Kenyon Bunton – This Guy’s Disguised This Sky

Quando certa musica sembra lontana dai nostri ambiti si ha una certa difficoltà ad integrarsi con i messaggi che le nuove sonorità trasmettono. E’ successo anche a noi che di musica ne ascoltiamo tanta ogni giorno, quasi ogni momento potremmo dire, ma quando ci è giunto a casa l’ultimo lavoro di Kenyon Bunton, presi come eravamo da altre personali vicissitudini, abbiamo messo da parte il CD proponendoci di ascoltarlo con attenzione in un successivo momento. Quel momento poi è finalmente arrivato e ci siamo accorti che a volte gli spazi per dedicarsi all’ascolto approfondito di certe produzioni non bastano mai perché, This Guy’s Disguised This Sky di Kenyon Bunton, pubblicato a gennaio di quest’anno ed uscito a poca distanza dal bell’esordio del 2018, quel’All Planets Must Land del quale ce ne occuperemo magari in un secondo momento, merita davvero non solo di essere ascoltato ma potremmo dire assaporato virtualmente. Eh sì, perché le atmosfere create da Bunton meritano di essere considerate quali una vera e propria fusione di generi che variano tra psichedelia ed una certa “medievalità moderna”. Ma c’è dell’altro in tutto This Guy’s Disguised This Sky che non può essere in alcun modo tralasciato, ed infatti sin dalla prima traccia, Seeing Is Stealing, la chitarra assume un ruolo fondamentale perché oltre che ad essere lo strumento in prima linea si catapulta in un bel crescendo portando dietro di sé, poco alla volta, tutti gli altri strumenti per un sound che pur sembrando vicino ad un country di vecchia estrazione alla fine del pezzo richiama molto lo stile adottato dai primi Genesis, ed in egual misura, dai Jethro Tull più acustici. Comunque, al di là delle nostre considerazioni stilistiche, il pezzo ci appare ben costruito, e questo è l’evidente segno di che genere di artista abbiamo in ascolto sul piatto del giradischi.

Se non fosse poi per la linea musicale di apertura, il secondo pezzo ci sembra essere un brano estratto da una world music allo stato puro che nulla ha da invidiare a chi ha adottato questo genere nel rock; infatti Seeign Infinity è una vera e propria lirica soft che sembra essere appesa alla psichedelia folk di certi Fugs d’altri tempi. Insomma una vera e propria chicca, così come tutto l’album che stiamo ascoltando con notevole piacere. Pass The Salt tende a mantenersi sulla stessa onda media con atmosfere lisergiche che danno la sensazione di un viaggio in lande deserte grazie a quella chitarra acustica che è davvero un piacere ascoltare. Il successivo passaggio, quello di The Sky Ain’t Blue, apre ad un rock di matrice C.S.N.&Y. che non disdegna a questo punto un disco che si sta rivelando più che piacevole, insomma una vera e propria novità che sembrava avessimo dimenticato. Il pezzo che dà il titolo all’album non poteva non giungere in questo momento per stemperare quella musicalità fin qui proposta da Kenyon Bunton, ma il suo essere vicino a certi movimenti fa sì che This Guy’s Disguised This Sky diventa un vero e proprio viaggio che ci ricorda certe sperimentazioni alla Lino Capra Vaccina che ben conosciamo. L’artista prog più compiuto lo troviamo in The End Of A Superhero che gioca superbamente fra strumenti e voce con un mantenimento della musicalità prog che diventa quasi pura poesia. Una traccia consistente davvero questa, tanto da meritarsi l’appellativo di probabile miglior solco, ma lascio a voi qui decidere, perché, come sempre, l’ascolto di un disco è sempre del tutto personale.

