GarageVentiNove – Il Male Banale

Il titolo di questo album è tanto semplice quanto pregno di significati: il “male banale”, dicono gli autori, non è altro che il senso di cattiveria che è intriso in ciascuno di noi, nel quotidiano, che si manifesta in occasioni di tutti i giorni. Questo già incastra la band, i GarageVentiNove, in un contesto lirico che è tutt’altro che positivo, seppur realista. Va detto che non ci si trova dinanzi alla classica band adolescenziale ispirata dal pessimismo cosmico, bensì da musicisti navigati che, anche se con moniker diversi, sono attivi e credono in questo progetto fin dal 1991. In questi quasi trenta anni sicuramente la loro vita è cambiata e si sono avvicendati musicisti diversi ma il perno su cui ruotano le idee messe in musica dal progetto possono essere riassunte in questo titolo e, a parer nostro, nella scena new wave. Infatti, negli anni, i GarageVentiNove sono stati associati ai generi più disparati, come il rock (complice una buona presenza della chitarra in diversi brani), al post-punk (di cui di certo sono figli) o al post-rock (che non c’entra nulla con loro) ma noi, nella loro musica leggiamo i canoni che hanno reso la new wave nota a livello internazionale.

Tempi ritmici pacati, sapore ottantiano, voce (maschile) baritonale, ore, giorni trascorsi ad ascoltare i The Cure del loro tempo buio, un pizzico di progressive nelle ambientazioni sono tutti fattori essenziali per quella scena. Ma le caratteristiche non finiscono qui perché i GarageVentiNove dispongono di due lead vocal, quella maschile di Brian e quella femminile di Patty, che si alternano giocando su regimi molto diversi; inoltre, per non rendere la scelta fin troppo semplificante, in questo album compaiono sia brani in lingua italiana che altri in lingua inglese, dimostrando una ricetta tutt’altro che statica. È nel singolo (Precipizio In) Clessidra che le due voci raggiungono la massima alchimia e offrono un valore superiore rispetto ai singoli contributi dei due musicisti negli altri pezzi. A noi colpisce Guarda Un Po’ Più In Là, un brano in cui Brian trova un’espressività davvero interessante, brano inoltre che presenta delle strofe quasi doloranti ma che esplodono in una sorta di bridge prima e sul ritornello poi. Va inoltre segnalata Ocean, traccia che ci riporta al grunge e che sfoggia un ritornello potente dopo arpeggi di chitarra corroboranti.

Il Male Banale è anche un album che guarda molto al passato, l’opener Hannah A. è intrisa di alternative rock novantiano mentre, l’oscurità tipica della new wave prende il nome di Down The River. Un album scuro ma pieno di musica e strumenti elettrici come piacciono a noi. Un progetto che ha energia diversa e che merita sicuramente più di un ascolto.

Starcontrol – Fragments

Gli italianissimi Starcontrol arrivano al primo full-lenght dopo due EP e consolidano il loro approccio new wave. Le sonorità sono indissolubilmente legate a quella scena, miste a tanto (indie) rock anglosassone: i suoni della batteria, gli effetti, alcuni arrangiamenti richiamano proprio la scena che ad inizio del nuovo millennio esplose al di là de La Manica e in tutta Europa in generale. Ma pur essendo in ritardo gli Starcontrol trovano una loro giustificazione in una buona capacità compositiva: un’intensità particolare in diverse strofe che ci fa tornare alla mente i The Cure, intensità causata non solo da un sovrapporsi congiunto e ragionato dei diversi strumenti ma anche di un pathos dark che solo un new wave scritto con immane consapevolezza può offrire all’ascoltatore. E quando si parla di intensità non si può non citare What Remains, traccia oscura e affascinante, poggiata su una spina dorsale che la fa percepire quasi in colonna sonora. I ritmi a diverse velocità sono un’altra essenza principale della “proposta Starcontrol” (comparate First Love Is Dead con Half A Picture ad esempio): il trio li alterna per dare più respiro ad un album le cui tracce superano, in alcuni casi, i 5 minuti.

