Avantasia – The Mystery Of Time

Era circa poco meno di 2 anni fa, quando Tobias Sammet concludeva con il botto il concerto degli Avantasia al Wacken nel 2011, tornato in patria aveva avuto il tempo di riposarsi e magari di pensare ad un nuovo album  da comporre. Sì esatto aveva avuto del “tempo”…“che concetto peculiare…”, deve aver pensato. E fu così che previo annuncio sul suo sito ufficiale nel 2012, il mastermind del progetto Avantasia riprese ancora una volta penna e spartiti per lavorare ad un nuovo fantasmagorico concept su tempo, scienza e religione, pervenuto alla bramosa mano del pubblico nell’aprile del successivo anno, con il nome di The Mistery Of Time. Sammet lo definisce “rock epic”, in effetti lo stile della composizione risulta evoluto verso un hard rock melodico molto deciso piuttosto che power metal, sia per le dinamiche che per la struttura armonica, che offre delle interessanti alternative rispetto ad altrimenti veloci pezzi sparati ed assoli vertiginosi oramai già ascoltati e riascoltati, fatta eccezione per alcune tracce che tuttavia non guastano affatto. Il cast di quest’opera conta, oltre ai già conosciuti Michael Kiske (Unisonic, ex-Helloween), Bob Catley (Magnum) e Cloudy Yang (Avantasia) che Tobi tiene gelosamente stretti al proprio fianco, anche nuove “reclute” il cui timbro è particolarmente piaciuto a quest’ultimo, ascolteremo infatti esponenti del metal e dell’hard rock come Mr.Big, Pretty Maids e Saxon. A coronare il tutto è l’ingaggio di una prima vera orchestra per le registrazioni, essenziale è infatti la collaborazione con la German Film Orchestra Babelsberg, presente anche in un album degli Edguy. Ma accingiamoci ora ad ascoltare il prodotto.

L’album si apre con Specters, l’orchestra crea subito la tensione e dopo pochi secondi sfocia nell’intro vero e proprio coadiuvato da batteria e chitarre, il pezzo è riccamente strutturato, e riesce efficacemente ad evocare nella mente dell’ascoltatore i suoi fantasmi, in un perfetto connubio tra strumenti classici e moderni, in particolare per le tastiere dell’inquietante intermezzo che precede l’ultimo ritornello (pianoforte, strings, sinth e persino un clavicembalo!). Il tema del ritornello sulle ultime ottave del pianoforte a mo’ di carillon conclude la traccia e lascia solo un breve attimo di silenzio prima che la frenetica The Watchmaker’s Dream cominci la sua corsa, un flusso ininterrotto di doppio pedale in dodici ottavi che fa da base all’accompagnamento su cui il timbro di Joe Lynn Turner (ex-Rainbow, ex-Deep Purple) si precipita nuovamente in un duetto con Tobias Sammet (entrambi già interpreti del primo pezzo). Anche qui l’attenzione è subito catturata dall’organo hammond che accompagna le strofe e che delizia i fan dei Deep Purple con un assolo alla Jon Lord a circa metà della canzone. È la volta di Black Orchid, l’atmosfera è resa maestosa e cadenzata dall’introduzione orchestrale che ricorda a grandi linee quella di Sign Of The Cross da The Metal Opera, che fa da preludio ad un duetto tra Sammet e Biff Byford (Saxon) adorno di cori ed armonie imponenti.

