With Confidence – Love And Loathing

Dall’Australia giunge questo trio composto da Jayden Seeley alla voce e basso, Joshua Brozzesi alla batteria, Inigo Del Carmen alla chitarra solista, che si esprime attraverso le nuove tendenze del pop rock definendosi vero pop punk. La loro storia corrisponde allo standard classico di queste ultime generazioni. Provengono dal liceo ed in quella circostanza la band iniziale si forma con il chitarrista Samuel Hayes che in seguito verrà sostituito dall’attuale Inigo e siamo nel 2012. Esprimono i loro primi pezzi pubblicando per youtube, piattaforma che gli permette di avere i primi successi, arrivando ad un primo EP. Sempre legati alla programmazione via internet tra singoli e video, ottengono un primo album nel 2016, Better Weather, sempre attraverso il canale indipendente ed in questo caso l’etichetta americana Hopeless Records. Naturalmente i tour hanno delineato il cammino di questa band. Sbarcano in UK ed ottengono particolare attenzione e nel 2018 incidono quest’ultimo album: Love And Loathing.

Osservando il percorso biografico dei With Confidence, mi permettono di immedesimarmi nelle loro esperienze e naturalmente la mia fantasia mi apre ad un’altra realtà visiva, che a sua volta, mi accompagna nell’ascolto della loro ultima fatica sonora. That Something è il primo brano ed il rock si fa sentire, ma in linea è leggera e melodica. Ogni cosa è quadrata e perfetta, sia la voce che le strumentazioni e tutto ciò mi apre ad una prima sensazione trovandomi subito immerso in un classico viale urbano di una grande metropoli. Vedo luci a neon, negozi, traffico, via vai di persone eccetera. Nulla di agitato, è tutto in linea ad una perfetta cartolina turistica. Probabilmente questo primo pezzo mi indica questa tendenza visionaria e subito parte Sing To Me. In effetti la linea sonora è la medesima della precedente, nulla non cambia e la mia visione rimane statica. Il pop è presente, anzi impregna totalmente il rock del trio, ma il mio sguardo è strettamente coinvolto da questa sonorità che devo lasciarmi trascinare da ciò che vedo. I negozi o i prodotti esposti, che meraviglia tutto è lucido pulito. Moving Boxes, il rock qui si esprime un po’ di più ed è compatto. La sensazione è sempre spensierata ed appunto in questo ambito che i miei sguardi vengono catturati dal luccichio dei prodotti, che ti invogliano ad essere acquistati. Tutto è in bella mostra, come The Turnaround. La linea è la stessa, nei negozi cambiano i prodotti, ma ogni cosa è la medesima e tutto ciò può aver senso, rimanendo sempre allineati senza una piega. Jaded cambia un po’ la faccenda è il punk si fa sentire nelle ritmiche. Anche in questo caso le linee che dovrebbero essere aggressive invece vengono subito assopite da questa assurda uniformità.

In Better questa prima impressione “punkettara”, svanisce subito ed i fraseggi “poppeggianti”, emergono. Questo implacabile mostro mi riporta in questa malefica strada corrotta. Già il pezzo ha ripreso il carattere delle prime canzoni. Il luccichio riappare sempre più luminoso ed i neon indicano la strada da seguire. Ogni negozio esprime la sua massima falsa lucentezza. Spinning mantiene il medesimo ascolto, solamente che è più lento. Bruise cambia la tecnica sonora ed in questo caso il pezzo è più una ballata lenta e tendenzialmente acustica. Il romanticismo fa il suo effetto e la mia visione perennemente si sofferma in un ulteriore negozio in questo caso molto più colorato e stravagante. Una miriade di giocattoli o pupazzetti di stile manga. Il rosa è dominante, come il pezzo. Paquerette (Without Me) è sempre romantica ma dal tempo più country ed ecco che la vetrina mi indica un angolino di pupazzetti più tradizionali dal sapore western. Icarus, già dalle prime note nell’intro della chitarra, spazza via tutto e finalmente una sonorità più personale e “punkeggiante”. La mia visione rimane sempre costante, cambia solo il negozio ed in questo caso è un music-pub. Icarus a tutto volume invita all’entrata, ma Dopamine ti distoglie e ti riporta sulla retta via, nella staticità. Tails ha una sonorità che mostra influenze un po’ più new wave, anzi un pop decisamente più curato. Tutto termina come appunto la mia visione, che mi ha permesso di comprendere uno stato d’animo assurdo e poco costruttivo, spensierato, come un banale viaggio turistico. Forse è stata questa la mia vera tortura.

