Jefferson Airplane – Long John Silver

E così “lemme lemme” ( ma nemmeno tanto) anche per gli amici californiani si appropinqua il canto del cigno: tanto fiammante la loro apparizione sugli “schermi”, altrettanto roboante il loro progressivo congedo dalle scene, almeno sotto questa forma. Le tensioni ormai latenti tra le varie componenti del gruppo, unite ai già diversi progetti solisti registrati per la stessa label, portano ad implodere e i rapporti interpersonali e soprattutto il prodotto offerto con questo lenght. A testimoniare la ormai drammatica carenza di inventiva, il fatto che fosse stato chiamato a collaborare ai testi perfino lo storico amico David Crosby, prontamente stoppato nell’intento dalla sua stessa casa discografica, che evidentemente non voleva legare il nome di uno dei suoi artisti di punta al fallimento della band, ormai incombente. E dire che, nonostante fosse reduce dalla pubblicazione del loro album solista Sunfighter, la coppia a tutto tondo Slick/Kantner si impegna egualmente per indirizzare le sue idee verso un disco non disprezzabile, coadiuvati in questo dagli altrettanto impegnati “parallelamente” Kaukonen/Casady ed i loro Hot Tuna, i cui echi si fanno sentire sin da subito nella titletrack: corposamente eseguito, il brano si discosta dalle atmosfere spesso disincantate che la band ha spesso percorso in divina rilassatezza, preferendo concentrarsi invece su di un solido lavoro delle asce, che qui non paiono per nulla psichedeliche, ma vanno anzi dritte al sodo, consentendo alla coppia Kaukonen/Kantner di condurre danze stavolta più sfrenate, sulle quali si eleva ancora forte la voce limpida della Slick.

Aerie conferma ancora il predominio vocale della singer, qui autrice di musiche e testi. La vena folk che pervade anche la sacerdotessa della band trova qui piena espressione soprattutto nel songwriting che la sostiene bene nelle sue evoluzioni e nei suoi connotati, pur senza giungere a vette un tempo familiari. Twilight Double Dealer è uno spigliatissimo brano rockeggiante, a firma Kantner e della sua chitarra non più “innocente” come un lustro addietro, quando le sue melodie erano appunto molto delicate ed avrebbero “aborrito” la deriva settantiana ora intrapresa dal chitarrista, che tuttavia conserva intatto il tocco magico. Milk Train vibra con forza attraverso il violino dell’ormai stabile Creach: precedendo di qualche incollatura un altro combo leggendario che di tale strumento ha fatto vanto, la band californiana anticipa con questa traccia il lirismo ed i toni epici che i conterranei Kansas offriranno anch’essi di lì a poco. Si giunge all’ennesima traccia controversa: The Son Of Jesus fu subito censuratissima dalla casa discografica per un aggettivo irripetibile anteposto al titolo. Condotta a miti consigli, la band attenua le sue insofferenze e riesce comunque a sfornare un brano toccante, colmo di allusioni e renitente ormai a tutto, pur tenendosi ancora a galla grazie all’abilità dei suoi esecutori.

Easter? non è da meno, quanto a sfacciataggine e dissacrazione: gridando a pieni polmoni il suo disincanto verso il mondo, la band dimostra di riuscire ancora a padroneggiare i grandi temi sociali, battendosi di nuovo contro la violenza e le discriminazioni di ogni genere, essendo maestra la Slick in tali agoni di protesta. Trial By Fire rappresenta (inutilmente) il binario Hot Tuna che Kaukonen, qui autore di testi e musiche, ormai percorre speditamente: non a caso, sulla traccia suona anche il suo drummer “personale” Sammy Piazza, con il risultato di un non indifferente passo falso attraverso un folk che non si attaglia più alla band di San Francisco. Con Alexander The Medium torna il buon Kantner ad impadronirsi della scena: nonostante il discreto impegno profuso, anche questa traccia appare scontata e quasi un filler, riflettendo marcatamente l’ormai assodata involuzione anche di uno dei leader storici del gruppo. Band che chiude i giochi con Eat Starch Mom ed il suo sound inaspettatamente duro e grezzo, ma sempre contestatore e sarcastico: in un gruppo che ormai dimostra apertamente di pensare maggiormente ai progetti paralleli dei componenti, non poteva esservi che conclusione più “degna” di questa traccia, che servirà almeno a rendere chiarissime le cose all’interno della band californiana.

