Neo Prog, storia e discografia essenziale. Il nuovo libro di Massimo Salari

Dalle band storiche come i britannici Pendragon ai Marillion dell’ex Fish, dalle origini del prog al ruolo giocato dai nostri gruppi per la crescita di un genere unico, non derivato ma concepito, e che va sotto il nome di neo prog. Da dischi che hanno fatto la storia come The Sentinel dei Pallas alle band sparse in tutto il mondo, dalle contaminazioni del primordiale genere fino ai nostri gruppi come Le Orme o la Premiata Forneria Marconi che hanno contribuito, e molto, nel nostro paese a far germogliare e crescere tale genere. Ecco, tutto ciò lo si trova nello splendido libro che un’instancabile Massimo Salari ha recentemente dato alle stampe per la Arcana Edizioni. Un libro entusiasmante e trascinante dal quale escono non solo parole e descrizioni, ma anche suoni perché, leggendolo, si ha come l’impressione di ascoltare tutti quei dischi che compongono le varie discografie descritte e riportate.

Un lavoro capillare e ben fatto, un libro che per gli appassionati diventa un vero e proprio viaggio per l’intero globo, un viaggio fatto quasi a voler aggirare i problemi di questo tempo perché, se non è possibile viaggiare con i mezzi e il corpo, almeno con la mente lo si può fare in ogni momento, un libro che oltre ad appassionare spinge a riscoprire quei dischi che da tanto non rispolveriamo ed ascoltiamo e che giacciono lì da troppo inascoltati. Approfondire la storia e la discografia essenziale di questo importante genere progressive non è mai troppo tardi e, Massimo Salari ci aiuta a farlo, anzi è riuscito a spingermi a farlo.

Femita – Femmine Rock dello Stivale

Un libro sul ruolo femminile nel rock nazionale. In questa semplice frase si racchiude non solo l’audace obiettivo che si è posta Laura Pescatori nella scrittura di questo libro, ma anche l’ammissione della fortissima necessità che la scena sentita nel dover avere una sorta di “testamento”, per le passate ma anche per le future generazioni, sulle donne che hanno rappresentato il rock nel nostro Paese. Ma va sottolineata la chiave di lettura che l’autrice dà all’intero lavoro: per rock Laura Pescatori non si riferisce di preciso al genere musicale (non a caso si parla di Teresa De Sio, Agnese Valle, Sara Loreni e tante altre), ma di donne che hanno rotto gli schemi, che sono andate controcorrente e per questo definite rock. Come possiamo descrivere in altro modo Femita? Un raccoglitore di interviste, un libro il cui concepimento e il relativo sviluppo sono stati relativamente lineari: identificare una serie di personaggi femminili, intervistarli e riportare le interviste a mo’ di testimonianza all’interno di questo libro. E qui c’è un’ulteriore considerazione da fare.

Nell’introduzione della stessa scrittrice troviamo i razionali e gli obiettivi che si pone tramite questo lavoro: il libro parla di “donne che hanno un obiettivo comune, fermare il sessismo nella musica” e ancora l’autrice si domanda “perché la donna nel 2020 fa ancora fatica a venire accettata come rock star, musicista, imprenditrice di se stessa?”. Da questo si intuisce che il lavoro è incentrato sul ruolo delle donne in musica in quanto donna, ma purtroppo quello che è il concetto primordiale dell’opera (il sessismo, le difficoltà per una donna nel trovare date, inserirsi in un mondo fatto di uomini che spesso ragionano per luoghi comuni…) non viene sviluppato nelle interviste condotte da Laura Pescatori. Nell’intervista agli Svetlanas il tema poteva essere approfondito (la stessa Olga, frontwoman della band, organizzava concerti in passato quindi era anche dall’altra parte della barricata) invece si finisce a parlare di politica; nell’intervista a Le Rivoltelle si sarebbe potuto approfondire maggiormente il loro album Donne Italiane, tributo musicale tutto al femminile ma di cui si accenna in una sola domanda; qualcosa viene trattato con le The Cleopatras; con le Killin’ Baudelaire non si affronta per nulla il tema, tanto che le stesse domande potrebbero essere poste ad una band di soli uomini (anche se andrebbe detto che probabilmente le Killin’ Baudelaire hanno tratto vantaggio più che svantaggio dal fatto di essere – belle – donne), così come in molte interviste ci si limita a scorrere la carriera dell’artista (Ambramarie, Cristina Donà…).

D’altro canto, in un lavoro dall’obiettivo così ambizioso e, lo ripetiamo, un lavoro di cui se ne sentiva il bisogno, ci saremmo aspettati molto più spazio sul movimento Rock With Mascara delle sorelle Guandalini (tra l’altro citato da diverse artiste intervistate) e Girls On The Rock di Christine IX, movimenti creati proprio per dare spazio alle donne in musica e che sarebbero, a nostro parere, dovuti essere collocati come pilastro portante del libro. Ecco cosa secondo noi manca in Italia, un racconto di come si è sviluppata la scena rock al femminile, delle alleanze,  degli antagonismi, degli ostacoli, delle realtà che ce l’hanno fatta ma soprattutto di come ce l’hanno fatta, delle soluzioni per abbattere il machismo e di come sarà la scena femminile in futuro nel nostro Paese. Questo è il nostro suggerimento per una seconda edizione di questo libro che speriamo arrivi presto.

