Porco Rosso – Kuro Fune

Secondo album per i Porco Rosso, band pisana che viaggia tra atmosfere post-punk e wave di innegabile fattura, alle quali si aggiunge una certa genialità che caratterizza questa loro seconda produzione. Infatti Kuro Fune, è ancora più crudo, ma anche più geniale, rispetto all’esordio perché interamente realizzato in presa diretta e quindi con sonorità immediatamente palpabili. Navi Nere (letteralmente Kuro Fune) è il nome che i giapponesi diedero alle quattro navi da guerra della marina statunitense che nel 1853, ancorandosi sulle coste giapponesi, voltarono pagina alla storia. E questa storia i Porco Rosso l’hanno voluta trasformare in canzoni interamente registrate con il supporto di un registratore a quattro tracce TASCAM 244 a cassetta. Un po’ a simboleggiare, anche per molti di noi, la nascita di una nuova era musicale anzi, un ritorno al passato che sembra ormai più da uomini delle caverne sonore quando in voga c’erano oltre alle musicassette i buon vecchi revox a bobinone. Ma il ritorno di audiocassette ed anche di vinili stanno a significare che sempre più artisti ormai si affidano a questi prodotti perché i suoni risultano così essere più fedeli e vicini alla realtà. E si sentono anche in questa audiocassetta che è priva di manipolazioni di qualsivoglia genere.

Kuro Fune è un inno contro l’egemonia dei potenti, e la musica sa essere dirompente con quel punk che, come lo definiscono i Porco Rosso, è un synth punk di buona fattura capace di proiettare, su chi ascolta, l’essenza di questa band. Certo però che a volte, da come Ricoveri utilizza la voce, non mancano certi richiami ai CSI di Giovanni Lindo Ferretti. Ma la band è anche un vero e proprio manifesto contro l’indifferenza latente di una società in estinzione, almeno quella sonora, e non solo quella che è mossa da idealismo sempre più lontani dall’essenza umana. Ecco perché Kuro Fune, con i suoi pezzi, è un album contro tutto e contro tutti ed in particolare contro un potentato che mira sempre più a governare le menti. E se da una parte può nascondersi Orwell, dall’altra sono i Jekyll e gli Hyde di turno che esplodono in tutta la loro essenza elettronica. Kuro Fune è tutto quello che non ti aspetti perché qui, in questa audiocassetta musica, parole e stile sono proprio lì, sul confine che separa i due generi che questa band predilige, il punk e la new wave. Una ventata d’aria nuova anche da queste parti!

PNGazers – Dove Il Mio Pensiero Brucia

I PNGazers (abbreviati in PNG) mettono in scena un rock decisamente particolare, un rock che strizza l’occhio all’alternative rock degli anni 90 e che fu un po’ la nostra risposta al grunge imperante d’oltreoceano. Linee vocali e testi ispirati a teatro e poetica, corde elettriche che spesso giocano rifiutando il riff al servizio del ritornello di turno e da dare in pasto al pubblico, ritmica che è più un incedere, a tratti un crescendo (Canto D’amore); lo stile dei PNG sembra un affascinante connubio tra post-rock e post-punk con al centro la voce di Stefano Cantoni che conferisce personalità e valorizza le costruzioni sonore spesso legate ad ambientazioni più che a pattern. Un rock austero e viscerale, crudo, lontano dagli effetti in post-produzione che molte band moderne adottano; i PNG fanno dell’oscurità e dell’approccio introspettivo il loro biglietto da visita, toccando corde molto diverse, ora tristi e intime (Una Parola Di Cinque Leggere) ora più incisive (Alice). I rimandi sono tanti (The Cure, GarageVentiNove…) anche se il quintetto si propone in veste personale con soluzioni specifiche che si lasciano apprezzare: si ascolti ad esempio Polvere, un brano che all’inizio è indubbiamente figlio della scena post-punk ma in cui i ragazzi installano elementi targati PNG, in parte anche indurendo la proposta.

In generale però in Dove Il Mio Pensiero Brucia vige una visione decisamente cupa, evidente in brani come Altre Stanze che solo sul finire approda ad un rock più incisivo, più che uno stile è un’interpretazione del rock quello dei PNG che, per chi è in cerca di questi suoni, è in grado di regalare emozioni durature.