Giudicare o caratterizzare una composizione sonora è praticamente crudele ed ingiusto nei confronti degli autori e musicisti, ma in questo caso credo che questo sia il tipico “prodotto di mercato”. Molto asettico ed impersonale, che non trova sola soluzione che emergere nel successo più pieno e banale. Perfetto per questo mercato, ma niente di più. Per quanto riguarda la grafica il cofanetto è essenziale. La minimalità dell’illustrazione ha la sua efficacia. Le tre foto centrali, mostrano alcuni passi della vita floreale, in questo caso al contrario. Un messaggio concettuale che mostra un’attenta riflessione che va in contrasto con il contenuto musicale. In questo caso è proprio Inigo Del Carmen ad applicarla. Bella e sentimentale con una vena di romantica decadenza.

Moose Blood – I Don’t Think I Can Do This Anymore

Parlando dei Moose Blood potremo anche soprassedere sullo scandalo legato alle molestie sessuali che ha colpito la band, si tratta di gossip, ma la nostra impressione è che quanto accaduto abbia avuto condizionamenti anche a livello strettamente musicale. Qualcuno potrebbe immaginare che ci riferiamo solo al titolo del nuovo album della band inglese, I Don’t Think I Can Do This Anymore, che sembra già di per sé un’ammissione di colpa e invece ci riferiamo proprio alle undici tracce contenute in esso. Non sappiamo se è veramente così, fatto sta che la proposta dei Moose Blood sembra debole, innocua, a cavallo tra il pop punk d’oltroceano (di quello con tempi per nulla veloci, piuttosto ben calibrati) e l’emo delle classifiche angloamericane. Chorus, aperture, chitarre compatte come pop rock suggerisce, tutti gli elementi che non aiutano a ripartire, piuttosto affossano la band all’interno di una scena “popolare” che facilmente si dimenticherà di loro, appena il prossimo grosso nome da proporre a radio e pubblico si farà avanti. Chi ascolta Good Charlotte (band con cui dovevano condividere un tour) e simili forse apprezzerà i Moose Blood ma noi ci troviamo davvero poco di interessante, di caratteristico, nulla che attiri l’attenzione e che ci spinga a riascoltare più volte questo lavoro.

Brani sotto i quattro minuti (eccetto l’opener), melodie che si svendono al pubblico meno esigente (si ascolti ad esempio All The Time), ballad pronta per i fan di giovane età (Walk All Day With You) e canzoncine che passano come un bicchiere d’acqua (Promise Me sembra scritta dai Blink 182 più spompati). Salviamo Pull Me From The Floor, il brano più rivendibile e un punto da cui poter costruire un futuro più rock e meno incentrato sulle melodie; qualche watt arriva anche da Can We Stay Like This, brano che tra l’altro sembra un cattivo b-side targato U2, per il resto a parer nostro la direzione è completamente da rivedere.

Sneaky Toy – Dino-sour

I Sneaky Toy possono essere considerati una pop punk band emergente ma allo stesso tempo anche un supergruppo che mette insieme membri dei My Space Invaders (progetto di cui avevamo parlato a questa pagina), Drunken Sailors (per la cantante Lalla) e Piano Eartquake/Black Pope. Insomma i ragazzi mettono insieme un po’ di idee sperimentate in ambiti diversi, le fondono con tanta grinta e voglia di spaccare e creano in pochissimo tempo (quasi record) un EP di 6 tracce e 13 minuti di veloce punk rock. Un punk rock estremamente semplificato che più volte si avvicina al pop rock e mette in scena tutta la verve tipica di questi due filoni così distintivi e così vicini. La band opta per le liriche in inglese e questo, dato il sound sicuramente debitore alla scena americana, può essere sicuramente un plus in grado di offrire più opportunità di esibirsi live (non solo in Italia) ma ciò che ci piace di più è la voce femminile che davvero rappresenta un fattore distintivo di questo progetto.

