Birth Of Joy – Live At Ubu

L’ascolto di Live At Ubu è come fare un giro fuoristrada con un veicolo a 4 ruote motrici. Enormemente soddisfacente e piacevole, al momento, con l’effetto collaterale di lasciare una sensazione un po’ sporca in seguito. In effetti, questa alchimia mista di punk e grunge, capitanata da tipi hippy eccessivamente irsuti, sarebbe perfettamente a casa nel bel mezzo di Woodstock. Fat Fish invoca stuzzicanti sentori del grande Jimi Hendrix, in Code Red è facile sentire riecheggiare distintamente i Black Sabbath, Motel Money A Way sembra aver preso la sua influenza dal classico On The Road Again dei Canned Heat. Con questo live disco i Birth Of Joy confermano la loro grande potenza espressiva in sede live, fondata sulla mirabile sezione ritmica creata da Gertjan Gutman, vera spina dorsale del gruppo che ha il pregio di ancorare la band ai giorni nostri grazie alla sua interpretazione dell’organo Hammond.

Il bello ed il brutto del primo dei due CD sta in quella tensione che porta ad ascoltare l’album per confrontare parti di esso con quelle di altre band. Un tocco di Public Image Ltd qui, un pizzico di Refused lì, una spolverata di Kyuss/Queens Of The Stone Age da qualche altra parte. Il tutto condito sapientemente con influenze tipiche del prog rock anni ’70. Nella seconda metà di Live At Ubu sale sul palco quella Jam-Feeling, peculiare della band, e che inizialmente è venuta a mancare. Dead Being Alive, Monster e Mad Men sono tutte tracce che un amante del 70’s-rock dovrebbe ascoltare.

Album acido che appassionerà a scatola chiusa gli amanti del classic rock e coinvolgerà anche altri appassionati di sonorità dirette e risolute, sempre che non si sia alla ricerca di novità o sperimentazioni, in questo caso forse conviene bussare ad altre porte.

Witchfield – Sabbatai Zevi

Gli Witchfield sono il progetto di Thomas Hand Chaste, batterista storico della scena rock italiana. Negli anni ’80 fece parte dei Death SS e, successivamente, dopo la scissione di Paul Chain dalla band di Steve Sylvester, seguì il primo nel progetto dei Paul Chain Violet Theatre, band seminale per la nostra scena musicale sperimentale. La band del Nostro torna dopo il lontano esordio del 2009 che si intitolava Sleepless con questo nuovo lavoro, Sabbatai Zevi. Un disco sperimentale che mischia un doom grezzo e potente, con chitarre cavernose ed oscure, a pezzi di pura psichedelia ed a salti temporali che sembrano portarci direttamente agli anni ’60, sia per quanto riguarda lo stile che gli arrangiamenti.

L’album in questione spiazza per la creatività che sprigiona, per le atmosfere che crea e non è assolutamente di facile fruizione, soprattutto se lo si ascolta in maniera distratta e superficiale o solamente per una volta. Ci sono talmente tante idee e tante influenze rielaborate che il coinvolgimento diventa totale e difficilmente si riesce a staccarsene. Ci sono pezzi come Continent che sembrano uscire direttamente dalla mente del mastermind degli Ash Ra Tempel Manuel Göttsching, mentre altri sono caratterizzati da chitarre doom grezze e tenebrose, mischiate però ad altri strumenti che rendono il tutto un risultato inaspettato e sempre stupefacente. Make Up Your Mind, cover del gruppo progressive d’oltremanica Quatermass, é un salto diretto agli anni ’60 e a quel rock che caratterizzava la scena inglese. Una canzone incredibile, con un intermezzo strumentale lungo che evoca danze lisergiche e jam che si potevano gustare live solo in quegli anni e che, a discrezione dei musicisti, potevano durare diversi minuti. La voce di Tiziana Redis è sempre ottima e suadente nei due pezzi in cui canta, Continent e Falling Star.

