Atom Made Earth – Severance

Gli Atom Made Earth sono una band sicuramente fuori dagli schemi. Con Border Of Human Sunset (di cui avevamo parlato a questa pagina) avevamo tracciato il loro identikit, ma avevamo imparato a conoscerli a fondo, nel loro mutevole stile, con Morning Glory disponibile qui. Sul finire del 2019 arrivano con una nuova opera dal titolo Severance, lo stile si evolve e come una scultura la vena artistica del quartetto (con qualche nuovo ingresso) assume forme più eleganti, curate. Childhood Song ne è l’emblema per la prima parte della tracklist: vengono riprese le incursioni prog che avevamo già assaggiato con Reed ma inserite in una visione più accurata e per certi versi futuristica. La trasposizione della psichedelia floidiana ai giorni nostri prende il nome di Youth, un brano che gode della presenza di testi cantati (elemento quasi unico per loro), e scelta che rappresenta sicuramente uno dei fattori caratterizzanti di Severance perché, grazie alla sua presenza anche in altre tracce, segna l’approdo della band verso un certo concetto di melodia e di rotondità che probabilmente le radici post-rock presenti nei precedenti lavori allontanavano. La vera spinta invece arriva con El Roi, un brano che darà piacere ad ogni appassionato di prog moderno prestandosi inoltre ad una grande resa live (anche se non banale da replicare su di un palco).

C’è una profonda orma del rock inglese in questo nuovo album degli Atom Made Earth, che per certi versi assume sembianze più accessibili: si tratta comunque di un album all’altezza del nome della band, quindi segnato dalla psichedelia, da certo neo prog e dalla sperimentazione (non vista come tipologia di strumenti ma come loro uso) ma meno ispido rispetto a brani passati, seppur comunque risulti un album non per le masse. Sofisticato, curato, elegante: la band aggiunge un altro tassello nella costruzione di un’identità di spessore.

Autore: Atom Made Earth	Titolo Album: Severance
Anno: 2019	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Progressive Rock, Psichedelia	Voto: 6,75
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/AtomMadeEarth
Membri band: Daniele Polverini – chitarra, voce, effetti Borgognoni – tastiere, synth Daniele Duranti – batteria, percussioni Lorenzo Giampieri – basso	Tracklist: 1. First Of A Second Split 2. Childhood Song 3. Youth 4. From Earth With Hurt 5. Native 6. El Roi 7. In The Glow 8. Severance

Dirty Sound Magnet – Transgenic

Una band al di fuori da ogni spazio temporale. Ascoltarli oggi sembra che la band si sia ibernata tra gli anni sessanta e i settanta e che oggi sembra aver trovato quella voglia di ‘vintage’ che da qualche anno è pressante e non si capisce se sia vera voglia del miglior periodo musicale che il rock ricordi o è solo per cavalcare un’onda che oggi va per la maggiore. Ma questo trio svizzero, i Dirty Sound Magnet, riescono a riportarci indietro nel tempo ma senza quell’effetto nostalgia di troppo, loro hanno una personalità e amalgamano a quel sound ‘vintage’, alcune particolarità che piacciono ma a volte possono anche disorientare. Transgenic è il loro terzo album che racchiude cinquant’anni di storia in nove brani. Organic Sacrifice è un tuffo nei meravigliosi seventies, rock psichedelico e hard rock, la voce di Stavros Dzodzosz è aspra, così come la sua chitarra, i riferimenti vanno ricercati soprattutto in band leggendarie come Jefferson Airplane; USA LSD BNB HIV ci riporta ancora più indietro, negli anni sessanta e anche un pò di Beatles aleggiano nel sound dei Dirty Sound Magnet, la voce è molto diversa, si avvicina stavolta a quella nasale e folle di Ozzy Osbourne. Ancora Rigid Soul, brano che cambia nuovamente pelle, la parola ‘vintage’ è nuovamente d’obbligo, ma c’è una melodia più mistica, percussioni tribali e una forma di psichedelia più marcata e non mancano coralità femminili.

