Flying Disk – Urgency

I Flying Disk sono una nostra vecchia conoscenza, dai tempi di Circling Further Down, pubblicato 4 anni fa e recensito da noi a questa pagina. E questo periodo ha dato motivo ai Flying Disk di cambiare molto del proprio stile. Innanzitutto la band punta su dei ritmi molto più composti, meno velocità, c’è più dedizione verso un incedere composto; inoltre la chitarra ha assunto una funzione completamente diversa, abbandonando le visioni post-hardcore trasversali e se vogliamo un po’ folli del precedente lavoro per assumere calorie a iosa e una personalità molto debitrice al nu metal di fine secolo scorso (solo Young Lizard ricorda a tratti il precedente album). Il basso resta uno strumento importante nella ricetta dei FD, potente e corposo, quasi una seconda chitarra che aggiunge un sapore oscuro alla forza del power trio. Se si sommano lo spessore del basso e la nuova visione della sei corde non si fa fatica ed immaginare quanto lo stoner abbia di recente influenzato i ragazzi e la conferma ci arriva da un brano come Hammer che dice tantissimo già dal titolo.

Uno spiraglio di post-hardcore, con degli abiti strappati all’insegna del rock’n’roll, arriva con Dirty Sky, un brano dalla ritmica che si avviluppa su se stessa e che alterna saggiamente voce e riff per offrire poi quell’esplosione totale nel ritornello; ma è troppo poco per parlare di vero appiglio al mondo dell’hardcore. Il terzetto è cambiato, si è evoluto ed ha assunto una forma diversa, prima era un bruco ora una farfalla. Difficile dire se fosse meglio prima od oggi, si tratta di due stili molto diversi. Anche in questo album i Flying Disk si sono attestati sui 25 minuti di ascolto, segno che la durata è un’unita di misura che non va d’accordo con il termometro che indica il livello di qualità presente nella musica. E noi siamo d’accordo con loro perché anche in questo Urgency c’è molta musica, in senso qualitativo ed in senso compositivo, rispetto a quanto l’orologio ci suggerirebbe. Un album moderno, di sicuro non innovativo ma che assume un potenziale live di tutto rispetto. Urgency è un lavoro per chi cerca bassi profondi e riff potenti ed ovattati senza mezze misure.

From Ashes To New – The Future

Torna sulle scene una band che di sicuro non pecca in quanto a prolificità: dopo il secondo EP Downfall del 2015 (recensito a questa pagina) e il primo vero album Day One (di cui avevamo parlato qui) uscito nel 2016, arriva quest’anno il nuovo capitolo discografico. Il titolo suggerisce qualcosa di nuovo o quantomeno innovativo, The Future, ma probabilmente di moderno c’è solo la formazione che vede alcuni cambi. Fuori Tim D’Onofrio alla batteria ma soprattutto Chris Musser alla voce e dentro rispettivamente Mat Madiro e Danny Case: le carte in tavola cambiano ma la partita nel complesso non va in un’altra direzione se non quella di un ammorbidimento generale che vira più sul rock elettronico e sulle melodie. Non mancano anche qui testi rappati, come da trademark della band, riff dopati in fase di produzione con scelte elettroniche, basi ed effetti vocali…insomma un lavoro dietro le manopole incredibile che sicuramente trarrà i suoi frutti in terra statunitense ma che da noi potrebbe risultare un po’ troppo “sintetico”.

Crazy sembra un vagito dei vecchi Linkin Park trasvestito da ballad, My Name e Nowhere To Run potrebbero essere i singoloni da cui estrarre il ritornello e farne un uso molteplice (radio, negozi di abbigliamento, pubblicità…) mentre la strofa suona scontatissima per chi è cresciuto a pane e nu metal anni 90 nel primo caso ed electro rock nel secondo. In generale un segno di debolezza viene riconosciuto nell’estrema rigidità della struttura dei singoli brani (intro+strofa+ritornello+strofa+ritornello+eventuale intermezzo+ritornello) che se da un lato conferma che le canzoni siano state composte per attecchire sui grandi ascolti dall’altro fanno svanire l’effetto sorpresa e creatività. Momenti più interessanti sono Broken, che pur seguendo gli stilemi della band attira attenzione grazie a ritmi più tirati e arrangiamenti sicuramente più interessanti, o anche Enemy per i suoi riff pomposi; proprio gli arrangiamenti sono spesso apprezzati in quanto donano colore ad una ricetta come dicevamo statica.

