Souls Of Diotima – What Remains Of The Day

A volte occorre anche sapersi guardare attorno, per tenere fede al vecchio detto secondo il quale “l’erba del vicino è sempre più verde”, spesso è infatti vero. Le grandi produzioni d’oltreoceano possono fruire di budget immensi e non sempre produrre lavori all’altezza, band di più modesto (apparente) spessore, riescono invece ad infrangere questo tabù. Prendiamo ad esempio il sestetto di cui ci occupiamo, gli italianissimi Souls Of Diotima, che hanno alle spalle un cursus honorum di tutto rispetto, con le diverse esperienze dei componenti. Doti notevoli che il combo mette insieme per sfornare questo potente What Remains Of The Day, lavoro diretto ed immediato che sin dal breve Intro ci tuffa in un oceano di puro metal di classe. Pandora si articola già su di un tappeto sonoro che sfiora un eccellente intermezzo prog, su cui si erge la voce stentorea della Barsi, affiancata da una superba sezione ritmica e dalla sei corde che al momento opportuno sfodera il suo graffiante acuto. Una base centrale di drammatiche tastiere dà la stura alla cavalcata finale ancora della singer che pare non volersi congedare dall’ascoltatore con il suo cantato davvero incisivo. Il dipanarsi di The Battle Of Marduk And Tiamat non lascia dubbi: la potenza sonora è il marchio del gruppo, annunziato da un violento ed incisivo giro di basso che prelude al refrain di sicuro impatto, anche grazie al mirato lavoro in connubio della batteria con le tastiere, volte a disegnare un ideale campo di combattimento epico. La doppia sei corde riesce a trasmettere ancora un torrente sonoro equamente distribuito tra i due axeman, capaci di rilasciare con la giusta intensità il rispettivo “solo” di livello.

Von Braun è il top dell’album, senza meno: la vena prog viene ancora fuori, unendosi in un mirabile contesto quasi epico, in cui la Barsi si trova perfettamente a suo agio. Ancora il basso in evidenza nella fase preparatoria al ritornello, dando per scontato che il sestetto svolga alla perfezione il compito assegnato. Notevole la Barsi, che mixando sapientemente tonalità tra lo screaming ed il gothic ci sorprende ancora per il suo multiforme cantato, supportato egregiamente da tasti d’avorio che appaiono immersi nel miglior Medio Evo, da cui non proviene invece l’attualissima sei corde dal riff pulito, che chiude egregiamente il brano sul non ripetitivo giro di basso di cui all’inizio. Children Of The King non sfigurerebbe come intro maideniana: il cantato giunge solo dopo che il gruppo ne ha spianato la strada con una potente miscela di batteria e tastiere, qui davvero impegnate al massimo nel produrre una fucina sonora che rasenta la perfezione. La singer non sovrasta assolutamente il resto del gruppo, anzi con sapienza riesce ad “eclissarsi” al momento opportuno per poi riapparire in seguito alla ennesima preparazione tecnica del brano, intesa come briosità anche negli arrangiamenti, davvero complessi nella loro interezza. Tanto per sorprenderci ancora, non manca un trascinante solo finale davvero coinvolgente e drammatico al tempo stesso, con una degnissima chiusura di tastiere ispirate alla vena ormai senza freni della Barsi, ancora impettita e potente dietro il microfono.