Anche gli altri brani sono da segnalare come Skull Drawing Rose, lunga traccia di quasi nove minuti, dall’incedere pinkfloydiano, ma ricca di spunti personali e particolari, ma ci sono anche echi dei Led Zeppelin, specialmente nei riff e nel guitar solo o come Social Media Girl, dalle atmosfere mediorientali e dal gusto anche blues. C’è spazio ancora per Transgenic, la title track, solo 37 secondi di musica strumentale e darkeggiante e per Social Media Boy, tra hard rock e un certo tipo di new wave con un cantato particolarmente malato e un po’ folle. A chiudere il CD spetta a Hashtag Love, ottimo brano lento e romantico, tra psichedelia e progressive rock e a The Death Of Beauty, sicuramente il brano migliore dell’intero album anche solo per l’arpeggio di chitarra iniziale, melodico e avvolgente e con accompagnamento acustico, strani vocalizzi e interamente strumentale, vocalizzi a parte. Band e album molto interessanti.

kAutore: Dirty Sound Magnet	Titolo Album: Transgenic
Anno: 2019	Casa Discografica: Hummus Records
Genere musicale: Rock Psichedelico	Voto: 7
Tipo: CD	Sitoweb: http://www.dirtysoundmagnet.com
Membri band: Stavros Dzodzosz – voce, chitarra Marco Nottolini – basso, voce Maxime Cosandey – batteria, voce, effetti	Tracklis: 1. Organic Sacrifice 2. USA LSD BNB HIV 3. Rigid Soul 4. Skull Drawing Rose 5. Social Media Girl 6. Transgenic 7. Social Media Boy 8. Hashtag Love 9. The Death Of Beauty

Daniele Faraotti – English Aphasia

L’assurdo è che mi sono svegliato questa mattina facendo un pensiero antico per me. Andiamo per gradi. Siamo d’accordo che la canzone è un’espressione artistica che unisce musica e testo? La musica parla al cuore delle persone di qualsiasi lingua. Ok e quindi, se uno non capisce il testo ma mi spiegate voi che cosa apprezza della canzone? Ne apprezza metà, le atmosfere e quel povero cristiano di cantautore che ha sbattuto magari un mese di fila la testa al muro per cercare la parola per far quadrare il cerchio? Lavoro a vanvera direi, tanto non abbiamo capito niente dell’intero testo…anzi spesso neanche lo abbiamo ascoltato. Le parole diventano musica…mah! Qualche giorno fa ho visto un concerto di The Niro: bellissimo come sempre, una voce che non sta su questa terra. Poi un’amica, fuori, esplode in un impeto di entusiasmo e mi dice: “No vabbe, l’inedito di Buckley che ha cantato prima è da brividi”. Ed io: ma tu hai capito di cosa parla? E lei. No. Ok. Però è da brividi.

Quindi amici miei, ma di cosa parliamo quando diciamo che un disco (straniero di cui non capiamo la lingua) ci è piaciuto? Ma voi avete mai letto un libro di poesie in russo? O in cinese? Non so se ho saputo spiegare il mio cervellotico pensiero ma ecco, io trovo che quelli che come me (cioè il 90% delle persone) che non capiscono bene l’inglese, dimostrino un gusto davvero incompleto per non dire ipocrita della musica. Io se non capisco che mi stai dicendo, godo solo a metà anzi mi annoio profondamente. Devo avere i testi scritti, tradurli, se no boh, leggo una poesia in russo e dirò che è fantastica. Uguale. Perché vi ho raccontato questo pensiero cervellotico? Perché questo disco di Daniele Faraotti lo trovo geniale. Un’arma vincente di cui mi servirò spesso d’ora in poi per mettere al muro la mandria di ipocriti che dicono di capire le canzoni. Ebbene perché lui, se non ho capito male (ci stava benissimo) ha fatto un disco di inglese grammelot…la filosofia di questo lavoro è meravigliosa: tracce che lasciano spazio principale agli appunti, come dire, alle prime stesure, alle improvvisazioni, una voce che appunto fa il verso all’inglese cercando di catturare soluzioni melodiche, testi nonsense e beat loop improvvisati… un disco geniale.