A seguire nell’ordine troviamo Where Clock Hands Freeze: i performer dell’orchestra Babelsberg hanno ancora una volta il compito di introdurre il pezzo, il pathos creato da archi e fiati annuncia l’infallibile duo del power, Sammet-Kiske all’opera in strofe veloci e dinamiche e ritornelli in cui il frontman degli Unisonic non delude le aspettative con i sempre amati acuti adamantini come solo lui sa fare. A questo punto Tobi decide di fare un break dall’adrenalina dei primi quattro pezzi e assegna al quinto posto Cloudy Yang nel suo secondo ingaggio da lead vocalist negli Avantasia, cantando con il soprano leggero in Sleepwalking, molto semplice, sentimentale, in effetti un po’ scontata ma pur sempre orecchiabile. Arriviamo ad una delle due tracce più lunghe della raccolta, Saviour In The Clockwork in cui Tobi richiama a raccolta tutte le voci maschili fino ad ora presentate (Kiske, Byford e Turner) per unirsi a lui in un’altra fantastica corsa. I dieci minuti del pezzo sono magistralmente organizzati in varie sezioni, che vanno dalle più potenti e ritmate del refrain a quelle più lente e a dinamica bassa, che servono per creare il climax che riporterà nuovamente il groove della traccia alle stelle riprendendo il ritornello per concludere. Stessa cosa dicasi per Invoke The Machine, featuring Ronnie Atkins (Pretty Maids): qui le linee di chitarra elettrica e batteria si fanno ancora più aggressive, per un brano intenso ed incalzante, magari un po’ ostico da digerire al primo ascolto ma decisamente meritevole una volta metabolizzato.

Concediamoci un altro break per assaporare un po’ di sentimentalismo in chiave rock come si deve: la consueta ballad mai assente nelle opere di Tobi ci viene offerta da Eric Martin (Mr. Big) e risponde al nome di What’s Left Of Me, pezzo araldo delle ultime due tracce che concluderanno l’album. Stiamo parlando di Dweller In A Dream in cui fa il suo ritorno Michael Kiske, nell’ultima traccia di stampo power, e di The Great Mystery, il gran finale alla quale prestano la voce Turner, Byford ed un ritrovato Bob Catley, in uno spettacolare melting pot di stili diversi amalgamati alla perfezione. Rock e musica classica sposano perfettamente musical e gospel, per la degna chiusura di una delle opere meglio riuscite al genio del leader degli Edguy, che riconferma per la sesta volta il suo talento mai obsoleto e incredibilmente versatile.

Helloween – Straight Out Of Hell

Grandissimo e gradito ritorno delle zucche di Amburgo che con questo nuovo lavoro discografico si confermano capisaldi del power metal di scuola europea. Ebbene sì, gli Helloween a distanza di tre anni dal metallifero 7 Sinners tornano a deliziare le nostre giornate con 15 nuovi brani (noi abbiamo sottomano la versione digipack condita da grandi bonus track) che non si discostano molto dal genere che propongono dalla pubblicazione di Master Of The Rings in poi, in pratica da quando l’ex singer degli hard rocker Pink Cream 69, il buon Andi Deris, ha preso in mano il microfono e la guida della band. In questo nuovo album troverete tutti gli ingredienti che messi insieme creano questa musica tiratissima e godibilissima e sempre colma di melodie eccellenti ed assoli di chitarra a quattro mani da incorniciare nella propria stanza. E qui le nostre zucche amburghesi non si sono risparmiati proprio per nulla. Il primo brano che é anche il primo singolo di lancio dell’album porta il nome di un personaggio epico che riporta al periodo Maya, Nabataea. La canzone é molto bella e ben introduce con i suoi continui cambi di tempo il resto del disco, brano perfetto sotto tutti i punti di vista.

World Of War, Live Now e la grandiosa Far From The Stars sono un perfetto tris d’assi di pregevole power metal che gli Helloween calano ad inzio delle danze ricordando a tutti che questo genere lo hanno creato e fatto crescere anche loro. Gli assoli di chitarra e la doppia cassa, lanciatissima in Far From The Stars vi faranno impazzire di estrema e metallica gioia. Una bella novità di questo ultimo lavoro sta anche nel constatare dello spazio che è stato concesso a livello compositivo e sopratutto nella stesura dei testi delle canzoni al bassista Markus Grosskopf e al chitarrista Sascha Gerstner: il bassista ha firmato ben tre brani mentre Gerstner, che in genere dava solo un apporto prettamente solistico sul lato pratico, si è qui cimentato a scrivere anche i testi di diverse canzoni. Tra queste citiamo l’esplicita già dal titolo Asshole e l’unica ballad presente in questo episodio discografico, ossia la melensa Hold Me In Your Arms. Se poi aggiungiamo che la title track è una delle canzoni più belle scritte negli ultimi anni dagli Helloween potete solo gioire leggendo queste righe.

