The Tangent – The Slow Rust Of Forgotten Machinery

In un universo musicale composto da band enormi e opulenti che si muovono seguendo le traiettorie dei pianeti e realtà meno mainstream che seguono le movenze dei pianeti nani, ci sono anche degli asteroidi riconoscibili ed importanti che sono rappresentati da supergruppi, ovvero artisti dal nome noto che uniscono le proprie forze prima separate e formano una massa unica che viaggia lungo lo spazio. I loro viaggi sono spesso veloci come la luce e finiscono con uno schianto che ne sancisce la fine, in altri casi come in quello dei The Tangent il cammino imbocca un percorso lungo (si supera la soglia dei dieci album tra studio e live) e, nonostante si tratti comunque di un asteroide, il fenomeno non può essere ignorato dagli studiosi della materia. Anche perché i The Tangent, diretti da Andy Tillison, danno vita ad un progressive rock elegante e ricco di sfumature, molto ma molto britannico; le tastiere creano la tantissime melodie, con dietro spesso un basso di grande spessore (che raggiunge il culmine nella quarta traccia), mentre per questa prova Tillison decide di arruolarsi anche come batterista (prima volta in un loro album). The Slow Rust Of Forgotten Machinery è un lungo brano, a parer nostro, che si dipana in 6 tracce distinte solo dalla funzione skip, che tra l’altro difficilmente sarete stuzziati dal premere vista l’intensità delle composizioni, anche se a volte la singola durata è davvero consistente (echi di marchio Genesis sono spesso molto evidenti).

La strumentale Doctor Livingstone (I Presume) riassume tutto il carisma tecnico e di gusto musicale della formazione, ma a noi piace evidenziare anche una certa ricercatezza dietro i testi: si ascolti la lunga Slow Rust in cui prendono forma scene differenti e la storia assume direzioni quasi teatrali, o anche The Sad Story Of Lead And Astatine in cui sono proprio le linee vocali le vere protagoniste dell’intensità emotiva offerta, oltre ai fraseggi jazz da sfondo. Prog in primis ma intermezzi fusion, influenze heavy più spinte e tanta musica strumentale sono il biglietto da visita di questa uscita che sicuramente farà innamorare gli appassionati di prog rock.

Bridgend – Rebis

C’era una volta il concept album…Thick As Brick, The Lamb Lies Down On Broadway, Misplaced Childhood, Ys sono solo alcuni dei più famosi concept album della storia progressive mondiale. Un disco, una storia. Con Rebis andiamo decisamente oltre, ci lasciamo alle spalle l’idea del concept e arriviamo alla disco narrato. Se in precedenza l’elemento base era una storia costante in varie tracce musicali, qui abbiamo una storia recitata sotto la quale i Bridgend tessono fili e trame musicali. Quindi nulla di cantato, bensì solo brani recitati (oltre che vari brani strumentali) con un sottofondo di neo-prog. L’intera opera si divide in tre atti e narra di un viaggio, fisico e spirituale (che novità!), compiuto dal protagonista di nome Rajas verso l’isola di Rebis, che lo porterà alla fine alla scoperta del proprio “io”. Roberto Bonfantini, Lodovico Zago e Gioele Barone, tre valenti attori teatrali, interpretano i tre protagonisti della storia, tutti presi dalla filosofia hindu: Rajas, ovvero l’incertezza del partire, Sattva, la saggezza dell’età e Tamas, ossia l’indolenza e la comodità del presente. Dubbio, scelta e conseguenza, praticamente.

Strumentalmente parlando parliamo di un buon neo prog – come già detto – che può ricordare qualcosa dei Marillion, non disdegnando il post-rock, ma il problema di questo disco è proprio la sua novità: per quanto la trama può essere interessante, i dialoghi risultano di una noia mortale, e non si vede l’ora che cessino per ascoltare solo il buon lavoro musicale. Esempio è Threshold, con una prima parte di spoken word da sbadiglio ed epici synth che ti abbracciano e ti fanno aprire di colpo gli occhi. Un lavoro ambizioso e coraggioso senza alcun dubbio, ma a tratti davvero troppo noioso, cercare di seguire la trama risulta troppo ostico ad un primo ascolto e la tentazione di skippare il brano è sempre dietro l’angolo.

Non da buttare, ma si spera che il prossimo lavoro dei Bridgend possa essere un minimo più fruibile.

