Richard J Aarden – Stolid & Bruised

In Italia il ruolo del cantautore è davvero difficile e rischioso. Troppi scheletri nel passato della scena con cui doversi confrontare. Ma per fortuna c’è qualcuno che cerca di trasporre questa figura ai giorni nostri e inserire nuovi reparti sonori che, come vestiti, rendono innovativa la figura nel complesso. Sarà la passione per l’elettronica di Richard J Aarden eppure noi facciamo fatica a vedere il suo EP Stolid & Bruised come una composizione cantautorale. Più semplicemente non ci vediamo dietro solo una chitarra acustica e una voce. C’è dell’atmosfera, c’è del post-rock, scena nella quale correttamente viene inserito questo artista, e c’è del sapore statunitense: un brano come Vagabond potrebbe far impazzire un’intera generazione americana, oltre che far quadrare tante radio. Eppure il tutto è soffuso, educato, multietnico, perché Richard entra proprio in punti di piedi e, nonostante le linee vocali risultino un po’ troppo forzatamente mainstream, è davvero difficile restare indifferenti circa tutto ciò che le circonda. Meno originale Barefoot On Shards che sembra una rivisitazione psichedelica di I Still Haven’t Found What I’m Looking For degli U2, mentre gli altri momenti risultano sicuramente più genuini.

Il percorso a nostro parere è sicuramente quello giusto e Richard sarebbe in grado di realizzare un full-lenght più che interessante. Quello che gli consigliamo è di osare di più, in particolare con la voce, e creare qualcosa che resti davvero nelle pagine immortali della musica.

Stearica – Fertile

Gli Stearica sono un power trio strumentale torinese. Nonostante Fertile sia solo il loro secondo full lenght album, negli oltre dieci anni di carriera sono riusciti a creare una sorta di culto attorno a loro nel panorama musicale indipendente italiano, e l’hanno fatto alla vecchia maniera, macinando chilometri nei tour e sprigionando watt nei live show. Il messaggio dell’album è un messaggio di ottimismo, un nuovo inizio rivoluzionario, una ventata di primavera, come la cosiddetta primavera araba del 2010 da cui la band ha preso l’ispirazione. Gli Stearica distribuiscono un suono potente, basato su una chitarra distorta e dilatata e da pelli efficaci ed incisive. Melodico, progressive, elettronico, ambient. Fertile è tutto questo. Impresa difficile amalgamare tutti questi mood musicali, ma la band torinese ha raggiunto in pieno l’obiettivo, anche grazie all’ottimo lavoro di produzione, che solo a tratti risulta sovrabbondante.

I singoli pezzi creano un progressivo climax eruttivo e agiscono come una sola unità. Non c’è nessun momento in cui si ha la sensazione che il disco prenda una deriva narcisistica musicale. Il groove potente e distorto penetra nelle giunture mentre le ipnotiche melodie catturano l’ascoltatore. Prova di forza per gli Stearica che meritano in pieno la considerazione dell’etichetta inglese Monotreme. Speriamo che anche in Italia possano ampliare la schiera dei loro fan. Un album che vale sicuramente la pena di essere ascoltato.

Endless Tapes – Endless Tapes EP

Il progetto Endless Tapes racchiude tutta la bellezza di un duo project e vede dietro di sé il famigerato bassista dei Porcupine Tree, Colin Edwin (anche noto per altre militanze come quella nei Metallic Taste Of Blood, negli Obake e numerose collaborazioni come quella nei Mercutio) e il batterista de I Giuradei, poi drummer negli Sdang!, Alessandro Pedretti. Insomma due musicisti dalle spalle forti e dai background diversi che mettono in scena un EP, omonimo e strumentale: venti minuti di ascolto per una musica sperimentale ma in cui le ambientazioni acquistano valore. Sbagliato immaginarsi un sound asciutto perché le sovraincisioni sono di casa negli Endless Tapes, come le tastiere in Apple’s Third Eye, i synth, o anche la sei corde che viene usata non come strumento melodico unico ma anzi come accompagnamento di sé stessa. Solo sul finire della seconda traccia si percepisce qualche riminiscenza psycho prog alla Porcupine Tree ma qui il contesto è comunque differente.

Affascinante la terza traccia, Punto Di Vista Differente, nella quale emerge uno spessore compositivo notevole, ricercato; una trama alla Nick Cave, scura e triste, che entra dentro nelle ossa e le scuote più del freddo gelido dell’inverno. L’EP si chiude con Terminal 2, un brano in cui gli effetti la fanno da padrone, compare uno spiraglio di dub e l’incedere viene dettato da un basso sghembo. Trame quindi differenti ma che suonano come un’anticipazione di quello che questo duo potrebbe realizzare in futuro in un full-lenght.

