See The Sky – Ego Rehab

La società attuale ci manipola? Ci impone idee predeterminate che le aggradano attraverso politica, mass media ed altri mezzi, per avere dei burattini da usare a suo piacimento? Questo è l’assunto da cui parte l’idea del nuovo album dei See The Sky, Ego Rehab. Un concept che vede il protagonista della storia essere isolato in un manicomio a causa del rifiuto di allinearsi alla massificazione totale. Che si pensi o meno che cose del genere siano già in atto o succederanno, il tema è qualcosa che viene sfruttato da molto tempo dal mondo dell’arte in generale, ma risulta sempre affascinante e fa pensare. La band dei senza volto (si presentano nel booklet mascherati e con i visi cancellati) dà vita ad un misto di nu metal e sperimentazioni, accompagnato da voce femminile e growl in stile brutal. Alcune delle nuove leve che si affacciano al mondo musicale attualmente cercano (non sempre bene, va detto) di creare qualcosa di originale mischiando generi e trend che sono abbastanza recenti, parlando in ordine di vicinanza temporale. I See The Sky non falliscono, ma non centrano nemmeno il bersaglio appieno. Ciò è dovuto a diversi fattori. In primis, la produzione del loro Ego Rehab risulta musicalmente moscia e smorta. Secondo noi dovrebbe esprimere molta più violenza sonora per generare e trasmettere all’ascoltatore il senso di alienazione e coercizione che il concept vuole esprimere. La batteria, ad esempio, sembra una drum machine da quattro soldi comprata al mercatino dell’usato, invece di uno strumento vero ed altamente impattante. C’è da dire, poi, che questa è una giovane band e che quindi la personalità e la via musicale non sono ancora del tutto, probabilmente, definite. Molti passaggi del disco, musicalmente parlando, ricordano i vecchi Korn e gli Slipknot dell’omonimo esordio.

Poi, per carità, Ego Rehab non è che sia da lanciare dalla cima delle Petronas Tower per farlo sfracellare ed essere sicuri che succeda. E questo perché si sente che, se saranno capaci di farlo, potranno esprimere al meglio le potenzialità che si notano nel disco. La voce di Miriam Gardner bene si alterna con il growl ed i “puliti” di Bjarne Mattheson (entrambi i vocalist sono eccellenti). Inoltre, se l’impatto violento manca, sulle atmosfere desolanti e melanconiche dell’alienazione mentale e del manicomio, non ci piove che i Nostri raggiungano davvero il risultato che volevano. Ego Rehab è un disco fatto di chiari e scuri. Ma i See The Sky sono da tenere d’occhio.

Kpanic – Panic Station

Solitamente una band emergente, prima di realizzare un full-lenght, anticipa le proprie idee con una manciata di brani inseriti all’interno di un EP, per farsi conoscere dai locali, per stuzzicare la curiosità della stampa, per iniziare a far girare il proprio nome. I Kpanic invece un full-lenght ce l’hanno già alle spalle e dopo qualche anno tornano con 5 nuovi brani in questo Panic Station. Il sound è noto e stranoto, loro parlano di crossover, noi preferiamo accostarlo ai nomi del nu metal degli anni 90 e qualcosa di alternative metal meno antesignano: chitarre aperte, sezione ritmica che si sente, e linee vocali in prima linea con le classiche storpiature americane di scuola Jonathan Davis e grandi ritornelli che restano impressi. Niente di nuovo sotto il sole ma va detto che la band suona con grande attitudine e convinzione: non si ha la sensazione del “vecchio”, del polveroso, le tracce anche se brevi arrivano facilmente e il nostro collo non riesce a stare fermo. Buona la prova di Simone Pannacci al microfono, anche se a nostro parere con il suo carisma potrebbe ostentare uno stile più personale e magari creare un vero e proprio trademark con cui guidare il timone della band.

U’N’Meanche singolo dell’EP, è l’esempio per eccellenza del brano della band: essenziale, con qualche arrangiamento ben piazzato (da questa traccia probabilmente deriva l’inserimento dei The Cure tra le loro influenze), e una struttura semplice che si butta giù come un bicchiere d’acqua e una pillola qualsiasi. In fondo Panic Station è un assaggio di 20 minuti, difficile capire la prossima release quale direzione prenderà, quello che però è importante è sapere dove non dovrà andare: non dovrà guardare al passato, secondo noi, ma incorporare fattori nuovi per differenziare il sound dei Kpanic rispetto ad una scena che negli ultimi anni stenta a stare a galla.

