Luciano Onetti – Sonno Profondo – Francesca

Così scorrono queste tracce che non sono canzoni ma sonorizzazioni, composizioni che ovviamente rimandano a quel cinema, a quel Morricone, a quel Micalizzi a quel prog-jazz-rock dei Goblin e compagnia cantando. Ma questi sono nomi famosi che so di poter fare senza rischiare infrazioni, altrettanto certo di aver perso per strada mille altre figurine di spicco. Dunque va ascoltato e “visto” questo disco che spazia dalle traduzioni italiane dei più antichi Procul Harum, in andamenti dance dei polizieschi americani, passando per attimi di inquietudine assoluta come Caronte Senza Tregua o Inferno 8 in cui i suoni sono immagini e non potrebbero essere altro. E poi la commistione del tutto in scenari prog di assoluta avanguardia per l’epoca – se fossimo in quell’epoca – ma che a dirla tutto tornerebbero ad esserlo oggi omologati come siamo dal santo pop digitale: e qui cito tracce come Demonio Guardiano oppure situazioni quasi epiche, sicuramente gutturali e introspettive come Canto III o puro delirio organizzato che mi rimandano alle Stelle di Mario Schifano con il brano Jazz Psicopatico. E così andando a spasso lungo tutta la tracklist.

Un disco da vedere, impossibile da confinare, sicuramente un miraggio di avanguardia che avanguardia ormai non è ma che certamente cerca di restituire voce a quella scuola che ha fatto grande il nostro cinema poliziesco-thriller-horror, quando dagli anni 70 non si avevano grandi tecnologie a favore ma solo un’arte geniale per poter dare forma concreta alle percezioni. Ascoltate i primi dischi di Morricone con il GINC e il rimando diviene automatico e inevitabile. Di certo, a voler essere davvero schizzinosi finendo per parlare spesso a vanvera e senza troppa aderenza, volendo celebrare a pieno gli anni 70 avrei preferito ascoltare suoni meno curati, più “live” e più analogici, più casualità e sicuramente una spazialità più sfacciata. Invece questo disco mi suona un po’ ovattato, troppo curato nelle dinamiche e fin troppo educato nei colori. Ecco, avrei voluto un suono maleducato come quello che trovo nel prog degli anni 70 e, in merito a questo e solo a questo, rimando all’ascolto de Nella Sala Vuota del maestoso Concerto Grosso per i New Trolls.

Davvero, penso di aver detto fin troppo. Ora sono curioso di guardarne le immagini e di sicuro condivido con voi la fame che viene da dischi come questi, quella fame che mi fa capire quanto ancora c’è da capire e da conoscere se solo si vuol aprire bocca a fronte di opere così vaste e ricche di creatività libera e genuina. Altro che il santo pop da radio mercenaria. Qui la musica la si vede prima ancora di pensarla.

London Underground – Four

Four, l’ultimo nato in casa London Underground, è un disco che predilige il primo piano dell’hammond, suonato con grande padronanza da Gianluca Gerlini senza però disdegnare un approccio di alto rango al rhythm & blues, quello del periodo sessanta per intenderci, i cui precursori corrispondo a nomi altisonanti come quello di Brian Auger che ha iniziato a suonare il piano proprio nei locali di Londra con un trio jazz dal nome di un famoso college londinese, Trinity. Dal loro debutto ad oggi i London Underground di strada ne hanno fatta davvero e tanta; lo conferma anche questo loro Four composto da otto tracce oltre a due bonus. In realtà i pezzi ai quali facciamo riferimento sono delle cover che corrispondono a Tropic Of Capricorn di quel Brian Auger di cui parlavamo prima, e Ray Ban di Stefano Torossi ma accreditato come Fotriafa nella band I Marc 4, tra l’altro titolo dell’omonimo album Ray Ban pubblicato su Nelson Records con Maurizio Majorana al basso, Carlo Pes alla chitarra, Roberto Podio alla batteria e Antonello Vannucci all’organo hammond. Ma ci sono anche le bonus tracks Mercy, Mercy, Mercy di Joe Zawinul dei grandi Weather Report e Bumpin’ On Sunset di Wes Montgomery uno dei più importanti chitarristi della storia del jazz, il cui stile ha influenzato tutti i maggiori chitarristi degli anni sessanta e non solo quelli che hanno avuto a che fare con il jazz.

