Blackmail Of Murder – Cold Rain

Tornano i Blackmail Of Murder una band che in poco più di tre anni di attività ha già pubblicato due full-lenght e il presente EP. Sì perché stavolta si opta per un EP probabilmente come passaggio transitorio in vista di un prossimo album completo o forse per collaudare su disco il nuovo ingresso, Pierlorenzo Molinari, che affianca con le sue clean vocal Claudio Olivari, storico screamer dei Blackmail Of Murder. Sei tracce che sfiorano la mezz’ora di ascolto e che confermano quanto avevamo già detto in occasione dell’esordio The Endless Stare (recensione a questa pagina) e del precedente Giants’ Inheritance (disponibile cliccando qui): il sound è completo e ben presentato, il metalcore proposto dal sestetto è molto vicino alle produzioni americane e sapientemente vengono incluse parti stoppate all’interno di ciascun brano in modo da giocare sull’alternanza di ritmi e tenere incollato l’ascoltatore alla loro musica. Non è un caso nemmeno che le tracce stiano tutte tra i 4 e i 5 minuti, una durata perfetta per un brano metalcore in modo da proporre cambi e tirate al fulmicotone ma non stancare con lunghe divagazioni. Un esempio in questo è Indigo, un brano che nella sua prima metà tocca lande di varia natura fino a giungere a riff pseudo-industrial e tempi thrash sul finale.

Un profilo più tecnico viene mostrato in Compassion e Foreign Bodies, interessante anche Gears costituita da una sovrastruttura di elementi che vanno dal riffing metal (davvero di grandissimo spessore) ad una certa ricerca melodica nei chorus. Coraggiosa la riproposizione della cover di Hide And Seek (originariamente dei Imoden Heap), brano che viene vestito dello stile Blackmail ma senza tradire (nel ritornello) la versione originale. Cold Rain dimostra non solo che i ragazzi hanno ormai solcato una strada che percorrono con coerenza ma anche che sono dotati di tecnica e idee per sfondare a livello internazionale. Cold Rain è un ulteriore tassello che permetterà loro di conquistare spazio sui palchi (soprattutto oltre le Alpi).

The Royal – Seven

5 anni, un EP e 2 full-lenght. Numeri che hanno portato i The Royal a firmare per la Long Branch Records (divisione della SPV) e uscire allo scoperto con le spalle sicuramente più forti. Non è un caso che il quintetto sia “vestito bene”, ma non ci riferiamo al look esteriore: Seven suona come un album metalcore di livello internazionale. La produzione è davvero di altissimo livello e le scelte sonore così come il missaggio sono davvero molto curati, addirittura i momenti in cui far “entrare” la (sovrap)produzione delle chitarre, far esplodere il pezzo, cambi di ritmo sono tutti fattori studiati fin nei minimi dettagli e che in sede live sicuramente coinvolgeranno il pubblico. Metalcore di matrice americana (nonostante loro siano olandesi), con tantissimi riff stoppati e che altalena momenti potenti e veloci ad attimi in cui recuperare il respiro e dare spazio al growl cupo. Parlavamo di “abbigliamento” perché in realtà sotto questo strato laccato che sembra quasi fare il verso alle tendenze del momento (o di un recente passato) troviamo ben pochi aspetti davvero innovativi: il loro stile è il metalcore classico che da anni cerca di guadagnare spazio nelle classifiche (in primis USA) e che poco ha di personale tanto che nella mischia e senza un monitor a portata di mano a darci le info giuste potremo facilmente confonderli con altre realtà di pari genere.

Piacevole Wildmind, un brano massiccio ma che non svela niente di nuovo per chi è abituato ad ascoltare band dai Trivium in poi; spinta anche Counterculture che contiene un buon mood arricchito da un refrain che si attacca alla pelle ma niente che faccia urlare al miracolo. Prendete ad esempio il primo minuti di Thalassa: quante tracce abbiamo già ascoltato da 15 anni a questa parte con questa forma e struttura? C’è da dire che i ragazzi non si fanno conquistare dalle clean vocal che in alcuni frangenti potrebbero irrompere dando dolcezza alle tracce o magari proponendo un ritornello da far cantare al pubblico durante uno dei proprio concerti: growl al 100%. Ma è quasi nulla per far affiorare uno stile davvero proprio. Speriamo in futuro più audace.