Sandy’s Flight è tagliato su misura per la voce della singer, che qui può confrontare la sua estensione vocale con un testo spaziante dal power puro al prog nella sua accezione migliore. Le tastiere di Andrea Pinna si ergono a protagoniste, costruendo ad arte l’ideale palcoscenico su cui la vocalist possa esibirsi, attorniata tuttavia da una fidata sezione ritmica che ancora si propone meritoriamente per livelli di eccellenza. Manierismo tecnico non fine a sé stesso, nell’esecuzione del brano, ma altresì finalizzato a coinvolgerci nell’esposizione del testo mai disgiunto dal lirismo tipico della ballad. Rising Soul ci appare come l’ennesimo brano gioiello: colpisce il ritmo che incalza senza pietà, per un refrain potente e d’impatto e soprattutto per le strofe centrali cantate in italiano. Rapita dalla complessità del testo, anche la band si rimbocca nuovamente le maniche per sfornare una prestazione collettiva da primo premio. Il ritornello finale, ricantato in italiano, riversa nuova linfa nei solchi del disco, grazie anche all’ottimo lavoro della doppia chitarra, all’unisono impegnata nel tratteggiare un ideale ponte di combattimento da cui la singer diriga le operazioni, di sicuro successo musicale.

Giungiamo alla title-track e dobbiamo riconoscere in essa un altro pezzo da novanta: probabilmente il brano piò complesso del disco, non risulta tuttavia mai monotono, munito anzi di notevoli cambi di passo e di tonalità. Da rimarcare anche la gradevole presenza del growl nel delicato passaggio centrale: dipendendo da esso tutta l’economia del brano, la Barsi è ben attenta a non scendere nemmeno di un’ottava nel cantato, che risulta variegato anche in connubio all’ennesimo growl che conduce alla fine del brano senza appesantirlo, grazie anche al dosato e misurato lavoro delle due asce, che si esaltano in un duello rusticano di note e svisate ben prodotte. Leggero momento di empasse con Endless Sky che, pur apparendo brano di interesse, sembra in alcuni passaggi come slegato dal resto del disco. La singer si attesta su livelli di buon cantato, come il resto della band, tuttavia, non essendo in discussione il talento e la capacità compositiva del gruppo, il brano non lega del tutto con il materiale in precedenza proposto, palesandosi piuttosto come una eventuale B-side che negli anni ottanta avrebbe fatto sfracelli come singolo, ma non inserito in un contesto da full-lenght.

Ci si approssima al termine del disco: Secular Commedy reingrana la temporaneamente perduta rotta e si rimette in marcia con i consolidati stilemi del gruppo. Ancora una sentita interpretazione vocale, che si conferma tra le più piacevoli realtà canore di genere del nostro Paese. Il gruppo tuttavia non vuole esserle da meno, offrendoci ancora una poderosa rivisitazione del loro marchio di fabbrica, dedito totalmente al power di classe. Da rimarcare a questo punto anche la pulizia della produzione sonora che ci consente di apprezzare al meglio tutte le sfumature che ad orecchio non attento sfuggirebbero, quali ad esempio il piacevole duetto di metà brano tra le due asce, nonché il rutilante basso che opprimente non molla la presa. Con la splendida versione italiana di Von Braun si conclude degnamente il lavoro del sestetto, viene anzi riprodotto in modo ancora più potente il brano proprio grazie al cantato in lingua madre. Ancora la voce in evidenza: senza essere tacciati di piaggeria possiamo di certo rinvenire nella singer il fiore all’occhiello del gruppo, attestato comunque di per sé su livelli di eccellenza sonora che di certo preludono ad ulteriori lavori di spessore come What Remains Of The Day.

DGM – Different Shapes

Nel (l’ormai) lontano 2007, due erano i fenomeni emergenti della scena metal nostrana: un’indiscussa predominanza del power almeno da inizio secolo soprattutto per quanto riguarda le band di maggior caratura e la metamorfosi di band nate con forte ispirazione prog verso lidi sempre più semplicisti caratterizzati da raffiche di chitarre in risalto e sempre meno tempi contorti (ormai solo sfumature), spesso reputati obsoleti in confronto all’evoluzione attuale dell’heavy metal. A questi presupposti rispondono a pieni voti i romani DGM i quali, abbandonato l’approccio impegnativo-cervellotico di Hidden Place, concepiscono un album diretto ed impattante quale Different Shapes, costituito da dieci tracce unite appunto dall’imponente trade-mark che accompagna la band fin dagli esordi. Lungi dall’essere contraddetti dal titolo, i Nostri non nascondono qualche chicca, come l’incedere death di Peace Of Mind e le preziose aperture in pieno opeth-style della stessa song, nonché un approccio leggermente sperimentale in chiusura dell’oretta scarsa d’ascolto.