Con Waiting For A Train si ritorna alle atmosfere soffici che tanto ci hanno ammaliato sin dall’inizio di questo This Guy’s Disguised This Sky, atmosfere che navigano tra psichedelia e ballate capaci di inglobare suoni quasi da space rock. Ed è in questo pezzo che il pianoforte e la chitarra giocano quel ruolo fondamentale che fa di questo disco una piacevolissima sorpresa. Summer Song, dall’apertura al Neil Young elettrico prima èra, mi stimola a ritornare all’ascolto di un vecchio disco del songwriter americano, After The Gold Rush, uno dei miei preferiti. Ma è uno stimolo che provvederò a soddisfare dopo la chiusura di This Guy’s Disguised This Sky, affidata a Waiting In The Rain che dimostra quanto davvero valido sia questo lavoro di Kenyon Bunton, una produzione dove l’artista sembra abbia voluto continuare a dimostrare di che pasta è fatto. E se quanto trapelato corrisponde al vero, quest’anno attendiamo da Kenyon Bunton una produzione live ed un ulteriore terzo CD di nuove proposte che non lascerà di certo insoddisfatti chi lo segue da sempre. Finora abbiamo avuto certezze…per la garanzia aspettiamo il prossimo.

Autore: Kenyon Bunton	Titolo Album: This Guy’s Disguised This Sky
Anno: 2019	Casa Discografica: Standardtunarecords
Genere musicale: Progressive Rock, Space Rock, Cantautorato, Psichedelia	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/standard.tuna.90
Membri band: Kenyon Bunton – voce, chitarra Ackley Stephen Alder – chitarra Richard Harris – basso Joanne Johannsson – tastiere, piano Donk – percussioni	Tracklist: 1. Seeing Is Stealing 2. Seeing Infinity 3. Pass The Salt 4. The Sky Ain’t Blue 5. This Guy’s Disguised This Sky 6. The End Of A Superhero 7. Waiting For A Train 8. Summer Song 10. Waiting In The Rain

Ananda Mida – Cathodnatius

Tornano gli Ananda Mida, il cui esordio discografico dal titolo Anodnatius (trattato da noi a questa pagina) ci suona ancora nelle orecchie. Un lavoro dai suoni legati al passato ma da un sapore psichedelico senza tempo. E il loro ritorno non fa di certo rimpiangere quel lavoro, infatti l’opener di questo Cathodnatius apre il sipario su un certo prog rock di richiamo UK con una matrice di base su cui poi il viaggio prende forma. I Nostri si muovono comunque perfettamente nello scenario psichedelico, non di quello strumentale e introspettivo, bensì la psichedelia elegante e futuristica, onirica e spessa di gusto musicale. Blank Stare è il passaggio veloce, con una ritmica più incisiva su cui le linee vocali di Conny Ochs si incrociano alla perfezione e interpretano molto bene il brano; le tastiere ci rimandano ad un passato lontano, quasi riminiscenze space rock perché è questo il vero terreno fertile su cui si muovono gli AM. Stupisce Out Of The Blue, un pezzo acustico dall’intensità davvero difficile da riscontrare in brani pubblicati ultimamente, vagamente Rolling Stones, parzialmente folk, spiazza chi si aspettava effetti a non finire anche in questa traccia di tre minuti precisi.

Gli schemi si ripetono in parte rispetto al precedente album Anodnatius ma questa ripetizione fa assolutamente piacere perché le idee di questo progetto ci colpiscono molto; cambia la struttura della tracklist, composta da brani a due a due in quanto a durata, fino ad arrivare alla lunga suite Doom And The Medicine Man. 22 minuti che partono con un incedere lentissimo dal sapore pinkfloidiano indiscutibile e non accennano accelerazioni di sorta, piuttosto si intessono, nel tempo e nello spazio si evolvono, mostrando un songwriting di livello internazionale. Ricordi intensi dei Blue Öyster Cult, è lì secondo noi che si va a pescare ma i ragazzi riescono a vestire quel sound di attuale e saporito anche ormai nel 2019, e questa è una capacità assolutamente rara. Lavoro davvero interessante.

Autore: Ananda Mida	Titolo Album: Cathodnatius
Anno: 2019	Casa Discografica: Go Down Records
Genere musicale: Psychedelic Rock	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: http://anandamidaband.bandcamp.com
Membri band: Davide Bressan – basso Max Ear – batteria Conny Ochs – voce, percussioni Matteo Pablo Scolaro – chitarra Alessandro Tedesco – chitarra, percussioni	Tracklist: 1. The Pilot 2. Blank Stare 3. Pupo Cupo 4. Out Of The Blue 5. Doom And The Medicine Man I. Towers And Holes II. Opening Hours III. Rude Awakening IV. The Medicine Man Is Looking For A Cure