Fast Animals And Slow Kids: Come Reagire Al Presente (il fumetto)

Un fumetto per una rock band? Sì, un progetto originale, anche se non è la prima realtà musicale ad imbarcarsi in un progetto simile. I fumetti e la musica sono andati spesso a braccetto. Nonostante quindi l’effetto sorpresa, che c’è poco, è davvero interessante per come è stato sviluppato. Come Reagire Al Presente va analizzato separatamente da due punti di vista. Il primo è la storia, il secondo è il fumetto nella sua interezza, come prodotto artistico. Dal punto di vista della storia va detto che si poteva sfruttare molto meglio questa occasione e immedesimarsi meglio in un concept fumettistico creando un giallo o una storia più intricata… la storia (scritta da Lorenzo La Neve e Giacomo Taddeo Traini) è articolata in 150 pagine in cui sembra inizialmente essere separata in storie dei singoli membri della band, salvo poi riunificarsi nella parte finale. Conosciamo fumettisti che in 150 pagine sarebbero stati capaci di farti tenere il respiro bloccato. C’è una sorpresa nella storia (che volutamente non vi sveleremo) ma, nonostante la sorpresa, la storia ha un finale relativamente scontato. Se (e sottolineiamo se) l’obiettivo di questo prodotto artistico era quello di associare disegni e parole alla musica della band, a nostro parere c’erano strade più adatte (una piccola fanzine da distribuire ai concerti o in edicola, magari a puntate, delle grafiche-poster specifiche o ancora dei lavori di animazione per i social) quindi l’impressione è appunto come se non si sia sfruttata l’occasione pienamente.

Mettendo da parte il profilo narrativo, la restante parte del prodotto è assolutamente promossa. La copertina, disegnata da Davide Toffolo, frontman dei Tre Allegri Ragazzi Morti,

crea quindi una sinergia artistica che non può fare che bene alla scena italiana; ma ancora, la presentazione dei singoli musicisti in modo da far sentire più “vicini” i 4 al loro pubblico, il tipo di carta usato sia per le pagine che per le copertine, qualità davvero ottima…e non si può ignorare la resa finale: avere tra le mani questo fumetto riempirà davvero di gioia i collezionisti, oltre che i fan della band. Quindi la conseguenza naturale della nostra analisi è che si tratta di un prodotto ideale per chi appassionati di fumetti o per i feticisti dei prodotti fisici, ma il rischio che loro si affezionino molto più al prodotto che al suo contenuto è alto.

Paolo Carnelli: ’70 x 100 – Il 1970 in musica raccontato attraverso 100 album + 4 saggi monografici

Con una introduzione a cura di Chris Spedding musicista, cantante, chitarrista, compositore, polistrumentista e produttore discografico che ha fatto parte di diversi gruppi tra i quali ricordiamoi Nucleus, ritorna nelle librerie il nuovo lavoro di Paolo Carnelli, fondatore e direttore del progetto editoriale Open Magazine nonché caporedattore di Prog Italia. Con il titolo’70 x 100 – Il 1970 in musica raccontato attraverso 100 album + 4 saggi monografici questo volume è il primo di una nuova collana editoriale (Musiche & Miti) che vuole raccontare gli anni storici della musica, senza confini di genere: nella scaletta dedicata al 1970 si trovano infatti hard rock e progressive fianco a fianco con la canzone d’autore, il jazz rock, il pop, l’avanguardia e la black music, con lo stesso gusto per la trasversalità che anima da sempre gli ascoltatori più curiosi. Il volume è pensato, scritto e realizzato a più mani ricostruisce attraverso ben 100 dischi un anno, il 1970, in cui tanti generi musicali hanno forgiato quella che poi sarebbe diventata la musica del futuro nei suoi molteplici risvolti di genere. Infatti, alla realizzazione del volume hanno collaborato Davide Arecco, Stefano De Fazi, Domenico Di Giorgio, Simone Ercole, Paolo Formichetti, Massimo Forni, Vincenzo Giorgio, Martino Lorusso, Marco Machera, Roberto Paravani, Eduardo Pisani, Riccardo Storti, Donato Zoppo.