Ed infatti nell’unica traccia che sento in italiano dal titolo Sea Elephant, una sua vecchia incisione del 2005 oggi rielaborata in tanti aspetti, decisamente beatlesiana mi sia concesso di dirlo, per quanto il testo abbia sicuramente un non senso di fondo, comunque mi ancora ad una struttura che codifico e mi fa perdere il fascino del disco totalmente anarchico e quindi libero da regole e previsioni (complice anche gli arrangiamenti e un po’ tutto il brano che sembra meno “istintivo” e più “ragionato” degli altri). English Aphasia teletrasporta in mondi assurdi, dalle incerte stesure acustiche di Vic Chesnutt alle più visionarie incisioni di Beck, il tutto senza soluzione di continuità, anzi mantecando il tutto con un ascolto (che secondo me avrà davvero maturato) di sano progressive anni 70. Rock progressivo inglese sopra ogni cosa. Un disco che ho paura di elogiare troppo, ho paura di capire male, un lavoro che va assolutamente approfondito; una di quelle cose che sfiderà le ipocrisie di massima e le estetiche educate dal commercio. Insomma: fermiamoci prima di aprire bocca e fare i saccenti. Ed io non sono da meno, dunque oltre queste righe di superficie, ad ora, non mi permetto di dire.

L’ultimo disco che ho comprato è l’opera di Luciano Cilio, sono sicuro che il nostro Faraotti saprà di cosa parlo. Dunque, complice questo debole per i pensieri anarchici e le avanguardie, affascinato dall’espressione guidata solo dall’istinto e non dalla forma, sono portato a chiedermi quanto grande sia il mondo che c’è dietro English Aphasia. Secondo me è un disco geniale, ma anche qui, come quando scavo la fossa ad altri dischi, il mio pensiero lascia il tempo che trova e non vuole condannare né mitizzare nessuno. Spero solo di non aver capito fischi per cicale (che è molto peggio che confonderla per sotterranei). Liberi…c’è lo ha insegnato anche Claudio Lolli, sempre, anche nel suo ultimo disco. E ora so benissimo che Daniele Faraotti sa di cosa parlo. Davvero un bel disco.

Autore: Daniele Faraotti	Titolo Album: English Aphasia
Anno: 2019	Casa Discografica: Creamcheese Records
Genere musicale: Psichedelia, Progressive	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: http://www.danielefaraotti.com
Membri band: Daniele Faraotti	Tracklist: 1. English Aphasia 2. I Got The Blues 3. Connection 4. Between For A Day Trust 5. Zawie III 6. Leonore Sprache 7. Sea Elephant 8. Telephone Line 9. Joni George Igor And Me

SundaySong – Signals

Signals è un album che trasmette angoscia fin dal titolo e dalla sua copertina. Probabilmente è questa l’emozione che più di tutte sprigionano i SundaySong, un’emozione che non va letta solo in chiave negativa, visto che la band si presenta come un progetto di rock psichedelico. Noi siamo dell’opinione che questa etichetta assegnata al loro sound è stata data con una visione un po’ dietrologica della musica, cioè guardando al passato e alla scena psichedelica e dark; se dovessimo incasellarli scevri da qualsiasi condizionamento di epoca dovremo presentarli come un progetto post-rock molto particolare che di frequente incorre in scenari post-metal. A differenza dei moderni progetti post-rock questo combo davvero si impegna per riprendere le ambientazioni tanto care al post-metal (Tool) e conferir loro una validità più trasversale rendendo il tutto digeribile anche a chi è più legato al rock (Skydance) sfiorando i Marillion (periodo Hogarth). Buono il connubio tra chitarra e basso che compare in diversi momenti (come in Firechild), si tocca con mano il loro legame con il rock classico, la sperimentazione targata SundaySong e tutta nell’atmosfera creata, non c’è nulla nei pattern, nei riff o nei suoni che sia davvero innovativo. Questa la ricetta riscontrabile nelle diverse tracce di Signals.