Noi per nostra indole restiamo attratti dai momenti più ritmati come la veloce Humans, ma allo stesso tempo non possiamo non apprezzare anche gli altri brani che soprattutto per suoni e produzione appaiono molto ben curati. Lo stile al contrario può conquistare chi ama il genere e lo ama ascoltato come si deve, per chi invece non è avvezzo a queste sonorità non pensiamo che gli Starcontrol riescano a fargli cambiare idea. In una scena con cui è stato detto e si dice tanto, gli Starcontrol esprimono la loro idea di new wave in una maniera moderna anche se non del tutto innovativa. Da provare.

Exspectans Ver – In Limine

Se un tempo mettere su una band, provare in saletta, racimolare i soldi per registrare un album e farlo uscire richiedeva tante risorse e tanto tempo, oggi tutto questo è fattibile in pochi mesi, coerentemente con la velocità con cui viaggia la comunicazione. Un anno scarso e gli Exspectans Ver, questo il nome del quartetto, escono con il primo EP, cinque tracce cariche di sapore vintage ma con dei suoni che risultano pulitissimi e molto moderni. Dai primi secondi di Overture ci compare un Robert Smith dei The Cure in tutta il suo potere new wave, ma presto le trame cambiano pur restando ancorati a quel modo così ottantiano di intendere alcuni suoni, che ti entrano dentro. L’identità del combo è quella del post-hardcore, brani come How I Hate My Brother chiariscono la loro essenza musicale anche se i tempi sono molto lenti e ciò li distingue dalle altre formazioni in circolazione. Altro esercizio a doppia faccia è Dry Tongue, un brano che parte leggero per poi incalzare, lasciandosi dietro questo grande sapore di West Coast americana e accelerando addirittura sul finale. Forse il brano più rivendibile sulle classifiche statunitensi è Wide – Awake: ritmo più incalzante, ritornello giusto senza svendersi troppo a livello melodico e quattro minuti che sanno come scorrere senza annoiare.

Eppure anche il cantato aderisce al post-hardcore ma noi sentiamo che In Limine è solo un primo vagito perché sicuramente un secondo album (speriamo un full-lenght) può mostrare altre caratteristiche di questa formazioni, altri stili. Se tutto va bene non sarà necessario aspettare troppo tempo.

Zeffjack – Friendless

Se qualcuno di voi avesse voglia di ascoltare della musica che viaggia tra rock, new wave e punk, e comunque musica fatta con l’anima, questo allora è il disco giusto. Anzi, aggiungiamo che le correnti di questa loro interpretazione sembrano sfociare in quella spiccata psichedelia che successivamente ha tentato di trasformarsi in qualcosa di più complesso. Qui tutte le composizioni sono legate a stati d’animo ma anche alla necessità di soddisfare le sempre più ardite scelte musicali che caratterizzano la nostra epoca anche nella musica, sviscerata com’è dalla disponibilità di sempre più sofisticati programmi e software. In Friendless però quello che ci colpisce in particolare è il fatto che i suoni sono quelli nati dalle potenzialità strumentali della band che con questo disco lascia il segno. Dieci brani in cui chi ha sonorità oltre i limiti si ritrova facilmente, e ciò avviene già con il pezzo di apertura, Mont Blanc, che sa di un pop noise d’altri tempi perché vi ci si trovano sonorità vicino al rock di stampo americano che pescano in band stile Warlocks. In Mont Blanc il basso regna sovrano anzi, fa interludio al pezzo successivo Arnold Press, un post-punk dal suono snaturato di una chitarra che stacca in maniera forse un po’ troppo esagerata come accade nella parte finale.