Sons Of Death Valley – Fathers Of The Free

Ancora una volta mi trovo a fare i conti con sonorità che strizzano l’occhio a strade polverose, senza alcuna meta, dove la sola motocicletta è il compagno ideale di viaggio, sulla strada illuminata dalla luce del tramonto. Ebbene sì amici, per i Sons Of Death Valley, nonostante l’anagrafe ci consegna una band europea anzi nordeuropea, il sound è quello che ci rispedisce oltreoceano, anche se il metalcore scandinavo si fa sentire in più frangenti. La partenza appartiene a uno sludge genuino che va poi a sfociare in un groove compatto, altalenando sonorità decise a frame più riflessivi. Si parte con Wars, appena descritta, concretamente più diretta e intrisa di adrenalina è Path Of The Righteous, che segna indelebilmente l’entrata nel sound più marcato della band, e qui mi sento di scomodare i primi Hatesphere. I Sons Of Death Valley dimostrano una buona caratura tecnica e sicuramente attitudine per suonare questo genere, che oltre alla preparazione richiede appunto determinazione, quella che di certo non manca con Fight Song. Non ci si annoia, anzi tutt’altro, c’è da divertirsi con la musica della band scandinava, attraverso riff serrati e ritmi martellanti, ci pensano The Undertaker prima e Three Finger Jack, ad alzare l’asticella, inducendo l’ascoltatore a portare il volume a fine corsa, il groove cresce e i Sons Of Death Valley trasformano il loro sound in un southern ricco di energia, tanto caro ai Crowbar. Death Is Coming è contaminata dallo sludge metal di questi tempi, moderno, si sprecano gli elogi a quei bravi ragazzi.

I custom a lato strada sono pronti a viaggiare on the road again… sulle note della singolare Your God, dove la melodia per un attimo s’impadronisce della band, dura poco il momento rassicurante con Unforgettable Hate, l’odio musicale è sputato tutto fuori, grazie a riff granitici e parole di sdegno. La buona prova dei Sons Of Death Valley non conosce esaurimento: Redemption entra nella testa dell’ascoltatore senza volerne sapere di abbandonare lo stato d’animo dell’innocente, Devils Dance quasi in coda mi fa conoscere un’altra sfumatura della band, quella che si avvicina a sonorità “nu”, mescolate a quello che già è stato detto, southern, sludge metal. Si chiude con la title track, il giusto epilogo che ci congeda da quest’album che mi ha colpito per energia, tecnica, attitudine, suoni. Consigliatissimo a tutti, specie a chi si emoziona con il southern, lo sludge, il metalcore, e il nu metal di qualche anno dietro. In alto il nostro saluto!

Cover Your Tracks – Fever Dream

Ecco a voi i Cover Your Tracks, una band assemblata dai resti di precedenti band, Woe Is Me, Decoder e Cursed Sails, che dopo aver spazzato via la polvere dei loro gruppi originari desiderano sperimentare per provare a cambiare pelle. Un sentimento giusto, tuttavia Fever Dream suona tutt’altro che come una nuova esperienza. Dopo alcune tracce ci si accorge di ascoltare un disco che pesca un po’ di qua e un po’ di là, quasi per voler accontentare la più larga fetta di fan possibile. Le tracce di apertura, Spin The Bottle e Striking Matches, sono tracce con parecchio overdrive ammorbidite da linee melodiche progettate per un contesto live. Il mix di canto pulito e “urlato” non è nulla di insolito, ma le voci pulite talvolta suonano in maniera stridente, quasi come una parodia di metalcore. Follow Me e Bellow suonano come un inno nu-metal alle origini dei Linkin Park, utilizzando un elevato gain, suoni di chitarra distorti su cui si poggiano lunghi cori orecchiabili. Questo è in fin dei conti il punto forte dell’album dove ogni coro è contagioso e memorabile, nel senso di facilmente memorizzabile. L’album scorre liscio per circa mezz’ora e si chiude con The Surge, una canonica power ballad.