The Alliance fotografa appunto lo stato dell’arte dei cinque musicisti alle soglie del 2007: power metal con tastiere in primis, ottima parte ritmica sempre da supporto ai riff di chitarra che fan da padrone, assoli da vendere e ritornello da cantare agiatamente. E se sui primi ingredienti possiamo provare una insaziabile ingordigia, nonostante i DGM ce li abbiano serviti negli anni per l’appunto in “diverse forme”, sull’ultimo ci sentiamo maggiormente intransigenti a causa di un leggero spreco qua e là nel corso dell’ascolto (Frontiers ne risulta una conferma della nostra tesi). Spietata e dolce allo stesso tempo Unkept Promises riesce con scioltezza ad avvolgerci ed accompagnarci verso un’altra realtà, incantevole grazie ad un comparto melodico targato Mularoli-Casali; questa, insieme alla già citata Piece Of Mind, rappresenta l’apice della vena compositiva dei DGM di quell’anno, pur tenendo in collante prossimità la decisa e personalissima Signs Of Time, protagonista di un viaggio disinvoltamente spiazzante attraverso differenti stati d’animo (toccando talvolta proprietà care ai Symphony X).

Più ruffiana The Fallen Angel mette all’ennesima prova la band sul campo minato delle “ballad” uscendone con qualche grave ferita il cui dolore è avvertibile sottopelle anche nella non esuberante Close To You, dolore mitigato dal tocco di Simone Mularoli che ci ricorda uno Steve Vai in piena epoca creativa, relativamente lontano dagli iper-tecnicismi. Un plauso particolare alla band per la parte centrale di A Man I’ll Never Be: calda, slappata, tecnica ma atmosferica, trasformata in impattante e ‘riffosa’ solo 10 secondi oltre; forse è questa la strada che i Nostri dovrebbero percorrere con maggiore convinzione. Saporito e variegato risulta il lavoro di Titta Tani che si conferma leader del quintetto con un cantato davvero possente ed eterogeneo, seppur assente di carisma dal vivo; promossa a pieni voti anche la dura prova del cambio di chitarrista senza stravolgere l’offerta di una band già avviata.

Dragonforce – Inhuman Rampage

Terza uscita per uno dei gruppi più veloci del metal seppur fuori da scenari come il grind o l’hardcore. Si parla dei Dragonforce, band che porta con sé anche un altro record, quello di essere una band composta da musicisti provenienti dalle parti più svariate del mondo: cantante sud africano, un chitarrista di Hong Kong ed un altro neo zelandese, sezione ritmica inglese e tastierista ucraino. È davvero qui che si apprezza quanto la musica unisca le genti e i paesi, anche se molto diversi tra loro, e tra l’altro tutti musicisti di grande talento. Dopo aver supportato Halford ed Iron Maiden in parecchi show, i Nostri hanno vissuto un 2006 esaltante grazie all’album Inhuman Rampage che dovrebbe essere l’album della conferma. Per chi non li conoscesse i Dragonforce propongono un power metal dalla vena molto speed, con tecnicismi per il 90% delle composizioni ed arrangiamenti preziosi, senza sfociare in alcuna forma di progressive. In effetti la conferma che ci attendevamo solca proprio le orme dei due precedessori, Valley Of The Damned e Sonic Firestorm, con i quali i multietnici tecniconi hanno voluto esprimere una velocità sempre in prima linea, anche se qui sembra che l’eccesso appaia ancora con più evidenza.

