stessa maniera. Seppur all’apparenza possa sembrare troppo didascalico non vengono tralasciati aneddoti o particolari; le schede si legano in maniera omogenea l’una con l’altra creando una giusta scorrevolezza nella lettura. Non resta altro che consigliare questo libro, lasciandovi con una chiosa dell’autore: “…brani che non solo hanno segnato la storia della musica…ma hanno contribuito a cambiare gusti e costumi di una società in continua evoluzione”.

Death In June. Nascosto tra le rune

I Death In June(nonostante il plurale sia alquanto improprio, trattandosi essenzialmente di una one man band ormai da svariati anni) sono quelle creature atipiche che il mondo del rock partorisce nel suo sottobosco, che acquistano lo status di cult e che vanno avanti indefesse nell’underground per decenni, supportate da uno zoccolo duro di fan storici e dalle nuove generazioni che, entrate al fianco di questi, continuano ad alimentare il mito. Douglas Pearce è il mentore ed il creatore di questo particolarissimo progetto che lo vede solitario dal 1985 in poi. Aldo Chimenti ne scrive per Tsunami in Death In June. Nascosto Tra Le Rune dando voce diretta a Pearce ma non solo. Il cappello introduttivo che vede l’analisi della carriera pre Death In June del musicista è fondamentale per capire come l’inglese poi darà vita alla sua creatura e a tutta la poetica e le tematiche che creeranno l’universo attuale del progetto. Complicatissimo per i temi affrontati, per l’iconografia con cui si presenta e con cui accompagna i suoi album, per il modo di presentarsi sul palco. E’ per questo che la voce diretta del musicista è importantissima e svolge una parte rilevante del libro.

Ma non solamente. I testi di ogni album vengono eviscerati a fondo dall’autore che narra anche le esperienze in prima persona vissute durante i live. La parte che ha creato più controversie a Pearce è proprio quella iconografica: tacciato di fascismo da più parti in tutto il mondo, il musicista in realtà usa simboli controversi partendo da altre matrici culturali rispetto a quelle che i suoi contestatori gli rinfacciano da sempre e nel libro tutto ciò viene spiegato molto bene, ripetuto più volte per ricordare al lettore i motivi di certe scelte che fanno emergere quanto la società odierna si fermi solamente ad una questione visiva, senza approfondire troppo, ciò a cui si trova di fronte dando vita a sterili polemiche ed anche a marce inutili per avere forse la coscienza pulita e trovare un posto alla ribalta della notorietà passeggera e fulminea che venne predetta in maniera sorprendente da Andy Warhol.

Un libro che va a colmare un vuoto su uno degli artisti più importanti dell’underground rock moderno, di cui in Italia c’era assoluto bisogno, secondo il nostro parere, per un solo e semplice motivo: la conoscenza e l’approfondimento serio di correnti ed artisti poco conosciuti o non calcolati dai media. Da quando è esplosa in maniera molto evidente l’editoria musicale anche da noi (basti vedere gli scaffali di qualsiasi grande libreria da 20 anni a questa parte per accorgersi di come gli stand dedicati abbiano invaso sempre più consistenti spazi) le opere cartacee sui grandi nomi sono spuntate a bizzeffe. Tsunami, oltre che andare a coprire un vasto settore che altrimenti non avrebbe voce nella nostra penisola (il metal in tutte le sue svariate correnti), ha dato alle stampe anche opere come questo libro che soddisfano i lettori con palati fini e finissimi, affrontando anche temi scottanti e dando voce ad artisti cosiddetti “di nicchia”.

Il libro ha avuto tre edizioni, le prime due in 1000 copie con CD in allegato. La terza edizione del 2012 è una ristampa in un numero limitato di 299 copie.

The Who. A little million memories. Ricordi di una rock’n’roll band

Se si vuole conoscere un po’ della storia del rock, passare attraverso i lavori degli Who e da questo libro è assolutamente necessario, anche per tutto il materiale inedito in esso contenuto. Gli Who sono da sempre considerati tra le band più influenti nella storia della musica rock grazie anche al loro approccio di natura progressive ai suoni, quasi sempre aggrediti con maestrìa. Basti a ciò pensare ad opere musicali mastodontiche come lo sono state Tommy e Quadrphenia che hanno contribuito ad aprire nuove strade sulle quali si sono cimentati artisti come David Bowie con il suo The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, i Genesis con The Lamb Lies Down On Broadway ed ancora The Wall dei Pink Floyd o Thick As A Brick dei Jethro Tull. Ma sono stati anche gli ispiratori e la maggiore influenza per band come i Jam così come il suono, in particolare nella forma live, ha influenzato band come i Green Day ed altre ancora. La loro produzione musicale parte nel 1965 con The Who Sings My Generation e giunge al 2006 con Endless Wire ai quali si aggiungono tanti lavori solisti da parte dei vari membri che nel tempo si sono succeduti nella band di Pete Dennis Blandford “Pete” Townshend . Ma il loro maggior successo, quello che fece davvero esplodere tutta la gioventù inglese del tempo, fu quel My Generation un pezzo dove la band, rappresentando tutto il movimento mood del periodo, sfoga tutta la rabbia contro gli adulti in un modo davvero epocale fotografando così quella che era la loro attività musicale all’inizio della carriera.

