Sailing To Nowhere – Lost In Time

Se il power metal è stato per anni legato a doppia mandata con il metal tedesco, è necessario rispondere sottolineando che anche noi in Italia abbiamo contribuito al rafforzamento del genere con band davvero valide. Se il power metal è reputato da alcuni un genere in declino, va detto che i live, e in parte il fronte discografico, capovolgono questa conferma. È vero che poche sono le realtà di un certo livello che confidano ancora sui luccichii di una scena power tricolore, ma queste formazioni sfornano brani che sono sicuramente all’altezza di ascolti internazionali e i Sailing To Nowhere rientrano a pieno in questo discorso. Il loro ultimo Lost In Time conferma il peso del loro nome, soprattutto per attenzione alla produzione e ambivalenza (molto apprezzata) tra voce maschile e femminile, elemento che, insieme ad una buona attenzione alle melodie, accosta molto la band a realtà sinfoniche o comunque di power melodico. Non siamo nei territori tipici dei Gamma Ray che ci abituano a sferzate di riff appuntite come solo in passato i Judas Priest ci avevano abituati, siamo più in prossimità di realtà come Avantasia, Rhapsody Of Fire (meno epici), Epica.

L’assolo di Apocalypse, la ballad Start Again, i ritornelli e i cori di brani come Ghost City ci raccontano di una band che a cavalcate ritmiche e riffing affilati predilige ricerche melodiche, chitarre pesanti e compatte e tutti gli elementi cari ai defender di mezzo pianeta; lungo la seconda parte dell’album partono dei momenti più decisi come in Suffering In Silence, un brano agguerrito e sicuramente irruente in sede live, che lascia qualche alone anche nella successiva Our Last Night On Earth, traccia in cui le chitarre lavorano a dovere mentre le voci continuano a cercare delle linee orecchiabili. Quello che ci stupisce è che una band di tale caratura non osi nell’inserimento di soluzioni davvero innovative, uscendo un po’ dai cliché tipici del genere e puntando ad uno stile personale pur appagando la fame dei fan di power metal. Questo è un approccio che noi caldeggiamo fin dall’inizio della propria discografia, sia come elemento di differenziazione sia per evitare di cambiare rotta dopo svariati anni e finire per non essere capiti dal proprio seguito una volta divenuto corposo (vedi quello che accadde con Chameleon agli Helloween). Insomma una strada interessante quella che i Sailing To Nothere hanno imboccato e che potrebbero sviluppare con un po’ di coraggio in più.

Athlantis – Chapter IV

Gli Athlantis rappresentano ad oggi un progetto sì longevo ma poco noto per il suo nome nella scena metal tricolore. Piuttosto sono molto noti i musicisti che a vario titolo hanno militato nella band o che hanno collaborato con loro, partendo da Pier Gonella, passando dall’inossidabile coppia Trevor/Talamanca e finendo a Roberto Tiranti (ma i nomi sono molto di più). Per questo il progetto è sicuramente interessante ma va detto subito, a scanso di equivoci, che gli Athlantis si collocano inamovibilmente della scena power metal, quella che sul finire del secolo scorso faceva proseliti con una faciltà incredibile e che oggi è un po’ in affanno (almeno a livello discografico, meno invece a livello live). E probabilmente questo è il lato positivo e negativo di Chapter IV, esattamente il quarto album della band, perché se da un lato le uscite di pari genere sono poche e quindi c’è meno concorrenza, dall’altro non vi sono qui molti spiragli di modernità o di ricerca in una ricetta che ricalca un po’ tutti i cliché del genere e che propone tracce dalla medesima struttura.