Autore: Jefferson Airplane	Titolo Album: Long John Silver
Anno: 1972	Casa Discografica: Grunt
Genere musicale: Rock Psichedelico	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: www.jeffersonairplane.com
Membri Band: Grace Slick – voce, piano Paul Kantner – voce, chitarra Jorma Kaukonen – chitarra, voce Jack Casady – basso Papa John Creach – violino John Barbata – batteria Joey Covington – batteria su tracce 3 e 5 Sammy Piazza – batteria su traccia 7	Tracklist: 1. Long John Silver 2. Aerie 3. Twilight Double Leader 4. Milk Train 5. The Son Of Jesus 6. Easter? 7. Trial By Fire 8. Alexander The Medium 9. Eat Starch Mom

Jefferson Airplane – Volunteers

Stavolta non basteranno i canonici commenti di rito, per analizzare la nuova fatica degli eroi della psichedelia: il quinto lenght dei Nostri necessita di ampia ed esaustiva considerazione, sia per il lavoro in sé sia soprattutto per la sua genesi e per la pletora di ospiti presenti sul disco. Ma non si può parlare dell’album prima di avere evidenziato che la band è appena reduce da memorabili esibizioni al Fillmore East e soprattutto al Central Park ed a Woodstock. Siamo in piena “epoca Vietnam” ed ecco che il gruppo non poteva esimersi dal lanciare il suo messaggio politico ed antimilitarista in tutte le suddette esibizioni, tra l’altro sommamente interpretate. Tutto questo substrato viene riversato, di conseguenza, nell’odierno lenght che di riflesso non poche polemiche e guai procurerà alla band californiana. Prodotto da Al Schmitt, l’album risente di tutto questo “cataclisma” interiore dei Nostri, offrendo un sound aspro, duro e violento: in contrasto con le atmosfere sognanti, acide e lisergiche dei lavori precedenti: è come se la band intendesse, attraverso la musica, far sentire forte la sua voce di protesta sia contro la guerra vietnamita sia contro la forte repressione politica e sociale all’epoca imperante negli States.

Già il titolo fu oggetto di controversie, dato che la casa discografica si oppose all’aggiunta del termine “Of America ” a Volunteers . la band decide allora di “vendicarsi” inserendo in diverse tracce un corollario di cattive parole che a stento si salveranno dagli strali della censura. Ad iniziare da We Can Be Together , il sound è isterico e gridato senza ritegno, con le chitarre a pompare note a più non posso e la voce che si eleva forte come in una tribuna elettorale indipendente, senza che nessuno si possa opporre al fluire potente delle note, aiutate a sgorgare in questo caso anche dalla presenza del piano fluido di Nicky Hopkins, il cui tocco magico tanta gloria procurerà ad altri gruppi dell’epoca e successivi (bastano The Who, Rolling Stones e Beatles? ). Si procede con Good Sheperd e pare esservi un ritorno, brevissimo, all’amato folk degli esordi, in cui la band torna ad occuparsi della vita a sé stante non inserita nelle problematiche mondiali; ed anche il canto è più rilassato, teneramente nostalgico e sognante, di stampo quasi religioso, con le chitarre che non si limitano al semplice accompagnamento, ma si delineano con delicatezza a presentarci immaginarie praterie su cui correre senza paura, mettendo in risalto la vera natura del gruppo, qui del tutto avulso da ogni diatriba sociale o impegnata.

Eccoci a The Farm ed al suo incedere ancora folkeggiante, con linee pianistiche colme di lirismo che si completano con una superba chitarra-pedale del finalmente accreditato Jerry Garcia, grazie al cui lavoro la traccia diventa tra gli echi ancora roboanti della discografia, nonché memorabile per la sontuosa prestazione complessiva della band. Con Hey Fredrick è Grace Slick ad impadronirsi della scena: autentica Musa del panorama a stelle e strisce, qui divide la scena con la valida ed intensa chitarra di Kaukonen, che dipinge un autentico e cadenzato cerimoniale folk: se a questo uniamo il grande piano di Hopkins, ecco che la traccia assurge alla leggenda con la sua cadenza marziale, trascinante e culminante in una conclusiva cavalcata quasi “jammata” tra rock e blues. Turn My Life Down cerca di recuperare la dimensione onirica della band, che qui appare come un mix di sound gospel ed atmosfere quasi mistiche, come a farsi “perdonare” dei viaggi in acido troppo frequenti nella vita del combo californiano, che qui ancora (comunque) si rende protagonista di un’altra performance da sballo, qui corroborata anche dall’Hammond fatato di Stephen Stills. Si giunge dunque ad uno dei brani più controversi del disco: Wooden Ships (a firma Crosby, Stills e Kantner) cristallizza tutto il desiderio del gruppo di urlare il suo disprezzo per la guerra e la violenza in genere: Grace Slick si spolmona per essere al centro del villaggio con la sua voce ad incantare l’uditorio in un richiamo all’incombente Apocalisse, è tutto il suono ad essere ispessito, con la presenza anche del violino e del piano. Curiosità del brano fu quella di essere stato presente anche sull’album di esordio di Crosby, Stills e Nash.