Gli Who, per fortuna dei pochi che hanno avuto il modo di vedere uno dei loro concerti, hanno toccato il nostro Paese nel lontano 1967 con i concerti tenuti a Torino, Bologna, Milano e Roma, nel 1972 con il bellissimo tour di Who’s Next, e nel 2012 con il tour dedicato a Tommy, l’opera rock per eccellenza. E così ci sono stati anche scrittori che hanno voluto approfondire i vari lati di questa poliedrica band, tirando fuori dal cilindro libri come The Who. Pure And Easy. Testi Commentati di Eleonora Bagarotti pubblicato nel 2015 o The Who E Roger Daltrey In Italia del 2016, a cura di Antonio Pellegrini. Ora, a distanza di tanto tempo gli Who tornano ad essere oggetto di analisi grazie al bel volume, edito da Arcana Edizioni, pubblicato nel 2018 e scritto da Edoardo Genzolini, The Who. A little million memories. Ricordi di una rock’n’roll band che con un’analisi ed un approfondimento non usuale analizza quello che è il periodo di maggior crescita artistica della band londinese, quello compreso tra il 1967 ed il 1974, passando attraverso i vagiti della prima formazione, Hight Numbers, la morte di Keith Moon il grande batterista deceduto a Londra il 7 settembre del 1978.

Il volume, che va letto attentamente anche per capirne i risvolti storici dei movimenti londinesi che si andarono man mano sviluppando intorno al mondo degli Who, è composto da materiale inedito, scatti fotografici unici, pagine di diari privati e racconti di giornate passate in compagnia della band. Tutto ciò comunque è raccontato attraverso episodi unici di particolare interesse come la loro partecipazione al famoso concerto che aprì un’epoca, quello di Woodstock, concerto tenuto insieme ad un’altra grande band come i Led Zeppelin, e tanto altro ancora. Quello che maggiormente risalta in questo libro è il racconto della loro grande disponibilità con i fan ai quali si sono rivolti sempre con rispetto ed affetto a differenza di altre gloriose band che il rapporto con i propri fan lo vivono distaccatamente. Per chi ha amato ed ama ancora gli Who, il libro di Genzolini The Who. A little million memories. Ricordi di una rock’n’roll band è da non perdere assolutamente, ma è anche un’interessante lavoro valido anche per coloro che gli Who non li hanno mai conosciuti o ascoltati. Se si vuole conoscere un po’ della storia del rock, passare attraverso i lavori degli Who e da questo libro è assolutamente necessario, anche per tutto il materiale inedito in esso contenuto. Chi non lo fa non sa cosa si perde. Buona lettura e buon ascolto.

Politics, la musica angloamericana nell’era di Trump e della Brexit

Gli appassionati di biografie musicali, magari più orientati a conoscere il cammino professionale e intimo (eccessi inclusi) dei propri beniamini, potrebbero trovarsi ben distanti da un saggio come questo. Ma con un pizzico di curiosità, accantonando per un attimo la tradizionale formula “sesso-droga-rock’n’roll” – oggi desueta – ecco che il volume Politics, la musica angloamericana nell’era di Trump e della Brexit scritto da Fernando Rennis diventa non solo una lettura interessante, ma quasi “necessaria” per capire meglio la capacità della musica di descrivere i mutamenti sociopolitici che attraversano un determinato periodo storico. Pubblicato da Arcana, Politics (266 pagine, 19,50 euro), la cui cover omaggia Banksy – una scelta questa particolarmente indicata, comunque la si pensi sullo street-artist di Bristol – affronta due eventi storici che hanno segnato, e continuano a farlo, le dinamiche sociali mondiali: l’elezione del Presidente degli Stati Uniti Donald Trump, candidato del Partito Repubblicano, e il referendum sulla Brexit, ovvero l’uscita del Regno Unito dalla Ue. Si tratta di due estremi che intersecano una serie di (ampie e complesse) problematiche legate alla questione razziale, al tema del gender nonché all’abuso di potere a sfondo misogino. E ancora, all’era della post-verità e alle risposte nei confronti degli attacchi terroristici internazionali.