Difficile descrivere a parole Sabbatai Zevi dei Witchfield. Un ottimo album consigliatissimo a chi ama le sperimentazioni e cerca qualcosa di originale e diverso. Inoltre, se infilerete il supporto nel vostro PC, sarete accolti da una bella sorpresa…

The Liar Trump – Colours

Che la musica avesse a che fare con i colori già ce lo mostrava Fantasia, capolavoro targato Walt Disney, AD 1940, dove, particolarmente in una sequenza, se non per tutta la durata del film, le sensazioni uditive create dalla musica venivano unite allo spettacolo sensoriale dei colori e dei cartoni animati. Colours degli spezzini The Liar Trump è un concept che si basa proprio su questa idea: ogni canzone evoca una sfumatura di colori che ogni ascoltatore è libero di associare a suo piacimento ed a seconda delle emozioni suscitate dall’ascolto. Noi semplicemente pensiamo che il concetto sia di per sé scontato ma, nella società di oggi, dove la musica viene vissuta in maniera bulimica e superficiale, senza porvi la giusta attenzione, è molto intelligente un progetto che ponga le persone ed i fruitori di fronte a questo tema. Forse siamo solo noi che ci approcciamo in maniera profonda al mondo delle sette note (o dodici, se siete discepoli di Schönberg) ad associare automaticamente colori, emozioni e situazioni a determinati album o canzoni.

Comunque sia, Colours, è fatto di tanto sano rock che manifesta profondamente un debito sonoro verso gli anni ’70, in maniera completamente aperta o più velata, in quei pezzi dove viene metabolizzato e reinterpretato attualizzandolo senza snaturarlo. Il tutto condito da molta e molti passaggi psichedelici che creano un’atmosfera che ci fa tornare indietro nel passato. Senza dubbio, un bell’esordio. Ed una band da tenere d’occhio.

Naam, White Hills, Black Rainbow, The Flying Eyes

4 band per 7 brani e 2 anime: Naam, White Hills, Black Rainbow, The Flying Eyes tra la duplice anima (elettronica/rock) della psichedelia. L’album (che prende il nome dei quattro gruppi) inizia con una reinterpretazione di Skyscraper, omonimo pezzo dei Naam: ritmi elettronici e croccanti rombi si miscelano dando vita ad un essere pesante e maestoso al quale portare rispetto. Un cacciatore di titanio che intraprende una lunga passeggiata claudicante in cerca della sua preda. Il brano successivo, Thickening Web, acquista maggior precisione e cura d’esecuzione con un pizzico di innato sadismo: il synth e i cupi rombi elettrici, in questo frangente, sono i padroni della notte. Sembra quasi che il protagonista del brano stia preparando con millimetrica cura e fredda follia le trappole per poter catturare la sua preda. Ad un certo punto inizia la corsa con They’ve Got Blood…Like You’ve Got Blood in cui il ritmo cresce senza essere seguito dal suono: si sentono in lontananza i sordi tonfi degli scarponi sulla terra battuta. Gli scricchiolii dei rami spezzati dall’agile affanno della preda. L’enfasi sonora tende sempre più ad aumentare anche con Viper Tongue: un climax ascendente in cui batteria, chitarra elettrica e urla sfocate si rincorrono e si alternano.

Con il brano successivo (Minda Monster Galaxy Message) si conferma la doppia anima dell’intero album: dalla deep elettronica all’alternative rock, ambient annesso. Il ritmo si affievolisce. Non altrettanto l’enfasi data dalla somma dei brani che, anzi, tende ad aumentare d’intensità. Golden Grey finalmente risveglia la chitarra elettrica. Si sveglia e ci sveglia con i suoi melodiosi ruggiti graffiati, quasi tendente ad una psichedelia stile Steppenwolf. Psichedelia consolidata dal successivo e ultimo brano, Evil Little Leslie: un concentrato di rock, voci riverberate e sensualità trasmessa alla perfezione dall’andamento della batteria che alterna sinuose movenze a repentine esplosioni. 4 band che eseguono 7 brani per esplicare un genere musicale e la sua duplice natura: in questo caso la psichedelia nella sua versione elettronica e rock. Due versioni speculari, non sovrapponibili vicendevolmente, ma non altrettanto con la stessa psichedelia. Un lavoro nuovo, curioso, completo e piacevolmente fruibile.

Annot Rhül – Leviathan

Il mondo della musica sperimentale è un territorio in cui è importante muoversi in maniera cauti. Il confine tra lo sviluppo e la dissoluzione artistica è molto labile e nella maggior parte dei casi è difficile solo individuarlo. Gli Annot Rhül, progetto solista dell’omonimo musicista, realizzano un album intricato anche se scelgono il semplice titolo Leviathan. Il risultato vuole mettere timore: dall’artwork alle ambientazioni compare una costante ricerca di oscurità arricchita da effetti e strumenti diversi. È quindi il buon esempio di colonna sonora per film horror (come spesso accade per album di questo genere) anche se a nostro parere trova miglior vita se ascoltato a sé stante, visto che spesso entrano in gioco ritmi e impatti lontani dalla pellicola cinematografica (come sul finire della Leviathan Suite dove i tempi si accelerano). I rimandi alla scena progressive settantiana sono chiari (Emerson, Lake and Palmer su tutti) anche se gli insegnamenti prog fanno da ramificazione ad un tronco fondamentalmente psichedelico; chiaramente in una proposta musicale come questa le linee vocali sono ridotte all’osso perché è tutto il resto che deve servire per dare sostanza.