Il lettore più interessato tenderà a chiedersi se quelli di cui stiamo parlando qui sono una band di musica prog psych o di musica jazz ed il dunque è proprio qui perché i London Underground amano spaziare in diversi generi dove è proprio l’organo hammond ad essere la base di tutto. Di questo disco non vogliamo analizzarne compiutamente ogni singola traccia perché l’ascolto dei pezzi dice di tutto e di più, però quello su cui vogliamo cercare di attrarre l’attenzione dei nostri lettori è la capacità dei London Underground di saper trasportare il pubblico in gloriosi e mai dimenticati passati e trascorsi musicali, perché qui, in questo loro ultimo lavoro, Four, ogni pezzo è fatto per esserne assorbito con la schiettezza e l’importanza di generi che non tramonteranno mai. Qui non c’è nessun tipo di nostalgia, tutto è amalgamato alla perfezione ed al punto tale da essere di una perfezione che in studio potrebbe tranquillamente fare a meno di campionamenti, computer e o sovraincisioni. Manca solo un piccolo esperimento da farsi, provare ad ascoltare il CD in cuffia attraversando quella metropolitana londinese che oramai ci sembra un po’ casa nostra. Prima o poi dovrò tentare, per ora basta con le parole…torno a riascoltare questo splendido Four.

Macchina Pneumatica – Riflessi E Maschere

Un altro elemento che ci colpisce è l’uso della sei corde che resta spesso a margine dal punto di vista compositivo ma che impreziosisce al momento giusto, perché sono tutti gli strumenti a rivestire un ruolo cruciale: basti ascoltare Avvoltoi ma anche Sopravvivo Per Me (escluso gli assoli) per apprezzare tutti gli ingredienti di questo lavoro. L’album si chiude con la suite che prende il nome dalla band, una strumentale di prog talvolta accennato talaltro incisivo, una soundtrack in tutti i sensi ma con una presenza di strumenti elettrici forte, un richiamo al passato. Brani prog con melodie sinfoniche, strutture vintage e luccicanti…chiudendo gli occhi all’ascolto di Riflessi E Maschere potrete trovarvi immersi istantaneamente in quella che fu la scena prog degli anni 70 e, seppur tanti siano i tentativi, credeteci che non sono in tante le formazioni attuali in grado di permettere questo viaggio nel tempo sensoriale.

Colin Spring – How I Came To Cry These Tears Of Cool

Colin Spring dimostra con questo How I Came To Cry These Teras Of Cool di avere un sound tutto suo, e non è poco quando si parla di un certo country, capace di combinare in modo perfetto il suono di uno Springsteen da Nebraska con alcune atmosfere acustiche alla Bowie che solo lui sperimentò, insomma una via di mezzo tra il Boss statunitense ed il grande Ziggy e non so qui se mi sono spinto un po’ oltre certi paragoni. Di sicuro c’è che questo disco mi ha rilassato talmente tanto da farmi immaginare di essere proprio lì, su quelle praterie sconfinate degli USA che di questi tempi trumpiani in tanti americani rimpiangono, quella “great America” che ci ha sempre fatto sognare in fatto di musica. Probabilmente il fatto di essere ai più un autore sconosciuto non gioca in favore di una popolarità che potrebbe incrinare la capacità compositiva di Colin Spring che in How I Came To Cry These Teras Of Cool mette in fila pezzi semplici ma pieni di poesia. E gli odori che ci giungono sembrano quelli del primo Bob Dylan o del Donovan che i più di noi hanno ascoltato fino a rovinare completamente quegli LP che abbiamo nella nostra discoteca personale.

Colin Spring pur avendo una discreta carriera ed una discreta produzione, con questo album, l’ultimo in ordine di pubblicazione per ora, sforna una serie di pezzi che offrono una bella e “fumosa” atmosfera americana tra le quali vanno di sicuro menzionate Lover, There’s A Light On o la precedente Give My Regrets To Broadway. Ma anche gli altri solchi non sono da meno e quindi lasciamo a voi la libertà di scegliere quello che più vi aggrada. Di sicuro non ve ne pentirete di ascoltare un prodotto bello e compatto, fuori dagli abituali schemi del rock al quale siamo abituati. E poi, un country rock così dove lo trovate? Fatemi sapere qualcosa.