La grafica del disco é curatissima come sempre, belle le immagini della band ed anche le zucche che fanno da tema portante sia sulla copertina che nel booklet interno, con tanto di lyrics comprese. E tante ghiotte sono anche le bonus tracks incluse, con tanto di dediche particolari come quella fatta a Freddie Mercury con la canzone Wanna Be God, o della versione hammond del brano Burning Sun  per Jon Lord dei Deep Purple (un doveroso R.I.P. per questi due grandi musicisti che ora non ci sono più). Se avete ascoltato Straight Out Of Hell noterete che per un pò di tempo sarete a posto con voi stessi. Tremate, tremate le zucche son tornate!

Angra – Best Reached Horizons

Cambiare cantante è sempre un problema per una band. Quando una formazione sforna album epocali i fan si affezionano ai musicisti che hanno creato quelle canzoni. Ciò è tanto più vero se ci parla del singer la cui performance resta impressa anche per chi non è attento ai tecnicismi musicali rappresentando il primo fattore che si imprime nella mente di chi ascolta. Questo lo sanno tantissime band (Iron Maiden, Marillion, Judas Priest, Black Sabbath, Deep Purple, Helloween, Dragonforce, Alice In Chains, Gotthard…): si tratta di un ostacolo molto rischioso che può sancire la fine della carriera della band o altre volte, con anni e anni di lavoro, una rinascita (AC/DC su tutti). Anche gli Angra rientrano in questo discorso, raccontato nel vero senso della parola da questo Best Reached Horizons uscito a fine 2012 sotto SPV/Steamhammer. Dal 1993 al 1999 infatti la band brasiliana è stata diretta da Andre Matos, mentre al 2000 in poi dietro il microfono è stato scelto Edu Falaschi. Un cambio di rotta che ha significato molto per la band e che ha voluto essa stessa mettere a confronto con questa doppia uscita nella quale il primo album rappresenta la prima epoca della band mentre il secondo il periodo più nuovo vissuto con Edu.

Ma ciò non basta, perchè in realtà i due CD ripercorrono in ordine cronologico i successi delle due formazioni (senza considerare le sostituzioni degli altri, seppur importanti, musicisti). Il CD 1 contiene le prime quattro tracce estratte da Angels Cry (1993) la quinta e la sesta da Holy Land (1996) un estratto live da Holy Live (1997) la title track dell’EP Freedom Call (1996) e due brani di Fireworks (1998). Non abbiamo dubbi: le tracce sono davvero il meglio del meglio della produzione realizzata con Matos e rappresentano un pò una guida per chi non conosce la band per scoprire il loro fantastico mondo. Stesso discorso per il secondo CD dedicato ad Edu: le prime due tracce estratte da Rebirth (2001) la title track dell’EP Hunters And Prey (2002), due brani da Temple Of Shadows (2004), due da Aurora Consurgens (2006) e due dal più recente Aqua (2010). Tutto rigorosamente in ordine cronologico. Inutile fare una disamina dei singoli brani: è stato selezionato di proposito il meglio della loro carriera, anche per omaggiare questa release che rappresenta il primo ‘best’ a nome Angra. Curioso scoprire, tramite proprio questa scelta di ordinare temporalmente le tracce, quanto si sia evoluto il power metal della band, passando da un power/prog dalle tinte molto epiche nella prima fase ad un power/heavy comunque molto tecnico del secondo periodo. Gli stili vocali sono simili tra loro: acuti e vette altissime caratterizzano le voci di Matos e Falaschi anche se nel primo si ravvisa una spregiudicatezza maggiore. Ovviamente la differenza principale è che il primo risiede stabilmente nel cuore dei fan per le emozioni copiosamente elargite in passato.