Un po’ di durezza arriva con Our Life, una grande interpretazione di Tiranti con Master Of My Fate, ma basta ascoltare l’opener o brani come The Endless Road, Face Your Destiny o nel complesso la stessa Our Life, per capire che la loro musica è sicuramente ben suonata ma un po’ troppo ancorata sull’heavy power già sentito e risentito. Linee vocali molto melodiche, che si lasciano andare in distensioni molto lunghe soprattutto nei ritornelli, sezione ritmica molto precisa che segue come un’orma le sei corde (noi le avremo preferite con una produzione più limpida e tagliente), tutto ok quindi ma non si intravede nulla che ci faccia tirare il fiato, tutto fin troppo ponderato e “accademico”. Eppure le persone che si sono mosse per queste tracce sono tante (già solo i diversi contributi al microfono si sentono) e ci saremo aspettati qualcosa di più coraggioso. Quindi una buona uscita per gli amanti del genere, niente di più, niente di meno.

Virgin Steele – Visions Of Eden

Se c’è un musicista che incarna al massimo lo stereotipo dell’epic metal questo è di sicuro David DeFeis, probabilmente (adesso osiamo) anche più di Eric Adams dei Manowar. Ben 11 anni dopo la pubblicazione di Visions Of Eden, i Virgin Steele ne proprongono una ristampa con 2 CD, un album particolare e interessante, una summa del loro animo epico prima della conversione. Già attraverso il concept che è alla base dell’opera si possono toccare tempi remoti e cavalcate mistiche: la storia infatti tratta le vicende di Lilith, la prima moglie di Adamo, mettendo in discussione la figura maschile su cui si incentrano tutte le religioni (monoteiste in primis). DeFeis ci tenne a sottolineare che si tratta una storia dolorosa e che non lascia spazio ad emozioni positive e questo è evidente da alcune tracce, come Black Light On Black ma anche dal solo profilo musicale, a partire dalle sezioni ritmiche spesso veloci e incalzanti (doppia gran cassa molto presente). A livello di produzione, anche in questa ristampa con suoni rivisti, Visions Of Eden suona come un album anni 90, pur essendo stato pubblicato a metà degli ’00, scelta probabilmente consapevole per rimarcare il valore epico in un periodo storico in cui queste sonorità andavano per la maggiore.

L’hard rock in stile Deep Purple dona colore a brani come The Ineffable Name (strofa), traccia in cui compaiono anche influenze power che si allineano benissimo con il sound della band, rimarcando il valore epico del concept. Questo è uno dei brani più stratificati del lotto, l’intermezzo strumentale è davvero ricco e pone l’accento sugli strumenti dopo i primi 20 minuti di musica (giunti a questo momento dell’album) in cui DeFeis aveva assunto un ruolo centrale con le sue liriche. La dimostrazione che i Virgin Steele sono una band completa (seppur le composizioni siano tutti ad appannaggio di DeFeis) arriva anche da pezzi come The Hidden God dove le composizioni lente si alternano a momenti più piccanti e tecnici in una visione che trascende i generi ma che vuole solo puntare al fascino compositivo esaltando un proprio trademark. Questo brano è un’opera nell’opera e siamo sicuri che riproposto dal vivo è in grado di lasciare interdetto il pubblico. Stesso discorso si può fare per Childslayer, pezzo che a differenza degli spigoli presenti nelle prime composizioni di Visions Of Eden, mette in luce una varietà di colori da capogiro, come una farfalla che spicca il volo dinanzi ai nostri occhi.

Arrivati a Bonedust è incredibile pensate al ritmo e all’impulsività che regna nel sound di questo album: la prima parte della pubblicazione infatti stenta a mostrare momenti pacati, tutto è incentrato sulla forza e sullo scontro, sulle divinità e sulla razza umana, su dicotomie che non possono che creare scintille e musicalmente questo si sente. Le eccezioni, non a caso collocate a metà tracklist, sono Angel Of Death (dai toni più oscuri) e God Above God (vera e propria ballad, forse un po’ troppo lunga). Completa la lussuosa confezione del remastered un secondo CD che ripropone gli stessi brani ma con scelte produttive diverse, più morbide ed accomodanti, frutto anche del ripescaggio di vecchi nastri. Poco da aggiungere: un lavoro che anni fa aveva lasciato basiti molti fan ma che secondo noi va ripescato e valorizzato, anche grazie alle nuove scelte sonore.