Procediamo in bellezza, per così dire: Eskimo Blue Day ed il suo refrain di parolacce, in un ambito pur dedito a tematiche “naturalistiche” (!!) che vede ancora Grace Slick esibirsi magicamente in una doppia performance sia vocale che al flauto, consentendole di sfornare una performance molto recitata e teatralmente data in pasto al mondo, pur magicamente disincantato dalla voce austera e maestosa della singer. A Song For All Seasons appare come un maldestro tentativo di “appiopparci” nuovamente le tematiche country, sempre disincantate e stavolta fin troppo rilassate, tanto da sembrare quasi un disamato filler, pur ben cantato dall’ospite Laudner (ebbene sì, anche i Titani possono incorrere in questi intoppi). Avviandoci alla conclusione, troviamo lungo la strada la breve e strumentale Meadowlands, la cui decadente tristezza riesce a risaltare anche nei circa 60 secondi della sua durata, quasi raccapricciante per la sua malinconia disperata. Ma eccoci finalmente alla conclusiva e decisiva titletrack: ecco il vero inno che la band non vedeva l’ora di spararci in faccia: trascinante, cadenzato ed aggressivo, nessuno di questi aggettivi potrebbe descrivere con la medesima forza il grido rivoluzionario che il gruppo ordina ai suoi strumenti di sfornare; non più pacifismo edulcorato, ma altresì rivolta a tutto tondo per iscriversi al partito della lotta dura e pura.

Impetuoso il ruggito delle chitarre in uno dei riffoni più famosi dell’epoca,che Marty Balin tramanda essergli stato ispirato (non ridete…) dalla visione mattutina di un camion della spazzatura (!!), denominato appunto “Volunteers Of America”: sia quel che sia, a volte la leggenda supera la realtà, ben venga dunque una degnissima conclusione ad un album ancor oggi storico e fautore di ricordi e memorie indelebili.

Autore: Jefferson Airplane	Titolo Album: Volunteers
Anno: 1969	Casa Discografica: Rca
Genere musicale: Rock Psichedelico	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: www.jeffersonairplane.com
Membri Band: Grace Slick – voce, piano su tracce 3,4,7, e 10, flauto su traccia 7, organo su traccia 9 Marty Balin – voce, percussioni Paul Kantner – voce, chitarra Jorma Kaukonen – chitarra, voce Jack Casady – basso Spencer Dryden – batteria Nicky Hopkins – piano su traccia 1,4,6,8, e 10 Stephen Stills – Hammond su traccia 5 Jerry Garcia – chitarra su traccia 3 Bill Laudner – voce su traccia 8 David Crosby – percussioni su traccia 6 Joey Covington – congas su traccia 5	Tracklist: 1. We Can Be Together 2. Good Sheperd 3. The Farm 4. Hey Fredrick 5. Turn My Life Down 6. Wooden Ships 7. Eskimo Blue Day 8. A Song For All Seasons 9. Meadowlands 10. Volunteers

Jefferson Airplane – After Bathing At Baxter’s

Appena al terzo album e già la musica cambia: pur reduce dal successo sontuoso di Surrealistic Pillow, il combo di Balin decide di fare nuovamente le cose in grande, se possibile ancor meglio dell’illustre predecessore. Mantenendo immutata la line-up (già di per sé idea ottima), la band si lascia alle spalle (almeno per ora) l’approccio più manierato e stilisticamente impeccabile dei primi lavori per approdare a composizioni più lunghe ed articolate, stilizzate in lunghe suite dove liberare ed esprimere la vena “lisergica” della band, a quel tempo paladino della libera esperienza acida e dei lunghi trip che già la band aveva sublimato, ad esempio, nel leggendario Festival di Monterey del 1967, autentico manifesto della libertà e dell’amore, ovvero della stagione dei fiori. Sono 5, le suite attraverso le quali si articola il pensiero della band alla fine degli anni 60: un lungo ed articolato intreccio di melodie, di viaggi in esaltazione da trip, avendo pur sempre presenti le caratteristiche della band, ovvero ottime improvvisazioni tecniche e con le varie performance vocali a tenere banco: a differenza dei lavori precedenti, qui non si va subito al sodo, ma si preferisce giostrare attraverso lunghe esercitazioni strumentali attraverso le quali il gruppo possa esternare le proprie notevoli capacità tecniche.