Curiosa in chiusura la scelta di inserire una cover, si tratta di Kashmir dei Led Zeppelin, rivista profondamente secondo lo stile che caratterizza i brasiliani senza snaturarne la versione originale. In conclusione possiamo parlare di un prodotto commerciale? Non possiamo negare che si tratta di un’uscita per far rivivere ai fan le perle delle due ere e permettere a chi non conosce gli Angra di condensare in due ore veramente il top da loro prodotto in venti anni di magistrale carriera. Secondo noi è qualcosa di più…ora che anche Edu Falaschi ha annunciato di lasciare la band è possibile che con questo ‘best’ si voglia fare il punto dei due periodi precedenti e puntare ad uno nuovo con un terzo singer. Staremo a vedere.

Autore: Angra	Titolo Album: Best Reached Horizons
Anno: 2012	Casa Discografica: SPV/Steamhammer
Genere musicale: Progressive, Power Metal	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: http://www.angra.net
Membri band: André Matos – voce Edu Falaschi – voce Rafael   Bittencourt – chitarra Kiko Loureiro – chitarra Felipe Andreoli – basso Luis Mariutti – basso Ricardo Confessori – batteria Aquiles Priester – batteria	Tracklist isc 1 Carry On Angels Cry Wuthering Heights Evil Warning Nothing To Say Holy Land Carolina IV (Live) Freedom Call Lisbon Metal Icarus Disc 2 Nova Era Rebirth Hunters And Prey Spread Your Fire Waiting Silence The Course Of Nature Salvation Suicide Arising Thunder Lease Of Life Kashmir

Fatal Impact – Esoteria

Anche dai recessi più sperduti del nostro vecchio continente possono fuoriuscire solide realtà musicali, senza che il Paese di provenienza sia di ostacolo. Essendo, anzi, nel caso di specie il luogo in esame tra i più degni e nobili ispiratori di frange estreme del metal quali il death o anche il brutal. Il combo norvegese rilascia il secondo full-lenght dopo un quinquennio dal lavoro di esordio, mostrando una apprezzabile volontà di uscire fuori dai canoni consolidati del power da esso proposto in questo disco, che comunque risente ancora di una cappa di a volte latente pressapochismo in alcune tracce, specie per quanto riguarda la base compositiva, che pare non del tutto a suo agio nell’espressione delle tonalità alte da parte del singer. Imperniato quasi completamente attorno all’arcano ed al mistero, l’album offre uno spaccato di immaginazione musicale davvero ispirata in alcuni passaggi, ma purtroppo ripetitiva in altri. La titletrack è un buon intro che serve a creare l’opportuna atmosfera d’ambiente che spiana la strada a A New Era, brano molto intenso e su cui la band si esprime al meglio anche nei legati della chitarra, che cerca di rendere al meglio l’intenzione quasi metal nel bridge centrale. Where The Alders Grove ricalca stancamente la traccia precedente, costituendone forse un ideale prosieguo, peraltro mal riuscito a causa di una produzione che incupisce troppo il sound. Silent December risalta senza meno come la gemma del disco: classica ballad in stile power, dove le asce in questa occasione realizzano un’azzeccata combinazione dei suoni e consentono al singer di esprimersi finalmente al meglio con una timbrica che spazia dalle tonalità cupe a quelle ben più pulite nello svolgimento del pezzo. Almeno in questo frangente, la band si mostra finalmente compatta, cosa che purtroppo non si riscontrerà ancora spesso lungo la durata del disco.

Endtime Theater e The Blind Mans Eye è un dittico di brani che non mette e non toglie: in ambo le tracce le premesse sono ottime con le sonorità molto velocizzate e con il singer che si danna il suo per rendere ancora più compatti i brani. Eppure, dopo un attento ascolto resta la sensazione di trovarsi di fronte ad un lavoro incompiuto, a causa della scarsa ispirazione che la band appare immettere nell’esposizione dei brani, mentre con The Arrival si risale la china per quanto concerne il trasporto e l’intensità della band. Le atmosfere si fanno nuovamente cupe e la band appare qui a suo agio nel consentire un saggio uso del growl al singer in vari passaggi. Carica ed energia trasudano qui a pieni amplificatori, grazie ai tempi ben distribuiti. A View To Hell e Under The Stars sono ennesime power song che rendono bene l’intenzione della band di tributare i titani del genere, sia pur a modo loro. Rivisitati i clichè da seguire, i brani sono strutturati secondo le intenzioni canoniche della band e non per questo il sound risulta piatto o ostico da ascoltare. The Final Solace è invece un buon brano d’impatto, in cui la voce fa da padrona e viene seguita docilmente dal resto del combo nelle sue evoluzioni, senza aggiungere nulla di nuovo che possa indirizzare a mutare opinione sul lavoro sin qui svolto.