La ricetta è intrigante ma il punto debole è quello che accusano spesso realtà di pari genere: la mancanza di mordente. Non stiamo dicendo che la band debba andare alla ricerca di un singolo a tutti i costi, però all’interno di una proposta in cui il rock è diluito come la ricetta di un farmaco omeopatico la probabilità che non susciti alcun effetto è molto alta. Il nostro suggerimento è di uscire allo scoperto con ingredienti, soluzioni che caratterizzino il progetto più che annebbiarlo nel marasma dei progetti di atmospheric rock.

Autore: SundaySong	Titolo Album: Signals
Anno: 2019	Casa Discografica: Secret Entertainment
Genere musicale: Rock Psichedelico, Post-Rock, Post-Metal	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: http://www.sundaysongmusic.com/
Membri band: n.d.	Tracklist: 1. Ghosts 2. Hope 3. Mountainheart 4. Skydance 5. Firechild 6. Daughters Of The Moon 7. Death Is Clever (So Be Careful) 8. Signs Of Light 9. Beyond

NO AU – Be In

La Brianza velenosa incontra la perfida Albione. Be In, primo album di inediti della formazione brianzola NO AU, è un fantastico esempio di equilibrio e di armonia, nel quale confluiscono, come in un grande lago, molti fiumi con portata e lunghezza diverse, che, unendosi, formano un unico grande specchio d’acqua dalla superficie placida. In questo lavoro infatti, confluiscono sonorità diverse fra loro, quali wave, shoegaze, psichedelia e rock’n’roll classico. L’influenza della musica inglese è molto evidente, in particolare della scena wave/post-punk anni 80, riscontrabile soprattutto nella atmosfere più oscure e cupe create ad arte dal sintetizzatore, e della psichedelia anni 60, evidente nel sound e nel riffing acido e distorto delle chitarre. Una sintesi originale e decisamente ben riuscita, che contribuisce a rendere questo album assai godibile ed orecchiabile, ricco di spunti interessanti anche nel riffing delle chitarre. Si ha la sensazione, ascoltandolo, di essere sospesi in un limbo, di viaggiare nel tempo, attraverso i decenni, a volte ti ritrovi negli anni 60 (vedi Purple Daze con le sue sonorità psichedeliche e il riffing molto acido, così come in Horses), a volte invece prendi la macchina del tempo e ti ritrovi catapultato nei tecnologici anni 80 (Red Moth, con il suo mood più oscuro e dark).

Non mancano i momenti più introspettivi e intimi, come la ballad London Bridge. In Norwegian Wood, invece, il sound psichedelico si mischia con quelle atmosfere più black e pesanti tipiche della scena wave, creando un risultato accattivante. Saltiamo sul Magic Bus per partire alla volta di un viaggio visionario ed allucinato, in un mood surreale, stravagante, dove le barriere fra fantasia e realtà si sciolgono e dove tutto sembra possibile. Scesi dal “magic bus”, ci avviamo alla conclusione con Be In, altro brano di stampo psichedelicheggiante, caratterizzato da interessanti accelerazioni e cambi di ritmo. Come già detto prima, l’influsso della musica inglese è piuttosto evidente, e quest’album dimostra la capacità di questi ragazzi di padroneggiare linguaggi musicali diversi fra loro e di saperli unire e amalgamare, creando un mix accattivante, divertente e armonico, dove nessun elemento è disarmonico né prevale sugli altri, ma svolge la sua parte e il suo contributo, formando un insieme dal valore superiore a quello delle singole parti prese a sé stanti.