Ecco quindi inquadrato il mood di The Ballad Of You & Me And Pooneil, con una grande chitarra a sovrapporsi al feedback che il gruppo riesce a produrre, grazie anche all’ “aiuto” delle sostanze psichedeliche che all’epoca imperavano; lunghi stacchi strumentali sui quali si innestano alternativamente le ritmiche vocali che donano alla traccia un complessivo e coinvolgente sostrato alchemico che coinvolge lo spettatore e l’uditorio nel trip lisergico intrapreso. A Small Package Of Value Will Come To You, Shortly è una clamorosa e allegra commistione di strumenti, campanacci, schiamazzi e baccani vari, il tutto a ritmo quasi jazzato che consente alla band di districarsi abilmente tra le righe di un sound molto diretto e che va subito, stavolta, al sodo di chi ascolta. La chiusura con la frase “Nessuno è un’isola, ma bensì una penisola”, ritrae alla grande la vena quasi nichilista che al momento pervade ogni testo del gruppo, quasi desideroso di comunicare all’uditorio quello da cui è animato nella realizzazione dell’album. Si passa a Young Girl Sunday Blues, ed anche qui abbiamo un trionfo delle linee guida vocali che trascinano l’ascoltatore in un viaggio incantato attraverso stacchi continui, improvvisi ed inattesi stacchi di tempo ed atmosfere molto vicine al trip lisergico che riveste ogni solco del disco, magari non del tutto voluto, ma sicuramente molto intenso e drammaticamente vissuto in prima persona, pienamente inserito in un contesto articolato che vede emergere sempre la bravura dei singoli musicisti.

Martha ed il suo agile lavoro a sei corde è uno dei momenti clou del disco: sei corde che disegnano tutti gli scenari possibili, mentre ancora una volta gli intrecci vocali si immergono pienamente nella struttura della traccia senza che chi ascolta possa scindere con chiarezza dove finisca l’interpretazione musicale e dove inizi quella “parallela” relativa a mondi extrasensoriali. Con Wild Tyme apprezziamo un energico inno all’amore libero che Grace Slick declama a pieni polmoni: firmato Kantner, il brano avrebbe potuto a pieni voti assurgere a portabandiera di tutte le istanze progressiste che gli anni 60 vantano a pieno titolo nei confronti e della decade in cui si opera e soprattutto verso quelle a venire. The Last Wall Of The Castle, pur nella sua brevità, ci offre un Kaukonen al massimo delle sue potenzialità, qui sperimentali al massimo ed altrettanto innovative nei suoi cambi di ritmo e tempistica, autentico specchio in cui riflettersi. Si passa a Rejoyce e l’omaggio approntato dalla Slick all’autore di Ulysses: una vena poetica che si traduce in una esecuzione intensa, liricamente inappuntabile ed adatta a creare quel pathos interpretativo che solo la riccioluta ex modella poteva, all’epoca, eseguire a tutto tondo ed in modo del tutto introspettivo. Si interagisce appieno con Watch Her Ride, stando a sentire gli intrecci tra la Slick e Kantner, che ancora una volta mette a disposizione dell’invasata singer tutta la sua variegata e dipinta azione a sei corde, che tuttavia riesce a smarcarsi e divenire quasi anonima nell’esecuzione delle strofe centrali, a ulteriore riprova dell’abilità dei Nostri.