Old Scratchiness – No Shape

Essenziale ma ben presentato il primo EP degli Old Scratchiness, formazione che tra alti e bassi arriva a questo lavoro presentando 5 brani inediti. Il sound è dark, cupo e pesante ma viene alleggerito dall’approccio emergente profuso dalla band, non tanto cervellotico e molto vicino a radici rock/grunge. Se infatti nell’opener le riminiscenze di band come Korn e Marilyn Manson sono abbastanza chiare, nel brano Shapeshifter i riff diventano più rotondi e il grunge viene fuori, in alcuni momenti con un accenno allo sludge ma molto più aderente al rock che non al metal. La produzione è essenziale, di buon livello per un lavoro emergente anche se non eccezionale; d’altra parte sia nei passaggi di pieno groove (in senso lato, visto che i ritmi sono quasi sempre molto pacati) che nelle piccole espressioni soliste, si apprezza una buona cura del suono. Probabilmente è il grip quello che manca: i brani degli Old Scratchiness, anche se ben costruiti, non restano attaccati come dovrebbero e, ad accezione della resa live che con tutta probabilità tiene alta l’attenzione anche di chi li ascolta per la prima volta, difficilmente vengono ricordati dopo un ascolto in cuffia.

La lenta e ripetitiva Giant cita chiaramente gli immortali Black Sabbath con qualche piccolo inserto post-metal nelle strofe, niente quindi di particolarmente nuovo dietro l’orizzonte, ma di sicuro colore nero. Con l’ultima traccia si rallenta ancora di più il mood con un basso che esce ancora di più allo scoperto e una sei corde che in parte sperimenta: c’è più spazio per ogni strumento e questo è un lato positivo ma torna la sensazione che la traccia scorra via, forse con una parte strumentale troppo lunga e l’assenza di un riff che resti impresso si sente.

L’approccio generale degli Old Scratchiness è buono, la scelta di cantare in inglese è un po’ scontata (sarebbe più caratteristico un sound di questo tipo con testi in italiano), bella la presenza di tracce che superano la canonica durata di tre minuti, segno che c’è linfa creativa dietro questo progetto. Bene per un EP autoprodotto, primo passo verso il mondo discografico, ma per il loro futuro ci attendiamo maggiore personalità e maggiore coraggio.

F@B – Talmbout’ Dat

Si chiamano F@B e arrivano dall’Ukraina, questi quattro ragazzacci. La loro proposta strizza l’occhio a quello che è successo oltreoceano qualche anno fa, anni in cui il crossover fu denominato nu metal. Oggi la scelta dei Nostri potrebbe sembrare anacronistica, ma quel che conta è avere le idee fresche, la giusta rabbia, e in tutta onestà credo che questo non manchi alla band, anzi. Il sound è potente, costituito da riff granitici, accompagnati da una sezione ritmica costante, con un basso a volte in slap, tanto caro agli Infectious Grooves. Nonostante la band sia compatta, anche nel giudizio tecnico, spicca il singer Ivan Patey, sia per quel che concerne la semplicità con cui riesce a dividersi tra clean volcals, bridge rapcore e parti sicuramente più rabbiose che per la costruzione delle metriche, presenti, piacevoli, senza mai tediare l’ascoltatore. Gli accostamenti sono quelli legati ai mostri sacri del genere, Korn ad esempio, Limp Bizkit, Tool, di quest’ultimi a tratti sono state prese in prestito alcune atmosfere, dove la band si toglie il cappello ilarico NY e scopre di avere anche una venatura più riflessiva. Tra le mie preferite la opener Double Y Chromosome, dove nel chorus, non fatico a trovare un tributo/rimando a Jonathan Davies, e poi l’imponente You così come la successiva Measure e qui devo spendere un elogio per un ottimo lavoro di suoni, prodotti da una chitarra più che ispirata.

Davvero una bella sorpresa questo Talmbout ‘ Dat, primo lavoro in studio dei F@B, che con una buona dose di adrenalina mi hanno convinto, grazie anche ad un’omogeneità naturale con cui i quattro riescono a districarsi, fornendo una prestazione che può solo che essere promossa a pieni voti. Un disco consigliato, specie per chi ha amato alla follia quei giorni in cui veniva alla luce un nuovo genere, battezzato solo qualche giorno dopo nu metal, niente più che un’ennesima diramazione del nostro tanto amato metal. Dai paesi dell’Est una risposta convincente, F@B, Life is Good. In alto il nostro saluto!