Autore: NO AU	Titolo Album: Be In
Anno: 2019	Casa Discografica: Costello’s Records
Genere musicale: New Wave, Shoegaze, Psychedelic Rock, Rock	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/NOAUband/
Membri band: Stefano Guglielmi – voce, chitarra Alessio Cirillo – basso Francesco Rondinelli – batteria	Tracklist: 1. Red Moth 2. Horses 3. Purple Daze 4. London Bridge 5. Norwegian Wood (His Bird Has Flown) 6. Magic Bus 7. Be In

Dury Dava – Dury Dava

La maggiore vicinanza dei Greci Sury Sava all’area mediorientale avrà sicuramente influito sulla loro crescita musicale e sul loro sound, tanto che il loro debut album dal titolo omonimo sembra attingere proprio da quelle lande (ascoltare 34522, non solo per il clarinetto). Percussioni, suoni, effetti vocali, alone psichedelico, sono poco europei anche se c’è un sapiente uso degli strumenti più “canonici” tanto che non sarebbe fuori luogo paragonare i Dury Dava a band progressive o anche a ensemble hard psych. La verità (secondo noi) è che siamo dinanzi ad un collettivo che sperimenta partendo da una matrice rock ed inserendo synth piuttosto che bouzouki, creando ambientazioni, sovraincisioni, suoni anni 70, effetti ed elementi su elementi che riescono a stratificare la proposta musicale (si ascolti la fumosa prima parte di Σάταναper un esempio). Ed è proprio qui il punto di forza della band, la psichedelia e la sperimentazione che si fondono, non nell’ottica di jam session messe su disco (come molti colleghi fanno) ma nella direzione avanguardistica di significato musicale.

Il rock viene fuori in alcuni momenti come in ‘Ελα Πάλι Να (plauso alle linee di basso) o come in Αταξία che ha una carica adrenalinica notevole (bellissimi i testi in lingua originale), ma sarebbe sbagliato classificare i Dury Dava come una rock band; se si prova Καλοκαίρι si intuisce infatti che il trio si allontana da quelle sonorità, una nenia continua in cui solo nei solismi sul finire emerge un mood asimmetrico interessante, anche Ταρλάμπασι segue queste coordinate. Calma ritmica, un altro elemento comune nei diversi momenti, come in Ζούπα in cui le influenze sembrano sud-americane (?!) ma senza quel groove spinto ed accelerato che istiga al ballo. Coraggiosi questi ragazzi che hanno scelto come singolo un brano che sfiora i 9 minuti, ma d’altra parte il loro stile si confà maggiormente a queste sperimentazioni, ad un approccio fusion ma quadrato, prog nell’animo. Una sperimentazione proveniente dalla Grecia gradita anche se andrebbe finalizzata maggiormente a qualcosa di masticabile a parer nostro.

Autore: Dury Dava	Titolo Album: Dury Dava
Anno: 2019	Casa Discografica: Inner Ear Records
Genere musicale: Rock, Psichedelia, Progressive	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/durydava/
Membri band: Karolos Berahas – basso, tastiere, synth Giorgis Karras – chitarra Dimitris Mantzavinos – voce, chitarra, bouzouki Dimitris Prokos – clarinetto, synth Ilias Livieratos – batteria, percussioni	Tracklist: 1. Αφρική 2. Τρίπτυχο 3. ‘Ελα Πάλι Να 4. Σάτανα 5. Ζούπα 6. Καλοκαίρι 7. 34522 8. Αταξία 9. Ταρλάμπασι 10. Κάνε Λίγο Αληθινά