Eccoci giungere, quindi, alla maestosa e strumentale Spare Chaynge, dove il coinvolgimento di tutti gli strumenti è completo e complesso pur non essendo la traccia particolarmente ostica all’ascolto: è il ripetersi quasi ciclico degli stacchi e dei contrappunti a rendere valido il brano, persino ascoltando le quattro corde di Casady si apprezza il valido sostrato da cui tutti provengano. Two Heads ci riporta ai bagliori originali della band, con ancora Grace Slick a declamare da par suo: magari il brano non è tra quelli memorabili, ma certamente i buoni pattern attraverso i quali si articola il brano lo rendono degno di memoria. Won’t You Try appare il meno vivace dei brani, ma non manca di qualche pregio per il suo essere ancora traccia inneggiante ai “consueti” valori spesso accennati: ma è con la conclusiva suite Saturday Afternoon che ci si rimette ampiamente in carreggiata Jefferson, con la band che ci trascina in un “classico” sabato pomeriggio della sua San Francisco, ed il sound del gruppo dipinge al meglio tutte le “esperienze sintetiche” che sia possibile vivere, magari con l’ausilio disincantato e disilluso di “balloons and incense” che aiuta a vivere meglio quell’epopea di grandi cambiamenti, che nemmeno la guerra in Vietnam riuscirà a debellare, grazie “anche” all’opera di band quali quella capitanata da Balin e Co., che altre sorprese hanno ancora in serbo.

Autore: Jefferson Airplane	Titolo Album: After Bathing At Baxter’s
Anno: 1967	Casa Discografica: Rca
Genere musicale: Rock Psichedelico	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: www.jeffersonairplane.com
Membri Band: Marty Balin – chitarra Grace Slick – voce Jorma Kaukonen – chitarra, voce Paul Kantner – chitarra, voce Jack Casady – basso Spencer Dryden – batteria Gary Blackman – voce su traccia 2 Bill Thompson – voce su traccia 2	Tracklist: 1. The Ballad Of You & Me & Pooneil 2. A Small Package Of Value Will Come To You, Shortly 3. Young Girl Sunday Blues 4. Martha 5. Wild Tyme 6. The Last Wall Of The Castle 7. Rejoyce 8. Watch Her Ride 9. Spare Chaynge 10. Two Heads 11. Won’t You Try/ Saturday Afternoon

Atom Made Earth – Severance

Gli Atom Made Earth sono una band sicuramente fuori dagli schemi. Con Border Of Human Sunset (di cui avevamo parlato a questa pagina) avevamo tracciato il loro identikit, ma avevamo imparato a conoscerli a fondo, nel loro mutevole stile, con Morning Glory disponibile qui. Sul finire del 2019 arrivano con una nuova opera dal titolo Severance, lo stile si evolve e come una scultura la vena artistica del quartetto (con qualche nuovo ingresso) assume forme più eleganti, curate. Childhood Song ne è l’emblema per la prima parte della tracklist: vengono riprese le incursioni prog che avevamo già assaggiato con Reed ma inserite in una visione più accurata e per certi versi futuristica. La trasposizione della psichedelia floidiana ai giorni nostri prende il nome di Youth, un brano che gode della presenza di testi cantati (elemento quasi unico per loro), e scelta che rappresenta sicuramente uno dei fattori caratterizzanti di Severance perché, grazie alla sua presenza anche in altre tracce, segna l’approdo della band verso un certo concetto di melodia e di rotondità che probabilmente le radici post-rock presenti nei precedenti lavori allontanavano. La vera spinta invece arriva con El Roi, un brano che darà piacere ad ogni appassionato di prog moderno prestandosi inoltre ad una grande resa live (anche se non banale da replicare su di un palco).

C’è una profonda orma del rock inglese in questo nuovo album degli Atom Made Earth, che per certi versi assume sembianze più accessibili: si tratta comunque di un album all’altezza del nome della band, quindi segnato dalla psichedelia, da certo neo prog e dalla sperimentazione (non vista come tipologia di strumenti ma come loro uso) ma meno ispido rispetto a brani passati, seppur comunque risulti un album non per le masse. Sofisticato, curato, elegante: la band aggiunge un altro tassello nella costruzione di un’identità di spessore.

Autore: Atom Made Earth	Titolo Album: Severance
Anno: 2019	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Progressive Rock, Psichedelia	Voto: 6,75
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/AtomMadeEarth
Membri band: Daniele Polverini – chitarra, voce, effetti Borgognoni – tastiere, synth Daniele Duranti – batteria, percussioni Lorenzo Giampieri – basso	Tracklist: 1. First Of A Second Split 2. Childhood Song 3. Youth 4. From Earth With Hurt 5. Native 6. El Roi 7. In The Glow 8. Severance