Beatles, ELP, Genesis, King Crimson, Nucleus, Lucio Dalla, Moody Blues, Black Sabbath, Robert Wyatt, Aznavour sono solo una partedell’elenco dei titoli, talmente ampio e variegato, che porrà il lettore nella condizione di trovare nelle pagine qualcosa che sicuramente sia ama o è stato amato…e magari anche qualcosa di cui si ignorava l’esistenza. Con i quattro saggi monografici Carnelli invece ci conduce in quei processi evolutivi che all’inizio degli anni 70 governavano la realizzazione e la diffusione delle produzioni discografiche, sia all’estero (Pink Floyd, Robert Wyatt) che in Italia (Jannacci, Battisti). Paolo Carnelli, se ce ne fosse ancora bisogno, dimostra anche stavolta con questo suo libro, come già accaduto con suoi precedenti lavori, come sia possibile condensare un’importante anno per la musica in un volume di 132 pagine, il primo di una lunga serie di manuali e monografie che Open Magazine intende dedicare alla musica come Paolo ha dedicato gran parte della sua vita giornalistica…e non solo. Il 1970 è un anno straordinariamente importante dal punto di vista musicale. Le intuizioni che avevano caratterizzato la fine del decennio precedente deflagrano completamente, dando vita a nuovi artisti, nuovi gruppi, nuove etichette discografiche, nuovi generi musicali che popolano una scena che si fa sempre più variegata ed eccitante. Alla realizzazione del volume hanno partecipato amici del giornalista-scrittore, che hanno partecipato con entusiasmo rivestendo al tempo stesso il ruolo di ascoltatori attenti ed appassionati.

La selezione dei dischi è avvenuta con l’aiuto dei collaboratori che hanno messo al servizio la propria esperienza, suggerendo un certo numero di titoli entro la propria area di competenza. Ogni indicazione è stata vagliata e ascoltata. Il criterio di selezione adottato non è stato solo meritocratico né, tantomeno, dettato dal gradimento personale. L’obiettivo è stato quello di andare a ricomporre un orizzonte musicale sufficientemente ampio, permettendo al lettore di entrare idealmente dentro a quel meraviglioso flusso in divenire che era la musica rock nel 1970. Ecco perché nell’elenco dei 100 sono presenti anche titoli che trascendono dalla valutazione strettamente artistica, ma che comunque sono stai ritenuti fondamentali per definire la carriera di un artista e di una band o addirittura un intero genere musicale. ‘70 x 100 è un calendario in cui ad ogni mese sono abbinate le rispettive uscite discografiche, ricostruendo in questo modo “il percorso” – si potrebbe dire – emozionale ed energetico del disco stesso. Ogni album poi contiene la segnalazione di una traccia e questo per dare la possibilità a chi non conosce il disco di poterlo inquadrare attraverso l’ascolto di un singolo brano per decidere, poi, se proseguire o meno. Con questo volume, primo di una serie, Open Magazine inaugura la collana Musiche & Miti dedicata alla musica ed ai suoi protagonisti.

Altamont 1969

Un’istantanea del momento preciso nel quale il sogno della cultura hippy e del pacifismo si affossò in modo definitivo; o meglio, il capolinea di un decennio di amore libero che era mutato in qualcosa di differente, più sporco e feroce. È la foto scattata da Mariopaolo Fadda – architetto, ha vissuto e lavorato per due decadi a Los Angeles, California – e fissata nero su bianco nel volume Altamont 1969, i Rolling Stones e il concerto della morte. Edito da Odoya, il libro (240 pagine, 16 euro) segue – per lo meno idealmente – il connubio intrapreso tra l’autore e la casa editrice lo scorso anno, con la pubblicazione di La famiglia Manson: dall’estate dell’amore all’estate dell’orrore (272 pagine, 18 euro), che ricostruisce le vicende legate al brutale assassinio di sette persone avvenuto nella “città degli angeli” le notti del 9 e 10 agosto 1969. Quell’anno, pochi mesi dopo – per essere precisi: la sera del 6 dicembre – la storia dell’America, ancora una volta, sarebbe cambiata in peggio. Da un punto di rottura (e, per certi versi, di “non ritorno”) all’altro, dunque, lungo un ipotetico filo teso rosso sangue. Nel volume Altamont 1969, dove non mancano i contributi fotografici, Fadda fa il punto su un evento nel quale “il caos più totale ha rubato la scena alla festa, trasformando la libertà in licenza di dare sfogo ai più bassi istinti”.

L’opera ricostruisce la vicenda del famoso – divenuto famigerato – concerto dei Rolling Stones tenuto ad Altamont, California, il 6 dicembre del 1969. Un live consegnato alla memoria come uno dei momenti più cupi della storia del rock; “il lato oscuro di Woodstock” – che si svolse a Bethel, un piccolo centro rurale nello stato di New York, dal 15 al 18 agosto del 1969 – come è stato anche definito. Nel suo libro Fadda – tra gli altri, nel 2004 ha scritto un volume sull’architettura della Walt Disney Concert Hall di Frank Gehry nonché numerosi articoli e saggi su varie tematiche, per il cartaceo e l’online – prende in esame tutti gli aspetti della vicenda, che viene sviscerata in otto capitoli ben strutturati: gli antefatti; e venne il rock’n’roll; e vennero la controcultura e la droga; la scena socio-musicale di San Francisco negli anni sessanta; i protagonisti; il concerto; il film; le responsabilità. Nel dettaglio: dalla programmazione del live all’ardua ricerca della location (scelta a due soli giorni dal live), dalla cosiddetta (purtroppo) “organizzazione” dell’evento allo svolgimento vero e proprio e al caos che ne seguì, culminato con l’assassinio del 18enne afroamericano Meredith Hunter – che era andato al concerto con la fidanzata, di un anno più piccola, Patti Bredehoft – da parte degli Hell’s Angels (nato nel 1948 negli Stati Uniti, il club motociclistico si è poi diffuso in tutto il mondo) reclutati dagli Stones come responsabili alla “sicurezza”.