Steve Hackett – At The Edge Of Light

Con At The Edge Of Light l’ex Genesis oltre che circondarsi di musicisti di tutto rispetto, cerca di abbracciare un arco temporale ben marcato che portò il progressive ad essere quello che oggi rappresenta, non disdegnando comunque quelle contaminazioni inusuali che hanno reso celebri i suoi lavori solistici. Tra l’altro questo nuovo lavoro anticipa di poco l’avvio del suo tour che intende celebrare il quarantesimo anniversario di quel capolavoro genesiano che corrisponde a Selling England By The Pound. L’album, interamente registrato nello studio personale dell’artista vede l’apporto di diversi musicisti quali Durga e Lorelei McBroom che sono le ex coriste dei Pink Floyd, il batterista Nick D’Virgilio che abbiamo avuto sempre il piacere di ascoltare con gli Spock’s Beard, band da noi segnalata nelle classiche del 2018 con uno dei migliori lavori dello scorso anno, oltre che Simon Philips dei Toto e così via. Con questo nuovo At The Edge Of Light, Hackett utilizza per le registrazioni e per le partiture una moltitudine di strumenti che di volta in volta si amalgamano con la presenza di altri artisti che lo accompagno lungo questo viaggio. Già dall’apertura con Fallen Walls And Pedestals, inizia un viaggio che sembra quasi una colonna sonora da film dove riecheggiano sinfonie genesiane di vecchio stampo. Ed infatti è con Beasts In Our Time che l’atmosfera cambia di molto pur restando ancorata ad una suite da Cinecittà, ed è la chitarra di Hackett a fare sapientemente da guida ad un’orchestrazione che ci appare magistrale.

Con Under The Eye Of The Sun ci sembra di arrivare in quella porzione di terra progressive che appartiene per lo più ai mai dimenticati Yes, quelli al completo ma anche quelli dell’ultimo periodo un po’ più commerciale e basta ascoltarlo questo Under The Eye Of The Sun per rendersene conto. Quando poi si arriva al pezzo seguente Underground Railroad, sembra di iniziare il viaggio in stile country gospel che si pone in controtendenza con quanto di musicale conosciamo di Hackett, ma non guasta perché le novità in album di grandi artisti sono sempre ben accette e spesso rappresentano una vera e propria sorpresa. Anche qui, la parte finale sembra poi richiamare quel non so che di Yes formato Tormato che ritroviamo un po’ anche nella lunga suite di Those Golden Wings alla quale manca solo la timbrica della voce di Jon Anderson. La chiusura di questa riflessione musicale di Hackett la troviamo tutta in quei pezzi seguenti che potremmo definire la simbiosi perfetta presente in questa ultima produzione hackettiana, e che corrisponde a Descent, Conflict e per ultimo a Peace che chiude un album fondamentalmente diverso dagli altri prodotti dallo Steve Hackett che conosciamo.

Sinceramente, Hackett avrebbe potuto attendere un po’ di più prima di far uscire questa nuova produzione, magari l’avrebbe maturata meglio ed avrebbe offerto un prodotto più all’altezza del nome che porta. Questa però è sinceramente un’opinione del tutto personale, ma la musica è comunque destinata ad una moltitudine di orecchie diverse…avranno anche loro la sensazione che ho avuto io?

Riccardo Tonoli – City Of Emeralds

Nella complessità e omogeneità di questo lavoro, stupisce come Riccardo riesca a diversificare e mischiare generi, sonorità e andamenti. Non sono poche le tracce nelle quali ritroviamo ritmi metal più cadenzati, come in Live Together, Die Alone, Mad Hatter e Walkabout. Through The Looking Glass si apre come una ballata alla Gary Moore per poi evolvere con sonorità Iron Maiden, che spesso riecheggiano durante l’album; The Pattern ha invece un accento più tecnologico e spaziale. E così via lungo tutto il percorso. Un mix veramente ampio di generi che si fondono alla perfezione, cambi di velocità, scale e assoli, ritmi e sterzate improvvise. Il paragone con i grandi chitarristi è automatico ma non così fuori luogo; così come quello con le grandi band che hanno fatto della composizione, della complessità e della velocità di esecuzione, il loro marchio di fabbrica, per dirne un paio, Dream Theater e Zakk Wylde.

Come tutti gli album strumentali non è facile né immediato; deve essere preso come un’opera, un album di musica classica, con tutto quello che ne comporta. Prendersi del tempo, fare partire l’album, lasciarsi trasportare per tutta la durata del viaggio e poi tornare. La copertina mostra una strada sulla quale svetta un grande smeraldo con le sembianze di un plettro, perfetta sintesi di un prezioso viaggio musicale. Complimenti Riccardo.

Syndone – Mysoginia

Una natura che non va disdegnata ma noi, anche sulla base dei nostri gusti ed ascolti, preferiamo quando il combo si veste di abiti elettrici e mette in scena quel prog rock affascinante, radicato nella tradizione ma con suoni attuali, di cui i Syndone sono assoluti protagonisti. E così la breve titletrack diventa un divertissement ma con un impeto e una profondità pari ad una vera e propria colonna sonora cinematografica. Colonna sonora è la seconda identificazione che ci viene ascoltando Mysoginia, un album che vuole a nostro parere sottolineare una “non identità”, scollarsi dall’etichetta prog per abbracciare, con eleganza, una serie di attributi diversi, provenienti da mondi che comunque i Syndone non hanno mai disdegnato. Musica affascinante la loro.