Dirty Sound Magnet – Transgenic

Una band al di fuori da ogni spazio temporale. Ascoltarli oggi sembra che la band si sia ibernata tra gli anni sessanta e i settanta e che oggi sembra aver trovato quella voglia di ‘vintage’ che da qualche anno è pressante e non si capisce se sia vera voglia del miglior periodo musicale che il rock ricordi o è solo per cavalcare un’onda che oggi va per la maggiore. Ma questo trio svizzero, i Dirty Sound Magnet, riescono a riportarci indietro nel tempo ma senza quell’effetto nostalgia di troppo, loro hanno una personalità e amalgamano a quel sound ‘vintage’, alcune particolarità che piacciono ma a volte possono anche disorientare. Transgenic è il loro terzo album che racchiude cinquant’anni di storia in nove brani. Organic Sacrifice è un tuffo nei meravigliosi seventies, rock psichedelico e hard rock, la voce di Stavros Dzodzosz è aspra, così come la sua chitarra, i riferimenti vanno ricercati soprattutto in band leggendarie come Jefferson Airplane; USA LSD BNB HIV ci riporta ancora più indietro, negli anni sessanta e anche un pò di Beatles aleggiano nel sound dei Dirty Sound Magnet, la voce è molto diversa, si avvicina stavolta a quella nasale e folle di Ozzy Osbourne. Ancora Rigid Soul, brano che cambia nuovamente pelle, la parola ‘vintage’ è nuovamente d’obbligo, ma c’è una melodia più mistica, percussioni tribali e una forma di psichedelia più marcata e non mancano coralità femminili.

Anche gli altri brani sono da segnalare come Skull Drawing Rose, lunga traccia di quasi nove minuti, dall’incedere pinkfloydiano, ma ricca di spunti personali e particolari, ma ci sono anche echi dei Led Zeppelin, specialmente nei riff e nel guitar solo o come Social Media Girl, dalle atmosfere mediorientali e dal gusto anche blues. C’è spazio ancora per Transgenic, la title track, solo 37 secondi di musica strumentale e darkeggiante e per Social Media Boy, tra hard rock e un certo tipo di new wave con un cantato particolarmente malato e un po’ folle. A chiudere il CD spetta a Hashtag Love, ottimo brano lento e romantico, tra psichedelia e progressive rock e a The Death Of Beauty, sicuramente il brano migliore dell’intero album anche solo per l’arpeggio di chitarra iniziale, melodico e avvolgente e con accompagnamento acustico, strani vocalizzi e interamente strumentale, vocalizzi a parte. Band e album molto interessanti.

kAutore: Dirty Sound Magnet	Titolo Album: Transgenic
Anno: 2019	Casa Discografica: Hummus Records
Genere musicale: Rock Psichedelico	Voto: 7
Tipo: CD	Sitoweb: http://www.dirtysoundmagnet.com
Membri band: Stavros Dzodzosz – voce, chitarra Marco Nottolini – basso, voce Maxime Cosandey – batteria, voce, effetti	Tracklis: 1. Organic Sacrifice 2. USA LSD BNB HIV 3. Rigid Soul 4. Skull Drawing Rose 5. Social Media Girl 6. Transgenic 7. Social Media Boy 8. Hashtag Love 9. The Death Of Beauty

Daniele Faraotti – English Aphasia

L’assurdo è che mi sono svegliato questa mattina facendo un pensiero antico per me. Andiamo per gradi. Siamo d’accordo che la canzone è un’espressione artistica che unisce musica e testo? La musica parla al cuore delle persone di qualsiasi lingua. Ok e quindi, se uno non capisce il testo ma mi spiegate voi che cosa apprezza della canzone? Ne apprezza metà, le atmosfere e quel povero cristiano di cantautore che ha sbattuto magari un mese di fila la testa al muro per cercare la parola per far quadrare il cerchio? Lavoro a vanvera direi, tanto non abbiamo capito niente dell’intero testo…anzi spesso neanche lo abbiamo ascoltato. Le parole diventano musica…mah! Qualche giorno fa ho visto un concerto di The Niro: bellissimo come sempre, una voce che non sta su questa terra. Poi un’amica, fuori, esplode in un impeto di entusiasmo e mi dice: “No vabbe, l’inedito di Buckley che ha cantato prima è da brividi”. Ed io: ma tu hai capito di cosa parla? E lei. No. Ok. Però è da brividi.

