Khadavra – Hypnagogia

Nonostante ciò si possono comunque intravedere le influenze che marcano la band soprattutto se definiamo il loro come un rock in bilico tra progressive ed un post-rock psichedelico, insomma un sapiente miscuglio di Pink Floyd, Genesis, Opeth, Tool. Sarà un caso? Non ci è dato saperlo ma l’uso così disciplinato degli strumenti ci mette (e non è un caso considerato che anche loro sono svedesi) nelle condizioni di chiederci quanta affinità c’è con i gruppi che abbiamo menzionato prima. La musica poi si divide bene tra passaggi fantastici capaci di pescare anche nel rock gotico, ma sempre con la necessaria leggerezza.

E comunque i Khadavra sono una band dalla quale non bisognerà distogliere tanto facilmente lo sguardo perché, come con Hypnagogia hanno dimostrato, rispetto all’esordio con A True Image Of The Infinite una notevole crescita. Sarà difficile in futuro trovarsi di fronte ad una sorta di blocco musicale e creativo perché i Khadavra hanno finora dimostrato di voler solo crescere. Lo dimostrano brani come Dissolve e Tryptophan.

Invisible Wave – Stay Safe

È con Moments Of Real Life che sembrano comparire gli echi di band come U2 ma gli Invisible Wave hanno le potenzialità per creare una musica artisticamente più spessa, questo lo percepiamo e ciò ci incuriosisce riguardo un loro futuro album. Nel complesso quindi Stay Safe è un EP affascinante, che esce dai canoni tipici del rock per donarci una veste ricercata, sì melodica ma non per questo banale.

Richard’s Orchestra – Nothing Nothing

La Richard’s Orchestra continua a farsi sentire anche con Out Of My Shell che, personalmente, ci richiama alla mente passaggi del tanto amato Jeff Buckley, mentre con Nothing Nothing, se ce ne fosse bisogno, giunge quel segno di maturità profonda di questa band emiliana che ha fatto bene ad ampliarsi nella formazione per un sound più compatto e deciso. Poi il giungere di Amazing Sunrise ci ricorda che questo è il singolo estratto dall’album nonché il pezzo sul quale è stato realizzato il video promozionale dell’intero lavoro. Ed è giusto quando i Richard’s scrivono nel loro comunicato stampa che la loro è una fluida psichedelia pop che pulsa per 50 minuti: suggestioni astrali da gustare in solitaria, per perdersi nella propria orbita personale. E guardate che se mi sono perso anch’io, abituato come sono ad ascolti psichedelici e progressive, è davvero tutto. Con la successiva Too Early invece ritorna alla mente una mitica band del 1966, i Blues Magoos che colpirono con il loro Psychedelic Lollipop e che, ancora oggi sembrano affascinare come ci prende tutto quest’album dei Richard’s Orchestra. Ed i segni di questi colpi sono tutti lì, come il brano The Lover un vero e proprio classico psichedelico.

Guardate, nel periodo della psichedelia spesso si accomunava la musica prodotta alle visioni procurate dall’assunzione di LSD, ebbene sia altre band dell’epoca, e per i nostri giorni, lo dimostrano questi ragazzi emiliani dei Richard’s Orchestra che hanno stoffa da vendere, non c’è bisogno qui di assumere nulla, anzi, basta chiudere gli occhi e lasciarsi andare. Non ci spingiamo mai nei nostri commenti, ci limitiamo a recensire quanto nelle nostre orecchie entra, ma il cervello ci dice che questa band ha stoffa, tanta. E se, quasi a chiusura dell’album, con She’s Fine sembra di trovarsi davvero al Cavern o in un improvvisato concerto elettrico ad Hyde Park, dopo la frenetica The Spark la chiusura in grande spolvero che tocca a Whale’s Poem diventa la ciliegina sulla torta di questo interessante e piacevole Nothing Nothing della Richard’s Orchestra.

23 And Beyond The Infinite – Elevation To The Misery

Segue Magnetic Glance dai toni più morbidi, un pezzo che non si mette a fuoco subito e lascia un pò disorientati ma vi assicuriamo che ha grandi qualità (un bel refrain ed un crescendo di buona intensità); una cosa che si può intuire da queste prime tracce è che questa dimensione (da studio) gli vada un pò stretta, come volersi infilare dei pantaloni taglia 48 quando in realtà avremmo bisogno di una 54 (il buono non si deve contenere); si prosegue comunque con Pendejo altro pezzo con un buon intro funky che poi si perde un pò appesantendosi inutilmente ma le carte buone ci sono tutte e verranno fuori nel finale; si torna a pestare duro con That Pig Was Right, strutturalmente altalenante passa da momenti più soft ad altri più caotici, difficile “centrarla” ad un primo ascolto ma l’impatto è puro rock; un’altra bella traccia è A Mild Lie, atmosfere giuste, chitarre dissonanti, un buon ritmo e la voglia di andare oltre anche con il rischio di perdersi; a chiudere questo lavoro ci pensa Las Vegas, pezzo altamente psichedelico e pulsante di humus nero, qualcosa di perverso che affiora dall’oscurità ma stenta a rivelarsi.