Classico esempio di musica che cerca di portare in un’altra dimensione l’ascoltatore (obiettivo tra l’altro dichiarato dallo stesso ideatore), va riconosciuto che non vi è una eccessiva ricerca della tecnica, piuttosto un’attenzione del lato compositivo e dell’inserimento dei corretti (e particolari) suoni. Quindi vanno apprezzate le doti di inventiva di chi è dietro a Leviathan, anche se l’effetto finale è inconsistente: il brano più breve e sulla carta più assimilabile, Distant Star, ci dice poco e anche le due lunghe suite non catturano la nostra attenzione, se non in occasione di piccoli interessanti passaggi. Dopo il passaggio di Leviathan poco ci resta nelle mani.

Push Button Gently – Uru

Nati nel 2006 come progetto sperimentale incentrato unicamente sulla improvvisazione, i Push Button Gently diventano vera e propria band solo nel 2009 quando abbandonano la sala di registrazione, fino a quel momento unica “tana” della band comasca, per tentare l’avventura live. Dopo due album live (non si contano le registrazioni sperimentali sino ad ora inedite) ecco un nuovo EP, preludio a nuovo album in uscita entro l’anno. EP è una parola limitativa, abbiamo ben nove brani quindi possiamo definirlo tranquillamente mini-album. Nove tracce “spaziali” nel senso più psichedelico del termine. Le influenze della band sono tantissime e si sente da brano a brano: Tarpit Cock And The Bazoukie Returns cita un certo rock anni ’90 americano (ma anche i nostrani Bluvertigo, perchè no?) con un tocco di John Zorn per quella de-strutturazione del riff di Smoke On The Water in apertura. Turnaround ha quel mood brit pop alla Blur vs Nirvana che parte dai lontani ’60 per arrivare alla Madchester 1992.

Ci piace molto Idyll, sognante e psichedelica che ricorda apertamente i Soft Machine di Third e rende perfettamente quell’idea di viaggio nel tempo, suggerita anche dalla copertina così “vintage”. La ricerca della novità fa capolino da ogni secondo di questo bell’EP, anche se è tanta la voglia a rimanere ancorati alle tradizioni musicali classiche. Insomma, viaggiare nello spazio, andare verso l’universo e oltre ma guardano sempre alla base Terra, pronta a intervenire in caso di pericolo, ne è esempio la traccia di chiusura, beffarda cantilena affidata ad una elettrica sgemba e sgnignazzante. Giudizio alto per questo EP, teniamoli d’occhio.

Desert Wizards – Ravens

Un salto indietro nel tempo. Prendendo in mano questo album e guardando la copertina ed il libretto vengono alla mente immagini degli anni ’60, di hippie alla perenne ricerca di visioni, LSD, e sciamanesimo, pronti a raggiungere il paradiso psichedelico tanto agognato. I Desert Wizards sono una band ravennate che giunge alla seconda release con questo Ravens. Il look e l’estetica del combo, però, non devono trarci in inganno. Sono presenti sonorità e canzoni palesemente debitrici a quel periodo acido della California anni ’60 e ’70 ma anche l’hard rock ha la sua parte non indifferente. Anzi, alla fine è la parte più preponderante. Le atmosfere sabbathiane e gotiche sono presenti già dall’opener Freedom Ride che potrebbe far pensare di essere stati fuorviati dall’artwork e dal look con cui la band si presenta. Ed invece Back To Blue ci trasporta dritto in quelle atmosfere acide e sognanti di cui sopra. Ed è proprio qui che i nostri connazionali trovano il pregio maggiore che poi emergerà proseguendo durante tutto l’ascolto: un sapiente mix e riadattamento, una sorta di matrimonio, tra due periodi del rock che hanno segnato un’epoca ed una storia non facilmente ripetibili. L’equilibrio che si viene a creare è molto straniante e degno di nota, partorendo un mélange interessantissimo e pieno di spunti originali e creativamente notevoli.