Gualty – Transistor

Simone Tilli ha da sempre puntato su generi diversi nei suoi precedenti lavori e anche in Transistor non tradisce le proprie abitudini musicali. Si direbbe post-punk per questo nuovo lavoro ma i riferimenti sono più ampi, noi ritroviamo trame industrial, elettronica, Bluvertigo e un rock lisergico, anche se va riconosciuta la centricità dei suoni anni 80 tipici del post-punk. L’uso che viene fatto di questi suoni e i pattern scritti invece cambiano da brano a brano: se Stanotte e 30 Giorni Senza Sole possono essere facilmente inseriti nei classici brani post-punk, Zoobank e Gargantua sembrano esercizi avantgarde colorati anche dai fiati nel primo caso e dalle tastiere nel secondo, Try Vega e Sostanze Aliene virano verso la sperimentazione elettronica, mentre il rock viene fuori in pochi passaggi come Le Scimmie Cattive dove la sei corde trova la propria dignità. Gli strumenti adottati sono molti di più di quelli riportati in line-up e sono utili a stratificare la proposta anche, a volte per aggiungere trame interessanti, altre per rendere più introspettivo il songwriting.

In generale Transistor può essere visto come uno sfogo del musicista Simone Tulli e della sua band, non ha molto senso concentrarsi sul singolo refrain o sulla singola traccia, piuttosto va riconosciuto come evoluzione stilistica (o anche maturazione) di chi lo ha pensato e del periodo della sua vita che lo ha ispirato. Si tratta comunque di un album ostico e di certo non per tutti.

Lechuck – Dovresti Farlo Adesso

I Lechuck arrivano da Torino e risultano in buona parte molto legati al rock di sottobosco che visse in quella città. Ma i Lechuck nascono verso la fine degli anni ’10 e non intendono replicare quegli schemi tanto in voga nell’underground di fine secolo scorso. Preferiscono piazzare dei buoni chorus, un cantato alquanto urlato che strizza molto l’occhio all’indie attuale (di sponda Voina) e una ritmica incalzante che piace (come ad esempio in Tubo). Le composizioni sono interessanti, sembrano semplici perché i brani arrivano al primo ascolto ma sono ricche, per nulla scritte di getto; c’è della testa e del cuore dietro la scrittura di questi brani, pur essendo diretti ad un pubblico che spesso non coglie alcune sottigliezze. Quello che più ci colpisce però non sono le strutture delle tracce ma i suoni che sono davvero l’asso nella manica di questa produzione: basso, chitarra e batteria si fondono in un collante pur restando chiara la singola personalità che si può toccare e assaporare in ogni singolo momento. Musicalmente a brani come Mattonella, con voci che si sovrappongono ad una struttura standard, preferiamo il rock svergognato di Carogna o di Colla Vinilica due momenti che presentano mille metamorfosi, o ancora il basso post-punk incalzante di Colpa.

Un album tutto da gustare, cercando di assaporare i singoli strumenti e tutti i contributi più che la forma canzone nel suo complesso che risulta comunque appetibile per palati molto diversi tra loro.

Moaning – Moaning

Ci sono dei suoni che indiscutibilmente ti lanciano in un’altra epoca passata. Questo tutti i musicisti lo sanno, c’è chi ci inciampa e si innamora (magari per sapore nostalgico della propria adolescenza o magari perché l’ha sentito sui vinili di papà) e c’è invece chi consapevolmente intende ricreare certe atmosfere inquadrando di preciso un contesto storico. Secondo noi i giovani Moaning rientrano nel secondo gruppo di musicisti e, ricalcando le regole sonore degli anni 80, non disprezzano certe declinazioni rock più vicine agli anni 90 che meglio si sposano anche al pubblico della Sup Pop, etichetta stra-nota proprio nell’ultimo decennio del precedente secolo. Così possiamo presentarlo come post-punk/new wave quello che gli americani Moaning ci propongono attraverso il loro album omonimo, un turbinio di volumi elettrici subissato da linee di basso e synth ottantiani che ne contaminano il sapore e se vogliamo ne caratterizzano la presentabilità. Ascoltare i primi secondi di brani come Close e pensare che si tratti di un album targato 2018 è compito arduo ma non bisogna cadere nell’errore di inquadrare Moaning come un album nostalgico, perché riff ce ne sono e quelli piaceranno a chiunque mastica il rock del nuovo millennio (e la stessa Close ci insegna questo).