Phoenix Again – Unexplored

I Phoenix Again, band bresciana capace di amalgamare un bel progressive sound, si formano sotto le influenze musicali di gruppi che hanno ispirato l’intero genere psycho progressive degli anni ’70 quali King Crimson, Pink Floyd, Genesis e gli stessi Van Der Graaf Generator ai quali in molti hanno riconosciuto la paternità di oltrepassare i limiti del rock progressivo quale definizione di genere. La band, della quale abbiamo ascoltato la loro ultima produzione Unexplored, ha dalla sua la qualità di saper fondere sonorità in grado di proiettare l’ascoltatore indietro nel tempo, riportandolo agli esordi del progressive tricolore degli anni ’70 quando, il genere, prese piede nella natìa Inghilterra per essere poi esportato, con notevole successo, in tutto il pianeta. I Phoenix Again hanno già all’attivo alcuni album, ThreeFour del 2011 e Look Out del 2014 anticipato da Live In Flero del 2012 e dall’altro live del 2016 The Phoenix Flies Over The Netherlands: Live @ ‘t Blok. Ma la loro è una storia che parte da lontano: fondati da Claudio Lorandi (chitarra elettrica e voce), Antonio Lorandi (basso), Sergio Lorandi (chitarra acustica ed elettrica), Silvano Silva (batteria e percussioni), i Phoenix nascono nell’ottobre del 1981 dopo lo scioglimento del Gruppo Studio Alternativo. Ed è proprio nel 1981 che la band composta da Sergio Lorandi, Antonio Lorandi, Claudio Lorandi e Silvano Silva muove i primi passi assumendo il nome di Phoenix – per sciogliersi poi nel 1988. Ma nel 2007, dopo la morte di Claudio Lorandi, uno dei membri fondatori, il gruppo ritorna con un nome modificato in Phoenix Again quasi a dire “siamo ancora qui”.

Ed i Phoenix Again, nonostante le varie vicissitudini, hanno avuto dalla loro la caparbietà di sapersi evolvere e di migliorare sempre, nei suoni come nelle composizioni e lo dimostra efficacemente proprio quest’ultimo lavoro Unexplored che è frutto indiscusso dell’evoluzione continua che la band ha saputo realizzare nel corso degli anni. Ascoltando in cronologia d’uscita i loro lavori si capisce subito come questa evoluzione sia avvenuta, e Unexplored è di sicuro il compimento di quella maturazione e crescita che nella semplicità li ha da sempre contraddistinti. Già dalla copertina, all’ascoltatore si preannuncia l’apertura di un mondo fantastico, talmente irreale che Claudio Lorandi ha portato con sé fino alla fine, quasi a presagire quel viaggio lontano in terre migliori che lo avrebbero poi portato via da qui per sempre. Ed anche se l’aggiunta successiva della nebbia, voluta dal gruppo, profetizza un mondo inesplorato, è proprio quel luogo che i Phoenix Again trasformano in una musica che con semplicità colpisce sin dal primo pezzo. E la Black Widow Records, la casa discografica che ha prodotto l’album, deve essere soddisfatta per questo bel disco che di certo rimarrà nel tempo.

Ma veniamo ora al disco: l’apertura, affidata a That Day Will Come, scritta da Sergio Lorandi, sembra strizzare l’occhio alle contaminazioni di un oriente non molto lontano, nonostante il rock proposto sia fondamentalmente quello di matrice progressive. Una bella apertura che prelude alla successiva traccia Silver capace di richiamare nei cori passaggi di matrice palepolitana anche se gli autori, Sergio Lorandi e Silvano Silva, sviluppano qui una successione di suoni che solo una band ben unita ed affiatata è capace di sostenere. E se il valore di una band si misura anche dalle capacità di costruire un sound originale, i Phoenix Again con questo secondo brano, Silver, convincono anche gli scettici quando si ritrovano in mano il loro CD. La seguente The Bridge Of Geese non ha certo bisogno di molte parole per essere definita ed infatti, legata saldamente al precedente pezzo, è una delle composizioni che più si apprezzano grazie all’inserimento delle chitarre acustiche e di un flauto da menestrello che fa successivamente spazio ad una sostanziale chitarra elettrica capace da sola di sostenere le scale armoniche inserite a mo di opera d’arte, un valido richiamo a quel ponte raffigurato in copertina che potremmo definire come l’unione di due mondi, quello terrestre e quello celestiale. Whisky manifesta invece nel suo incedere tutta quella musicalità rockeggiante della band: la sua ritmicità comprende anche belle sfumature blues ben calibrate all’interno di una complessivo partitura modello prog. Close To You, dolcissima, propone invece un interludio come non se ne ascoltavano dai tempi della migliore PFM o Banco, fate voi.