Poretti Party si proietta immediatamente in vorticose cavalcate chitarristiche alla maniera dei Sonic Youth degli albori e a nostro parere non è poi così male, anzi, il rock lo si sente eccome pur se un cambio in corsa avrebbe fatto bene alla sostanza del pezzo. Comunque sia non mancano gli ammiccamenti a quel post-rock di fattura elevata che in molti conosciamo. Ma basta poco a sfatare queste nostre riflessioni perché il pezzo successivo è proprio quello che ci si aspettava a questo punto; infatti, Starting Light pur mantenendo inalterata la sezione ritmica che abbiamo trovato in Poretti Party dà davvero la sensazione di trovarsi in un mondo che fa da spartiacque tra punk e post grazie all’uso incontrastato di passaggi che si perdono in ottave distorte. La traccia successiva, St. Anthony’s Fire, pur sembrando caotica ed irriverente mette in piena luce le capacità strumentali della band che qui con gli strumenti gioca a vorticosi inseguimenti per giungere a quell’esplosione di sensazioni che solo certo sound può dare. Effettivamente questo è per noi il pezzo più trascinante di tutto questo disco che va ascoltato con attenzione, possibilmente a volume “sparato” come si usa dire nel gergo più consono alla new wave ed al punk.

Demo Cemetery è sui quei livelli di post-rock che a noi fanno rizzare i capelli (per la verità ne abbiamo pochi) ma il sound è così ben strutturato da apparire immediatamente compatto e inquieto come si aggrada a stilemi alla Sigur Ròs e qui, in questo pezzo, tutta la comunicabilità dei Zeffjack si esprime ai suoi massimi livelli. Deep Impact è rock alternativo stile Verdena e simili, insomma vero e proprio rock alternative indie che non disdegna a questo punto del CD. Anzi i suoni sono qui più puliti, ben miscelati, e danno il senso di dove questi Zeffjack hanno intenzione di arrivare (speriamo). Da California Butterfly a Number 9 a Fade Out, ultime tre tracce che chiudono Friendless, gli Zeffjack mettono in pratica tutto quanto fin qui ascoltato, esaltando il fascino di un CD che oltre a punk, new wave e post-rock fa risaltare le loro capacità di saper creare dell’ottima musica strumentale, senza fronzoli, mirando alla concretezza ed all’esaltazione della creatività che contraddistingue questa band nostrana. Se per per gli Zeffjazk, Friendless è un disco d’esordio, è appena il caso di aggiungere che continuando così saranno in grado di ritagliarsi uno spazio nel variegato panorama indie nostrano che spesso nasconde veri e propri capolavori. E se in questo disco creatività è anche sinonimo di rabbia beh, allora, grazie al sound che qui ci è apparso intenso come non mai, gli Zeffjack faranno molta strada.

Viridanse – Hansel, Gretel E La Strega Cannibale

Un cappello introduttivo è d’obbligo per i Viridanse. Nati ad Alessandria nei primi anni ’80, esordiscono nel 1983 con l’EP Benvenuto Cellini che li impone subito come promessa nascente nel circuito underground italiano. A questo segue come nella naturale evoluzione di quegli anni l’album Mediterranea che esce nel 1985 con un ottimo riscontro. A seguire, mentre lavorano alla loro seconda release, la band si scioglie inaspettatamente. Nel 2014, i membri originari Flavio Gemma ed Enrico Ferraris riformano, con grande stupore di pubblico ed addetti ai lavori, la loro creatura. Pubblicano nel 2015 Viridanse seguito nel 2017 da Hansel,Gretel E La Strega Cannibale, disco di cui ci accingiamo a parlare proprio in questa sede.