Si nota qua e là l’ombra degli Helloween, rivisti con sonorità sicuramente più moderne, ed un Dave Mackintosh che non osa stancarsi alla minima battuta trascinandosi dietro l’intero combo. Ci tornano ancora alla memoria gli stupendi attimi del Gods Of Metal del 2005, quando i Dragonforce avevano fatto sorridere per i bicchieri con le cannucce attaccati ai microfoni, coinvolgendo poi l’intero pubblico in una sfrenata danza e in un headbanging, complice l’instancabile batterista e i due eccellenti chitarristi (Herman Li davvero encomiabile, un fulmine a ciel sereno). Al primo ascolto l’unico concetto lampante è proprio quello dello “speed” ricercato e ottenuto a tutti i costi, mentre se si seguono attentamente gli 8 pezzi si intuiscono vari cambi di tempo e anche l’utilizzo di parecchi campionamenti. ZP Threart è molto apprezzato per la sua voce con una forza struggente, pur non avendo un’ugola altissima, ma al centro della scena ci sono sempre i due guitar-men che già da Revolution Deathsquad danno molte lezioni ai loro colleghi.

Peccato per Adrian, bassista bravo ma che non ha la possibilità di emergere in cotanta tecnica (a dire il vero anche un pò troppo occultato), e anche per la sua dichiarazione di abbandonare la band per motivi familiari dopo l’uscita dell’album. Pezzi interessanti quali Operation Groung And Pound, Body Breakdown e Cry For Eternity soddisfano davvero il nostro desiderio di ottimo metal (anche se a volte producono un senso di annacquamento circa la loro durata) e ci fanno pensare che mai periodo fu meno sbagliato di questo per permettere ai Dragonforce di soccombere alla mancanza di Stratovarius. L’unica pecca di Inhuman Rampage è che alla lunga può stancare l’ascoltatore data la lunghezza dei brani (per un genere che di solito si attesta sui 4-5 minuti massimo per traccia) e per la proposta sempre invariata, seppur arrangiata molto bene. Questa pecca è insita nei Dragonforce, ed era una caratteristica vivente anche delle precedenti uscite, ma per gli appassionati del power, e dello speed in particolare, questo lavoro può essere davvero una perla.

Unisonic – Unisonic

Erano diversi anni che si sentiva parlare nell’ambiente musicale di un possibile riavvicinamento professionale da parte del singer tedesco Michael Kiske, colui che cantò sui due colossi del genere power intitolati Keepers Of The Seven Keys degli Helloween e del chitarrista Kai Hansen, da parecchi anni leader dei magnifici Gamma Ray e proveniente anche lui dagli Helloween. È bene sgomberare innanzi tutto un paio di dubbi: questo disco non fa da preludio ad una gloriosa e blasonata reunion dei due musicisti e nemmeno è da considerare un ritorno all’età dell’oro del power metal in sé. Ciò non significa che Unisonic sia un album approssimativo, anzi. Unisonic a nostro parere è da considerarsi il ritorno definitivo di Kiske nel mondo metal.Questo disco segna il suo ritorno a prestazioni assolutamente convincenti dal punto di vista esecutivo, insieme allo spirito positivo che pervade tutto l’album, lo stesso spirito che lui stesso si era prefissato di recuperare negli anni. Dobbiamo ammettere che da questo punto di vista l’obiettivo è stato raggiunto. Inoltre in questo album si vede tornare Kiske con una vera band alle spalle, e che band aggiungerei! Ad accompagnarlo in questa avventura oltre al suo vecchio compagnio di squadra Hansen, troviamo l’ex chitarrista dei Krokus Mandy Meyer, con un trascorso anche negli hard metaller Gotthard, e Dennis Ward e Kosta Zafiriou rispettivamente bassista e batterista dei Pink Cream 69, altra grande heavy metal band tedesca.