Rilievo – Amnesia

Un nome semplice e che attecchisce poco all’idea che uno si può fare di un moniker. I Rilievo propongono un album che potrebbe suggerire un effetto di perdita di memoria, ma a breve termine, rimandandoci a dei suoni che furono in un passato lontano e che in quest’epoca trovano una loro corretta collocazione solo grazie alla capacità del quartetto. Tiriamo un sospiro di sollievo dopo l’opener che ci aveva fatto immaginare una proposta indie pop, mentre invece già con la titletrack, soprattutto nella seconda parte, il rock prende il sopravvento, di quello elettrico, di quello potente. Amnesia è un album in cui la ricercatezza è palpabile se lo si ascolta con attenzione; al contrario ad un ascolto sommario arrivano i chorus e qualche riff che, grazie alla loro posizione nei singoli brani, hanno praticamente i fari puntati addosso. Sicuramente c’è una componente musicale che fa da contrasto con le parole cantate, la prima più affine al rock e se vogliamo di ispirazione crossover, nel senso di voler miscelare influenze differenti alla ricerca di un sound personale; le parole che invece sono ancorate ad una scena cantautorale (si ascolti ad esempio Cavallo Pazzo) che sembra conferire una veste vintage all’intero lavoro, dei colori pastello che al contrario il rock cerca di cancellare. Una battaglia che sembra vivere in ogni traccia (lo stesso intermezzo di Cavallo Pazzo esplode con un carisma pinkfloidiano da pochi) e che cede fascino alla proposta dei Rilievo, una proposta che non fa gridare al miracolo ma che denota voglia di mettersi alla prova.

Ci piace Luna Nera, che pur con arrangiamenti orecchiabili che strizzano l’occhio al brit pop, indurisce il proprio morso e fa sentire i propri watt. Amnesia è un lavoro comunque particolare, che a nostro parere può facilmente non piacere a causa delle diverse personalità che vi si trovano al suo interno. Ma per orecchie esigenti questo può essere un fattore decisamente positivo.

Autore: Rilievo	Titolo Album: Amnesia
Anno: 2019	Casa Discografica: Alchimista Records
Genere musicale: Indie Rock, Rock Psichedelico, Crossover	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/rilievoofficial
Membri band: Alessandro Corsini – voce, chitarra Roberto Castignola – batteria Emanuele Agosti – basso Matteo Corsini – synth, tastiere	Tracklist: 1. Abbraccio Nucleare 2. Amnesia 3. Vento Nel Vento 4. Come Farò 5. Cavallo Pazzo 6. Gli Dei Caduti 7. Luna Nera 8. Miracoli 9. Una Come Te

Screaming Dead Balloons – L’Un Ar Id

Dopo il precedente, strabordante lavoro che ci ha davvero colpito e di cui abbiamo parlato a questa pagina, un altro colpo giunge ai nostri timpani con questo disco che abbiamo messo sul piatto per ascoltarlo con la dovuta attenzione. Ci aspettavamo, come spesso capita alle band, una caduta di stile rispetto all’esordio, ma in realtà siamo, ancora una volta, di fronte ad uno straripante sound fatto di kraut, psych, garage e di tanti generi che ci riportano indietro nel tempo quando il rock era non la madre, ma il padre di tutti i sound. Non c’è che dire, ma la bravura di questi ragazzi greci, gli Screaming Dead Balloons, sta tutta nel saper sapientemente e magistralmente miscelare il garage con la psichedelia, un po’ come i cari e mai dimenticati Hawkwind che hanno fatto un po’ storia in questo genere di cose. Infatti, anche lo space rock è abbastanza presente in questo disco, ma sa mantenersi perfettamente sempre ai margini di tutto quel “creato” che riuscirebbe a far innamorare anche San Francesco. Scusatemi se divago un po’ in questo frangente ma ne vale la pena ogni tanto far sfuggire la mente dalla solita quotidianità. Ritornando a questa produzione, con L’Un Ar Id degli Screaming Dead Balloons, pubblicato il 18 gennaio di quest’anno, la band greca pare azzeccare il momento perché questo LP è fatto di quel materiale e quelle sonorità che in questo momento ci si aspetterebbe dagli Screaming. E tutto ciò è un segno evidente di intelligenza musicale, di conoscenza dei propri mezzi a disposizione e del possesso di idee chiare e precise, non buttate lì a caso tanto per produrre, ma messe su vinile perché sono tutte idee complete ed evolute.