Bad Weather Project – Stormriders

L’intro di questo album ha un sapore che potrebbe trarre in inganno. Dimenticate le melodie che ricordano i Red Hot Chili Peppers meno rock e che sono al centro dell’opener Updraft, Stormriders esplode già dalla seconda traccia, Timebomb, che dice molto già dal titolo: riff rotondi che richiamano certo post-grunge ma sono iniettati di una dose incalcolabile di hard rock. Tutto qui? Nient’affatto perché nei successivi quaranta minuti di rock bello potente aleggia uno spirito per nulla cattivo ma al tempo stesso molto poco timido: quello di un certo retrogusto glam/sleaze che i ragazzi presentano come “LA guitars” e che noi sentiamo molto forte nelle loro composizioni; a partire dalle linee vocali che attingono, senza eccedere però in tonalità incredibili, da band come Guns N’ Roses et similia, fino alla sei corde molto presente tipica di band come Skid Row (anche se sono del New Jersey, il loro sound era molto vicino a quello losangelino) o se vogliamo a parte del nu metal degli anni 90. Basta un ascolto di questo album che il sound dei Bad Weather Project resta impresso nella mente, i refrain (più dei chorus) fanno eco e si ripetono da soli nella mente e noi siamo convinti che anche on stage la band riesca ad attirare l’attenzione anche da chi è nuovo alla loro proposta.

Stormriders è un motore a più cilindri in cui la benzina scorre copiosa, un motore che deve costantemente aumentare i giri per non bloccarsi e sprigionare potenza a terra come in una corsa in cui ci si gioca tutto. C’è chiaramente tempo anche per momenti meno irruenti come in Code Of Soul, un brano elettrico ma meno irruente che ci ricorda un grunge molto in voga tempo addietro, eppure a noi piacciono più momenti come Ragesong (di sponda Audioslave o anche P.O.D.) ed Escapology (che ha un sapore molto southern). Una nota da segnalare è la voce di Cristiano “Crisix” Ceccato che sposta nettamente il baricentro della proposta musicale verso il grunge/post-grunge, mentre con un singer dotato di una diversa timbrica (lasciando inalterati gli altri strumenti) si potevano toccare terreni differenti.

Buoni gli assoli e il tiro delle diverse tracce, quello che ci si aspetta dai BWP è una dose maggiore di personalità, perché il loro sound fa sicuramente presa su chi è alla ricerca di rock/metal d’impatto ma non estremo, però per i più esigenti vi sono troppi rimandi agli anni 90 (post-grunge, nu metal…) e qualche ingrediente targato BWP migliorerebbe la resa finale. Comunque sono solo all’inizio del loro cammino.

Mantram – Gone

I Mantram sono un quartetto tutto italiano che si presenta come un’alternative rock band ma a nostro parere punta diretto alla scena nu metal sfiorando qualche elemento crossover. Una sonorità ormai considerata sempre meno dalla stampa ma apprezzata ancora da una certa schiera di fan. Dal loro nuovo EP di cinque tracce notiamo subito delle strutture semplici, riff impostati che puntano talvolta sul groove altre volte su pattern essenziali che ammorbidiscono il termine stesso di metal e cercano di dar vita ad un sound in your face ma senza eccedere. Nella titletrack ad esempio viene fuori una linea di basso accattivante, la restante parte è caratterizzata quasi esclusivamente da buone aperture che rimangono facilmente impresse nella mente (cioè semplici). Questo brano crediamo sia la vera radiografia del sound della band, un sound che seppur buono stenta a decollare, tirato da una parte da qualche ingrediente di spicco dall’altra da un songwriting poco incisivo. Non a caso le linee vocali sono buone ma sono prive di coraggio, non osano per andare oltre quello che ci si aspetterebbe da una band targata 2015.

Bello anche il flanger in Wake Up Call, qualche assolo e il riff in partenza di Time To Run che ricorda qualcosa targato Judas Priest, ma brani come Unconnected lasciano l’amaro in bocca, passano innocui e innocenti. Noi speriamo che Gone sia un assaggio di qualcosa di più intricato e particolare che non solo ecceda in durata ma anche in energia. I Mantram possono riuscire tranquillamente nella missione.

