Humanoira – Fedeli Alla Linea

In una scena musicale in cui la velocità con cui si partoriscono brani è divenuta ormai un diktat, è un bene che ci siano band che in 15 anni abbiano sfornato 1 EP e due album. In questa stessa scena fatta spesso di canzonette e orecchiabilità fin troppo ricercata è una fortuna che una band sia partita da filoni meno digeribili con live ispirati al teatro sperimentale. Il contesto in cui si muovono gli Humanoira è quindi tanto anti-commerciale quanto per noi motivo di fascino; certo il loro stile musicale si è evoluto e ad oggi, pur se sempre condizionato dalle idee psichedeliche delle sue menti, è divenuto un rock sofisticato ma non pesante come un peperone dopo cena. Non è un caso che siano stati scritturati dalla Seahorse Records, label nota per produzioni coraggiose e al di fuori dei soliti cliché. Noi però non ci sentiamo di inserire gli Humanoira tra le formazioni sperimentali, perché anche se con una forte ricerca lirica (nel senso di scrittura testi e interpretazione vocale), Fedeli Alla Linea include strutture rock che ben si intersecano con la scena musicale italiana, buoni effetti che regalano un sapore indie e una produzione sicuramente di livello. Non a caso i ragazzi sonno sufficientemente maturi per sapere che serve qualche pezzo con una ritmica più spinta e così arriva Acari Cari e il suo velato rock’n’roll o Musicomio che strizza l’occhio ai No Doubts di Hella Good.

Lasciate stare quindi i rimandi del titolo (CCCP), la titletrack si adagia affusolata con atmosfere lisergiche riprese poi in In Rosa E Nero e in Lavorare Con Lentezza, I Miei Passi piazza sul finire un riff hard blues di zeppeliniana memoria e dopo la folk cantautorale E Allora Senti Cosa Fo’ compare Il Re Fasullo ispirata alle gesta di Robin Hood (e non solo a lui) con un’interpretazione sicuramente coinvolgente in sede live. Solo con Punti Vita affiora l’elettronica che tanto aveva fatto innamorare i Bluvertigo, presenza sicuramente sottocutanea per gli Humanoira. Nel complesso un lavoro per nulla banale, che può piacere o meno ma che può anche lasciare interdetti per chi cerca solo enormi calorie nel nome del rock. Da ascoltare e riascoltare, scremando ciò che è più afferente ai propri gusti.

Nyl – Nyl

Direttamente dalle nebbie di un passato lontano riecco i Nyl. Passato lontano in quanto si parla di un disco registrato e distribuito nel 1976, ristampato un’unica volta (con una diversa cover) e poi dimenticato per sempre. Solo grazie allo sforzo di una piccola etichetta, la Psych Up Melodies, che ha avuto la forza e il coraggio di investire nella riscoperta, possiamo riascoltare questi brani che erano appannaggio dei pochissimi fortunati possessori del vinile originale (anch’esso mai ristampato). Un po’ di storia: tutto nasce dal progetto Cheval Fou, band franzosa influenzata un po’ dallo space rock dei Hawkwind, un po’ dalla scena kraut. Il gruppo, guidato dal chitarrista Michel Peteau, non incise praticamente nulla, solo qualche demo casalinga registrata alla meno peggio. A metà dei 70, Peteau e il batterista Stephanè Rossini formano i Nyl, super-gruppo con membri degli Ame Son e dei Magma. Il tutto sulla carta doveva promettere scintille, entrare nella storia del rock direttamente dalla porta principale.

Purtroppo la cosa non è andata così: la band registra un unico disco e finisce ben presto nel dimenticatoio, diventando anch’esso una sorta di Santo Graal per chi lo aveva ascoltato ai tempi. Oggi, avendo la possibilità, lo riascoltiamo e lo facciamo con le orecchie viziate e coccolate del 2016. Jazz rock, free, space, kraut, ma anche ballad tutto si amalgama in questo lavoro. Ovviamente le atmosfere ’70 ci sono tutte (ma va?!) con i pregi e i difetti; dalla lunga Nyl alla inutile Abery (cantateci sopra Knockin’ On Heaven’s Door, rimarrete sorpresi). La ristampa offre ben sette bonus track. Demo, brani inediti, brani scartati. Particolare la psichedelica Alex, Jaguar I e II e le versioni spoglie di Nyl. Un bel recupero.