Quindi amici miei, ma di cosa parliamo quando diciamo che un disco (straniero di cui non capiamo la lingua) ci è piaciuto? Ma voi avete mai letto un libro di poesie in russo? O in cinese? Non so se ho saputo spiegare il mio cervellotico pensiero ma ecco, io trovo che quelli che come me (cioè il 90% delle persone) che non capiscono bene l’inglese, dimostrino un gusto davvero incompleto per non dire ipocrita della musica. Io se non capisco che mi stai dicendo, godo solo a metà anzi mi annoio profondamente. Devo avere i testi scritti, tradurli, se no boh, leggo una poesia in russo e dirò che è fantastica. Uguale. Perché vi ho raccontato questo pensiero cervellotico? Perché questo disco di Daniele Faraotti lo trovo geniale. Un’arma vincente di cui mi servirò spesso d’ora in poi per mettere al muro la mandria di ipocriti che dicono di capire le canzoni. Ebbene perché lui, se non ho capito male (ci stava benissimo) ha fatto un disco di inglese grammelot…la filosofia di questo lavoro è meravigliosa: tracce che lasciano spazio principale agli appunti, come dire, alle prime stesure, alle improvvisazioni, una voce che appunto fa il verso all’inglese cercando di catturare soluzioni melodiche, testi nonsense e beat loop improvvisati… un disco geniale.

Ed infatti nell’unica traccia che sento in italiano dal titolo Sea Elephant, una sua vecchia incisione del 2005 oggi rielaborata in tanti aspetti, decisamente beatlesiana mi sia concesso di dirlo, per quanto il testo abbia sicuramente un non senso di fondo, comunque mi ancora ad una struttura che codifico e mi fa perdere il fascino del disco totalmente anarchico e quindi libero da regole e previsioni (complice anche gli arrangiamenti e un po’ tutto il brano che sembra meno “istintivo” e più “ragionato” degli altri). English Aphasia teletrasporta in mondi assurdi, dalle incerte stesure acustiche di Vic Chesnutt alle più visionarie incisioni di Beck, il tutto senza soluzione di continuità, anzi mantecando il tutto con un ascolto (che secondo me avrà davvero maturato) di sano progressive anni 70. Rock progressivo inglese sopra ogni cosa. Un disco che ho paura di elogiare troppo, ho paura di capire male, un lavoro che va assolutamente approfondito; una di quelle cose che sfiderà le ipocrisie di massima e le estetiche educate dal commercio. Insomma: fermiamoci prima di aprire bocca e fare i saccenti. Ed io non sono da meno, dunque oltre queste righe di superficie, ad ora, non mi permetto di dire.

L’ultimo disco che ho comprato è l’opera di Luciano Cilio, sono sicuro che il nostro Faraotti saprà di cosa parlo. Dunque, complice questo debole per i pensieri anarchici e le avanguardie, affascinato dall’espressione guidata solo dall’istinto e non dalla forma, sono portato a chiedermi quanto grande sia il mondo che c’è dietro English Aphasia. Secondo me è un disco geniale, ma anche qui, come quando scavo la fossa ad altri dischi, il mio pensiero lascia il tempo che trova e non vuole condannare né mitizzare nessuno. Spero solo di non aver capito fischi per cicale (che è molto peggio che confonderla per sotterranei). Liberi…c’è lo ha insegnato anche Claudio Lolli, sempre, anche nel suo ultimo disco. E ora so benissimo che Daniele Faraotti sa di cosa parlo. Davvero un bel disco.

Autore: Daniele Faraotti	Titolo Album: English Aphasia
Anno: 2019	Casa Discografica: Creamcheese Records
Genere musicale: Psichedelia, Progressive	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: http://www.danielefaraotti.com
Membri band: Daniele Faraotti	Tracklist: 1. English Aphasia 2. I Got The Blues 3. Connection 4. Between For A Day Trust 5. Zawie III 6. Leonore Sprache 7. Sea Elephant 8. Telephone Line 9. Joni George Igor And Me

SundaySong – Signals

Signals è un album che trasmette angoscia fin dal titolo e dalla sua copertina. Probabilmente è questa l’emozione che più di tutte sprigionano i SundaySong, un’emozione che non va letta solo in chiave negativa, visto che la band si presenta come un progetto di rock psichedelico. Noi siamo dell’opinione che questa etichetta assegnata al loro sound è stata data con una visione un po’ dietrologica della musica, cioè guardando al passato e alla scena psichedelica e dark; se dovessimo incasellarli scevri da qualsiasi condizionamento di epoca dovremo presentarli come un progetto post-rock molto particolare che di frequente incorre in scenari post-metal. A differenza dei moderni progetti post-rock questo combo davvero si impegna per riprendere le ambientazioni tanto care al post-metal (Tool) e conferir loro una validità più trasversale rendendo il tutto digeribile anche a chi è più legato al rock (Skydance) sfiorando i Marillion (periodo Hogarth). Buono il connubio tra chitarra e basso che compare in diversi momenti (come in Firechild), si tocca con mano il loro legame con il rock classico, la sperimentazione targata SundaySong e tutta nell’atmosfera creata, non c’è nulla nei pattern, nei riff o nei suoni che sia davvero innovativo. Questa la ricetta riscontrabile nelle diverse tracce di Signals.