Tuttavia all’evento parteciparono differenti band. I Santana, primo gruppo in cartellone ad esibirsi, interruppero la perfomance in segno di protesta per le costanti violenze degli Hell’s Angels sugli spettatori. Non solo. Marty Balin, cantante e chitarrista dei Jefferson Airplane, venne aggredito sul palco per essersi opposto, in maniera plateale, ai loro metodi brutali. Altri disordini si accesero quando fu il turno di Crosby, Stills, Nash & Young – il gruppo formato da David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash e Neil Young era, insieme agli stessi Jefferson Airplane e Grateful Dead (che ad Altamont rifiutarono di esibirsi per protesta) il simbolo del rock californiano – obbligandoli a interrompersi. Quindi fu la volta degli attesi Rolling Stones (che, nonostante le colluttazioni e gli accoltellamenti appena sotto il palco scelsero di concludere l’esibizione) ma oramai il concerto era finito (nel sangue). Si scrive Altamont, si legge disastro. In tutti i sensi. Il critico musicale, musicologo e saggista Ralph J. Gleason scrisse: “In ventiquattrore abbiamo creato tutti i problemi della nostra società in un’area circoscritta: congestione, violenza, disumanizzazione”. A fargli eco il critico musicale Robert Christgau (“i giornalisti si focalizzarono su Altamont non perché abbia tratteggiato la fine di un’era, bensì poiché ha fornito una metafora multiforme del modo in cui è terminata un’era”) e Michael Sragow, critico cinematografico ed editorialista, che definì l’evento “un colossale, brutto trip di massa”.

Lo stesso Keith Richards, col senno di poi, ammise: “Ad Altamont ho pensato più volte che il concerto sarebbe stato interrotto, ma nessuno sembrava intenzionato a prendere atto dell’incredibile violenza che c’era di fronte al palco. Ripensandoci, non è stata una buona idea chiamare gli Hell’s Angels”. A distanza di mezzo secolo, Altamont 1969, i Rolling Stones e il concerto della morte – che pone particolare attenzione all’analisi del film-documentario dell’esibizione degli Stones, “Gimme Shelter”, per la regia di Albert e David Maysles – persegue, nei confronti del lettore, un duplice obiettivo: fornire un’approfondita riflessione sulla controcultura del tempo e sul contesto socio-musicale che incorniciò l’avvenimento. Senza tralasciare che, come scrive Fadda: “Il 1969 è stato per la musica rock un anno da ricordare ma anche da dimenticare”.

The story of life: gli ultimi giorni di Jimi Hendrix

Sempre più spesso, grazie alla rete, delle rockstar passate a miglior vita conosciamo vita, morte e miracoli. Sappiamo (quasi?) tutto di loro: dall’infanzia all’adolescenza spesso tormentate, fino al grande salto nell’olimpo della musica, passando (non di rado) per eccessi, ricadute e risalite. Eh ahinoi, inevitabilmente, per la loro dipartita. Da qui il peso specifico del volume scritto a quattro mani da Enzo Gentile e Roberto Crema e dedicato agli ultimi giorni di esistenza del genio mancino di Seattle, della chitarra che costruì la storia del rock, del musicista e cantautore capace di innovare l’uso dello strumento nella musica di genere. Ergendosi tra i più grandi rappresentanti artistici del Novecento. “Jimi era stato vestito di broccato di seta verde e aveva l’aria tranquilla e pacifica, quasi come se stesse dormendo o semplicemente pensando con gli occhi chiusi al suo prossimo progetto musicale. È così che mi piace immaginarlo a distanza di cinquant’anni”, scrive Leon Hendrix nella prefazione del libro – dedicato al fratello maggiore – The story of life: gli ultimi giorni di Jimi Hendrix (Baldini+Castoldi/La nave di Teseo, brossurato con alette, 336 pagine, 20 euro), nel quale Gentile – milanese, giornalista professionista, “hendrixiano” dalla nascita – e Crema (presidente dell’associazione culturale “jimihendrixitalia.blogspot” nonché curatore dell’omonimo blog) cercano di capire – soprattutto, di far comprendere al lettore – e scandagliare l’incredibile parabola di Jimi Hendrix, scomparso nella City il 18 settembre 1970 all’età di 28 anni (proprio oggi ricorre il cinquantenario della sua morte).