Uno dei momenti più veloci dell’album (che strizza l’occhio all’hardcore melodico) è Popcorn. Per il resto musicalmente non rompono nessuno schema nuovo ma propongono in maniera più che degna un mix dei generi che hanno formato il loro background. Li riascolteremo volentieri in occasione di un full-lenght o di un loro live.

Four Year Strong – Some Of You Will Like This, Some Of You Won’t

I Four Year Strong sono una navigata band del Massachusetts. Da poco più di dieci anni si muovono sulle onde del melodic hardcore / pop punk riuscendo a crearsi un buon seguito di fan, e proprio in occasione del decimo anniversario della loro uscita nel 2007 di Rise Or Die Trying (il loro secondo album, ma il primo che abbia avuto un vero successo) la band ha deciso di aprire i caveau per mettere le mani sul loro materiale accumulato nel corso degli anni: B-sides, tagli dei precedenti album, vecchi pezzi. Some Of You Will Like This, Some Of You Will not sembra progettato però più come un album tradizionale rispetto al miscuglio dissociato che sarebbe potuto essere. Ciò è in gran parte dovuto alle numerose reinterpretazioni delle canzoni registrate in precedenza, tramite un ibrido di chitarre acustiche nitide e ricche armonie supportate da occasionali parti di batteria a tutto tondo e improvvisi graffi di distorsione, per far sembrare il tutto come un nuovo progetto. L’opener It Must Really Suck To Be Four Year Strong Right Now espande la sua versione originale del 2010 ridisegnando il tempo e il tono in una ballata acustica prima di aggiungere una pesante coda elettrica. Il loro singolo del 2014, We All Float Down Here viene riproposto come un brano indie folk, mentre Nice To Know proviene dal campo degli inediti e nonostante il suo assetto non acustico, in qualche modo si inserisce nel mix tonale complessivo.

Il disco è chiaramente rivolto alla fan base dei Four Year Strong e, per sua natura una collezione di rarità e arrangiamenti, ha i suoi pregi e le sue mancanze, anche se l’album potrebbe essere una buona scusa per approcciarsi ad una band esperta ed interessante.

Seaway – Vacation

Una valigia piena di adesivi tra i quali il più grande dice Seaway, Vacation. Dentro questa valigia una camicia fatta di mare, palme e fenicotteri rosa; nel taschino un biglietto aereo Toronto-Hawaii. Il nuovo lavoro dei Seaway è proprio quello ricreato nell’artwork. Iniziare l’ascolto è come abbassare il finestrino per annusare l’oceano, dopo un lungo viaggio in macchina: quel profumo di estate, di festa e di spensieratezza. Dodici brani pop punk freschi come non mai. Certo, non stiamo parlando di musica d’autore ma sicuramente siamo davanti a qualcosa di molto ben fatto e costruito. Brani semplici, allegri, ritornelli, coretti; ci troviamo tra i Blink-182 e le colonne sonore dei college movie americani. Questo è. Spiaggia, ragazze, sole e birre. Anche questo necessita di una musica di sottofondo, e questo Vacation dei Seaway pare essere stato concepito per questo. Da ascoltare in macchina sulla highway verso l’oceano e direttamente sulla spiaggia una volta arrivati; questo è il sound dei ‘00, della generazione spotify e netflix.

Apartment, il brano di apertura, non lascia spazio all’immaginazione, almeno quella riguardante l’album che sarà Vacation. London è tra le canzoni che più cattura già dai primi ascolti. Something Wonderful forse è la più rock e differente, Car Seat Magazine la più pretenziosa ma anche la più diretta; arriva ovviamente l’immancabile ballad, 40 Over, e si chiude con When I Hang Up, che riprende il sound “oceanico” descritto prima e presente in tutto l’album. Una bella vacanza, un bel viaggio. Non di quelli dove incappi in panorami pazzeschi o monumenti incredibili, ma pur sempre una bella vacanza. Spensieratezza è forse la parola più corretta.