Per il resto i From Ashes To New non sono cambiati più di tanto, hanno abbracciato in maniera più matura il proprio stile musicale che tutto è tranne che innovativo. Se vi sono piaciuti in passato, The Future potrebbe fare al caso vostro ma dovete apprezzare certo nu metal contaminato dal rap e dall’elettronica.

Silver End – Spreading Fire

Il nu metal è stato un periodo (più che un genere) che ha messo tra due parentesi graffe un moto musicale che doveva rappresentare il suono nuovo dei metallari di questo millennio. Quando però le principali band di riferimento sono cresciute, sia anagraficamente che discograficamente, le label hanno cercato di compiere una sorta di operazione commerciale del tipo 2.0, dal furbissimo sapore di un repulisti, che ha avuto come risultato quello di archiviare in fretta un genere considerato troppo da “bimbiminkia” cambiandogli i connotati stilistici ed i canoni estetici, rivisitando quindi l’immagine di quelle formazioni divenute oramai asincrone per i tempi moderni (leggasi Linkin Park, Korn o Papa Roach, giusto per fare degli esempi), e lanciando le nuove leve verso quell’affascinante odissea nello spazio che straborda di déjà-vu chiamata “modern metal” o “modern rock”. Questa premessa ci sembrava doverosa allo scopo di introdurre al meglio la band di cui vi andremo a parlare, i norvegesi Silver End ed il loro secondo album uscito sul finire dello scorso anno, Spreading Fire.

Nella piena sostanza infatti, questa recente fatica discografica del quartetto di Bergen, presenta in tutto e per tutto gli elementi tipici del nu metal, sebbene la loro bio li introduca come accasati ai generi modern di cui abbiamo accennato poc’anzi. Basta infatti chiudere gli occhi ed ascoltare una qualunque delle tredici tracce proposte, per essere di colpo catapultati nelle atmosfere in voga oltre un decennio fa, tutte bicordoni potenti ed effettati, vocalizzi lunghi, testi intimisti pieni di paranoia post adolescenziale e ritornelli che ti si piantano al centro del cervello per due giorni. Attenzione però: al netto delle opinabili scelte artistiche riferite al genere proposto, va detto che laddove contestualizzato nel suo lato soggettivo, questo album riesce addirittura ad essere gradevole e piacevolmente fruibile, presentando un suono in pieno balance tra i crismi fondamentali della vecchia scuola ed il cauto utilizzo di growl e scream, praticamente dosati con tutte le cautele del caso.

Spreading Fire non è quindi un lavoro che ci ha particolarmente esaltato, né tanto meno portatore sano di una qualunque spinta innovativa all’interno di un movimento praticamente ai margini dell’interesse mediatico e commerciale, ma che porta in alto la bandiera di chi crede ancora nelle potenzialità comunicative di questa controversa esperienza metal, attraverso un progetto artistico che, in fin dei conti, ci sembra onestamente molto valido.