Prins Obi & The Dream Warriors – Prins Obi & The Dream Warriors

Prins Obi & The Dream Warriors è in realtà il debutto del supergruppo greco, per l’esattezza ateniese, dedito all’underground le cui matrici greche si sentono eccome, ma è anche il terzo lavoro solista di Prins Obi che giunge dopo il bel The Age Of Tourlou. Prins Obi, si lascia accompagnare in questo viaggio dai The Dream Warriors, esorcizzando tutta una serie di demoni che sembrano comporre l’ossatura musicale di questa produzione che giunge quasi al termine dello scorso anno. Ed è questo loro esercizio propiziatorio a riportarli su sponde dove glam ed hard rock si incontrano anche su terreni prettamente psichedelici anche se di matrice tipicamente ellenica. La musica proposta da Prins Obi & The Dream Warriors, altro progetto di George Dimakis il frontman dei Bby Guru, sembra muoversi tra il sound psichedelico dei Pink Floyd, qualche passaggio stile T.Rex – che non disdegna mai – e quel suono underground fresco e piacevole che coinvolge anche chi non ne vuole essere implicato. Apparentemente, Prins Obi & The Dream Warriors si presenta come un album tosto e sincero, ma degno di esser menzionato per l’assoluta sincerità che emana, una sincerità musicale che prosegue le linee intraprese in Love Songs For Instant Success del 2013, Notions del 2014 e The Age Of Tourlou del 2017.

Ma entriamo un po’ più a fondo per capire con chi abbiamo a che fare: Prins Obi è il moniker di Georgios Dimakis, musicista e membro dei Bay Guru con cui ha pubblicato quattro album e cinque EP digitali che hanno condotto il nostro a maturare una certa esperienza che trasferisce in questa esperienza con i Dream Warriors. L’apertura di Prins Obi & The Dream Warriors è affidata a Concentration che propone un rock influenzato da quel pop anglosassone che per nostra fortuna apre le porte ad una delle più belle canzoni rock che ci è capitato di ascoltare in questi ultimi tempi, Flower Child, forse perché ha forti richiami a quel rock tutto glaciale della madre terra svedese. Qui, in questo brano, la presenza di una ritmica marcata, integrata da un basso essenziale, trascinano poi in Negative People / Άμοιρε Άνθρωπε che è un pezzo capace di emanare un ipnotismo unico e pregevole. Il successivo passaggio, quello che ci viene proposto con Astral Lady Blues, è un rock blues di buona fattura, energico quanto basta a richiamare vecchie atmosfere dove gli “scarafaggi” erano padroni assoluti. Δίνη è invece il pezzo che ci piace di più forse perché amiamo le contaminazioni ed è qui con la lingua greca che trascina in un bel psychedelic pop e le contaminazioni diventano realtà.

Ma i brani che giungono successivamente, quali Sally Jupinero e Guilty Pleasure Theme sono quelli che hanno un sapore differente rispetto agli altri perché capaci di richiamare certi vecchi moventi musicali tipici dei grandi Doors, senza però disdegnare l’hard rock più tradizionale. Tocca poi ad una breve sezione musicale, che ci viene proposta con For Absent Friends, emulare certo progressive canterburyano che diventa anche incipit di apertura al pezzo conclusivo, Wide Open, bella ballata stile Cohen che non disegna per nulla quale chiusura a questo omonimo Prins Obi & The Dream Warriors. Insomma qui sembra proprio di trovarsi di fronte alla nascita di un soggetto tutto nuovo, del quale ne sentiremo spesso parlare. Tra l’altro Prins Obi & The Dream Warriors sono la conferma di quanto la nuova musica rock, per meglio adattarsi ai nostri tempi, ama sempre più contaminare e contaminarsi di quei linguaggi per i quali, ad esempio, il Salento ne è stato un precursore (tanto per citarne uno quello di Phil Manzanera, ex Roxy Music e grande produttore pinkfloydiano, o Anna Phoebe violinista londinese della Trans Siberian Orchestra).