Ascoltando Fever Dream risulta immediato come sia stato progettato per essere “accattivante” e radio oriented, il lavoro di produzione è stato infatti fin troppo impeccabile perché ogni strumento suona troppo incontaminato e preciso perdendo il proprio sapore naturale e il proprio valore emotivo. Se non avete mai ascoltato metalcore prima, i Cover Your Tracks suonano sicuramente coinvolgenti e orecchiabili raccogliendo tutti gli elementi vincenti del genere metalcore e nu-metal, se invece masticate sovente questo genere di musica avrete sicuramente sentito tutto questo prima da molte altre band e molto probabilmente prodotto anche in maniera più convincente.

Sawthis – Babhell

Rabbia e felicità, rassegnazione e reazione, odio e amore, un caos “multi-emozionale”, si presentano così di Sawthis di Babhell. La verità è che questo nuovo lavoro, il quarto della band abruzzese è semplicemente una scarica di potenza e adrenalina che difficilmente si può schivare. The Burning Place, il brano di apertura, è la perfetta presentazione di quello che si troverà all’interno dell’album. Riff potenti, voce strozzata, breakdown sapientemente piazzati prima di ritornelli convincenti e ben elaborati. I Sawthis immaginano un inferno-babele come una piazza affollata dove ognuno è così impegnato a dire la propria da non essere più capace di ascolare; un posto dove anche il più bell’angolo finisce per diventare confuso. Si riferiscano al mondo moderno o anche solo a quello della musica, l’obiettivo è centrato: per farsi ascoltare i Sawthis alzano il volume e gridano in faccia a chi ascolta tutta la rabbia che hanno. Start A New Game è un pezzo fatto di ritmiche potenti e chitarre stridule sulle quale si inseriscono alla perfezioni i cori e il cantato. La band sembra aver assorbito le influenze positive dei gruppi con i quali ha condiviso il palco in questi 4 anni di distanza dal precedente disco, Korn, Sepultura, Children of Bodom e soprattutto Lacuna Coil. This String Is For Your Neck e The End viaggiano velocissime, un cantato strozzatissimo con parti strumentali veramente coinvolgenti, a tratti ipnotiche, e ritornelli azzeccatissimi.

Insomma un album davvero potente e godibile, da sparare a tutto volume nelle casse; è bello sapere che in Italia esistono album così, e gruppi come i Sawthis. Forse una speranza per un metal che non se la passa troppo bene nel belpaese ma che sta subendo un’importante mutazione generazionale; che, a dirla tutta, è in corso già da tempo anche oltre i confini italici. Chiude un pezzo lento, No Time To Die, quasi a voler accompagnare l’ascoltatore al rientro dal viaggio in questa Babhell incredibile. La parte grafica è molto curata e in linea con la musica. Molto bella la copertina, l’interno è semplicemente testo delle canzoni in rosso con un’ambientazione tetra infernale; ciò che serve. Bravi. Era davvero da tempo che non mi capitava un album così. In Italia.

Wars – We Are Islands, After All

Dopo 3 EP arriva finalmente il primo lavoro dei Wars, interessante band post-hardcore inglese. Un album davvero potente. Aggressivo, duro e diretto, che consigliamo di ascoltare più volte prima di lasciarsi andare a commenti e opinioni. C’è una bella voce, giovane, strozzata, che grida da dentro le casse. Quel cantato di ribellione, intervallato da breakdown, che tanto sta funzionando negli ultimi anni. Questo We Are Island, After All è un buon disco di metalcore, un altro, che non sfigura davanti ai meastri del genere, ma che in veramente pochi punti sa sorprendere. Il singolone di lancio, che vede la partecipazione di Colin Doran degli Hundred Reasons alla voce, è That By Discord Things Increase e racchiude bene il senso di tutto questo album: potenza, melodia, cambi di ritmo, breakdown, cantato tirato e ritornello orecchiabile che si lascia canticchiare. Ripetiamo, è un buon disco metalcore, ma servono un paio di “singoli” in più, per fare il salto. Pezzi come Hills And Boulders, tirati e ritmati, con una vena compositiva più ispirata e originale. Ci è piaciuta molto anche Hailing Distance, dove il cantato è meno sforzato e i riff più vari e melodici.