Sole, ragazze, birra e tanta tanta spiaggia. L’artwork, eccezionale, anche questa volta non mente. La camicia in copertina, nel caso ascoltando l’album vi prendesse la voglia di prendere e partire, è in vendita tra il merch della band.

Knuckle Puck – Shapeshifter

Dopo l’esordio del 2015, i Knuckle Puck tornano con dieci tracce di allegro pop punk. Il combo di Chicago prosegue con quanto già prodotto in Copacetic non discostandosi molto dall’idea originale, e diciamolo pure, ciò non è stata una buona scelta. Dieci brani che dovrebbero rappresentare una svolta per la band, ma che appaiono irrimediabilmente datati, forse come ormai appare datato tutto il genere. Sum 41, Blink 182, New Found Glory, tutta roba datata inevitabilmente anni duemila, da sigla del telefilm del primo pomeriggio su Italia 1, mentre si aspettava la puntata serale di Neon Genesis Evangelion su Mtv. Realizzare un disco sfruttando l’effetto nostalgia lascia sicuramente il tempo che trova e per i Knuckle Puck quello è risultato: metti il disco nel lettore e zac! Anni 2000, basta ascoltare Double Helix per avere conferma, o ancora meglio il singolo Gone. Insomma, bello ma tutto vecchio. Fosse uscito un 15 anni fa lo avremmo sicuramente lodato, ma oggi proprio no, anzi non ci capacitiamo di capire la ratio di tale uscita discografica.

In ogni caso per il neofita del pop punk ci son tanti begli anthem qui dentro: oltre la citata Gone, non è da scartare la nervosa Want Me Around o l’epica Wait ma, ripetiamo, solo per il neofita. Chiunque ami il genere può sicuramente ascoltare qualcosa di più fresco in lavori usciti 18 anni fa. Ci spiace fare i cattivi recensori, ma per noi è davvero un disco inutile. Ottimo solo per completare il genere e accantonarlo insieme agli altri titoli.

Across The Atlantic – Works Of Progress

L’artwork di Works Of Progress è un corridoio di un albergo o di una nave con uno specchio sulla parete in fondo. Questo specchio è riportato anche sul disco come se gli Across The Atlantic vogliano portarci con loro in un viaggio, che parte proprio da questo specchio. Osservando meglio la copertina, si nota che la parte sinistra risulta rigogliosa e ridente mentre quella destra decisamente decadente. Due volti del viaggio, del gruppo e soprattutto del disco. Complessivamente l’album alterna melodie vivaci e canticchiabili, decisamente pop punk, a brani leggermente più cupi e urlati, molto più hardcore e metalcore. Due facce della stessa medaglia che sommariamente posso convivere ma a volte rendono complicata la collocazione di questo album, o l’identità del gruppo stesso. Un nome che lascia sognare, Across The Atlantic, provenienti dal Texas, hanno spesso sonorità da costa californiana; l’accostamento più naturale sono i Blink182 e tutti quei gruppi che sfornano canzoni da film collegiale. Motivi che spesso finiscono per infilarsi in testa senza più uscire, colonna sonora degli anni 90 e che ora stanno prepotentemente tornando. Sundress Funeral, Cutting Corners sono le tracce più riuscite, in queste sonorità.

Come detto prima, questo album è spesso vario e sorprendente. Dalle tracce più pop si passa al metalcore, con breakdown interessanti anche se non troppo violenti, che ricordano a tratti i Bring Me The Horizon con qualche escursione verso Volbeat e Good Charlotte. La bonus track, Real Friends, la opener Playing For Keeps e 24 Hours, sono i brani che più emergono di questo lato dell’album. Lato che trova il suo culmine in Word Of Mouth, forse la migliore per completezza di composizione e varietà di generi e ritmo. Con Starting Over si torna in pieno campo Blink mentre la successiva Blind Eyes regala una “violenza” inaspettata, mischiata a ritmo e potenza, forse la rotta più giusta da seguire nel prossimo viaggio. Chiude la title-track, una sorta di acustico melodico, dolce e tranquillo.