Loveless Whizzkid – Name Improvements For Everyday Stuff

A due anni di distanza dal loro primo full length album, We Were Only Trying To Sleep, il power trio catanese si ripropone sulle scene con un nuovo EP. Il packaging del disco è già una dichiarazione di intenti presentandosi in una confezione di dimensioni adatte ad un vinile, foderata da una busta di protezione esterna trasparente che lascia in vista la psichedelica esplosione multi colorata. L’atmosfera stagnante che pervade il disco è scossa da folate di distorsioni e feedback che lasciano intravedere un panorama obliquo e variopinto. La band siciliana ha sicuramente le idee chiare sul percorso da seguire accompagnando l’ascoltatore tra visioni ed incubi psichedelici. Per fare questo si avvalgono di dettami shoegaze (in particolar modo in Trigger) affidando le loro melodie al grunge. Il risultato di tutto questo è di buon valore e di interesse assicurato per gli appassionati del genere. Purtroppo non tutti apprezzeranno l’ossessivo e caleidoscopico messaggio che non ha il respiro necessario per oltrepassare i confini delle orecchie portate a questo suono, anche se la carica metallica che riescono a trasmettere lascia a chiunque la curiosità di sapere in che quantità in sede live questa si riesca a moltiplicare.

Hexvessel – When We Are Death

Se l’abito non fa il monaco, dopo avere aperto la sontuosa confezione deluxe di questo album e data una scorsa al booklet, la band che ci troviamo di fronte non pesca dagli anni ’60 e non ci troviamo di fronte ad una band di figli dei fiori dedita alla vita nella natura. Invece, messo il CD nello stereo, ci rendiamo conto che l’immaginario visivo proposto corrisponde anche alla musica ed il famoso detto popolare, calza a pennello in questa situazione. Gli Hexvessel sono una band proveniente dalla Finlandia, fondata da un inglese ivi trasferitosi per vivere più a stretto contatto con l’ambiente selvaggio e incontaminato e che corrisponde al nome di Mathew McErney, in arte Kvohst (musicista attivissimo in svariati progetti). Dopo due album (Dawnbearer del 2011 e No Holier Temple del 2012) giunge questa terza release intitolata When We Are Death. La band pesca a piene mani dalla psichedelia e dal vintage d’antan, palesemente influenzata da Pink Floyd e Grateful Dead e da tutto il corollario musicale dei figli dei fiori che si rifaceva alla dimensione più spirituale e lisergica del periodo, sporcandola con qualcosa di moderno su cui spiccano atmosfere proprie dello space rock ripulite e rivedute alla luce del genere proposto.

Hammond e suoni vintage à gogo, con un cantato che si avvicina e che ricorda David Surkamp dei Pavlov’s Dog (molto meno dotato e con molto, ma molto meno talento). When We Are Death avvolge e risulta piacevole, facendoci compiere un salto indietro nel tempo, nonostante la band riesca a rielaborare abbastanza seriamente in chiave moderna e personale il sound antico di cui è influenzata ed imbevuta. L’unico difetto è che poi alla lunga il disco stanca e si avviluppa su tracce che sembrano trite e ritrite anche se, dobbiamo essere onesti, questo si presenta solo veramente alla fine di tutta l’opera. Gli Hexvessel propongono un bel disco ed un discorso musicale interessante anche se, in questo capitolo appena uscito, rimangono ancorati ad uno stile che si rifà davvero tantissimo al passato, nonostante i pregi di cui abbiamo scritto sopra. Alle volte sembra proprio di ascoltare qualcosa vecchio di cinquant’anni. Non è che poi sia un difetto a tutti i costi, ma nemmeno è detto poi che sia un pregio.

When We Are Death, comunque, risulta piacevole all’ascolto, sicuramente degli amanti di un certo tipo di sonorità d’antan.

Atom Made Earth – Morning Glory

Gli Atom Made Earth non hanno per nulla perso l’entusiasmo, dopo quel Border Of Human Sunset (recensito da noi a questa pagina) che li aveva presentati come band autoprodotta della sempre meno popolata scena psichedelia italiana. Ora i ragazzi tornano con un contratto discografico (la Red Sound Records) e un nuovo album composto da 7 tracce ma dalla durata inferiore; va detto che nel loro caso e per il sentiero musicale imboccato la durata non ha alcun valore, i tempi si dilatano e si accorciano in funzione dei diversi pattern, l’aria diventa irrespirabile o al contrario inesistente in funzione della singola traccia, abbandonando il concetto di riff bensì abbracciando il sapore ambient e gli effetti che sono lampi di luce in un quadro oscuro. Il percorso dei Nostri quindi non cambia, ma questo nuovo Morning Glory accetta la sfida di inserire musicalità ed effetti negli scenari cupi, li avevamo chiamato “funerei” in occasione della precedente uscita. Si tratta di un lavoro in cui il tentativo di inserire melodie trova terreno fertile tanto che chitarra, tastiere e synth si divertono di più e si esprimono più liberamente.