Con Valle Della Luna il sogno che stiamo rincorrendo si approfondisce grazie ad atmosfere ariose, sostenute nel finale da un complesso di tastiere che aprono ad un bel rock di chiaro stampo prog con sonorità generali che ricordano altri tempi. E sembra che la famiglia Lorandi sia tutta qui, un bell’ensamble. Il successivo passaggio, rappresentato da To Be Afraid – Ansia, è una ballata che colpisce direttamente al cuore per la sua delicatezza con un’unione di voci ed una chitarra acustica sorretta da una base delicata di timbriche a completamento dell’idea che si tramuta in uno squarcio quando, l’intervento della sei corde elettrica chiude in un bel pezzo solista che sembra essere in bilico tra l’irreale ed il reale pur di non essere invadente come ci si aspetterebbe. La chiusura, affidata a Great Event, ci riporta ad una realtà che non vuole fermarsi alla durata limitata di questo bel lavoro. Si perché questo è proprio un bel lavoro, un complesso di idee sonore che porta l’ascoltatore ad esplorare proprio quell’inesplorato di questi musicisti, un’idea che partendo dai precedenti lavori dei Phoenix Again, alimenta un percorso che non si può fermare qui. E come non affermare che questo è di fatto il lavoro della maturazione di questa band bresciana destinata a far strada nel progressive tricolore, e non solo.

From The Dust Returned – Homecoming

Assistere alla nascita di un nuovo progetto (di qualità) è sempre affascinante. Questo progetto viene da Roma e vede la partecipazione di musicisti d’esperienza che hanno già militato in diverse band dall’estrazione anche piuttosto varia. Ne risulta un lavoro già maturo e molto eterogeneo identificabile nei dintorni del progressive rock ma che non rinuncia né ad atmosfere dark né a qualche deriva metal a sporcare voce e chitarre e nemmeno ad un sound di settantiana memoria. Possiamo parlare di un crossover dove tutto è amalgamato con sapienza in modo da non sembrare forzoso e anzi il disco scorre senza intoppi nel lettore rivelando di quando in quando delle gradite sorprese per lo più ascrivibili nella categoria “arrangiamenti”. Detto questo Homecoming non è certo un CD di facile fruizione, anzi i Nostri sembrano essersi impegnati parecchio per rendere ricco e articolato l’ascolto del loro esordio discografico. Come conseguenza il loro stile variopinto e accattivante conquista in proporzione a quanta attenzione gli si dedica. In altre parole questo non è un lavoro da mettere in sottofondo mentre ci si dedica al proprio hobby o si prende un aperitivo con gli amici. Al contrario necessità di una certa smaliziata esperienza per essere compreso fino in fondo e ripaga lo sforzo con dei passaggi deliziosi talvolta davvero posizionati tra il genio e la follia. Sono questi a colpire maggiormente perché i From The Dust Returned non si cimentano in futili virtuosismi o assoli interminabili pur mostrando un’innegabile capacità tecnica.

Per tutta la mezz’ora di questo disco la produzione rincorre le mutevoli esigenze dei brani con risultati alterni ma mantenendosi su un livello medio più che discreto. Con questa fa il paio la confezione del CD che elegante e completa non lascia desiderare nulla di più di qualche spunto maggiormente originale. Solo considerazioni positive si possono aggiungere per quanto concerne il songwriting che dimostra un’ispirazione fuori dal comune come dimostrato dalla durata dei brani che spazia (anche troppo) da poco meno di un minuto agli oltre otto. L’imprevedibilità è quindi forse la caratteristica principale che maggiormente si nota al primo approccio ma c’è molto altro che potrà essere apprezzato da chi abbia la costanza di insistere nell’ascolto. E qui casca il proverbiale asino: chi non dedicha il necessario impegno potrebbe ingiustamente etichettare come blande e monotone queste sei tracce che invece meritano di essere godute a fondo. Presumibilmente questo potrebbe rivelarsi un ostacolo all’ascesa della band a cui perciò va riconosciuto il merito di una scelta coraggiosa e anticonvenzionale. Sicuramente un bene in un panorama sempre più omologato e instradato su percorsi già fin troppo battuti. Invece qui le idee e la capacità di metterle in musica sono di casa quindi, fintanto che verrà mantenuto lo stesso livello di originalità, non si potrà che essere orgogliosi e tributare un plauso a questa nuova compagine nostrana. Bravi.