Il referto medico parlerà di soffocamento da vomito ed uso eccessivo di tranquillanti, nonché di “insufficient evidence of the circumstances”. Circoscrive Gentile: “L’avventura di Hendrix, che stampa e tv da subito annovereranno tra le vittime di overdose, collocando l’artista tra i tanti caduti stroncati dalla droga, viene qui narrata e smentita attraverso uno scrupoloso lavoro di ricostruzione del suo ultimo periodo di vita”. Bizzarro ed impareggiabile già a partire dal nome (all’anagrafe era stato registrato come Johnny Allen Hendrix, ma qualche anno dopo il padre lo fece registrare di nuovo come James Marshall), il ciclone Jimi Hendrix – incrocio fra indiani, neri e bianchi – emerge al pari di un dipinto a figura intera nel ritratto che ne fanno Gentile e Crema. Un’effige sorprendente, intorno alla quale ardono – proprio come la famosa chitarra data alle fiamme sul palco del festival di Monterey, il 18 giugno del 1967 – interrogativi e ambizioni, progetti e riflessioni, gioie e fatica di un musicista che il tempo non ha scalfito. A scalfire l’uomo, semmai, è stata proprio la solitudine dei suoi ultimi giorni, lontano anni luce – ad esempio – dalla mattina del 18 agosto 1969, quando Hendrix salì sul palco del festival di Woodstock davanti a 400mila persone.

Scrive ancora Leon Hendrix: “Un evento, la morte di Jimi Hendrix a Londra, che sarà a lungo esibito e strumentalizzato, oggetto di false informazioni, ipotesi fantasiose e versioni distorte. Ancora oggi qualcosa affiora, di tanto in tanto, nelle cronache e nei libri di storia, come l’overdose per droga spacciata quale causa del decesso”. In The story of life: gli ultimi giorni di Jimi Hendrix, gli autori ricostruiscono, in modo minuzioso, i movimenti, gli incontri, i viaggi, le esibizioni live, la quotidianità sia privata sia professionale di un musicista magistrale (tra i più rilevanti esponenti e promotori del blues revival a Chicago a partire dalla seconda metà degli anni sessanta, il chitarrista Michael Bernard “Mike” Bloomfield definì “un’esplosione di bombe atomiche e missili teleguidati che volavano ovunque” la prima esibizione di Hendrix alla quale assistette). Nel presentare il volume – che è arricchito da un inserto fotografico di 40 pagine, con alcuni scatti inediti, a colori e in bianco e nero – Gentile e Crema sottolineano: “Per comprendere ed esplorare la parabola di Jimi Hendrix nell’ultimo mese di vita ci siamo affidati alle fonti più attendibili: documenti, riviste, giornali dell’epoca, vagliando le interviste più intriganti rilasciate in quei giorni e ascoltando le persone che ne avevano condiviso non solo il palco, ma anche le trasferte e il tempo libero”. Non solo, però, le voci di chi aveva frequentato l’adrenalinico Hendrix.

“The story of life” presenta al lettore un vasto rapporto sulla battaglia legale per l’eredità del musicista dal blues elettrico inconfondibile, chiosando con una serie di contributi di personaggi che sviscerano il loro punto di vista “hendrixiano”: da George Benson a Eric Burdon, da Pat Metheny a Franco Mussida, da Beppe Severgnini a Fabio Treves a Carlo Verdone (che a Hendrix ha dedicato il suo film “Maledetto il giorno che t’ho incontrato” del 1992). Concludono gli autori: “Con ‘The story of life’ abbiamo voluto, come in un’inchiesta giornalistica, fugare le ombre e i segreti di un caso che appartiene di diritto al costume e alle cronache dell’epoca, qui affrontate come un giallo di cui portare alla luce la verità”.

Cose Dell’altro Suono – Avventure Musicali In Italia ’50_’90

Il nuovo libro di Giordano Casiraghi non è solo un viaggio tra gli avvenimenti musicali ed i personaggi che hanno segnato un’epoca, ma è un vero e proprio tuffo in un mare di conoscenza che, ci auguriamo, proseguirà con un altrettanto stupefacente nuovo lavoro del giornalista e conduttore radiofonico. La pandemia sembra ormai passata anche se, personalmente, credo che potrebbe ancora esserci un ritorno infuocato, e comunque sia è ormai appurato che molto dipende dai nostri comportamenti. Nonostante tutto se con l’epidemia in atto abbiamo riscoperto i valori dei piaceri dimenticati, il piacere dei nostri hobby preferiti, il piacere dei momenti in famiglia, adesso, anche se con le mascherine sul volto, si ricomincia a vivere un nuovo mondo. Qualcuno poi, quel nuovo mondo lo vive in maniera del tutto diversa perché, a volte, la vita, pur riservandoci grosse sorprese, continua a volerci bene e, noi, non dobbiamo mai né illuderla né illuderci perché, proprio quella vita, è comunque un bene troppo prezioso da lasciarsela sfuggire. Ma lasciamo queste riflessioni a momenti più intimi e ritorniamo ad occuparci in questo nostro spazio di quella musica che tanto ci ha accompagnato nel periodo più buio e tormentato del corona virus. Stavolta non ci occuperemo di dischi o di band ma, come già accaduto in passato, visto poi che da quando è esplosa la pandemia ci siamo molto dedicati alla lettura, parleremo e proporremo qui ai nostri lettori un libro che, guarda un po’, non solo parla di musica ma è una sorta di prosecuzione del precedente libro scritto dallo stesso autore (Anni 70, Generazione Rock).