Registrato al Teatro comunale di Alessandria con uno studio mobile come fosse un live, la nuova opera dei Viridanse è oscura, angosciante ed a tratti molto opprimente. Torneremo poi a parlare di questo aspetto per dire prima che questo metodo di registrazione è subito evidente all’ascolto in quanto la potenza espressa da tutti i musicisti è evidente fin dal principio. In quanto al mood di cui parlavamo prima, grazie al cantato visionario ed a tratti allucinato di Gianluca Piscitello e all’utilizzo in fase di arrangiamento di tutti gli strumenti in maniera appropriata, l’ascoltatore prova davvero un senso di angoscia ed oppressione che lo accompagna per tutta la durata del lavoro. Non è solo un sentore darkeggiante che ci pervade; le tastiere sono utilizzate in una maniera che si avvicina moltissimo all’ambient più oscuro, quasi come nel black metal e nell’elettronica più depressiva che ci siano in giro in questo momento.

L’unica nota negativa, se così si può dire, la si trova nella poca varietà che c’è tra una canzone e l’altra. I pezzi si assomigliano moltissimo tra di loro ma, per chi scrive, la cosa è più vista come una sorta di continuità e di legame di tutto il prodotto, quasi fosse un concept album che scava nell’abisso più profondo, dove solo gli incubi che non si ha il coraggio di affrontare vivono nascosti. Molto bello il booklet contenente dipinti di Antonio De Nardis ed Aeno China. Il ritorno dei Viridanse può solamente far piacere e dimostra quanto in Italia il rock in tutte le sue forme sia ancora ben vivo e scalpitante.

So Long – So Long

Nebbia in val padana. Mi piace guidare nella nebbia leggera pensando che sia domenica e che mi aspetta una casa defilata dal centro urbano, un caminetto e qualcosa di legno attorno. La cena con chi ami, amici speciali, una tisana vicino al camino. E in tutto questo, quando la nebbia circonda quelle distorsioni un po’ rock e un po’ new wave mi viene subito da pensare ai Foo Fighters di Hero. E questo esordio mi piace parecchio perché mescola tutto questo con suoni semplici, scritture che restano private e sussurrate appena al resto del mondo conosciuto. Sono scritture e non sono canzoni, sono esperienze e non sono melodie da radio e da piaceri facili. Da Cesena si muove tutto, dalle righe dei So Long che pubblicano questo omonimo disco come loro primo lavoro in questa Italia che fa sempre a gara ad essere meno Italia possibile nell’espressione musicale. Ci riescono i Nostri con l’arma di irrimediabile seduzione: la semplicità e la leggerezza. Sono 8 inediti che scivolano senza intoppi e senza pretese, passano che hai bevuto acqua fresca e ti senti bene. Passano che hai passeggiato in una campagna di sole autunnale. Passano che l’America non ti frega più di raggiungerla, pensi che stai bene così come sei a casa tua.

Se Hyper Run un poco cerca la mano di Micheal Stipe e dei REM aggiudicandosi il primato di ritmo incalzante del disco, appena sotto Invisible che invece cerca nel britpop una ragione buona per stare al mondo, se nello strumentale Stone Bridge ci sono tendenze orientali a colorare le chiuse melodiche di un riff che resta ben stampato alla mente, il resto del disco si muove (anzi fluttua) in un monotematico mood ambientale e di vita. Di certo il limite che separa il fascino dalla monotonia è assai labile e qui penso che la critica sarà ben lacerata in queste due grandi famiglie. Io mi sposto dal lato melanconico del fascino, laddove 8 inediti quasi interamente figli di un sacco unico di idee e di strumenti, se la giocano in una produzione che avrei voluto sentire più grintosa di bassi e più definita di suoni ma anche così vaporosa ed eterea ci sta e se la gioca bene. Sono canzoni che non decollano e non ci tengono a mescolarsi. So Long è un disco che deve essere consumato sotto acidi o durante un viaggio in macchina, con la testa al finestrino, mentre piove, ma con il cuore in panne per un amore da raggiungere di li a poco. So Long resta. Un buon inizio davvero.