Il paragone definitivo potrebbe essere con gli A Day To Remember, questi Across The Atlantic sono interessanti; il non avere un unico genere di riferimento li porta a essere una via di mezzo tra diversi stili che, seppur somiglianti, non sono mai stati così mescolati. Una sorta di band crossover tra il punk più pop e la rabbia metalcore. Il pericolo è quello di risultare né carne né pesce o addirittura di essere un qualcosa di già sentito e poco interessante. L’impressione non è che non sappiano ancora che strada scegliere ma che sia proprio il mix di tutte queste strade a creare il suono degli ATA. Funzionerà? La bonus track che chiude l’album, una cover degli One Direction, è la risposta. Oppure la traccia che fa riemergere tutti i dubbi.

Neck Deep – The Peace And The Panic

In una scena pop punk molto popolata da giovani formazioni c’è qualcuno che si sa distinguere, qualcuno che osa pur accontentando chi al posto della barba ha deboli peletti e preferisce sbattere la testa e il corpo a suon di punk dal facile ascolto. I Neck Deep sono indubbiamente da includere in questo filone grazie alla loro vitalità, grazie ai loro ritmi, grazie ad una produzione che valorizza la chitarra e la mette in prima linea (rispetto ad altri colleghi che preferiscono anteporre le linee vocali) e grazie ai giochi di tempi che non fanno sfigurare questa formazione in un eventuale bill composto da punk rock band. Certo i ritornelli ci sono, i gallesi non ci rinunciano e intuiscono che sono un termometro per un certo tipo di pubblico, ma inseriscono qualcosa di più apprezzabile e che fa gola ad ascoltatori più attenti. Infatti accanto a brani semplici e che puntano al grande seguito (Parachute su tutti, ma anche Critical Mistake) compaiono momenti dal sound potente e che possono conquistarvi indipendentemente dai vostri ascolti. Parliamo dell’opener Motion Sickness, un pezzo che mette tutte le carte sul tavolo e fa poker o della potente Don’t Wait che fa partire un headbanging forzato e sicuramente creerà godimento in sede live, finendo con quello scream che rappresenta la ciliegina sulla torta.

Non mancano ballad, è il caso della buona Wish You Were Here, alcuni effetti in Where Do We Go When We Go o anche cavalcate come quelle di Heavy Lies che rilanciano in pieno stile pop punk il pezzo. Un album quindi variegato pur se appartenente a quella scena, una scena che a livello internazionale ha bisogno di nuova linfa e i Neck Deep sono di sicuro una band su cui puntare.

Sleep On It – Overexposed

Arriva sulla lunga distanza, e dopo ben 3 EP, il full-lenght di debutto degli Sleep On It, band giovane ma che proprio con Overexposed testa su un banco di prova abbastanza sfidante il nuovo singer Zech Pluister. Il loro stile è un più che evidente pop punk americano, così come siamo abituati a sentirlo da decenni: già dall’opener l’approccio è più che chiaro. Anche la scelta di puntare su Zech non risulta molto coraggiosa, essendo la sua timbrica sì diversa (meno acuta) rispetto al precedente vocalist John Cass, ma con uno stile anch’esso ancorato al pop punk. La produzione è assolutamente di primo livello, ciascuno strumento viene valorizzato a dovere e i brani suonano al pari di colleghi mainstream di genere. Da segnalare il brano Fireworks in cui compare Derek DiScanio degli State Champs, pezzo in cui anche il sognwriting sembra più ispirato e cattivo, le due chitarre trovano soluzioni non sempre sopvrapposte e il risultato finale è più apprezzabile.

Tra esercizi radiofonici (Hope) e momenti più graffianti (Always Crashing The Same Car) e potenti (What We Stay Alive For) lo stile della band poco si differenzia all’interno di una scena che matura sempre un enorme seguito a livello internazionale ma che avrebbe anche bisogno di nuovo ossigeno.