ANEWRAGE – ANR

Gli anni ’90 e gli inizi del nuovo millennio hanno lasciato in eredità il nu metal, scena molto in voga in quei tempi, tra formazioni davvero originali ed altre che ne copiavano lo stile per cercare di trovare successo commerciale. Dopo quegli anni, e dopo l’esplosione che la scena aveva vissuto, ne è rimasta solo cenere e come tale gran parte delle nuove band si sono sbarazzati del passato. Vi sono però alcune realtà poco longeve che intendono raccogliere queste ceneri e riproporle in veste non si sa se più moderna o semplicemente personale. Tra questi vi sono gli ANEWRAGE, quartetto lombardo che punta ad un metal dalle strutture semplici e che alterna chorus aperti a liriche più aggressive: in sostanza tutti gli elementi che permettono di proporre una ricetta “in your face” senza però scandalizzare chi non è avvezzo alle sonorità più estreme. I ragazzi hanno energia e nel loro debutto godono di una buona produzione anche se noi li troviamo un po’ troppo derivativi; in particolare richiamano parte del cammino imboccato in passato dai Mudvayne: riff impattanti, un basso prepotente, un’ottima tecnica, liriche “nu” e aperture per ammorbidire la resa.

La parte iniziale di The Backflip Irony richiama direttamente lavori come The End Of All Things To Come, le cose non cambiano con Nerveball dove i testi veloci (dire rappati sarebbe forse troppo) ricordano direttamente lo stile di Chad Gray; a tutto questo mancano i riff stoppati tipici della scena (e della band) di riferimento ma anch’essi arrivano con Rotten. Più convincente invece giunge la pacata Frozen Light, brano più empatico è fuori dai canoni delle restanti tracce. In generale gli ANEWRAGE sono una band la cui proposta vive in ambito live, habitat molto più naturale per loro rispetto al disco. Sicuramente on stage sono in grado di sprigionare maggiori emozioni e noi speriamo che con il tempo riescano ad acquisire anche una maggiore personalità musicale. Diciamolo senza peli sulla lingua: se questa band se fosse emersa durante la seconda metà degli anni ’90 avrebbe avuto un successo a dir poco planetario. Ma discograficamente, a nostro parere, sono in ritardo.

Warped – Intorno A Me

Nell’attesa che qualche band emergente crei delle nuove frontiere musicali, ci piace continuare la nostra quotidiana scoperta tra formazioni attuali che interpretano in modo originale generi di grande successo vari lustri fa. In questo scrigno dal fondo profondo troviamo anche i Warped, band giunta da poco all’esordio discografico dopo un EP che ne presentava le idee. La scena richiamata è principalmente quella del nu metal americano della seconda metà degli anni novanta, quello carico di groove e dove il ritmo giocava in attacco (Limp Bizkit, Korn) ma la particolarità qui è quella di collocare dei testi in italiano molto veloci (Fred Durst apprezzerebbe se parlasse l’italiano) che arrivano molto prima rispetto ai testi americani troppo influenzati dalla loro scena hip hop e da tutto quello che ne deriva. Il carattere distintivo di questa band non viene solo dal genere bensì anche dalla loro attitudine e dallo stile che è iniettato nelle singole note di questo album. Tutto è ideato e realizzato con un animo grezzo, a differenza delle band a cavallo con il nuovo millennio che si appoggiavano ad una produzione super-laccata: Intorno A Me suona rustico e sfacciato, diretto, pur dimostrando una grande compattezza sonora che valorizza quel piccolo lato groovy a cui i Warped non riescono a rinunciare.

Cattiva A Pugni Chiusi, potrebbe fungere da baluardo per una generazione che sta cercando la sua valvola di sfogo e di reazione; la titletrack ricorda un po’ troppo i Linkin Park di In The End, con la medesima carica esplosiva di ormai dieci anni fa e con i relativi pro e contro. I brani procedono e viene fuori non solo la grande energia che il quintetto incastra in questi quasi quaranta minuti di ascolto, ma il peso delle singole traccie che potrebbero davvero essere la voce di tanti ragazzi che cerano di esprimere (attraverso la musica) le proprie idee e le proprie frustrazioni (come in Demoni). In fondo non è sempre stata la musica il mezzo per alzare la voce e farsi sentire, ma soprattutto per lasciare più segni con le parole che con gli altri mezzi che l’uomo ha a disposizione?Quindi, senza peli sulla lingua i Warped si presentano così, con il loro personale modo di scrivere e soprattutto suonare musica, consci che il principale habitat della band è su di un palco ad urlare in faccia al pubblico (inerme) la loro verità.