Olla – A Serious Talk

Ad inizio millennio la nuova sfida indie era quella di affiancare a chitarre pulite ritmiche veloci ed energiche, Franz Ferdinand e The Wombats hanno seminato legioni di fan con questa ricetta. Poi è esploso il post-rock e i suoi ritmi lenti e decadenti, strumento di espressione di tanti sentimenti (in primis la depressione) probabilmente messo nelle mani di ragazzini troppo giovani; così anche l’indie rock è stato influenzato da questo trend. Influenze ambient, mood discendenti, elettronica si sono inseriti nell’indie britannico e lo hanno spinto sempre di più verso sonorità melodiche e meno rock; anche per questo, a nostro parere, negli ultimi anni si parla più di indie pop che di indie rock. In questa parentesi di storia della musica vanno citati gli Olla, band al debutto ad inizio 2015 con il loro A Serious Talk, un album non da bocciare ma sicuramente derivativo. I binari sono proprio quelli dell’indie pop e del post-rock da camera, senza una vera hit che sprigioni bellezza né arrangiamenti che riescano a valorizzare il songwriting. Le espressioni depressive di Summer (che dal titolo suggerirebbe tutti altri toni) e l’abbandono ad un numero di battute davvero troppo basso spesso finiscono per far calare la nostra attenzione.

Ci sono alcuni passaggi che ci piacciono come l’affascinante Anti Gravity che suona moderno pur riprendendo le lezioni dei The Police (che erano già “avanti” ai tempi). Per il resto poco mordente capace di catapultarci nel mondo del rock e comunque poco che ci stupisca dal punto di vista compositivo. Il cantato in inglese purtroppo non favorisce il tentativo di rendere più personale la proposta, che al contrario finisce per mescolarsi troppo alla scena indie pop attuale. Speriamo che in futuro gli Olla trovino un percorso più caratteristico.

Ira – The Body And The Soil

Facciamo un salto fino al 2005 per ritrovarci dalla Germania gli Ira, band formatasi nel 2003 composta da cinque elementi che propongono un genere che potrebbe essere identificato come un malinconico connubio tra post-hardcore e metal-core, ma davvero trovare uno stile musicale a cui abbinare questo combo tedesco non è impresa facile. Come detto prima gli Ira nascono due anni prima dalle ceneri di due diverse band e poco più di un anno più tardi partoriscono questo disco contenente nove brani per una durata totale di quasi un ora, non poco per nove pezzi. Già dal primo brano lungo, Soul, quasi dieci minuti, si intuisce che le loro influenze possono richiamare band più note come Sonic Youth o Mogwai anche se la voce di Toby non è il massimo e da’ un po’ l’impressione di essere come un pesce fuor d’acqua per lo stile che gli Ira propongono. Dopo la seconda traccia interamente strumentale con atmosfere quasi psichedeliche segue You’re Living Over Me anche questa abbastanza lunga nella quale si può notare una miscela tra suoni tendenti alla malinconia e qualche stacco un po’ più duro e graffiante. Disappear arriva a toccare i quindici minuti di durata e le atmosfere si fanno un po’ più vicine al metal-core, senza però tralasciare quella malinconia che comunque li contraddistingue per tutto il disco.

Notevole Long Live The Parts I, leggermente più aggressiva rispetto alle altra, soprattutto nelle chitarre. Si arriva così alla fine dell’album con Long Live The Parts II ed Ending dove si notano anche la buona tecnica strumentale dei cinque tedeschi. In conclusione questo degli Ira è un disco adatto per chi vuole uscire per un oretta dai soliti canoni musicali, un disco per chi ama band come ad esempio i Neurosis, o gruppi che fanno delle atmosfere malinconiche o tendenzialmente angoscianti la loro colonna vertebrale. Tutto sommato un disco che supera di poco la sufficienza.