La copertina è molto bella, nei colori e nel soggetto, come nella realizzazione. Questa idea che, “in fondo, siamo isole” viene raffigurata con il concetto dell’iceberg; ciò che emerge non è che una parte minima di ciò che è la realtà. Filosofia che si può adattare anche a questo album, ai Wars. Al termine di Charcoal Days, melodica traccia finale, dopo diversi minuti di silenzio, compare una ghost track che è il manifesto dell’intero disco: un discorso su una marcia, che si chiude con le parole e il concetto che danno il titolo all’album, We Are Island, After All e non fa altro che confermare questa ipotesi. C’è di più, ma questa è “solo” la prima prova.

Dreamshade – Vibrant

Autumn Leaves apre questo Vibrant, nuovo lavoro degli svizzeri Dreamshade. E lo fa in maniera prepotente. Per mettere subito in chiaro che questo sarà un album tosto, da ascoltare, a tratti diverso, e soprattutto molto interessante. Where My Heart Belongs parte fortissimo per poi alternare momenti di calma apparente a ritmi più serrati; It’s Over, accompagnata da un video lyrics sui social, ha tutte le carte per essere un singolo (anche mainstream): testo semplice e arrabbiato, ritornello che prende subito e una pesantezza non eccessiva. Una delle tracce portanti è di certo Dreamers Don’t Sleep, singolo pubblicato più di un anno fa, che già conoscevamo e che si conferma un ottimo brano. Suoni puliti e ben sovrapposti, cambi di velocità, chitarre che si intromettono sempre al punto giusto, parte ritmica impeccabile. Nell’album, ogni tanto, fanno timida comparsa, e questa è una novità, scratch e cantati rap/melodici, diciamo stile Linkin Park (Losing Touch, Another Me, Another You e nella parte finale di Sleep Alone), che suonano più come sperimentazione che altro. I Dreamshade, sinceramente, danno il meglio quando fanno ciò che sanno fare, perché lo sanno fare bene. Metalcore un pochino pop o death metal melodico, chiamatelo come vi pare, con questo disco i Dreamshade sembrano avere raccolto ciò che altri gruppi hanno un po’ perso, mi vengono in mente gli In Flames, e di essere proiettati verso un pubblico più ampio anche grazie a brani più soft.

Con Sleep Alone si torna a suoni più dreamshadiani voce e controvoce, batteria scandita, chitarre singhiozzanti e trigger dove serve. Un paio di pezzi suonano un po’ anonimi, se non fosse per qualche riff o intuizione del singolo strumento e risultano così una sorta di riempitivo dell’album. Le dodici tracce forse sarebbero potute essere dieci, magari più elaborate e complesse con quelle intuizioni di cui sopra. Chiude Father che, ancora una volta, mixa potenza e dolcezza; il contrasto tra padre e figlio, ma anche metafora della vita e della musica dei Dreamshade. La copertina, a cura della NeverCrew, è stupenda. Una sorta di cuore-gomitolo fatto di cavi, sospeso in una stanza e una piccola sedia vuota. Un bagliore che sfuma le tonalità azzurre di fondo, colori freddi che riescono in qualche modo però a risultare caldi. L’interno è semplice e intimo. Toni caldi e testi scritti a mano con qualche parola rimarcata o sottolineata. Modificato il logo della band, rispetto agli album precedenti, che qui è costruito con neon. Ulteriore segnale di volontà di un cambiamento, di una crescita, di voglia di brillare. Un gran bel disco, e non lo dico solo perché ipnotizzato dalla copertina.

Every Time I Die – Low Teens

Due anni dopo From Parts Unknown tornano, con un nuovo album, l’ottavo della loro carriera iniziata nel 1998, gli Every Time I Die. Il disco, dal titolo Low Teens, esce, come i tre precedenti, per la Epitaph Records e segna un gradito ritorno della band di Buffalo, soprattutto per gli amanti dello screamo/metalcore. Il disco, attraverso le sue tredici tracce, ci porta in un mondo ancor più riflessivo di quanto già non lo fossero, con un sound e soprattutto con dei testi, fortemente influenzati dalle esperienze famigliari del vocalist Keith Buckley, più precisamente riguardo le complicazioni post-parto della moglie. Ci troviamo quindi davanti ad un lavoro più riflessivo, malinconico e talvolta carico di rabbia, dove il sound dei cinque, pur conservando la sua matrice d’origine, si snoda verso orizzonti musicali leggermente più distanti, dando dimostrazione, ancora una volta, del fatto che ci troviamo di fronte ad un gruppo dalle qualità indubbie. La tracklist di Low Teens mostra parecchi picchi di qualità, dall’energia sfrenata partorita dal metalcore di Glitches, alla carica trashcore di I Didn’t Want To Join Your Stupid Cult Anyway, ma anche alle atmosfere più southern di It Remembers, brano che si avvale anche della presenza di Brendon Urie (voce dei Panic! At The Disco) come special-guest.