Impossibile comunque non notare diverse somiglianze con gli stili che hanno contraddistinto la loro carriera professionale, i primi due brani dell’album che sono rispettivamente la title track e la grandissima Souls Alive sono quanto di più vicino ai territori musicali calcati da Helloween e Gamma Ray, e non ci sarebbe da meravigliarsene. Never Change Me, Star Rider e Renegade sembrano la continuazione di quanto fatto da Michael Kiske recentemente con Amanda Somerville o con i Place Vendome, le melodie sono tra le migliori della sua carriera ed insieme ad Hansen in fase di songwriting costruiscono un muro di grande potenza che a tratti sconfina nell’hard rock. Solo un brano ci ha convinti a metà dopo diversi ascolti: Never Too Late, canzone poco originale e per di più troppo e sottolineo troppo somigliante a quella Time To Break Free che appariva negli anni ‘90 nel capolavoro dei Gamma Ray a titolo Land Of The Free. Comunque non mancano le sorprese, I’ve Tried inizia con una base elettronica ed ha un ritmo davvero irresistibile, My Sanctuary è una grande hard rock song con una buona dose epica che proviene dal cilindro di Kai Hansen, mentre la conclusiva No One Ever Sees Me è una ballad tra le più belle scritte da Kiske e che risulta essere una piccola gemma musicale messa forse per errore alla chiusura del disco.

I brutti momenti si direbbero quindi passati per questo grande vocalist ed il risultato finale raggiunto è l’avere dato alle stampe questo disco a dir poco eccellente. Unisonic vi piacerà, parola nostra!

Freedom Call – Land Of The Crimson Dawn

Faccio subito una premessa, se avete ascoltato ed avete anche apprezzato per anni il cosiddetto power metal, l’ultimo disco dei Freedom Call vi farà gridare al miracolo. Se invece il suddetto genere musicale vi fa venire l’orticaria al solo sentirlo nominare, è meglio che lasciate questo disco lì dov’è. Con questo non voglio assolutamente dire che questo sia un brutto disco, anzi, ma come diceva un vecchio detto comune, “uomo avvisato mezzo salvato”. Non è affatto facile tirare le somme con un lavoro poliedrico come questo, da una parte sono presenti diversi brani trascurabili, dall’altra dei veri e propri inni power metal, in mezzo, molti altri brani discreti ed ascoltabili. Qui non si può nemmeno mettere in discussione la tecnica dei singoli musicisti, nonostante l’immediatezza e la semplicità delle canzoni, i Freedom Call dimostrano di avere una padronanza ineccepibile dei rispettivi strumenti, così come gli arrangiamenti insieme ai cori ed alle tastiere presenti in diversi brani, sono tutti studiati per dare vigore espressivo alle varie canzoni presenti su Land Of The Crimson Dawn. Rimasti orfani di Zimmerman che si sta dedicando a tempo pieno ai Gamma Ray, viene chiamato a sostituirlo l’esperto drummer tedesco Klaus Sperling, in grado di non far rimpiangere con la sua grande tecnica il buon Dan, e lasciando al solo Chris Bay (co-fondatore con Zimmerman della band) la guida del gruppo e del songwriting principale.

In Land Of The Crimson Dawn troviamo tutto quello che ci si potrebbe aspettare dai Freedom Call, comprese quelle cupe atmosfere che avevano contraddistinto i due album precedenti, Dimensions e Circle Of Life. Col primo brano Age Of The Phoenix siamo di fronte al classico sound veloce e melodico della band che non farà prigionieri nemmeno in fase live, un vero must per gli amanti di questo genere. Rockstars prosegue sugli stessi binari del primo brano, al punto che i chorus di queste prime due tracce sono molto simili nelle loro strutture. Chi si ricorda le trombe iniziali di Land Of Light contenuta nell’album Eternity pubblicato nel 2003? C’è da chederselo perchè riappaiono uguali proprio in quello che sembra essere il seguito di quella canzone, cioè Back In The Land Of Life appunto, dove viene ripreso lo stesso refrain del brano menzionato: molto godibile e dal chorus davvero irresistibile. L’atmosfera power cambia di botto con l’arrivo di Sun In The Dark, rappresentando un tocco di diversità nella tracklist, dove le atmosfere e le linee cupe mostrate dai Freedom Call negli ultimi album si ripresentano in questo brano strano ed inusuale per i loro canoni. Una delle perle dell’intero lavoro risulta essere Hero On Video, accompagnata anche da un video esilarante, dove ci si sposta nelle classiche melodie allegre ed accattivanti che da sempre sono il trademark del gruppo.