Siksided – Leave No Stone Unturned

Arrivano dal Nord Italia e si collocano esattamente al centro tra la fine degli anni 90 e l’inizio del nuovo millennio. Il sound dei Siksided, forgiato accuratamente nel loro primo full-lenght, è un post-grunge con riff ben presenti e calibrati (Disposable Livings) che spesso finisce per sconfinare in un metal molto cupo (Fragments), a tratti post-metal a tratti nu metal, ma sempre con un tiro forte e trascinante. Il groove che viene emanato dai pattern colpisce come un pugno diretto sul volto e richiama direttamente la scena nu metal di fine secolo; in particolare, in più punti, i Siksided ci ricordano i Mudvayne, non solo per le linee vocali ma anche per le costruzioni compositive: ci riferiamo agli arpeggi e alle strofe pacate che aprono a parti esplosive in grado di far sobbalzare l’ascoltatore. Questa ricetta, seppur vincente, è ripetuta un po’ troppo spesso, ma noi preferiamo comunque riconoscere l’attenzione alla parte compositiva che è tutt’altro che da band emergente. Leaf ad esempio sembra una anthem scritta da una formazione con decenni di musica alle spalle, forse un po’ in ritardo rispetto alla scena attuale ma di sicuro interesse per le radio che ancora trasmettono del nu metal.

Blatant Quiet è un altro pezzo da ascoltare tutto d’un colpo, con quelle chitarre ovattate e martellanti e i diversi inserti lungo il percorso che lo rendono un pezzo davvero interessante, soprattutto nel chorus tutto da cantare. Quindi tutto super: sound, produzione, tiro, riffing…tutto da promuovere. Eccetto per il genere proposto. Non si tratta di classificazione piuttosto di evoluzione musicale. Il nu metal si è evoluto in tante altre creature e, seppur sposiamo a nostro parere la volontà dei ragazzi di esprimere la musica che hanno in testa indipendentemente da quello che la scena sia abituata a sentire, è innegabile affermare in una recensione che il mercato punta ormai qualcosa di diverso. Indipendentemente dalla vostra età noi crediamo che un ascolto agli Siksided sia doveroso.

Holophonics – Fast Forward

I francesi Holophonics tornano sulle scene con questo nuovo terzo album dal titolo Fast Forward uscito sul mercato proprio nel mese di febbraio a distanza di tanti anni dal precedente Travel Diary From Inner Landscape (2009). Siamo sempre su territori nu metal ma più proiettato verso un alternative rock di stampo americano. Resta inalterato il muro sonoro nel quale si lascia apprezzare l’ottimo lavoro delle chitarre, e chiaramente sempre in primo piano le melodie sprigionate dall’ottima voce di Picot. Attenzione però, nonostante brani accattivanti e di facile presa come Fast Forward (And No Rewind) di cui gira anche un video, non si tratta di un album di facile ascolto. Molti sono i brani con una costruzione più complessa senza mai toccare certe pretenziosità progressive e non basta un solo ascolto per poterlo apprezzare a pieno. Tra i brani preferiti Blowing The Embers che rimanda un po‘ al suond degli A Perfect Circle oppure The Call e In The Wild, ma anche la potente Fire Inside.

Un ottimo ritorno per la band di Grenoble che sembra giunta alla giusta maturità per farsi apprezzare a pieno e raccogliere ovunque consensi sui palchi dei più grossi festival europei.

The One Hundred – Chaos & Bliss

Sebbene la band inglese The One Hundred non sia composta da decine di musicisti, si basa su una notevole varietà di generi: si possono trovare influenze che spaziano dall’hardcore, alla trance, al rap, ovviamente il tutto condito con del buon metal, o meglio nu metal, come si può fin da subito intuire. Per rendere immediata l’idea di come suona Chaos & Bliss, possiamo dire che l’album può essere riassunto come una versione metalcore della teoria ibrida dei Linkin Park, con più enfasi su urla e rap, e con meno enfasi sugli ami melodici. L’opener Dreamcatcher è una traccia piena di adrenalina che inizia con un intenso verso urlante insieme ad una batteria elettronica martellante, che alla fine si trasformano in metalcore decisamente buono. Monster dimostra perfettamente come mixare efficacemente i generi possa creare una canzone piacevole e accattivante. In Disengage troviamo di nuovo un mix di rap e metalcore, questa volta però espresso in maniera meno convincente rispetto alla prima traccia. Dark Matters è il primo singolo pubblicato in promozione per questo album. Traccia quasi anonima se non fosse per l’incessante ritornello “Dark Matters” corredato di synth alieno nei versi, che in un modo o nell’altro entra nella testa.