Wailin Storms – Sick City

Siamo sinceri: per noi feticisti della musica (e anche del formato fisico, che è poi una conseguenza) basta un font come quello usato sull’artwork di questo lavoro per essere trasportati in un ambiente scuro, un po’ malato, pieno di sostanze chimiche e lisergico. Ma non è questa l’unica verità che va accettata come effetto naturale di Sick City, nuovo dei Wailin Storms. C’è anche la loro catalogazione per genere o meglio la descrizione che loro danno alla propria espressione musicale: un misto tra doom e punk. In molti potrebbero storcere il naso e, detto da chi fa (o conta di fare) critica musicale, non a torto visto che rende l’idea del sound del quartetto americano ma è deontologicamente una dicotomia in termini. Piuttosto i Wailin si vestono da band new wave ingerendo chili di watt distorti e macchiati, come se fossero una band che gioca con gli amplificatori alla ricerca di quelli che saranno i prodromi del grunge. E allora se loro giocano con i generi (doom e punk?!) noi esageriamo con un paragone: è come se i Joy Division avessero incontrato i Turbonegro. Non a caso le tracce di questo Sick City (già il titolo è tutto un programma) risultano pesanti dal punto di vista sonoro, claustrofobicche, mai intente a creare pulsazioni accelerate, piuttosto giocare con l’intimità dell’ascoltatore senza tralasciare un animo rock, anzi potremo dire “dirty rock”.

In Clean Shirt, unico momento che supera i sei minuti, c’è una spinta ritmica un po’ diversa anche se nelle strofe si riprende l’incedere funereo, affascinante Night Of The Long Nights un brano che prosciuga ogni sfumatura di colore spegnendo le luci e lasciano le nostre pupille guardare fisse nel vuoto scuro. Al contrario passaggi come Blue As The Blind risultano troppo pesanti e indigesti a meno che non siate abituati a questi suoni, fatta eccezione per la chitarra solista che di tanto in tanto esce fuori come una scheggia troppo affilata per stare sotto chili e chili di decibel. Una prova spigolosa, poco amichevole, lenta e che rischia di corrodere il timpano, ma in fondo è pur sempre un’altra interpretazione del rock.

Secret Sight – Shared Loneliness

Ritornano i Secret Sight con il loro stile ormai noto (che ci aveva già affascinati ai tempi di Day Night Life, il loro precedente lavoro recensito da noi a questa pagina) ma con una veste nuova fatta di una line-up che si restringe a tre elementi dopo l’uscita del singer Matteo Schipsi. Basta ascoltare Stage Lights e capiamo subito che non ci troviamo dinanzi ad una band qualunque: arpeggi con tanta eco, effetti dark, intensità molto forte…non si tratta di una qualsiasi band new wave ma di una che ci sa fare, che sa mettere le note al loro posto. Dimenticate synth ammiccanti e linee di basso, qui è l’assenza di colore che affiora nella mente e nel cuore della band, come l’artwork dal futurismo retrò pieno di sfumature sempre tendente ai toni scuri (Flowers). Melodie ma non troppe, come in Blindmind un brano molto intenso, un tuffo nel passato tra il sound dei Duran Duran con il mood più intimo e negativo dei The Cure, ed è proprio sulle coordinate della profondità che si gioca questo Shared Loneliness. Su questa ambivalenza di arpeggi più orecchiabili e trame new wave, oseremo dire dark, che si gioca la linea della band, una direzione molto chiara e affascinante in quanto composta e prodotta con grande maestria.

Tra brani più ritmati come Swan’s Smile o Suprising Lord e passaggi più intimi come la già citata Flowers o Sometimes, l’album si sviluppa come un asteroide che viene da molto lontano ma che nel suo viaggio cambia forma in funzione della velocità di crociera; se volete andare però a colpo sicuro e cavalcare questo asteroide senza meta ascoltate Over e troverete tutte le direzioni prima dette compresse in un’unica traccia. Una prova colta anche se di nicchia, il cui fascino è stato già captato da due label, sarà un caso che sono entrambe straniere?