Tracce contenute in quanto a durata ma intense in fatto di suoni: la trama di batteria costante di Does This Work For You vestita di riff così diversi tra strofa e ritornello trasmette bene il senso di variazione musicale di cui il power trio è portatore. A noi piace anche l’intensa The Same, rock fino al centro della Terra mentre, al contrario, il ritornello di Tired che ha quel retrosapore alla The Cure o Misheard che sa di latte e di fughe dalla scuola spingono ad esercitare la nostra memoria, come una lunga equazione che ha come risultato quello di un rock. L’ultima Somewhere In There ci apre a spiragli da band alternative rock pesante, sarà questo il sound che ci dovremo aspettare dal loro futuro?!

Unoauno – Cronache Carsiche

Sperimentazione, effetti, spoken words, distorsioni. Uno a uno gli ingredienti della proposta degli Unoauno. Una band essenziale nella sua composizione ma intricata nelle sue composizioni: un trio, non tanto power, per l’ 80% ritmico, poi per il resto ci sono parole e piccoli effetti, se il synth per come è usato possiamo considerarlo un effetto. Poetica, in parte, irruenza, a tratti; il binomio basso/batteria sembra molto collaudato, i testi e il resto giocano (e ci riescono) nel rendere più particolare lo stile della band, un’ambivalenza che notiamo anche in Aleppo nonostante le due parti siano sostanzialmente differenti, una più intima l’altra più ritmata. Sperimentazione anche nei suoni, per il basso noi preferiamo l’opener con un quattro corde deciso e che esce fuori dalle linee tracciate dalla batteria, come fosse un disegno fatto a 2 anni d’età, rispetto al suono di Aleppo (Parte 2) che resta un filo indietro. Nulla di indigesto perché batteria elettronica e synth “come-indie-insegna” arrivano con Figlio e quindi si cerca di piazzare anche qualche brano dalle sonorità più ammiccanti, pur corteggiando sempre CSI. Noi li preferiamo nell’animo più rock come in Giochi, dove compare anche una certa ricerca alternativa del rock proposto ma non ci dispiace ascoltarli laddove osano nella sperimentazione. Da seguirne l’evoluzione.

Porco Rosso – Living Dead

Uscite come queste ti fanno immaginare il noise, le produzioni che prendono come esempio gli OvO o i Buffalo Grillz, le chitarre dalle note irriconoscibili, le bestemmie e le cantine zozze dove cercare di provare dei pezzi che poi dal vivo saranno fatti un tutt’altro modo. E invece no. I Porco Rosso questo spirito lo custodiscono probabilmente nelle idee, quelle di un mondo fatto di maiali o peggio di creature che non sono equiparabili né ad animali né ad esseri umani, ma loro, i Porco Rosso, non lo esprimono attraverso la propria musica. Si vive in questo costante scontro tra uno spirito ideale rivoluzionario ed una espressione artistico-musicale di sponda industrial/darkwave che contribuisce bene a creare quelle ambientazioni da “fine del mondo” a cui forse il duo sembra essere attratto. Loro lo chiamano “synth punk”, dove probabilmente il synth è a sottolineare la principale origine sonora della loro proposta e il punk a spiegare il loro spirito di rottura (oltre che forse voler accarezzare la scena post-punk/dark wave da cui prendono spunto).

In una creazione comunque intricata e a tratti sperimentale, avanguardistica e orwelliana, vi sono comunque momenti più abbordabili come il synth pop di Alma Maruska o l’electro pop di The Living Dead In Rome; a noi accanto alle loro cyber-filastrocche piacciono i momenti in cui il terrore prende il sopravvento come nell’elettronica di Metatron, pezzo molto ottantiano e che si presta a molti usi. Da seguire per scoprire se in futuro non si tramuteranno in zombie.