Fake Eyes è in pratica una sorta di intermezzo elettronico, cui segue Hand Of Science, canzone che tratta di religione e che riesce a sprigionare emozione e aggressività rendendolo forse il brano migliore del disco. Con Boomtown si alleggerisce subito il clima, atmosfera orientale data dal synth e voci femminili nel coro. Blackjack e Retreat sembrano composta da tutte le altre caratteristiche delle canzoni precedenti. Who We Are Now è quasi una ballad, la band qui lascia da parte il metallo e l’aggressività, ma si dimentica anche tutto il resto. Per fortuna il metallo torna a ruggire ai livelli precedenti con le ultime due tracce Chaos & Bliss e Feast. I The One Hundred hanno coagulato in questo album tutto ciò che ha attraversato le loro dita. Da un lato, questo crea una sensazione di leggero caos, che tuttavia riesce a conservare un carattere preciso e funzionale. I puristi del metallo probabilmente non saranno molto contenti di questo mix di stili. Ma chi ha voglia di sperimentare una diversa comprensione della musica, esplorerà alcuni momenti emozionanti e ben congegnati.

Klogr – Keystone

Tornano dopo due anni da quel Make Your Stand recensito da noi a questa pagina che rappresentava un po’ un intermezzo tra Black Snow (di cui potete leggere la nostra opinione cliccando qui) e un nuovo vero full-lenght. Nuovo album completo che non tarda ad arrivare e prende il nome di Keystone, undici tracce toste e corpose, così come il loro sound lo è da sempre. Ma non si tratta di un’uscita clone delle precedenti. L’opener infatti subito ci presenta un altro lato dei Klogr che non conoscevamo: accantonato l’appeal alternative metal i Nostri sembrano più richiamare delle influenze vicine al nu metal di nomi come Linkin Park, con tanto di code vocali vicine a quelle di Chester Bennington (RIP), appeal che ci piace e che sicuramente si presta a conquistare il pubblico dal vivo. Sound e riff duri che si ripetono anche in Prison Of Light che scomoda un po’ tutti i mostri sacri del metal, a partire da Metallica e Machine Head toccando anche i meno noti (oggi) Mudvayne, anche qui promuovendo a pieno i Klogr che sembrano avere un’affinità maggiore e un collaudo sulla lunga distanza degno di nomi di peso internazionale. E siamo solo alla seconda traccia.

Anche se il sound ci ricorda molto la scena nu metal non vi fate ingannare, Keystone è un album assolutamente moderno con un piglio in grado di conquistare al primo ascolto e che si colloca egregiamente nella scena heavy metal facendo coesistere passaggi più intimi (The Echoes Of Sin) con un riffing duro (Prison Of Light, Something’s In The Air). Non solo, quello che ci resta più impresso di Keystone è la maturità delle composizioni: brani come Pride Before The Fall, Dark Tides o Silent Witness dimostrano una capacità e una rotondità di scrittura davvero particolare e più di va avanti con la tracklist più si percepisce uno stile di songwriting meno irruente e più “pensato”.

I Klogr non vogliono essere degli innovatori e in fondo non lo sono mai stati. Quello che però propongono, lo scrivono e lo eseguono con grande professionalità e qualità. Con Keystone si apprestano a scalare le classifiche di mezzo mondo e noi glielo auguriamo.