Se vi mancava il power metal nudo e crudo i Freedom Call vi accontentano con Valley Of Kingdom, classico brano power velocissimo con un assolo del giovane chitarrista Lars Rettkowitz che lascia davvero estasiati. Ennesimo cambiamento di rotta dopo le atmosfere pseudo folk di Killer Gear lo troviamo nel seguente brano hard rock oriented Rockin’ Radio, brano scanzonato e allegro come pochi; l’originalità non è un punto forte di questo brano che in quattro minuti scarsi riesce comunque a far sbattere la testa su e giù in un headbanging divertente e spontaneo. La band appare in perfetta forma nonostante l’assenza di Dan Zimmerman, la sezione ritmica di Klaus e del bassista Samy Saemann è veloce e precisa quanto basta, Rettkowitz si dimostra un abile chitarrista senza dover fare i salti mortali alla sei corde e Chris Bay, che ormai è il leader ed il marchio di fabbrica dei Freedom Call, non ha mai mostrato l’interesse di cambiare timbrica della voce, assestandosi sempre su tonalità pulite senza disdegnare qualche accenno a toni aggressivi giocando spesso sull’interpretazione vocale. Insomma, che dire, i Freedom Call con questo lavoro hanno voluto dimostrare di essere tornati più in forma e carichi che mai e questo, alla faccia di chi non li può sopportare musicalmente parlando, non mi sembra cosa da poco.

Stratovarius – Elysium

Gli Stratovarius non hanno la minima voglia di rischiare e questo è evidente fin dalle prime note di un lavoro che di celestiale ha praticamente solo il titolo. L’unica cosa da salvare è la voce di Timo Kotipelto che è rimasta immutata e si screzia di diverse sfumature con una buona versatilità. Questo innalza di un po’ il livello dei brani, tutti costruiti sulla falsariga già sentita, tra ritmi maestosi, anche se più cupi del solito, e i soliti inni alla forza d’animo e alla volontà di non arrendersi. Non brutti, ma che odorano di vecchio. Peccato davvero perchè Infernal Maze e Lifetime In A Moment iniziano molto bene e poi si perdono nei soliti artifici  tipici del power metal, che spesso non emozionano chi ascolta, e anzi, finiscono con l’annoiare. Non manca inoltre la famigerata ballad di turno strappacuore che stavolta porta il titolo Move The Mountain,  meno melensa del solito e che dona un tocco di colore al grigio generale del quadro. Elysium dispiace dirlo, non è il disco che ci aspettavamo dagli Stratovarius, sarà che qui manca la vena creativa di Timo Tolkki, sarà…spetta a voi che comprerete il disco l’ardua sentenza finale.

Reinxeed – 1912

Nati dal nulla all’inizio del nuovo millennio, ma balzati in copertina solo nel 2008 con The Light, debutto tanto godibile quanto poco originale, i Reinxeed del giovanissimo e biondissimo leader indiscusso Tommy Johansson, col quale ho avuto il piacere di scambiare ben più di una parola, giungono al quarto album ufficiale in altrettanti anni di attività. Passando per Higher e Majestic si arriva a questo 1912, concept-album come avrete intuito da titolo e copertina incentrato sulle sorti del transatlantico più famoso della storia: il Titanic. Penserete che ci troviamo davanti all’ennesimo disco power speed ultra melodico, inzuppato di acuti assordanti, doppia cassa a mitraglia e riffs incontrollabili e invece……avete ragione! Sì, grosso modo la zuppa è sempre la stessa, lo ammetto, ma il fatto importante da analizzare è il modo in cui la zuppa è stata fatta. Bisogna stare attenti ai dettagli. Beh, per quanto mi riguarda, io non ascoltavo un album così poco originale (dov’è l’originalità ormai? Chi ce l’ha più?) ma tanto bello da anni.