Infatti, questa evoluzione la si intravede nella copertura di una vasta gamma di suoni che sono sotterranei, malinconici, che esplodono quando è il caso in un punk garage estremo ma che alla base di tutto hanno, come ormai dna di questa band, il rock’and’roll a portata sempre di mano, anzi di strumento. Le voci, lo abbiamo già anticipato nella recensione del precedente disco, sono assolutamente uniche e straordinarie, a volte appaiono come le timbriche che accompagnano il metal più viscerale, mentre, spesso, invece, sono il mantra di tutto un discorso sonoro cucito su misura oltre, naturalmente a ritmo, bassi e toni di chitarra da far paura. E questo nuovo L’Un Ar Id lo dimostra ampiamente attraverso il brano di apertura Y.O.L.A. che gioca molto anche su un bel rock’n’roll, un pezzo che trascina il piede e dal vivo di certo porterà la gente a ballare freneticamente. E tutto a differenza di Nio Nio che appare più un brano da ricerca anche se viene qui inserito un mantra sonoro che non ci fa restare di certo indifferenti. Anzi qui siamo proprio in pieno modern psycho rock, un pezzo che sprigiona energia allo stato puro come non accade spesso. Bella qui poi la prova del bravo Ioannis Pispirikos che alla chitarra sfodera un solismo quasi da mille e una notte.

E così accade che gli Screaming Dead Balloons oltre a sfornare, in questo 2019, un disco di soli trentasette minuti, dimostrano pienamente di quanto siano in grado di fare perché, questi ragazzi della madre Grecia sono davvero – almeno per noi che li abbiamo ascoltati per la prima volta in assoluto – una vera ed eccellente sorpresa. E poi quella stupenda Super Psych People che da subito abbiamo riportato sulla nostra chitarra elettrica non lascia spazio a nessun altro commento perché qui se pensate di trovarvi di fronte a dei dilettanti…vi sbagliate di grosso.

Autore: Screaming Dead Balloons	Titolo Album: L’Un Ar Id
Anno: 2019	Casa Discografica: Sound Effect Records
Genere musicale: Psych Rock, Acid Rock, Garage Psych, Heavy Psych, Space Rock, Kraut Rock	Voto: 7
Tipo: LP	Sito web: https://business.facebook.com/ScreamingDeadBalloons/
Membri band: Ioannis Pispirikos – voce, chitarra, mandolino Dionisis Dallas – basso Panos Liakakos – batteria	Tracklist: 1. Y.O.L.A. 2. Can I 3. Nio Nio 4. T4 5. Mandolino 6. Son Of The Sun 7. Super Psych People 8. You And She 9. Lion

Screaming Dead Balloons – Banana Blue

Quattro pezzi, unici e concentrati, dove la psichedelia la fa da padrone assoluto con puntate nei meandri del kraut rock, per una composizione complessiva che non è martellante come magari ci si aspetta da un disco così, ma è invece il mantra di un album ben pensato e realizzato. Un disco che dal titolo si rifà a quel tipico sound da bassifondi metropolitani e che grazie ad Andy Wharol, sbarcarono nella Factory per poi divenire il sound dei mai dimenticati Velvet Underground. Non è che ci stiamo qui scervellando a trovare paragoni con le band del passato, ma la musica degli Screaming Dead Balloons, sprigionata da questo bel Banana Blue del 2014, si mantiene ancora intatta come se per loro, il tempo, non fosse mai trascorso, insomma quasi fosse quella prima volta che tutti bene o male ricordiamo. Il rock così come lo si conosce oggi ha sempre viaggiato tra Regno Unito e Stati Uniti, ma questi ragazzi, provenienti dalla madre Grecia, sono arrivati a sfornare un disco così piacevole, quasi una sfida a quella crisi che colpì la terra ellenica alcuni anni fa quando anche la Grecia finì nel limbo del fallimento economico (un po’ come noi insomma). Banana Blue è una vera e propria sfida a quel mondo esterno che, per quanto legato al denaro, è comunque sempre fuori da quelle idee che hanno spinto la band greca a realizzare questo bel lavoro.