Dorothy – Ancora

Ad essere artisti emergenti c’è anche qualche lato positivo. Ed è il caso dei Dorothy, quartetto romano che si avvicina al suo decennale, pronto a pubblicare l’album Ancora e il cui artwork passa in sordina. Sì perché è proprio notizia di metà giugno che la pubblicazione di Is This The Life We Really Want? nuovo album di Roger Waters (dopo 25 anni dal precedente studio album) è stata bloccata in Italia per un presunto plagio: secondo il Tribunale di Milano la copertina scelta per l’album è troppo simile alle opere dell’artista concettuale siciliano Emilio Isgrò, quasi coetaneo rispetto al famoso bassista/cantante dei Pink Floyd. Nome ingombrante quello di Waters che non è riuscito ad evitare le ripercussioni negative del presunto plagio e che invece i Dorothy, band molto meno nota, sono riusciti a scavalcare mimetizzati nei meandri della scena emergente (artwork davvero molto simile). Ma nessuna scelta di marketing c’è qui, anzi i Dorothy pubblicano Ancora mesi prima del “caso Waters” solo che la loro eco è decisamente meno forte. Tutt’altro che in mala fede: nel loro progetto c’è un animo nobile, quello di portare avanti le idee del loro frontman venuto a mancare due anni fa, loro stessi che hanno voluto fortemente dare un seguito al primo album con brani in parte composti proprio con il loro (purtroppo ex) cantante.

E così viene scelto il titolo Ancora per un album che prosegue il discorso iniziato con Basta, un nu metal di sponda Linea 77 ma che sposa anche un sound molto americano: chitarre pesanti di matrice heavy/thrash che in alcuni momenti sembrano simpatizzare con l’alternative metal (Questo Mondo Uccide), in altri con il metalcore (Jacky), voci pulite e sporche che si alternano e ritmica che tende le fila del tutto. Premiante la scelta dei testi in italiano, segno della forte intenzione della band di esprimere prima di tutto delle idee, e anche gli arrangiamenti che compaiono nei momenti meno “in you face” come nella titletrack. L’irruenza e la schiettezza di brani come Piazza Pia (“l’invidia della gente che parla, l’invidia della gente perché tu sei il migliore…falsi amici e finti sorrisi“), Secondi Molesti (“Sopravvivo nella mischia, preferisco non starvi a sentire“) o come Boom! che ha un sapore quasi hardcore nel ritornello. C’è qualche riempitivo, come E Se Tante Volte Se, ma tutto sommato l’album scorre compatto e con dei momenti davvero validi, soprattutto nella prima parte della tracklist.

Decisamente promossi i Dorothy, una band che sicuramente fa dell’energia sprigionata in sede live uno dei propri punti di forza. E noi speriamo che possano avere un futuro lungo, così come il ricordo di Davide Caroccia.

Skymall Solution – Skymall Solution

Quella caustica crepa che si creò tra la scena nu-metal e quella post-metal sul finire dello scorso secolo non è mai stata squarciata abbastanza per poterci vedere attraverso. Lì dietro, in quel piccolo alone nero che nasconde un infinito fatto di eleganza e sperimentazione, poche realtà hanno avuto il coraggio di arrivare con i propri artigli e la maggior parte di queste sono al di fuori del nostro Paese. Passato l’innamoramento dei fan verso queste sonorità (non è un caso che i due generi si siano un po’ allontanati dai riflettori del rock metal internazionale) è stato ancora più difficile sperare che qualcuno ci puntasse ancora…ma per fortuna qualcuno c’è. Gli Skymall Solution sono una band tutta italiana, formata da due coppie di fratelli (Kircoff e Bottone brothers) arricchiti da una tastiera, quella di Francesco Bianchi che si fa sentire nonostante non sia l’elemento cardine della loro proposta. Ore e ore di ascolto della scuola Deftones prima di creare un loro sound, una proposta che li porta quest’anno ad uscire con un secondo full-lenght e una nuova label, la Vrec, che crede in loro.