Scrittore, musicista, conduttore radiofonico e autore per testate musicali su carta e online, Rennis cerca di analizzare il collegamento tra i fatti storici che stiamo vivendo da vicino – quasi in “loco”, considerando le opportunità offerte dalla rete – e una ricca e variegata produzione musicale che lega le due sponde dell’oceano Atlantico. Nell’introdurre Politics, il giornalista di Repubblica Ernesto Assante si domanda: “La musica è politica? Certamente sì, lo è sempre. Perché è legata a doppio filo alla nostra vita e alle nostre emozioni e, soprattutto, perché ogni volta che la ascoltiamo cambia la nostra vita, anche se solo per un paio di minuti”. Un passaggio importante del volume, è quando Rennis scrive che“a cambiare in questi anni così turbolenti non sono stati soltanto lo scenario politico e le modalità di fruizione della musica, è la musica stessa ad essere cambiata”. Niente di più vero. E in Politics l’autore approfondisce il tema di quella replica estetica e concettuale figlia di un passato “che va dalla controversa iconoclastia dei Sex Pistols alle ribellioni elettriche contro l’intervento in Vietnam di Jimi Hendrix, passando per le invettive politiche di Bob Dylan e le provocazioni anti-Thatcher degli Smiths”, riporta la quarta di copertina.

Ma chi sono, oggi, gli eredi di questa tradizione? Si tratta di artisti che “rivestono la canzone di protesta di nuovi significati, alla luce di un futuro che è già passato e diventa retromania, e cercano punti fermi per una società liquida segnata dalla crisi finanziaria del 2008”. Nomi e generi sono ovviamente citati nel testo, ma è bene che sia il lettore a scoprirli, anche andando oltre il “semplice” ascolto di una canzone, spesso fatto di sfuggita mentre lo passa la radio o una piattaforma. “Il mondo musicale angloamericano sta alimentando quotidianamente il dibattito sulle grandi questioni sociopolitiche con brani, album e dichiarazioni”, formalizza Rennis. Ed il confronto è più aperto e attuale che mai.

Hard Rock Emotions

Di libri sulla musica ne sono stati scritti a bizzeffe. Di quelli dedicati al rock ve ne sono a iosa; quelli che hanno trattato il beneamato hard’n’heavy forse sono ancor più numerosi. Eppure, ben pochi possono vantarsi di coinvolgere il lettore in un’avventura non alla portata (delle orecchie) di tutti: occorre una scrittura fluida, che appassioni chi legga e lo tenga incollato alla sedia durante la lettura, lo renda curioso di sapere cosa lo attende alla pagina successiva. Tutto questo lo riscontriamo, signore e signori, nel volume del nostro amico e connazionale (tra tanti luminari stranieri della penna…) Silvio Ricci: in un crescendo quasi “wagneriano” ci tuffa letteralmente tra i vortici di un genere musicale come detto non nelle corde di tutti, con semplicità quasi disarmante, da narratore consumato. Non limitandosi alla fredda esposizione di nomi, date ed album, l’autore si concede anche il lusso ( e la capacità) di restare asettico e coinvolto al tempo stesso nella narrazione di fatti probabilmente già noti in linea di massima (sempre per gli addetti ai lavori) ma aggiungendovi di suo la partecipazione emotiva durante lo snodarsi del racconto, rendendo chi legge perfettamente partecipe degli eventi, senza tediarlo con noiose e sterili classifiche all-time o best-of, come spesso capita di imbattersi in letture di critici musicali sulla carta ben più titolati.

Confessa, chi scrive, di essersi emozionato e anche commosso nel ripercorrere gli eventi felici e spesso tragici dei protagonisti del libro che l’autore elenca con intensa partecipazione, stringata e forse proprio per questo ancora più coinvolgente, tale da indurre chi legga ad approfondire quanto appena appreso. Non è da tutti, lo si diceva, riuscire ad accalappiare l’attenzione al proprio scritto, specie quando trattasi di argomenti “scabrosi” come il variegato mondo a cilindrata rockeggiante; correndo il rischio di apparire pedante, chi si occupa di tal genere deve tener sempre ben a mente che la linea di demarcazione tra l’esaltazione ottusa e la stroncatura altrettanto evidente è molto sottile. Non è incorso certamente in questo equivoco il Nostro, che con perizia e partecipazione onesta, semplice e diretta, riesce a far in modo che chi legge alla fine del libro non abbia perso la memoria di ciò che ha appena catturato la sua attenzione, inducendolo probabilmente anche ad effettuare riflessioni personali su quel che ha letto e stimolandolo quindi a formarsi delle conseguenziali opinioni in merito, specie se si trattasse di giovani che per la prima volta decidano di accostarsi ad un universo (quello hard rock e dintorni) composito ed ammaliante.

Ben vengano, dunque, autori come il Nostro che, con onestà intellettuale non lesina usare il bastone e la carota alla bisogna, ma senza mai allontanarsi dalle linee guida che un buon scrittore deve sempre rammentare: una completa visione disincantata delle cose per ottenere una migliore ricapitolazione del tutto. Ed è ciò che, fortunatamente, ha compiuto Silvio Ricci nell’elaborazione del suo lavoro tipografico, riuscendo a cogliere l’essenza della sua coinvolgente cavalcata musicale, che di certo resta stampata nella mente (oltre che nel cuore) di chi ha letto questo bel volume.