La metamorfosi però è vicina: October Pale è l’esempio che più avvicina gli Atom Made Earth ad una band post-rock, dopo le prime tracce molto “galleggianti”. Poi l’album prende una deriva quasi prog con ritmiche diagonali che spiazzano l’ascoltatore: è il caso di Reed che strizza leggermente l’occhio ad assetti math e ci fa tornare alla mente il rock pazzo a cui siamo molto legati. Baby Blue Honey fa schiacciare il piede sugli effetti della sei corde e apre il sipario su delle musicalità eleganti, quasi fusion, mentre Stac è la traccia che raggiunge i dieci minuti di ascolto e che mescola le varie anime della band, tutte in un’unica song; un’opera nell’opera che divaga con concretezza nel mondo per nulla banale degli Atom Made Earth. I ragazzi stanno crescendo, si stanno evolvendo e questo ci fa davvero piacere. Chissà in cosa si trasformeranno con il tempo.

Karoshi – Antera

La sperimentazione è sempre all’agguato ma spesso non è il desiderio di trovare delle ritmiche ancora non provate o degli effetti innovativi, piuttosto disegnare delle ambientazioni spaziali, creare dei brani che escano dal concetto di strofa e ritornello ma piuttosto che accompagnino l’ascoltatore in diverse immagini oniriche, ciascuna fonte di qualche emozione. Forse questa è stata una delle vie che ha spinto i grandi (Pink Floyd tra gli altri) a scrivere musica, è molto più probabile che sia stata la fonte di ispirazione dei Karoshi che si presentano con un secondo lavoro dal titolo Antera, costituito da quattro tracce. L’album si presenta compatto in quanto ad idee e concetti di fondo, il gioco (o “giuoco” come direbbero loro) è retto sia dalla parte melodia che da quella ritmica, una musica strumentale che resta fedele ai suoi generi di riferimento, più bilanciati verso la psichedelia. Si accenna ad una dose elettrica maggiore in Il Grande Vuoto ma è solo una goccia di colore in un quadro che rispecchia ben o male le stesse immagini.

Difficile capire cosa i ragazzi vogliano esprimere, anche a causa della brevità dell’uscita; pensiamo che una maggiore consistenza, non solo in termini di durata ma anche riguardo al songwriting, possa chiarire le idee.

Füsch! – Chemical Light

Ritornano su queste pagine i Füsch!, dopo la trilogia di Mont CC 9.0, da noi recensita e amata, ecco il quinto album, con nove brani psichedelici belli tosti e allucinati. In realtà questo è proprio un punto sfavorevole per il trio: dopo le visioni liquide della suddetta trilogia sinceramente ci aspettavamo un lancio in avanti, un cambiamento, insomma qualcosa che si distaccasse da quanto fino ad ora detto, purtroppo ciò non accade e il combo rimane ancorato nella baita di montagna, ove sono usi registrare i loro lavori, con tutto quello che ne consegue. Quindi non aspettatevi un cambiamento di rotta o di miglioria, il tenore è quello e si vede che ai ragazzi va bene. A dirla tutta forse ci accorgiamo di un minimo di sperimentazione sonora, ma non tale da gridare al miracolo. Oddio, ci teniamo a dire che questo non è un male, assolutamente! Solo che chi ha amato i precedenti lavori potrebbe avere noia nell’ascoltare ancora una volta gli stessi ritmi dilatati e le stesse influenze psichedeliche. Insomma si rimane delusi, diciamolo. La lenta Mantra che apre tutto il disco è il tipico paradigma dei suoni fuschiani: effetti cadenzati, voce mistica e tutto già ascoltato in precedenza.

Interessante il rock ‘n’ roll di Neptune e i due singoli Ghost Ride e Chemical Light, entrambe con peculiarità simili che possono anche ricordare i primissimi Ustamamò. Sembra una recensione negativa ma non lo è del tutto: certo, novità non ce ne sono, non scorgiamo alcun lancio in avanti, però il lavoro è come al solito pregno di atmosfere dilatate e psichedeliche che non possono non affascinare.