I testi rappati di Hold Your Breath sembrano citare la parte più nu-metal degli anni 90, mentre Running Reflection e Hope parlano più la lingua del post-metal, una lingua che assume diverse sfumature divenendo prima psichedelia e poi math in Plastic Hated, passando per il crossover di Eyes In. I tempi sono per lo più dilatati ma non mancano passaggi granitici come il riffing a metà corsa di Through My Head o alcune linee vocali di Cold War. A noi affascina Touch Me, un pezzo che abbraccia il groove metal e viene arricchito da arrangiamenti preziosi, degni di nomi altisonanti; un pezzo ricco di tutti gli elementi a nome Skymall Solution. Un sound, quello di questo omonimo album, prodotto egregiamente e che ci colpisce per il suo potenziale internazionale ma anche per uno spessore ideativo che non può passare inosservato, anche in terra italica. Queste le caratteristiche che compensano ampiamente quel pizzico di originalità che ci si aspetta in più da una formazione preparata come gli Skymall Solution.

Se avete amato album come White Pony o preferite antecedere la parola “post” a qualsiasi genere musicale, vi conviene ascoltare questo album, delizia sia in cuffia che al di qua del palco. Approvati.

Shvpes – Pain.Joy.Ecstasy.Despair

Le colpe dei padri non dovrebbero ricadere sui figli. Questo è assodato e fin qui ci siamo. Ma le aspettative? Cosa ci aspetteremmo dal figlio di Schumacher se iniziasse a correre in auto? Almeno due mondiali vinti in F1…minimo. E se il figlio di Maradona o di Messi giocasse a calcio? E se il figlio di Valentino Rossi gareggiasse in moto? E se il figlio di Bruce Dickinson cantasse? Tutta questa lunga premessa perché stiamo parlando davvero del figlio del frontman degli Iron Maiden che, non proprio casualmente, si è dato anche lui al metal. Il padre ai suoi tempi fu un precursore e dunque anche dal bravo Griffin non possiamo che aspettarci un genere per lo meno molto moderno. Ecco allora che gli Shvpes si dedicano ad un misto tra nu metal e alternative rock con ampie parti rappeggianti che di innovativo non ha molto ma che risulta comunque piuttosto attuale. L’originalità, o piuttosto la sua mancanza, è infatti forse l’unico punto debole di questo debutto discografico sebbene una personalità non ancora del tutto formata sia un peccato che al primo disco si può anche tollerare. A maggior ragione perché le influenze del gruppo sono già abbondantemente amalgamate tanto da non essere poi così riconoscibili all’interno del sound della band. Bene.

Con cotanto genitore la produzione non poteva che essere eccelsa e infatti non starei a spenderci troppe parole quindi passiamo subito al capitolo sulla tecnica che segna un punto davvero positivo per la compagine di Birmingham. I Nostri si difendono egregiamente sia nelle parti più tecniche e tirate che in quelle rare occasioni in cui il metronomo cala. Più che i classici assoli sono gli stop’n’go, i controtempi e i passaggi sincopati le soluzioni buone per tutti i momenti mentre una certa dose di melodia condisce il tutto rendendo il disco assolutamente pregevole. L’immediatezza è garantita dalla brevità dei brani tanto che gli Shvpes riescono ad infilare undici tracce in meno di quaranta minuti. Così il pericolo noia è scongiurato senza per questo rendere banali o prevedibili i brani e perciò mettendo in mostra una maturità superiore a quanto non sarebbe lecito aspettarsi.

Ma tutti volete sapere come se la cava il figlio d’arte dietro al microfono. Ed è presto detto: il padre è un fuoriclasse ma anche la sua progenie si difende e, giocando astutamente su un terreno diverso fatto di toni ruvidi al limite del growl accostati a parti pulite mai esasperate, riesce a risultare espressivo e non troppo monotono. C’è ampio margine di miglioramento ma l’energia non gli manca di certo quindi, per fortuna, possiamo tirare un sospiro di sollievo: a quanto pare la mela non è rotolata poi troppo lontana dall’albero. Ultima nota positiva per l’artwork della copertina e per il sito internet che non sorprendono ma che sono di sicuro piacevoli e molto ben realizzati ma soprattutto mostrano come questa band ci tenga a fare tutto come andrebbe fatto. Sentiremo senz’altro ancora parlare di loro.