Holy Monitor – This Desert Land

Gli Holy Monitor negli anni 90 con qualche bel videoclip avrebbero spaccato in TV, eppure la loro musica è in grado di funzionare ancora oggi, la conferma che il loro stile è davvero senza tempo.

Mother Island – Motel Rooms

Chiudono il CD Dead Rat, breve e veloce, beat, rock e psichedelia a tutto spiano e Lustful Lovers, stavolta più di sei minuti di melodie più avvolgenti e magnetiche, ma sempre molto anni sessanta. Motel Rooms è un album ben costruito e la voglia di “vintage” sembra essere sincera e non solo per cavalcare l’onda.

Beesus – 3eesus

Ottime le linee di basso (anche se è davvero difficile scorporare uno strumento dalla musica dei Beesus) che sanciscono benissimo il loro contributo, riempiendo anche un vuoto solitamente ad appannaggio di altri strumenti. 3eesus non è consigliato a chi è alla ricerca del “killer riff”, piuttosto chi esige qualcosa di più dal rock.

Jefferson Airplane – Long John Silver

Aerie conferma ancora il predominio vocale della singer, qui autrice di musiche e testi. La vena folk che pervade anche la sacerdotessa della band trova qui piena espressione soprattutto nel songwriting che la sostiene bene nelle sue evoluzioni e nei suoi connotati, pur senza giungere a vette un tempo familiari. Twilight Double Dealer è uno spigliatissimo brano rockeggiante, a firma Kantner e della sua chitarra non più “innocente” come un lustro addietro, quando le sue melodie erano appunto molto delicate ed avrebbero “aborrito” la deriva settantiana ora intrapresa dal chitarrista, che tuttavia conserva intatto il tocco magico. Milk Train vibra con forza attraverso il violino dell’ormai stabile Creach: precedendo di qualche incollatura un altro combo leggendario che di tale strumento ha fatto vanto, la band californiana anticipa con questa traccia il lirismo ed i toni epici che i conterranei Kansas offriranno anch’essi di lì a poco. Si giunge all’ennesima traccia controversa: The Son Of Jesus fu subito censuratissima dalla casa discografica per un aggettivo irripetibile anteposto al titolo. Condotta a miti consigli, la band attenua le sue insofferenze e riesce comunque a sfornare un brano toccante, colmo di allusioni e renitente ormai a tutto, pur tenendosi ancora a galla grazie all’abilità dei suoi esecutori.

Easter? non è da meno, quanto a sfacciataggine e dissacrazione: gridando a pieni polmoni il suo disincanto verso il mondo, la band dimostra di riuscire ancora a padroneggiare i grandi temi sociali, battendosi di nuovo contro la violenza e le discriminazioni di ogni genere, essendo maestra la Slick in tali agoni di protesta. Trial By Fire rappresenta (inutilmente) il binario Hot Tuna che Kaukonen, qui autore di testi e musiche, ormai percorre speditamente: non a caso, sulla traccia suona anche il suo drummer “personale” Sammy Piazza, con il risultato di un non indifferente passo falso attraverso un folk che non si attaglia più alla band di San Francisco. Con Alexander The Medium torna il buon Kantner ad impadronirsi della scena: nonostante il discreto impegno profuso, anche questa traccia appare scontata e quasi un filler, riflettendo marcatamente l’ormai assodata involuzione anche di uno dei leader storici del gruppo. Band che chiude i giochi con Eat Starch Mom ed il suo sound inaspettatamente duro e grezzo, ma sempre contestatore e sarcastico: in un gruppo che ormai dimostra apertamente di pensare maggiormente ai progetti paralleli dei componenti, non poteva esservi che conclusione più “degna” di questa traccia, che servirà almeno a rendere chiarissime le cose all’interno della band californiana.