Pubblicato il 25 giugno scorso, Cose Dell’altro Suono – Avventure Musicali In Italia ’50_’90, è un libro che coinvolge in un racconto in cui sono tanti i personaggi che vengono trattati, quei protagonisti che hanno poi segnato un’epoca e non solo; si perché quei personaggi riescono ad essere figure di spicco ancora oggi sia per la gente di una certa età come noi, ma anche per tante giovani leve che si avvicinano ad un certo rock con curiosità, quella curiosità che ha animato anche noi in tempi lontani. Certo, ad esempio, nel 52 ancora non eravamo nati (almeno io) ma leggere l’anteprima jazz della Milan College Jazz Society ci ha spinto a diverse curiosità tant’è che ad un certo punto di quel viaggio ci è venuto spontaneo poi, la sera, andare a rispolverare qualche vecchio disco di musica jazz. Poi il viaggio visivo è un altro bell’aspetto del volume ed infatti, la ricchezza fotografica che si ritrova in ogni capitolo ci ha aiutati ancor più in questo itinerario quasi “maniacale” che Casiraghi ha voluto imporci, un percorso che ci ha coinvolto e che coinvolge chi si ritrova tra le mani questo volume. E non c’è proprio bisogno di ascoltare musica mentre lo si legge perché tra le mani abbiamo un libro che “suona”, portando al lettore tutti quei suoni che vanno dagli anni 50 ai 90. Ed il rock italiano passa anche attraverso Adriano Celentano, Enzo Jannacci, ma poi arriva da oltre oceano il vero rock, vale a dire le tournée italiane del 1965 dei Beatles e quella del 1968 del grande Jimi Hendrix.

Ed il viaggio di Giordano continua ricordando Claudio Rocchi, artefice di una stagione indimenticabile, così come lo furono l’avanguardia e l’arte di John Cage fino a giungere alla voce, l’unica voce che nonostante gli anni continuiamo a risentire, quella dell’indimenticabile Demetrio Stratos al quale Casiraghi dedica un capitolo corposo del libro, scritto nato dall’aver interpellato oltre che conoscenti anche musicisti che con lui hanno percorso un pezzo di strada importante per il nostro rock in genere come gli ex Area, Tofani e Friselli oltre che lo stesso Leandro Gaetano che faceva parte della formazione iniziale. E ne parla lo stesso Dijvas che ha fatto parte degli Area prima di trasferirsi sull’altra sponda del prog, quella della Premiata Forneria Marconi. Poi passando attraverso Freak Antoni degli Skiantos si giunge al “venerato maestro” del periodo più fervido, forse, capace di sfornare album come Fetus nel 1972, album di esordio, fino a Gommalacca del 1998 non dimenticando poi La Voce Del Padrone del 1981, L’era Del Cinghiale Bianco del 1979 e così via.

 Cose Dell’altro Suono – Avventure Musicali In Italia ’50_’90 è non solo un libro che racconta avvenimenti musicali e personaggi che hanno segnato un’epoca ma è un vero e proprio viaggio che, come ci auguriamo, proseguirà con un altrettanto stupefacente nuovo lavoro del giornalista e conduttore radiofonico Giordano Casiraghi.

Legacy of Darkness, l’arte di Welt

Un nome d’arte composto da quattro lettere che lo identifica da molto tempo oltre i confini della capitale – dove ha sede il suo studio – rendendolo una figura di riferimento non solo nell’universo del tatuaggio (di cui è un vero e proprio cardine) ma anche di quello metal e del cinema horror tutto, al quale si ispira e dal quale trova linfa per i suoi lavori su pelle, tela o carta. Piaccia o no, è arduo delimitare/scindere l’uomo e l’artista/professionista Welt, romano classe 1977, poliedrico come pochi. Ad andare a dama, in questo senso, è stata Edizioni Shatter, che ha dato alle stampe un volume che – spaziando tra horror, dark art e fantasy, sviscerati attraverso tattoo, illustrazioni, dipinti e tanto altro – ripercorre oltre due decadi dell’attività di Welt. Titolo: Legacy of Darkness, l’arte di Welt (129 pagine, 21 euro). Nella nota dell’editore, in apertura di libro, si legge: “Le espressioni artistiche di Welt sono un ensemble capace di accogliere al suo interno un universo non propriamente limitato e che abbraccia il ramo tatuaggistico, pittorico, musicale e cinematografico dando vita a un’unica arte”.