Gli Every Time I Die ci mostrano dunque più sfumature del loro sound, ammiccando anche a sonorità più hardcore come nel caso di Just As Real But Not As Brightly Lit, senza però talvolta disdegnare accenni più melodici come in Religion Of Speed, uno dei brani più riusciti dell’intero album. Low Teens è un lavoro che sfiora l’eccellenza e gli Every Time I Die si dimostrano ancora una band in grado di avere una padronanza assoluta di tutto ciò che creano, passando con naturalezza da più stili, riuscendo talvolta a mantenere una compattezza che solo ottime band possono vantar di possedere.

A Day To Remember – Bad Vibrations

La band proveniente dalla Florida ha dato vita a questo nuovo album intitolato Bad Vibrations, per il popolo si autodefinisce hardcore, anche se ancora una volta i Day to Remember danno prova, andando a sperimentare in altri generi. Devo dire che la parte melodica non manca, anzi la ricerca a chorus strappalacrime è costante, elemento immancabile tra le ragazzine più giovani. Non sono un amante di tale genere, tuttavia i brani sono confezionati bene, in questo senso gli States hanno ancora molto da insegnare. I brani di questo Bad Vibrations sono piacevoli, l’ascolto è fluido, le vibrazioni sono meno cattive di quello che vogliono farci credere i ragazzacci della Florida, disegnati, attraverso buona tecnica e con arrangiamenti vincenti, specie nelle armonizzazioni di voce. Ogni musicista ha imparato bene lezioni, questo mix di hardcore, metalcore, modern punk, si suona così. Riff rocciosi, talvolta, costituiscono la parte meno rassicurante di questo disco, ma la fase “cattiva” dura poco, ancora chorus ammiccanti come nel caso di Exposed, tra le mie preferite dell’intero album.

Da metà disco in avanti i toni si fanno più moderati, e qui emerge quello di cui accennavo poco fa, l’energico modern punk si affaccia alla finestra cavalcando uno skate, a bordo di una strada che porta dritti al college. Mi trovo ormai in coda a questo nuovo full lenght, targato A Day To Remember con Turn Off The Radio c’è spazio, per qualche sporadico growl, apripista del consueto chorus, che entra a spallate nella testa dell’ascoltatore senza fare troppa fatica grazie a una linea trionfante. Si chiude con Forgive And Forget, song che fa sognare migliaia di ragazzine nella speranza del ritorno dell’amore perduto. In conclusione Bad Vibrations è un buon disco, suonato con energia, con la giusta attitudine; avete sedici anni, non fatevi scappare il nuovo capitolo A Day To Remember. In alto il nostro saluto!

Tears Of Blood – A New Way Of Life

I Tears of Blood sono una band della provincia di Treviso, arrivati al debut album, dopo un paio di singoli e videoclip, gettati nella mischia in precedenza. Amano definirsi una alternative metal band, termine che vuol dire molte cose, vi dico subito che se amate sonorità alla Bullet For My Valentine e Trivium questo è un disco che fa per voi. Il loro sound è di forte impatto, genuinamente sagace, nonostante la componente melodica non viene meno, grazie a melodie ammiccanti, specie nei chorus. Si tratta di un album d’esordio di tutto rispetto, sia per la musica e arrangiamenti, così come per la produzione, nitida anche se dove si richiede l’ausilio della potenza sonora il mix non lascia a desiderare, tutt’altro. C’è da divertirsi con la musica dei Tears of Blood non c’è tempo per annoiarsi, grazie al groove con cui la band riesce a smorzare gli equilibri. A New Way Of Life è un buon album, sono certo che i più giovani, lo sapranno apprezzare, specie per certi contenuti, Drown insegna. Ennesima volta che mi trovo a dire bravi ai ragazzi di casa nostra. Avanti così! In alto il nostro saluto!