Jefferson Airplane – Volunteers

Già il titolo fu oggetto di controversie, dato che la casa discografica si oppose all’aggiunta del termine “Of America ” a Volunteers . la band decide allora di “vendicarsi” inserendo in diverse tracce un corollario di cattive parole che a stento si salveranno dagli strali della censura. Ad iniziare da We Can Be Together , il sound è isterico e gridato senza ritegno, con le chitarre a pompare note a più non posso e la voce che si eleva forte come in una tribuna elettorale indipendente, senza che nessuno si possa opporre al fluire potente delle note, aiutate a sgorgare in questo caso anche dalla presenza del piano fluido di Nicky Hopkins, il cui tocco magico tanta gloria procurerà ad altri gruppi dell’epoca e successivi (bastano The Who, Rolling Stones e Beatles? ). Si procede con Good Sheperd e pare esservi un ritorno, brevissimo, all’amato folk degli esordi, in cui la band torna ad occuparsi della vita a sé stante non inserita nelle problematiche mondiali; ed anche il canto è più rilassato, teneramente nostalgico e sognante, di stampo quasi religioso, con le chitarre che non si limitano al semplice accompagnamento, ma si delineano con delicatezza a presentarci immaginarie praterie su cui correre senza paura, mettendo in risalto la vera natura del gruppo, qui del tutto avulso da ogni diatriba sociale o impegnata.

Eccoci a The Farm ed al suo incedere ancora folkeggiante, con linee pianistiche colme di lirismo che si completano con una superba chitarra-pedale del finalmente accreditato Jerry Garcia, grazie al cui lavoro la traccia diventa tra gli echi ancora roboanti della discografia, nonché memorabile per la sontuosa prestazione complessiva della band. Con Hey Fredrick è Grace Slick ad impadronirsi della scena: autentica Musa del panorama a stelle e strisce, qui divide la scena con la valida ed intensa chitarra di Kaukonen, che dipinge un autentico e cadenzato cerimoniale folk: se a questo uniamo il grande piano di Hopkins, ecco che la traccia assurge alla leggenda con la sua cadenza marziale, trascinante e culminante in una conclusiva cavalcata quasi “jammata” tra rock e blues. Turn My Life Down cerca di recuperare la dimensione onirica della band, che qui appare come un mix di sound gospel ed atmosfere quasi mistiche, come a farsi “perdonare” dei viaggi in acido troppo frequenti nella vita del combo californiano, che qui ancora (comunque) si rende protagonista di un’altra performance da sballo, qui corroborata anche dall’Hammond fatato di Stephen Stills. Si giunge dunque ad uno dei brani più controversi del disco: Wooden Ships (a firma Crosby, Stills e Kantner) cristallizza tutto il desiderio del gruppo di urlare il suo disprezzo per la guerra e la violenza in genere: Grace Slick si spolmona per essere al centro del villaggio con la sua voce ad incantare l’uditorio in un richiamo all’incombente Apocalisse, è tutto il suono ad essere ispessito, con la presenza anche del violino e del piano. Curiosità del brano fu quella di essere stato presente anche sull’album di esordio di Crosby, Stills e Nash.

Procediamo in bellezza, per così dire: Eskimo Blue Day ed il suo refrain di parolacce, in un ambito pur dedito a tematiche “naturalistiche” (!!) che vede ancora Grace Slick esibirsi magicamente in una doppia performance sia vocale che al flauto, consentendole di sfornare una performance molto recitata e teatralmente data in pasto al mondo, pur magicamente disincantato dalla voce austera e maestosa della singer. A Song For All Seasons appare come un maldestro tentativo di “appiopparci” nuovamente le tematiche country, sempre disincantate e stavolta fin troppo rilassate, tanto da sembrare quasi un disamato filler, pur ben cantato dall’ospite Laudner (ebbene sì, anche i Titani possono incorrere in questi intoppi). Avviandoci alla conclusione, troviamo lungo la strada la breve e strumentale Meadowlands, la cui decadente tristezza riesce a risaltare anche nei circa 60 secondi della sua durata, quasi raccapricciante per la sua malinconia disperata. Ma eccoci finalmente alla conclusiva e decisiva titletrack: ecco il vero inno che la band non vedeva l’ora di spararci in faccia: trascinante, cadenzato ed aggressivo, nessuno di questi aggettivi potrebbe descrivere con la medesima forza il grido rivoluzionario che il gruppo ordina ai suoi strumenti di sfornare; non più pacifismo edulcorato, ma altresì rivolta a tutto tondo per iscriversi al partito della lotta dura e pura.

Impetuoso il ruggito delle chitarre in uno dei riffoni più famosi dell’epoca,che Marty Balin tramanda essergli stato ispirato (non ridete…) dalla visione mattutina di un camion della spazzatura (!!), denominato appunto “Volunteers Of America”: sia quel che sia, a volte la leggenda supera la realtà, ben venga dunque una degnissima conclusione ad un album ancor oggi storico e fautore di ricordi e memorie indelebili.