Elaflein – Tra Tavolini Troppo Vuoti

La più grossa difficoltà di un gruppo post-rock (almeno cerchiamo di immaginarlo) sta nel muoversi lungo il pericoloso dilemma dell’essere più orecchiabile o più sperimentale. Infatti il genere, che comunque smentisce i classici 4/4 e la struttura “strofa-ritornello-strofa” tipici del rock, ha di per sé un animo molto più ricercato, più sofisticato. Vi sono giovani formazioni che spingono questo desiderio di differenziarsi fino a rendere la proposta molto ostica, altri invece che cercano di accontentare comunque gli adepti (ben più numerosi) del rock in classico stile. Ecco, negli Elaflein e nel loro sound, vi sono sia tentativi nella prima direzione che nella seconda. Le atmosfere pendenti tipiche del “post” compaiono in vari momenti ma non si tralasciano i riff decisi (Volutamente B in parte con Ultimi Istanti Di Riflessione), ancora la presenza di un violino in una formazione fondamentalmente rock di sicuro stupisce ma dall’altra abbiamo la presenza di testi in italiano (contrariamente ad una loro natura molto esterofila). Questo rende molto più complessa la comprensione della proposta degli Elaflein, che anche per quanto riguarda i temi trattati non restano di certo sul leggero (come quello dell’anoressia).

Interessante l’acustica (anche se arricchita a dovere con effetti vari) Invecchia Solo Chi Osa Farlo, brano che mette davvero d’accordo questa doppia anima della band, melodica e sofisticata, copione che si ripete in Sonno In Viaggio. Tendenzialmente i tempi sono lenti e le liriche drammatiche, Arresta Di Fine Turno ad esempio ricorda una vena cantautorale dark che avrebbe bisogno di nuove esperienze per poter suonare con una verve maggiore. La restante parte dell’album segue un po’ il filone post-rock senza proporre nulla di nuovo, ma a noi basta ciò che abbiamo ascoltato per capire che in futuro questi ragazzi potranno creare qualcosa di davvero originale.

Mike 3RD – In The Woods

Mike 3rd, pseudonimo artistico di Andrea Michelon Prosdocimi, sforna questo eclettico In The Woods, una sorta di manifesto della sua lunga carriera, costellata da numerose collaborazioni e partecipazioni tra cui ricordiamo gli interessanti Tunatones e gli Ex-Kgb. Caratteristica predominante del lavoro è la produzione completamente in analogico, che riconsegna agli strumenti la responsabilità della qualità del suono e permette una sperimentazione puramente manuale ed artigianale. Diventa quindi fondamentale l’apporto di musicisti di prim’ordine, e Mike sceglie dei professionisti “pluristellati”: da Pat Mastellotto al soprano Roberta Canzian, passando per il bassista Alessandro Arcuri e il trombettista jazz Scott Steen. Mixaggio e mastering in quel di L.A. sono la ciliegina sulla torta per questo disco, pubblicato da Ma.Ra.Cash Records, etichetta di Vigevano che diffonde l’eccellenza del progressive, indie e post-rock italiano. Ed è questo il sottoinsieme in cui nasce e si articola questo LP, realizzato senza attingere ad alcun tipo di elettrificazione del suono, per rappresentare al meglio, in musica, l’incontro tra l’uomo ed il bosco, la natura, i suoi misticismi ed i suoi suoni.

Diventa quindi necessario il rapporto diretto e totalizzante dei musicisti con i loro strumenti (ed i materiali di cui sono composti), dai quali si estrapola tutta l’acustica possibile ed immaginabile (grazie alla perizia degli esecutori). Ma non è tutto oro ciò che luccica, ed il perfezionismo a volte genera mostri. Un minimo di umiltà avrebbe permesso al disco di essere ancora più interessante affidando le parti vocali ad un cantante in grado di osare di più. Non che la voce di Mike non sia all’altezza della situazione, ma alla lunga risulta anonima ed alla ricerca di un inconsapevole emulazione, come in Shining Light, Back To Life, Just Because, In The Circle, It’s All So Quiet e persino in quel piccolo gioiello di post jazz-rock ultrasperimentale che è Two Wings; mentre negli episodi più rock, come 15 Days, Time, Joy è sicuramente meno fastidioso e compatibile con la melodia dei brani, così come anche nella bellissima Queen Of The Night.

Nel complesso, un ottimo disco di progressive folk rock acustico, dal suono internazionale e transgenerazionale, che avrebbe potuto, con un pizzico di saggezza in più, trasformarsi in capolavoro.