Interamente a colori, ricco – meglio ancora, denso – di immagini e foto esclusive, con una lunga e approfondita intervista (curata da Nico Parente) a colui che è ritenuto il punto di riferimento della dark art nel nostro paese, Legacy of Darkness è un volume quasi “romanticamente” fuori tempo, che rievoca gli anni ottanta (non a caso quelli dell’infanzia di Welt, laddove tutto nasce) e si legge tutto d’un fiato. Un libro “leggero” – nell’accezione migliore del termine – ma approfondito, attraverso il quale la casa editrice vicentina (qui alla sua prima uscita dedicata all’universo del tatuaggio) rende il giusto tributo ad un artista che è stato in grado di tramutare in lavoro (riconosciuto e riconoscibile) la sua grande passione. Da Roma (dove ha il suo Yama Tattoo Studio, precisamente in via Urbana, 62) a Londra, Welt è stato capace – e lo è tutt’ora – di dedicarsi alla dark art in ogni sua sfaccettatura, investendo sul tattoo quale forma espressiva preminente (“i primi esperimenti, almeno come approccio a questa filosofia indelebile, avvengono in casa con un paio di amici: disegni tribali, teschi e loghi di band”, ricorda) senza disdegnare forme di promozione e sponsor, in prima persona, di live/tour di band metal dal respiro internazionale, meet&greet, collaborazioni editoriali con riviste metal e di settore.

E ancora, personali e collettive di pittura, art work destinati a produzioni musicali ed eventi dedicati…Bulimico Welt, senza ombra di dubbio. E questo suo mordere la vita, cannibalizzandola in tutto e per tutto, gli è riconosciuto dal grande seguito che ha. Nel corso degli anni, infatti, l’artista capitolino ha attirato su di sé la curiosità – e la stima – di importanti esponenti non soltanto del panorama tatuaggistico, ma anche musicale e pittorico, che vengono appunto citati nel libro. Qualche nome? Si spazia da Terry Butler, bassista degli Obituary (“Welt è completamente metal”) all’illustratore Enzo Sciotti (“è una bellissima persona che mi piacerebbe avere come figlio”), dal regista Lamberto Bava (“nelle creazioni di Welt c’è la storia che continua”) al compositore e musicista Claudio Simonetti, che a tutto tondo riconosce in Legacy of Darkness “un giusto riconoscimento all’arte di un artista del calibro di Welt”. E ancora, i contributi di Tony Dolan (Venom Inc.), Mike IX Williams (Eyehategod), Patrick Mameli (Pestilence), ma la lista è davvero lunga. Anche i “nostri” Sergio Stivaletti (effettista, regista, sceneggiatore) e Luigi Cozzi (regista, sceneggiatore, scrittore) dicono la loro su questo metalhead – tra suoi estimatori il regista John Carpenter e l’ex frontman dei Pantera, Phil Anselmo – che ama tanto i Masters quanto Dungeons & Dragons, H.R. Giger e H.P. Lovecraft.

Per appassionati e curiosi del mondo tatuaggio (e non solo) questo libro è una boccata d’aria fresca. Per tutti gli altri, invece, ci sono solo social e fiere di settore (in tutta Italia) dove non sempre cuore e professionalità vanno a braccetto. Qui, invece, sì.

La Teoria del Complotto

A ciascuno di noi, fin da piccoli, è stata trasmessa l’importanza della verità. Un vero e proprio valore che molto spesso va cercato o addirittura in alcuni casi richiede battaglie durature per ottenerla. Per sottolineare la preponderanza nella vita di questo valore ci si è perfino spinti a demonizzare il suo opposto, la bugia, divenuta peccato mortale con l’appellativo di falsa testimonianza. Questa evidenza, sotto gli occhi di tutti, è perfettamente riassunta da Gandhi che diceva: “Apprendere che nella battaglia della vita si può facilmente vincere l’odio con l’amore, la menzogna con la verità, la violenza con l’abnegazione dovrebbe essere un elemento fondamentale nell’educazione di un bambino”. Più che su teorie terrapiattiste, scie chimiche, poteri sovraumani (comunque presenti), il nuovo libro di Maurizio De Paola intitolato La Teoria Del Complotto tratta proprio di questo. Se fosse stato pubblicato qualche secolo fa si sarebbe intitolare “Della Verità e Della Bugia” includendo un’analisi non tanto sul definire ciò che è reale e ciò che è inventato, piuttosto cercando di capire ciò che giova alla nostra vita…e la risposta è tutt’altro che scontata.

Il romanzo inizia con una introduzione che da sola, per molti, potrebbe risultare addirittura più interessante dell’intero libro: una lunga parentesi con un punto di vista profondo sulla realtà e su cosa vuol dire mettere in discussione qualcosa che ci viene venduto come la verità. La storia invece è incastrata nella classica cornice che Maurizio costruisce ogni qual volta si trova a scrivere un romanzo: un protagonista che spesso rispecchia l’ideale dell’italiano medio, quasi sempre di sesso maschile, frustrato, infelice, scettico nei confronti di quello che scoprirà e intorno alla cui vita si celano progetti più o meno occulti che lo condurranno a vivere un’esperienza ultraterrena caratterizzata da streghe, fattucchiere, animali fantascientifici o poteri soprannaturali. La componente religiosa anche in questo libro non manca (chi di voi ricorderà Ombre Metalliche?): personalmente non ho mai visto un “non credente” (credo Maurizio lo sia) essere così documentato sugli aspetti religiosi e usarli così tanto nei propri racconti, più di quelli che si dichiarano credenti.