Hidden Lapse – Redemption

Per chi ha l’occhio allenato leggere il moniker di questa band e osservare il carattere usato è segno evidente dello stile musicale che muove i musicisti. Non può non essere un album di prog metal quello degli Hidden Lapse, il primo loro lavoro dal titolo, se vogliamo un po’ inflazionato, Redemption. Tutto scontato? L’esatto contrario. I ragazzi imbastiscono uno stile davvero esaltante che premia sia la vena puramente prog, con partiture affilate quanto intrecciate, che quella metal assolutamente incisiva nel risultato complessivo. Il loro stile accarezza le lande tanto care ai Circus Maximus e ai loro fan, ad eccezione della voce qui femminile espressa da Alessia, timbro deciso e di gran effetto, buona per interpretazione e carisma vocale. Si percepisce molto il fatto che le linee di chitarra siano state concepite da un unico chitarrista, forse la presenza di una seconda chitarra (non solo in fase esecutiva ma anche compositiva) avrebbe giovato al risultato finale. In generale comunque il livello tecnico è elevato, i brani sono coinvolgenti e pur essendo i pattern ramificati non sono mai indigesti né troppo complessi, il che rende l’ascolto piacevole anche a chi non mastica il genere. Un brano come Pure ad esempio, che contiene una verve di metal melodico, può piacere ad una schiera ben più ampia di fan rispetto ai puri progster.

Da segnalare il piacevole contributo di Valerio Gaoni in Drop, probabilmente una voce maschile sarebbe stata apprezzata anche in Silent Sacrifice per alternare quella di Alessia in base ai ruoli dei protagonisti della storia raccontata. Un pezzo assolutamente di grande impatto è Awareness, compatto come un monolite che affronta i colossi del prog metal senza timore e appaga chi aveva amato i DGM in passato, ma anche la titletrack dimostra grande sapienza musicale. Se proprio si vuole osservare il pelo nell’uomo la produzione, in generale buona, poteva essere migliore per la batteria, per valorizzare i colpi più incisivi e potenti (si ascolti ad esempio il rullante di Compassion) ma nel complesso il prog dei ragazzi è davvero pregiato e li colloca senza indugi tra le nuove uscite più interessanti.

Il Tempio Delle Clessidre – Il-ludere

Che gradito ritorno quello de Il Tempio Delle Clessidre sulle nostre pagine! Era da un po’, precisamente dal 2013, che il combo genovese non pubblicava nulla e, sinceramente, eravamo decisamente in attesa di una loro nuova pubblicazione e fortunatamente non siamo stati delusi. Ci manca la presenza dello storico Stefano “Lupo” Galifi alla voce, già con i fondamentali Museo Rosenbach, e vero testimone dello spirito prog anni ’70, ma il suo sostituto Francesco Ciapica non fa sicuramente rimpiangere i fasti passati. Sempre presente il folletto Elisa Montaldo, per noi la vera anima del “progetto Tempio”, con tutto il suo corredo di synth e organi. Insomma la “clessidra” tiene tranquillamente banco, non perde neanche una briciola di sabbia e urla la propria voglia di fare musica in ogni secondo del disco. Tutto quello che ci aspettiamo è presente: potenti assoli di chitarra e di tastiere, momenti sognanti, momenti impetuosi, insomma non manca nulla. Elisa Montaldo con i suoi giocattoli dilaga travolgendo tutto e tutti in Come Nelle Favole, ma Ciapica risponde a tono nella lunga La Spirale Del Vento. Giulio Canepa alla chitarra sicuramente non rimane in un angolo e puntuale getta assoli armoniosi e concreti un po’ qui e un po’ lì, vedi la riflessiva Manitou, caratterizzata da un assolo gilmouriano. Simpatica Gnaffè, brano acustico e rinascimentaleggiante, praticamente una storiella boccaccesca degna di un qualche giullare. Simpatica, ma decisamente fuori luogo con il resto del repertorio.

Insomma, adoriamo questi salti nei ’70 e terminato il disco ci viene voglia di riavvolgere la clessidra per tornare indietro sia nell’ascolto che nel tempo. Ottimo, bello, fantastico. Ci siamo capiti.