Monsieur Gustavo Biscotti – Rabid Dogs

Terzo album per i mantovani Monsieur Gustavo Biscotti che, dopo il primo album omonimo e The Disastrous Fall Of…, realizzano Rabid Dogs, 7 tracce spinte ed immediate in chiaro stile punk e suoi derivati. Si parte forte con Louis’ Wine, con un intro di chitarre distorte in lontananza che lasciano subito spazio ad una prorompente sezione ritmica ed un cantato che strizza l’occhio all’hardcore. La successiva Little Bastard presenta un sound molto più melodico, frammenti di brano molto ambient che colpisce per sperimentazione, un brano meno d’impatto ma molto interessante. La scarna e aliena First Time Shadows presenta un riff onnipresente e continuo, una canzone particolare ma sotto tono. In Twenty Tunnel è senz’altro protagonista la voce, martellante e sofferente, che trova sfogo in una batteria dall’ottimo groove, ascolto piacevole. La vorticosa e graffiante Paralyitic Taylor coinvolge non poco, forse uno dei miglior brani di questo album, incisivo e diretto, lascia il segno. Non tengono il passo, però, le conclusive Modernism Is My Past Continuous e Johnny Glamour, apprezzabili per la loro voglia di distaccarsi dal genere e di giocare con i suoni, ma che non hanno lo stesso appeal delle precedenti tracce.

I Monsieur Gustavo Biscotti sono un’ottima band, con un sound ben definito e un impatto live sicuramente esplosivo ed è decisamente apprezzabile il loro voler sperimentare all’interno dei brani, cercando di non racchiudersi in un unico genere e azzardano delle scelte che, a prescindere se riescono bene o meno, sono da premiare per il coraggio. Insomma Rabid Dogs è senz’altro un album piacevole, scorrevole, con i dovuti e forse naturali alti e bassi, ma che lascia la voglia di riascoltarlo di nuovo.

Mush – Mush

“Mush è nato dopo un periodo difficile, qualche mese prima avevamo deciso di sciogliere i Kaleidoscopic (progetto precedente dove suonavamo) e ci siamo trovati in una situazione poco chiara, con un futuro incerto davanti. Non abbiamo mollato e ci siamo spinti a suonare cose differenti, sonorità più veloci e melodiche che ci accomunavano; il processo di scrittura è stato molto veloce perché le idee abbondavano“. Così gli stessi Mush spiegano la genesi del loro primo album omonimo e allo stesso tempo anche la creazione di questo power trio che affonda le radici nel post-punk e nell’emocore. L’album presenta 10 tracce scritte quasi di getto, con una grinta ed una urgenza molto sentita e percepibile, a cominciare dalla teatrale Aspettando Godot, brano d’apertura, caratterizzata da una miscela di chitarre senza controllo e rabbia urlata in coro, così come la successiva L’inverno che segue la stessa scia. Ci si distacca leggermente dal genere entrando in sonorità più punk con Dov’è La Fine anche se il tocco hardcore non manca, mentre Vona tende a portare un po’ di calma e riflessione all’interno del disco.

Il marchio di fabbrica del genere, specie nell’emocore, è senz’altro la sovrapposizione delle vari linee vocali con testi gridati in coro, e anche i Mush non smentiscono questa particolarità: messaggi sparati in faccia assistiti da una martellante sezione ritmica. Si ritorna al classico punk-rock nel brano È lunedì prima di lasciare spazio all’oscura quanto lunga Tutto (O quasi). L’album scorre veloce e piacevole fino alla conclusione, forse fin troppo: i brani sono così fedeli al proprio genere che tendono a confondersi tra loro per un orecchio non attento e, nonostante siano indubbiamente suonati bene, non lasciano il segno.

E’ senz’altro un disco destinato agli amanti del genere, racchiuso in un determinato spazio anche se, per chi ascolta rock, non risulta essere di certo “fastidioso” ma forse stancante con l’avanzare delle tracce. Ad ogni modo, è un inizio non male per i Mush, aspettando un seguito più avvincente (e non solo Godot).