The Noise Figures – Aphelion

Continuiamo con il nostro binocolo ad osservare la scena dei duo project e arriviamo stavolta fino alla Grecia per una formazione che ci fa fare un salto nel passato. Parliamo dei The Noise Figures, combo fortemente ispirato dalla scena psichedelica nonostante usi una forte dose di elettricità nelle singole composizioni e sembri, grazie alle sovraincisioni, tutt’altro che un duo. Aphelion il loro biglietto da visita, quaranta minuti scarsi che picchiano sui tempi ma ancora di più sugli effetti di chitarra e grazie a riff ben incastrati scatenano il desiderio di rock e appagano anche coloro che si aspettano tanti watt da una formazione a due. Molto curati alcuni brani, come Run, breve ma che offre la sensazione di avere dinanzi a sé un quintetto, grazie anche a delle tastiere in secondo piano seppur preziose per la riuscita del tutto. Le tastiere, un aspetto che secondo noi potrebbe dare una marcia in più ai The Noise Figures: infatti synth e tastiere varie (usati però con intelligenza) potrebbero dare maggiori sfumature al loro sound e irrobustire la sezione ritmica che comunque si presenta bene in questo Aphelion.

I tempi divengono più claustrofobici nella title track, l’atmosfera si ispessisce e sembra di trovarsi in una sperimentazione a nome Radiohead, se non fosse che i pattern hanno una quadra, martellante, incessante, ma pur sempre una forma geometrica. Chitarre taglienti che piacerebbero molto a Jack White, cornici lisergiche, rimandi al passato, tutti ingredienti che si incastrano in un modo di vedere la musica che ha ancora il suo fascino. E poi arriva Blood che dà una spallata al rockabilly, una al rock’n’roll, una allo stoner e una al noise…e ti senti piacevolmente perso. Amanti dei The Doors, dei The Smiths. ma anche dei Blue Öyster Cult ma più in generale appassionati delle sonorità anni 70, fatevi avanti e scoprite questi The Noise Figures. Troverete una nuova realtà su cui puntare per i vostri ascolti futuri. Se possibile, da ascoltare assolutamente in vinile.

Lush Rimbaud – L/R

Marchigiani fuggiti all’omologazione della provincia costituita. Il resto del Mondo chiama. Lush Rimbaud risponde. Odio i paragoni e le etichette e con loro, meno che mai, sono obbligatoriamente da dimenticare anche se…anche se non faccio a meno che pensare al nuovo (ormai vecchio) capolavoro dei Mogway dal titolo 2Rave Tapes oppure alle psichedelie di chicchessia vogliate, Goblin piuttosto che Lindo Ferretti (tanto per restare in Italia). E per tratti irreversibili direi che Jan Garbarek mette il suo zampino quando i L.R. colorano di sax la moltitudine di forme liquide nel brano Never Regret. Insomma un disco che di concreto (per fortuna) ha davvero poco. Di terreno ancora meno. E come testimonia il video del singolo Marmite direi che di una facciata di pietra e cemento potremmo solo salvare i lineamenti instabili dei contorni, quelli disegnati da un gioco di luce rigorosamente a led.

Il nuovo disco di Lush Rimbaud allora diventa un’opera di sintesi quando, a paragone del loro passato, troviamo silenzi misurati e spazi aperti che non restituiscono l’ansia di volersi riempire. Aspettano con arte e mestiere, dosano i dettagli, nei suoni come nelle rarefatte melodie che di tanto in tanto piovono a restituire, all’ascolto normale, un punto d’appiglio. Lush Rimbaud in fondo sono figli di questa Italia e ancora mi spiego da cosa e dove prendono spunto per una simile rivoluzione culturale: in queste 9 tracce non trovo nulla che sia riconoscibile al nostro comun sentire, per quanto di suo colonizzato ai tempi moderni.

Era del digitale. Sarebbe interessante capire se anche “via cavo” avessero avuto tanto ardire e inventiva. Forse il mouse e il computer open source ne danno una mano importante, prima sul piano tecnico e poi su quello creativo. Di certo è che L/R resta un’opera e non un disco, resta un’immagine e non un suono. Restano sensazione fluttuanti in una distesa incalzante di visioni geometriche non riconoscibili a priori. Bel sound ragazzi. Da ascoltare con misurata cura e dedizione.