Autore: Prins Obi & The Dream Warriors	Titolo Album: Prins Obi & The Dream Warriors
Anno: 2018	Casa Discografica: Inner Ear Records
Genere musicale: Psichedelia, Glam	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/prinsobiproject
Membri band: Georgios Dimakis – voce, piano, synth Pantelis Karasevdas – batteria, percussioni Sergios Voudris – basso, chitarra Kwstas Red Hood – percussioni Chris Bekiris – chitarra	Tracklist: 1. Concentration 2. Flower Child (Reprise) 3. Negative People / Άμοιρε Άνθρωπε 4. Astral Lady Blues 5. Fingers 6. Δίνη 7. Αδαμάντινα Φτερά 8. Sally Jupinero 9. Guilty Pleasure Theme 10. For Absent Friends 11. Wide Open

Ground Control – Untied

Due anni fa nascevano i Ground Control, un progetto rock che ha optato per un nome molto comune sia nella scena musicale che fuori da essa. A scanso di equivoci specifichiamo subito che non si tratta dei Ground Control che anni fa proponevano thrash metal e di cui avevamo parlato a questa pagina. Si tratta di una formazione nuova di zecca che è uscita da pochissimo con il debut album Untied. Il loro è uno rock che combatte un’eterna lotta, da una parte con la ritmica che cerca di accelerare e di puntare ad una costruzione veloce, dall’altra con le influenze psichedeliche che diluiscono i tempi e puntano ad un’idea di musica più intima. Domani È Un Posto Freddo è l’esempio dell’animo più psichedelico della formazione, lo stesso profilo musicale che li ha legati a David Bowie e che li ha spinti a coverizzare Absolute Beginners, ovviamente non arrivando all’impatto emotivo con la versione originale. A noi piace Untied The Horses: è qui che le due anime prima descritte dalla band raggiungono l’apice. La sezione ritmica crea la cornice solida e prestigiosa in cui testi in italiano ed in inglese nonché la chitarra (complici anche effetti azzeccati) si muovono con destrezza creando un momento degno di nota. Poi arriva il rock blues che prende il nome di First Fire e ci coinvolge dal piede che si muove a tempo alla nuca che non sembra volersi fermare.

Altro brano che ha mordente e che lascia segni al proprio passaggio è Utube Killed The Video Star: a parte essere un’affascinante (mezza) citazione che conquista fin dal titolo, possiede delle strofe ben costruite e un messaggio di critica che si lascia apprezzare. Untied è un album non privo di pecche, la produzione andrebbe sicuramente migliorata e oltre ai suoni dimostra in diversi punti di essere comunque un debut album, ma il percorso imboccato dalla band a parer nostro è quello giusto. Le tracce hanno un grosso potenziale in sede live e la band ha qualcosa da dire, ottimi presupposti per sfondare.

Autore: Ground Control	Titolo Album: Untied
Anno: 2018	Casa Discografica: CameHouse RC
Genere musicale: Rock Psichedelico	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: http://www.groundcontrolstoner.it
Membri band: Marco Ravasini – voce Pietro Albera – batteria Marco Camorani – chitarra Jambo Iori – basso	Tracklist: 1. Kaputt Mundi 2. Major 3. Utube Killed The Video Star 4. Domani È Un Posto Freddo 5. Untied The Horses 6. First Fire 7. Italiani Brava Gente 8. Absolute Beginners 9. Il Giorno Mi Consuma

Palmer Generator – Natura

Non è trascorso molto tempo da Discipline (di cui avevamo parlato a questa pagina) e la famiglia Palmieri è pronta a pubblicare il nuovo album dal titolo Natura. L’approccio che viene seguito in questo nuovo lavoro è quello della sperimentazione: lo dimostra ad esempio la lunga parte centrale dell’opener che si poggia su un arpeggio di chitarra e su effetti che si accavallano ma che restano ai margini della composizione e che non aggiungono molto, spessore che arriva solo con i controtempi successivi della batteria. Stesso discorso per Natura 2, oltre 7 minuti di musica che si muovono sulle medesime coordinate dove sfumature ed effetti caratterizzano i singoli passaggi su una matrice standard per l’intero brano (fatto salvo l’ultimo minuto e mezzo). Corposità zero piuttosto evanescenze, pattern pochissimi piuttosto suoni. Certo, non ci sono linee vocali come non ci sono mai state nella musica dei Palmer Generator, ma si segue (anche in questo album) un approccio figlio del post-metal e post-rock, reso più particolare da un forte alone di psichedelia, che talvolta finisce per rendere i brani davvero troppo lunghi (Natura è composto da 4 brani per una durata totale di 38 minuti).