Verity Of Splendor si caratterizza per la relativa calma e pacatezza che riesce a trasmettere con le sue atmosfere: quasi a fungere da passerella finale a Funeral, in cui la band ci dona con sorpresa un solido lavoro dell’organo che disegna un brano stavolta davvero coinvolgente e che ripaga di alcuni passaggi a vuoto precedenti. Passaggi che ci si augura non si ripetano in futuro con i prossimi lavori.

At The Dawn – From Dawn To Dusk

Oggi ci troviamo a parlare degli At The Dawn, giovane realtà proveniente dall’Emilia Romagna, formatasi solo nel 2011 e che, dopo aver pubblicato solo l’anno successivo l’EP Countdown To Infinity giunge già, nel 2013, al debutto discografico con il presente From Dawn To Dusk. La fretta di questa band a pubblicare lavori potrebbe fare storcere il naso ai più, ma non facciamoci prendere da inutili pregiudizi e andiamo a scoprire insieme questo album. Il sound proposto dal combo nostrano è un tipico power metal d’impatto in stile tedesco ma dalle forti tinte epiche, il cui songwriting punta molto sulle melodie dei ritornelli e tra i brani presenti nell’opera alcuni, come Post Fata Resurgo e la conclusiva Wake Up At Dusk, di cui melodie e ritornelli una volta ascoltati difficilmente si riescono a dimenticare. La buone doti canore di Stefano De Marco vengono ben messe in evidenza grazie ai riff tirati ad opera dei due Michele della band con le loro chitarre sostenute alla perfezione dal batterista Mattia Ughi, il suo doppio pedale e dalle linee di basso di Vittorio. Inoltre ad arricchire e a rendere ulteriormente godibili le composizioni di questa opera è il compito svolto dagli inserti di tastiera, sempre piuttosto semplici ma che riescono a supportare le melodie donandogli quel tocco di atmosfera necessaria.

Insomma, ci troviamo di fronte ad un lavoro che, senza puntare in alto, fa centro nell’idea per cui è stato composto, un piacevole ascolto per un pubblico senza troppe pretese, amante delle sonorità più melodiche del metal. Per la band sembra che la strada per giungere alla personalità e alla maturità stilistica è ancora lontana ma il futuro ci potrà dire di più a riguardo, per ora possiamo constatare che la strada intrapresa da questi ragazzi sembra sia quella buona.

Revoltons – 386 High Street North: Come Back To Eternity

La Terra Promessa (musicale) a volte non è troppo lontana: inutile sobbarcarsi voli transoceanici per scoprire tesori che magari si hanno a portata di mano a pochi passi. Ad esempio, la proposta dei nostrani Revoltons non ha nulla da invidiare alle quotate band d’oltreoceano ed oltremanica in quanto a tecnica e capacità compositiva. Missando saggiamente hard, power, thrash e progressive (?!), il gruppo si destreggia alla grande nell’affrontare generi di sicuro impegno e necessitanti di originalità. Sin dalle due iniziali intro strumentali, tra cui la titletrack, la band dimostra idee chiare soprattutto negli arrangiamenti e nelle legature delle parti strumentali. Con Jeremy Bentham la gradevole voce di Andro consente ai germani Corona di svolazzare con leggerezza su di un pentagramma sonoro di sicuro impatto, che conduce ad un’invitante cavalcata quasi epica nel refrain e nel bridge centrale. La buona sezione ritmica detta bene i tempi di battuta, su cui il singer dosa bene i tempi di entrata. Un complesso Blood Of Skynet si dipana attraverso atmosfere molto cupe, che spaziano dal metal classico al progressivo nello slancio iniziale del brano: non pare essere appena al quarto brano, stante la già numerosa variazione di stile nell’esecuzione degli stessi. La voce è qui rallentata ad arte per consentire alle due asce di mettere assieme delle sonorità davvero non artefatte e che escono spontanee dagli amplificatori. Il cantato quasi declamato in alcuni passaggi rende il brano molto ingannevole, nel senso che ad una iniziale malinconia interpretativa segue invece una linea sonora molto rocciosa e stentorea, che rendono il pezzo tra i migliori dell’album.