Like A Paperplane – Unfolding Light

Quando si parla di musica strumentale del nuovo millennio ci si riferisce prevalentemente ad un genere preciso: il post-rock. È in questo filone musicale che molti giovani musicisti si immergono, un contesto in cui la forma e l’ambientazione hanno la meglio su sostanza e riff. I Like A Paperplane non ne sono da meno e con qualche anno di attività giungono ad Unfolding Light, loro esordio discografico sotto la Overdub Recordings. Un album questo che si distingue solo relativamente da altre produzioni di band colleghe. In Unfolding Light infatti c’è una maggiore attenzione alla sezione ritmica: mentre di solito le formazioni post-rock puntano a strascichi lisergici e drappi psichedelici, i Like A Paperplane cercano di tenere alta la testa dell’ascoltatore anche con ritmi incalzanti; non si può parlare prettamente di groove o di altre esacerbazioni tecniche, in fondo è sempre la sei corde (a cui è affidato l’unico ruolo melodico) a giocare in attacco, ma gli elementi della band si sentono tutti. Ci piacciono gli spiragli di rock duro nella parte finale di Memories, o la bellissima Bottom Of The Barrel, un brano quest’ultimo davvero rock che dà carica e trasferisce all’ascoltatore i vari strati su cui è studiata la traccia. Meno piacevoli le parti estremamente allungate (come in Farewell) che si prestano poco al riascolto.

D’altro canto, a parte quanto abbiamo già detto, i Like A Paperplane rientrano a pieno titolo nel filone post-rock, suonando in maniera troppo simile alle altre proposte musicale di genere. Il fatto che sia un debut album e che la produzione sia curata davvero bene, lascia sperare in una evoluzione più che positiva. Noi ci aspettiamo molta più personalità e fervore.

Calista Divine – Vacante

Post-rock strumentale, etereo, astrale. I bolognesi Calista Divine debuttano nel mondo discografico con un album dai suoni puliti e fluidi, in cui di sicuro avrà giovato il lavoro in produzione di Cristiano Santini dei Disciplinatha. L’atwork di copertina ci predispone subito ad entrare in un mondo dai confini poco definiti e variopinti. Con poche pennellate musicali i Calista Divine riescono a creare un ambiente armonico variegato, dai ritmi dilatati, capace di ipnotizzare la mente senza rimanere freddi e distaccati, ma riuscendo a trasmettere un certo pathos, talvolta nascosto nelle pieghe musicali, per poi riaffiorare veementemente con furia distorta. Vacante è una prova convincente di un’idea artistica che si muove entro confini musicali non consueti, ma senza quell’ostinata ricerca del diverso ed elaborato a tutti i costi. La tecnica musicale è al servizio dell’armonia, ed ogni suono appare semplice ma ricercato senza essere pretenzioso, dove ogni cosa viene scelta accuratamente per il bene finale del disco.

I Calista Divine si impongono sulla scena musicale in modo convincente ipnotizzandoci con il loro sound, lasciandoci in attesa del loro prossimo disco.

Athene Noctua – Others

La musica strumentale è qualcosa di assimilabile alla vita onirica: molto astratta, difficilmente decifrabile e con l’alto rischio che al risveglio non si ricordi più nulla. La differenza però sta nella dualità mente/cuore: di solito un sound privo di linee vocali cade facilmente nella provocazione di risultare freddo, talvolta eccessivamente tecnico, mentre i sogni sono profondamente pieni di emozione e non hanno nulla a che vedere con la razionalità. Il nuovo album degli Athene Noctua riesce in un colpo solo a suonare assimilabile ad un lungo sogno e contenere in esso la componente emotiva che la musica sprigiona nei suoi vari effetti e pattern. Non c’è un genere che regga lo scheletro delle idee della band: si potrebbe farlo confluire nel post-rock ma sarebbe riduttivo in quanto non è l’elemento dell’ambientazione che prende il sopravvento, gli strumenti (anche quelli elettrici) sono ben presenti. Le tastiere non prendono il sopravvento (fattore questo che apprezziamo molto) e le chitarre dicono sempre la loro. Diciamo che Others suona come un viaggio intimista tra la cupidigia degli Ufomammut, lo stoner più psichedelico e la filosofia musicale dei Greateful Dead; nei suoi 45 minuti compare evidente questa dualità, rock ambizioso ma elettrico, sezione ritmica decisa ma che al momento giusto si mantiene un passo dietro agli arpeggi o ai solismi.

Incursioni e frasseggi jazz in Suppah Suppah Magic Soup, assoli melodici ai confini con divagazioni fuori tema…nella parte centrale di Others i Nostri perdono un po’ la bussola: Boreal Lotus e Karlheinz’s Flight si fanno tentare dalla sperimentazione pura, meglio invece le incursioni progressive di New Mumba che carica di groove (basso fuzz) e di tastiere sattantiane alla Emerson Lake & Palmer. In questa orgia di suoni e di rimandi sonori vediamo difficile una riproposizione musicale dal vivo di una ricetta così stratificata, eppure in termini puramente artistici Others non è un album da accantonare. Piuttosto va ascoltato a fondo.