Addirittura in Natura 3 si arriva alla musica ambient, l’approccio heavy psych perde il suo aspetto a vantaggio dell’avantgarde musicale. Il trio per certi versi restringe la propria “nicchia di mercato”, per cultori di questi suoni, ricercatori sonori, per chi mastica la psichedelia settantiana in una veste moderna in cui non c’è rock o metal che tenga ma solo sinuose danze che vagano nello spazio.

Autore: Palmer Generator	Titolo Album: Natura
Anno: 2018	Casa Discografica: Bloodysound Fucktory, Brigadisco Records
Genere musicale: Psichedelia, Post-Rock, Heavy Psych	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: http://palmergenerator.blogspot.it
Membri band: Tommaso Palmieri – chitarra Michele Palmieri – basso Mattia Palmieri – batteria	Tracklist: Natura 1 Natura 2 Natura 3 Natura 4

Ropsten – Eerie

Ci si chiede spesso quale possa essere il suono del rock del futuro. E’ una domanda che ci poniamo ogni volta che ascoltiamo un album che pesca dal passato, perché non è detto che proprio da lì non vengano pescate alcune soluzioni e riproposte in maniera diversa. Non è un caso che effetti, riff, soluzioni in fase di produzione siano ripescati e riutilizzati a iosa non solo dal mondo emergente ma anche da quello mainstream, in tutti i generi musicali. Eernie, il primo vero full-lenght dei Ropsen dopo due EP, può essere considerato un album del futuro. Il sapore psichedelico e la forte cornice space rock in cui è stato costruito l’album si combaciano alla perfezione con una ritmica incessante e una quadratura del cerchio fortemente rock; il resto lo fanno gli arrangiamenti e gli effetti alla sei corde che spesso diluiscono i suoni e rendono più fascinosa la proposta avvicinandola, in alcuni tratti, a soluzioni post-rock. Ci piacciono i pattern stoppati in Grandma’s Computer Games, un brano che tra l’altro mette in scena un crescendo elettrico-elettronico ad alto quantitativo di ottani, dal retrogusto psycho western ma che sicuramente riscalda gli animi se provato in sede live; Kraut Parade è un pezzo imprescindibilmente rock, incalzante e che con la sua velocità avvicinerà chi è in cerca di accelerazioni e riff, anche se a noi affascina maggiormente Brain Milkshake con un basso e chitarra che fanno da contrasto per poi ricontrarsi nel (simil) ritornello e far lievitare le palpitazioni.

D’altro canto però il costrutto esclusivamente strumentale spesso appesantisce i brani, i sei minuti di Globophobia ad esempio sembrano molti di più, anche perché si poggiano su una sezione ritmica portante che varia poco, lasciando il resto agli strumenti, per così dire, melodici. Coraggiosa la proposta, apprezziamo che non si cade in una sperimentazione inconcludente ma probabilmente è necessario mettere più carne sul fuoco e offrire quella consistenza ai brani per evitare di farli sembrare annacquati ed estremamente lunghi.

Autore: Ropsten	Titolo Album: Eerie
Anno: 2018	Casa Discografica: Seahorse Recordings
Genere musicale: Space Rock, Post-Rock, Psichedelia	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: https://soundcloud.com/ropsten-1/
Membri band: Simone Puppato – chitarra, tastiere Claudio Torresan – chitarra, effetti, tastiere Leonardo Facchin – basso, tastiere Enrico Basso – batteria	Tracklist: Y. L. L. A. Grandma’s Computer Games Globophobia Batesville Kraut Parade Brain Milkshake 180 MmHg