L’ospite Francesca Sanavro offre con la sua voce angelicata un notevole servigio al breve interludio di Souffle De Vie, declamato in francese e reso molto delicato. Ideale ponte verso Come Back To Eternity, strutturato attraverso un lungo preludio iniziale che probabilmente appesantisce leggermente l’economia del brano. Le asce qui appaiono troppo “tirate” nella loro distorsione, mentre anche il singer cerca di rendersi eccessivo nel trattenere le note sui toni alti. Probabilmente, l’intenzione di rendere il brano una ideale testa di ponte verso la seconda parte dell’album mal si concilia con la linea sonora sin qui intrapresa dalla band. Tuttavia, l’alternanza del tapping in sottofondo rende comunque il pezzo egualmente gradevole nell’insieme, sia pur con i distinguo del caso e con la piacevole semiacustica centrale che dipinge un breve e nostalgico ghirigoro medievale davvero interessante. The Ancient Dragon è l’immancabile ballad: supportata da una buona iniziale evoluzione elettrica, la canzone si rafforza con il canto trasognato del singer, qui molto ispirato. Ammiccante al power in alcuni passaggi, il brano è tuttavia un vero esempio di poliedricità; non si discosta dai dettami sinora seguiti e tuttavia riesce ad emozionare con facilità. Le asce si mettono a disposizione del testo, che qui strizza l’occhio a tematiche tanto care alla leggenda Ronnie James Dio, che idealmente dall’olimpo benedice questa performance.

Si torna in riga con Sharpened Fog, dove alcuni inserti di tastiera rendono il brano un classico hit-metal, che senza dannarsi l’anima più di tanto riesce a raggiungere lo scopo di tratteggiare le note caratteristiche della band, devota al sound tipico dei gloriosi ‘80, in cui le asce la fanno da padrone. Chameleon esula ancora una volta dagli schemi: anche qui riscontriamo toni cupi e pesanti, dovuti alla sezione ritmica molto rallentata, che indugia quel secondo in più nella battuta e nella dettatura dei tempi. Per apparire molto “dark” nella fase centrale del pezzo, il gruppo non esita a sacrificare le tonalità alte del cantato, che qui fa molto uso di growl, sia pur sommesso ad arte. Ancora un lento con London Again, lo sforzo lodevole della band di proporre un momento molto intimista cozza con l’idea che di essa ci siamo sinora fatti. La tecnica del combo è indubbia e pur tuttavia il gruppo continua a farsi preferire sulle tracce più incisive che rendono meglio la natura anche tecnica della band, tuttavia impeccabile. Nagual Touch ci riconsegna al meglio i nostri eroi: la breve intro iniziale pregna di acustica lascia presto il passo ad una sventagliata di metal classico che riporta in auge la band. Il volutamente ritardato arpeggio delle asce consente al singer di esplodere con toni ben più spiritati, che in alcuni frangenti raggiungono addirittura vette hardrockeggianti. L’ossessiva semielettrica di sottofondo consente al singer di dettare i tempi della sua durata, presente ad iosa nella fase centrale, in secondo piano nell’enunciazione finale dei testi.