Una produzione semplicemente perfetta, potente e cristallina, strumenti ben distinguibili e una voce pazzesca, considerando che Tommy ha poco più di vent’anni, anche se dalla stazza non si direbbe. Tanto per intenderci, prendete qua e là spicchi di Sonata Arctica, Gamma Ray, Gaia Epicus, Stratovarius e Dragonforce; mescolate tutto e raddoppiate la velocità. Avrete 1912: undici tracce tiratissime (l’outro è una docile strumentale orchestrata) senza pause di respiro. Musicisti con le contropalle (Tommy compreso, che oltre ad essere il cantante suona la chitarra e compone tutte le canzoni), songwriting scontato ma tremendamente accattivante, sound senza pecche e, perché no, un discreto artwork. Questo è il pacchetto che vi regalano i Reinxeed. Amate il power melodico, parecchio veloce e senza fronzoli e non trovate da anni un disco che vi soddisfi appieno? Penso che i Reinxeed, e soprattutto 1912, vi faranno tornare il sorriso.

Symfonia – In Paradisum

I Symfonia sono l’ennesimo progetto musicale scaturito dalla mente di Timo Tolkki, geniale chitarrista scandinavo conosciuto ai più per aver fondato ed aver fatto parte fino a qualche tempo fa degli Stratovarius. In questo progetto Timo coinvolge oltre ad un suo compagno di avventure, il bassista Jari Kainulainen, anche musicisti di fama mondiale come Uli Kusch, batterista che militò negli Helloween durante gli anni ‘90, nonchè il cantante Andre Matos, già visto nelle file degli Shaman e primo singer dei brasiliani Angra. Insieme danno vita a questo progetto sì ambizioso, ma che non convince mai fino in fondo. Vuoi perchè il power metal ha fatto il suo tempo, vuoi perchè siamo nel 2011, ma il difetto più grosso di quest’album è quello di copiare o se preferite di continuare a suonare il genere che tanto gli portò fortuna nel decennio scorso con la sua vecchia band.

L’album in sè non è male, le dieci canzoni che lo compongono si lasciano ascoltare facilmente e piacevolmente, ma c’è da chiedersi se questo sia da considerarsi un passo avanti per la carriera del nostro caro Tolkki o l’ennesimo capriccio di rivalsa nei confronti dei suoi ex compagni. Le canzoni sono tutte ben strutturate e le melodie non tardano ad appiccicarsi addosso a chi si cimenta all’ascolto, la produzione è curata dallo stesso Tolkki, e risulta molto pulita e lineare. Si parte con le prime tre tracce Fields Of Avalon,Come By The Hills e Santiago che sono delle classiche power anthems che fanno venire in mente subito gli Stratovarius, vere e proprie cavalcate che non tarderanno ad essere apprezzate dagli amanti del genere. Alayna è una ballad che va dritta al cuore, Forevermore è uguale ad altre 1000 canzoni power, dal ritornello scontatissimo, Pilgrim Road si apre con un interessante tema Irish che fa venire in mente la stessa idea che hanno avuto i tedeschi Edguy in un brano del loro ultimo album. La title track si presenta come il brano più epico dell’intero lotto, forse il più bello in definitiva. Le altre canzoni Rhapsody In Blue, I Walk In Neon e Don’t Let Me Go non aggiungono nè tolgono smalto al resto del disco fin qua analizzato. Consigliato solo agli aficionados del genere, a chi proprio non può fare a meno di queste sonorità.