Kevin Ayes – Joy Of A Toy

Joy Of A Toy, album di Kevin Ayers del 1969, è un disco piacevole, oseremmo dire quasi pigro. E non c’è male per l’esordio solista di una delle menti più raffinate del psychedelic rock considerati anche i nomi dei musicisti di cui si circonda per realizzarlo. Primo album da solista dopo la fuoriuscita dai Soft Machine, Ayers concretizza un lavoro dove la creatività esplode in tutta la sua consistenza riuscendo, tra l’altro, ad ottenerne un controllo inusuale su tutto il percorso che porterà a realizzare Joy Of A Toy. Certo a ciò ha contributo anche la presenza di David Bedford nelle vesti di arrangiatore, così come di Paul Buckmaster conosciuto dai più per aver arrangiato molti brani di artisti famosi tra i quali si ricorda, in particolare, Space Oddity di David Bowie; insomma una molteplicità di artisti che hanno contributo a sviluppare l’idea iniziale che Kevin Ayers aveva di questo suo primo lavoro da solista che è diventato una vera e propria pietra miliare della scena di Canterbury. Joy Of A Toy sembra essere una macchina capace di viaggiare nel tempo, la musica che si fonde in un unicum con le parole ed anticipa i tempi che verranno. Sin dalla copertina Joy Of A Toy lascia intravedere quanto è predestinato ad accadere nei solchi: la psichedelia si fa arte e l’arte si fa realtà già dal primo pezzo, quel Joy Of A Toy Continued che sembra essere l’unione tra il passato e il presente di Ayers, una specie di marcia senza nessuna pretesa tranne quella di trovarsi nel bel mezzo di un gioco. Il violoncello poi presente in molte partiture, fa pensare ad una sorta di unione con quel classicismo cui sono legati alcuni degli ospiti del disco i quali danno il proprio contributo nell’allestire un lavoro capace di rendere la scena di Canterbury oltre che divertente anche entusiasmante.

D’altronde il talento qui non si discute, e non solo quello di Ayers; ma se riflettiamo attentamente capiamo subito quanto Joy Of A Toy sia quell’album che è una logica prosecuzione dei capolavori dei primi Soft Machine anhe se, qui, Ayers mostra appieno come la sua creatività non abbia limiti, capace com’è di spaziare anche oltre la propria appartenenza alla soffice macchina. Infatti in Joy Of A Toy le influenze allegre e scanzonate di Sgt. Peppers ad esempio non mancano, così come non mancano in The Clarietta Rag altro pezzo di influenza beatlesiana, ma così come accade anche con l’ultimo pezzo che chiude il primo lavoro solista di Ayers, Oleh Oleh Bandu Bandong. Probabilmente nelle intenzioni di Ayers, Joy Of A Toy doveva essere solo una piacevole collezione di brani, nessun legame con le suite progressive dovevano essere di ispirazione, e se queste sono state le sue idee va detto che Ayers è riuscito nell’intento perché, al di là di piccolissimi passaggi, tutto il lavoro è sublime e come dicevamo all’inizio piacevole all’ascolto. I nostalgici, probabilmente, avranno da ridire sull’abbandono di Ayers dai Soft Machine, ma è comunque lampante che il suo lavoro da solista possedeva concezioni ben diverse da come il pubblico era abituato a vederlo con i Soft. E poi, i Soft andavano ormai verso una concezione musicale che li avrebbe avvicinati di più al jazz mentre la sensibilità di Ayers qui cambia profondamente, l’approccio è molto più vicino alla vita in generale ed alle composizioni personali e lo confermeranno i successivi album. Joy Of A Toy è davvero l’album di Kevin Ayers e lo confermano pezzi come la grandiosa Lady Rachel, la stessa Clarietta Rag, la bella e sognante Girl On A Swing, la malinconica Song For Insane Times e la rievocativa All This Crazy Gift.

Chi ha spesso letto le mie recensioni sa bene quanto amore nutra nei confronti di un artista che, tra alti e bassi nella carriera, ha segnato la storia del rock e, probabilmente non sarà ciò a limitarmi nelle considerazioni, ma Kevin Ayers potremmo paragonarlo a Lou Reed anche se qui a farla da padrone assoluto è quel psychedelic rock ben lontano dalle acide composizioni dei Velvet Underground che, guarda caso, sono state per lo più fatte proprio da Lou Reed. Joy Of A Toy è un disco dove gli stili variano da brano a brano navigando dal progressive tipico di Canterbury alla psichedelia con pennellate di un certo rock barocco che può e non può piacere, insomma un disco raffinato anche se con qualche sbavatura. Con questo disco e con i lavori che verranno, Kevin Ayers diventa un punto di riferimento fondamentale nel mondo del pop sperimentale e lo sarà fino alla sua morte avvenuta il 18 febbraio 2013. Ayers è ancora oggi l’artista che suscita stupore in chi lo ascolta ma è anche l’uomo carismatico che, con la sua innata semplicità, ha contributo a creare quella leggenda che va sotto il nome di “Canterbury Scene” e di tutta la musica che verrà dopo. Joy Of A Toy resterà sempre il miglior lavoro di Ayers, un disco che ostenta umiltà ed ingenuità, un disco che è anche una lezione per chi compone musica, e già, perché la musica è piacevole quando non è artefatta ma semplice, lineare, quando viene dal di dentro e non quando è arricchita di tutti quei campionamenti e sovraincisioni da mille e una notte.