Ciò che ci piace delle sue storia, e La Teoria Del Complotto non è da meno, è l’intreccio tra i vari personaggi, tra le diverse personalità, le debolezze e le esigenze (fisiche ma anche ultraterrene) che vengono fuori e che mettono in scena spesso degli accadimenti quasi dal sapore teatrale. Ciò detto, la storia non è assolutamente banale e come sempre scritta molto bene. In particolare due sono le differenze di questo racconto rispetto ai suoi predecessori. La prima è che il racconto è in prima persona, il protagonista racconta la sua storia e la descrive con un coinvolgimento pieno. La seconda è che Maurizio dichiara che si tratta di una storia vera a cui sono state applicate alcune variazioni sulla trama principale e che hanno permesso che la storia dirottasse verso l’inclinazione desiderata.

Non a caso Eraclito diceva: “Non troverai mai la verità, se non sei disposto ad accettare anche ciò che non ti aspettavi di trovare”.

La filosofia dei Sex Pistols

Brutti, sporchi e cattivi. Ma, soprattutto, imprescindibili, capaci di esprimere attraverso le loro canzoni – con un unico, vero e proprio album ufficiale pubblicato dalla Virgin Records nel 1977 – le inquietudini e la rabbia, mai sopite, di un’intera generazione. L’iconico Never Mind the Bollocks, Here’s The Sex Pistols è una pietra miliare del punk, onnipresente all’interno di ogni trattazione sui dischi più rilevanti. E chi lo avrebbe detto che agli sfrontati ragazzacci inglesi – John “Johnny Rotten” Lydon (voce), Steve Jones (chitarra), Glen Matlock (basso), poi sostituito da Sid Vicious, Paul Cook (batteria) – un autore di casa nostra avrebbe dedicato, quarant’anni dopo, un saggio (tascabile) che coniuga punk e filosofia. Scritto da Giovanni Catellani (“diventato maggiorenne nel 1977, la musica è sempre stata la sua grande passione”, riporta la bio), il singolare volume La filosofia dei Sex Pistols (Mimesis Edizioni, 122 pagine, 10 euro) prende il là da due ingiunzioni che fanno del punk – nonché della band di cui scriviamo – la più imponente rivoluzione del Novecento: “Anyone can do it, do it yourself!” (“Chiunque può farlo, fallo tu stesso!”).

E a “farlo”, in questo caso, è Catellani, profondo amante della filosofia nonché della band spesso indicata come fondatrice del movimento punk britannico, capace di scavare il primo solco generazionale con il rock‘n’roll (“ha ascoltato God Save the Queen almeno mille volte”). Altro che Sottovoce di Marzullo: nello specifico il “si faccia una domanda e si dia una risposta” non ha motivo di esistere. Piuttosto, nella quarta di copertina del saggio, l’autore rammenta che senza alcuna intenzionalità – punk docet – “i Pistols hanno riproposto le domande classiche della filosofia: cosa posso? cosa so? cosa sono?”. Certo, i Nostri non erano filosofi in senso stretto né intendevano fare filosofia (seppur in bilico tra nichilismo e pessimismo, cantavano, anzi urlavano: “No future, no future, no future for you. No future, no future, no future for me”). Ciò nonostante, sono stati capaci di donare suoni (senza saper suonare), parole e concetti (senza essere dei grandi oratori) di portata filosofica per replicare in modo nuovo a vecchi interrogativi (“Problem, the problem is you”).

Tra divulgazione di stampo filosofico e cronaca che abbraccia – quasi a stritolare – la musica “mordi e fuggi”, La filosofia dei Sex Pistols rimarca il fatto che la rivolta della band inglese ha aperto un ventaglio di nuove opportunità non solo per la loro generazione, ma anche per quelle a venire. Per tutti. Catellani precisa che l’ambito d’azione che ha contraddistinto i Pistols è stato “impegnare la propria individualità in un’azione di cui non si conoscono, e neppure si vogliono prevedere, le conseguenze”. Eppure la forza del gruppo (in tutti i sensi, considerando le successive, carenti carriere da solisti) era/ed è dirompente. Un vero e proprio pugno nello stomaco, diretto, che ribalta tutto e tutti. “Il punk e i Pistols sono stati una rivoluzione proprio per gli effetti che hanno determinato – scrive Catellani – ma il punk ha messo in atto, senza alcuna consapevolezza intellettuale, un ripensamento delle possibilità della soggettività grazie alla sfrontatezza di chi fa saltare le regole del gioco per il semplice piacere di farlo e per dire una verità”. Le librerie non mancano di testi dedicati al genere. Eppure La filosofia dei Sex Pistols merita l’acquisto, non solo per i contenuti ma anche per il formato e il prezzo. Cos’altro?