Album importante quello degli Screaming Dead Balloons, Banana Blue si muove tra pure esplosioni garage ed un rock’n’roll oscuro ma vitale, un lavoro che tende ad emulare forse un po’ i Black Angels considerati dai molti eredi della tradizione rock psichedelica dei 13th Floor Elevators, anche se a noi piace aggiungere che anche i Warlocks di Bobby Hecksher hanno fatto la loro parte. L’apertura di questo bel prodotto, affidata a Take Me Up, si barcamena tra giochi puramente psichedelici ed ipnotici che ci trascinano nell’ascolto di una piece di puro blues elettrico, un pezzo che lascia subito il segno perché si snoda lungo le tortuosità di un sound che definire “criptogarage” non ci pare azzardato. Anche l’apertura di Mysterious Evenings appare come la classica introduzione tutta giocata sul tambureggiare del basso che alla fine trascina il pezzo in una composizione da mistero puro. La voce di Ioannis Pispirikos fa poi tutto il resto nel richiamare quella musica capace di scivolare sempre di più in uno scatenato rock da bassifondi, un po’ anche a richiamare certe sperimentazioni louridiane da Metal Machine Music. Ed è così che ciò che emerge qui è un sound di pura acidità che risucchia la mente in vorticosi viaggi da mille e una notte.

Banana Blue è un EP forte e potente come forti e potenti sono le loro esibizioni live, tutte da gustare per chi ne ha o ne ha avuto la possibilità; lo confermano anche i suoni cupi e imperiosi di questo bel lavoro che ci permettiamo di consigliare a chi ama il lato oscuro del rock. Se dovessimo dare una connotazione più precisa di Banana Blue, qui tutto lascia intendere che oltre allo stretto connubio tra psichedelia e noise, il proliferare di esplosioni garage e rock’n’roll sono un mix perfetto sul quale la band greca lavora con un perfezionismo da dieci e lode. Infatti sembra che Banana Blue che abbiamo messo sul piatto per ascoltare e trarne le dovute riflessioni, debba esplodere da un momento all’altro rovinandoci quel prezioso impianto hi-fi che possediamo. Ma non fa niente, perché se ciò dovesse accadere avremmo ottenuto in modo semplice quello che in fondo ci si aspetta da un disco così. E se Take Me Up si gioca tutto sulla psichedelia, Mysterious è un pezzo così ipnotico che naviga in acque tipicamente blues mentre, Red House, pezzo breve quanto basta, crea un’atmosfera da puro caos controllato per nulla sgradevole all’udito.Chiude Banana Blue quello che secondo noi è forse il brano più avvolgente di questo esordio ellenico; infatti The Good The Band And The Evil, pezzo spesso eseguito nelle esibizioni live della band, oltre ad essere il brano più lungo presente su questo vinile, è caratterizzato oltre che dal suono personalissimo degli Screaming Dead Balloons, dalla voce di Ioannis Pispirikos che richiama alla mente quella di un Jim Morrison nel pieno della sua maturità canora, così come la chitarra dello stesso Pispirikos è lo strumento che più sostiene e completa il sound che la band greca propone. Non c’è che dire, se questo è l’esordio, aspettiamoci prima o poi un capolavoro di genere.

Autore: Screaming Dead Balloons	Titolo Album: Banana Blue
Anno: 2014	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Psych Rock, Acid Rock, Garage Psych, Kraut Rock	Voto: s.v.
Tipo: LP	Sito web: https://business.facebook.com/ScreamingDeadBalloons/
Membri band: Ioannis Pispirikos – voce, chitarra Dionisis Dallas – basso Panos Liakakos – batteria	Tracklist: 1. Take Me Up 2. Mysterious Evenings 3. Red House 4. The Good The Band And The Evil