La ricetta è intrigante ma il punto debole è quello che accusano spesso realtà di pari genere: la mancanza di mordente. Non stiamo dicendo che la band debba andare alla ricerca di un singolo a tutti i costi, però all’interno di una proposta in cui il rock è diluito come la ricetta di un farmaco omeopatico la probabilità che non susciti alcun effetto è molto alta. Il nostro suggerimento è di uscire allo scoperto con ingredienti, soluzioni che caratterizzino il progetto più che annebbiarlo nel marasma dei progetti di atmospheric rock.

Autore: SundaySong	Titolo Album: Signals
Anno: 2019	Casa Discografica: Secret Entertainment
Genere musicale: Rock Psichedelico, Post-Rock, Post-Metal	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: http://www.sundaysongmusic.com/
Membri band: n.d.	Tracklist: 1. Ghosts 2. Hope 3. Mountainheart 4. Skydance 5. Firechild 6. Daughters Of The Moon 7. Death Is Clever (So Be Careful) 8. Signs Of Light 9. Beyond

NO AU – Be In

La Brianza velenosa incontra la perfida Albione. Be In, primo album di inediti della formazione brianzola NO AU, è un fantastico esempio di equilibrio e di armonia, nel quale confluiscono, come in un grande lago, molti fiumi con portata e lunghezza diverse, che, unendosi, formano un unico grande specchio d’acqua dalla superficie placida. In questo lavoro infatti, confluiscono sonorità diverse fra loro, quali wave, shoegaze, psichedelia e rock’n’roll classico. L’influenza della musica inglese è molto evidente, in particolare della scena wave/post-punk anni 80, riscontrabile soprattutto nella atmosfere più oscure e cupe create ad arte dal sintetizzatore, e della psichedelia anni 60, evidente nel sound e nel riffing acido e distorto delle chitarre. Una sintesi originale e decisamente ben riuscita, che contribuisce a rendere questo album assai godibile ed orecchiabile, ricco di spunti interessanti anche nel riffing delle chitarre. Si ha la sensazione, ascoltandolo, di essere sospesi in un limbo, di viaggiare nel tempo, attraverso i decenni, a volte ti ritrovi negli anni 60 (vedi Purple Daze con le sue sonorità psichedeliche e il riffing molto acido, così come in Horses), a volte invece prendi la macchina del tempo e ti ritrovi catapultato nei tecnologici anni 80 (Red Moth, con il suo mood più oscuro e dark).

Non mancano i momenti più introspettivi e intimi, come la ballad London Bridge. In Norwegian Wood, invece, il sound psichedelico si mischia con quelle atmosfere più black e pesanti tipiche della scena wave, creando un risultato accattivante. Saltiamo sul Magic Bus per partire alla volta di un viaggio visionario ed allucinato, in un mood surreale, stravagante, dove le barriere fra fantasia e realtà si sciolgono e dove tutto sembra possibile. Scesi dal “magic bus”, ci avviamo alla conclusione con Be In, altro brano di stampo psichedelicheggiante, caratterizzato da interessanti accelerazioni e cambi di ritmo. Come già detto prima, l’influsso della musica inglese è piuttosto evidente, e quest’album dimostra la capacità di questi ragazzi di padroneggiare linguaggi musicali diversi fra loro e di saperli unire e amalgamare, creando un mix accattivante, divertente e armonico, dove nessun elemento è disarmonico né prevale sugli altri, ma svolge la sua parte e il suo contributo, formando un insieme dal valore superiore a quello delle singole parti prese a sé stanti.

Autore: NO AU	Titolo Album: Be In
Anno: 2019	Casa Discografica: Costello’s Records
Genere musicale: New Wave, Shoegaze, Psychedelic Rock, Rock	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/NOAUband/
Membri band: Stefano Guglielmi – voce, chitarra Alessio Cirillo – basso Francesco Rondinelli – batteria	Tracklist: 1. Red Moth 2. Horses 3. Purple Daze 4. London Bridge 5. Norwegian Wood (His Bird Has Flown) 6. Magic Bus 7. Be In