La conclusiva e lunghissima Space And Time Reflex, proveniente dal loro precedente Lost Remembrance, è la summa finale delle esperienze musicali sin qui maturate dalla band. Lungo tutto il minutaggio del brano, si alternano tutti gli stili cui all’inizio abbiamo fatto riferimento: dall’iniziale momento progressivo (con tutta la strumentazione volutamente sotto tonalità), si passa alla fase tipica del metal più spassionato, dove anche il singer si imbarca su vette vocali trattate in precedenza e con successo. Caratteristica del brano è la sua interruzione a metà durata, salvo poi ripartire con un sound che pare provenire da molti metri sottoterra e che pare nulla aver a che fare con quanto sin qui sentito. Un pizzico di suspence, che indurrà molti a voler rendersi conto di persona cosa accade e che di certo, non resterà deluso, grazie alla buona intenzione del gruppo, che avrà altre ideucce come questa in seguito.

Martiria – Roma S.P.Q.R.

Finalmente una band in grado di creare un concept album dedicato all’Italia e in particolare alla storia romana: si tratta di Roma S.P.Q.R. dei Martiria, una band che annovera tra le proprie fila influenze e artisti di un certo calibrio. Rick Anderson (in arte Damien King III, cantante dei Warlord) è stato a lungo alimentatore del progetto Martiria, fino ad un anno fa quando si è separato dal progetto per lasciare il microfono al nuovo singer Freddy; lo stesso chitarrista Andy Menario ha partecipato ad un progetto con Carl Sentance (ex Krokus), Carlos Cavazo (ex Quiet Riot), Jeff Pilson (ex Dokken) e Vinny Appice (ex Black Sabbath e Dio) per la registrazione di un album dal titolo Dinosaurs. Ma cosa rappresentano i Martiria oggi? Dopo 25 anni dalla loro nascita si può dire che i Martiria rappresentano un loro stile compatto, senza cedimenti o indecisioni, e che con questo concept album hanno compiuto un ulteriore passo nel proprio processo di maturazione. La costruzione sonora è ben precisa e non si presentano impasti di suoni, come a volte accade per lavori di questo tipo; il songwriting viene valorizzato adeguatamente e gli appassionati di classic heavy metal posso trovare diversi spunti interessanti, pur trattandosi fondamentalmente di power/epic metal. Ovvio che il fan tipo di Helloween e di Kai Hansen (tutta la discografia, Gamma Ray inlcusi) è a rischio overdose con la quasi ora piena di Roma S.P.Q.R. ma questo non vuol dire che si tratta di un album per ‘defender’ e basta (chiedetelo ai fan dei Virgin Steele!). Anzi la forza di questo lavoro è quella di piacere ad un pubblico eclettico: pur essendo ancorato alla scuola power, l’album risulta fruibile senza presentare rinuncie ad un sound duro e deciso.

Qualche influenza dreamtheateriana in Callistus Wake e l’interlocutoria Britannia che sa molto dell’epicità dei Bathory (o anche dei Blind Guardian ai tempi di Nightfall In Middle Earth) sono solo alcune sfumature rintracciabili dal passato, ma le armi vincenti dei Martiria sono ben appuntite ed escono fuori con Tale Of Two Brothers, che rappresenta la canonica power track con pomposità annesse da gloria e conquista, con l’accoppiata The Scourge Of God/Elissa tirate e complesse al punto giusto e con la ballad Ides Of March. Qualche passaggio meno personale c’è (come The Northern Edge), ma non si tratta di riempitivi in un album che va comunque osservato da un punto di vista complessivo. A livello ideativo Roma S.P.Q.R. è creato con tantissima attenzione sviscerando i periodi più caldi della storia dell’Impero Romano non trascurando citazioni ad immagini e fonti in latino provenienti dal passato.

E Freddy? È necessario presentare la nuova voce dei Martiria quale timbro vocale dalla particolarità non eccessiva ma con delle doti che riescono in parte a renderla piacevole in un contesto in cui anche gli altri musicisti spiccano molto per idee e tecnica. In uno scenario musicale del genere, a nostro parere, una voce con un’estensione vocale maggiore avrebbe reso l’opera ancora più epica. Al di là di tutto si tratta di un album davvero ben costruito, migliorabile sotto certi aspetti, ma in grado di forgiare un interesse di rilievo tra legioni di fan appartenenti a generi diversi. Anche per questo per noi è promosso.