Il consiglio che possiamo darvi dopo che avrete letto questa recensione? Prendete Joy Of A Toy, mettetelo sul piatto, ascoltatelo ed attendete che la poesia si impadronisca di voi. E non pensate a chi in quel momento vi sta chiamando, lasciate che vi chiami.

Autore: Kevin Ayes	Titolo Album: Joy Of A Toy
Anno: 1969	Casa Discografica: Harvest Records
Genere musicale: Rock, Psichedelia	Voto: 9
Tipo: CD	Sito web: http://www.kevin-ayers.com
Membri band: Kevin Ayers – chitarra, basso, canto Robert Wyatt – batteria David Bedford – pianoforte, mellotron, arrangiamenti Mike Ratledge – organo Hugh Hopper – basso in Joy Of A Toy Continued e Song For Insane Times Paul Buckmaster – violoncello Rob Tait – batteria in Stop This Train (Again Doing It) e Oleh Oleh Bandu Bandong Paul Minns – oboe	Tracklist: Joy Of A Toy Continued Town Feeling The Clarietta Rag Girl On A Swing Song For Insane Times Stop This Train (Again Doing It) Eleanor’s Cake (Which Ate Her) The Lady Rachel Oleh Oleh Bandu Bandong All This Crazy Gift Of Time

The Noise Figures – Telepath

Li avevamo conosciuti con Aphelion di cui avevamo parlato a questa pagina, ma sono tornati con un nuovo album: i The Noise Figures presentano al mondo del rock Telepath. Rock, perché è di questo che si tratta, il duo innanzitutto punta al rock e gli inserti psichedelici qui si fanno ancora più marginali. Ritmica e riff prendono il sopravvento e a scapocciare ci vuole un attimo: strutture semplici dei brani, pezzi che spesso entrano in mente al primo ascolto ma che presentano anche delle buone attenzioni rivolte ad arrangiamenti ed effetti (come in Stay Forever Child). Per impostazione e suoni troviamo delle similitudini con i Black Keys come nella ritmata e radiofonica Strange Mediumd Child, una canzone in cui la ripetizione forse è portata un po’ ai limiti del sostenibile però il ritmo coinvolgente appiana tutti i mali. Ascoltare la personalità del suono della chitarra ci fa veramente tornare agli anni 70 come se nel mezzo non ci sia stato nulla: la genuinità dei riff di Out Of Touch sono “la testa” mentre il rock’n’roll di momenti come Healing Light sono “la croce” di una moneta, quella dei The Noise Figures, che non ha prezzo, non ha valuta e non ha tempo. Nelle tracce finali il ritmo viene messo un po’ da parte e l’animo psichedelico del duo torna a galla, anche questo è un profilo di spessore per lo stile della band.

Veloci?! Non eccessivamente, ma il giusto. Rock, decisamente. Metal, per nulla. Una ricetta musicale che va avanti come un treno e che nella loro mente (e nella nostra) è tanto semplice quanto intensa. Le linee vocali sembrano strizzare l’occhio ad un certo brit rock d’oltre Manica ma è qualcosa che non distoglie dall’animo rock del duo, un progetto che se fosse italiano avrebbe un seguito importante e diverse etichette indipendenti a far loro il filo.

Autore: The Noise Figures	Titolo Album: Telepath
Anno: 2018	Casa Discografica: Inner Ear Records
Genere musicale: Rock, Psichedelia	Voto: 7,25
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/thenoisefigures
Membri band: George Nikas – voce, batteria, percussioni Stamos Bamparis – chitarra, voce	Tracklist: Taste Like Time Strange Medium Child Stay Forever Young Out Of Touch Healing Light Telepath Hypnotized Lethargy Never Sleep Glow Electric