Le ultime due canzoni di Ravens evocano nell’ascoltatore, a nostro parere, scenari di manieri gotici in pieno stile Hammer Productions (per chi avesse visto i film di questa casa di produzione, famosissima per avere lanciato un giovane Christopher Lee nel ruolo di Dracula). Vampires Queen e Bad Dreams ci fanno venire in mente le desolate lande transilvane dove, quando il sole tramonta, il pericolo si nasconde dietro ogni anfratto. Vampires Queen, a nostro modesto avviso, è sicuramente il pezzo più evocativo e notevole presente nel disco dei Desert Wizards, con quella voce cavernosa a cui fa da contrappunto un pianoforte mellifluo che si fonde con gli altri strumenti in maniera da creare un’atmosfera galleggiante e da sogno. O meglio, di un sogno dal quale ci svegliamo di soprassalto nel letto madidi di sudore.

Chiude un omaggio ai Pink Floyd, Childhood’s End, canzone scritta da David Gilmour e tratta dall’album tributo One Of My Turns-A Tribute To Pink Floyd.

Atom Made Earth – Border Of Human Sunset

Gli album e le band sono come delle scene del crimine. In molti casi analizzandole, osservando i loro lavori, la grafica scelta, i titoli dei brani o tutti quegli indizi che si studiano frutto della curiosità, si riesce ad intuire tanto già prima di premere il tasto play. La durata dei brani sicuramente rilevante (6 tracce per 44 minuti di ascolto totale) e il moniker della band, Atom Made Earth, rendono più semplice il nostro lavoro di investigazione e ci conducono presto all’identificazione del movente: la psichedelia. Lo scenario è proprio quello che ci riporta ai Pink Floyd, contaminato però dai gusti stoner che la band ha manifestato fin dai suoi inizi e ha dichiarato anche senza tanti giri di parole. In questo connubio compare quindi un’importante ricerca di composizioni strumentali che in alcuni passaggi lasciano lo spazio a strumenti a corde pesanti come macigni, a tratti citando alcuni scenari doom. Tendenzialmente comunque l’essenza del sound che emerge da Border Of Human Sunset è l’ambient e questo è secondo noi un punto di forza per il quartetto, in quanto si tratta di una personalità un po’ abbandonata da giovani formazioni, ma anche un profilo debole. Infatti il sound, seppur comunque già approfondito nei decenni passati da vari mostri sacri, risulta un po’ troppo debole: al fianco di parti lente e fangose si sarebbe potuto sperimentare molto di più con gli effetti, a nostro parere, inserire elementi che avrebbero dato più verve e “tiro” alla proposta, rendendola anche molto più godibile in sede live.

Il risultato può piacere ad alcuni appassionati dell’oscuro (Augusta) finendo per toccare addirittura lidi funerei (in Oceanic Side Pt. 2 si sentono echi dei My Dying Bride). I ragazzi nonostante tutto ci danno dentro e a nostro parere, con una più calorica interpretazione strumentale avrebbero potuto differenziarsi per originalità conquistando di più il pubblico rock. Le basi ci sono quindi non ci sentiamo in assoluto di bocciare il lavoro ma qualcosa va rivisto nell’ottica di rendere più accattivante il sound.

Birth Of Joy – Prisoner

I Birth Of Joy sono uno di quei gruppi difficili da racchiudere dentro confini musicali netti e definiti. Si tratta di un power trio con una dinamica insolita per i giorni nostri (organo/chitarra/batteria). Sono ovviamente in debito con la scena rock blues di fine anni ’60 primi anni ’70, ma non sono semplicemente una band retrò, perché il trio olandese è capace di esprimersi con suoni acidi e potenti seguendo percorsi melodici insoliti oltrepassando gli schemi del passato. La band ci introduce al loro nuovo album, Prisoner, con il suono delle tastiere (che pagano più di un tributo a Jon Lord) in primo piano ed assolute protagoniste, mentre la chitarra distorta del cantante Kevin Stunnenberg pare quasi uno strumento di supporto, aggiungendo tessuto sonoro. Il martellante groove alle pelli di Bob Hogeneist fa da guida a How It Goes. Alcune improvvisazioni alla tastiera in puro stile Pink Floyd inaugurano il fulcro dell’album, Three Day Road. La sua costruzione è basata su power chords capaci di creare un angoscioso flusso e riflusso sonoro. Con Holding On i Birth Of Joy gettano completamente la maschera lasciando trasparire in pieno i segni che i Doors hanno lasciato sui membri della band, anche se i loro testi appaiono decisamente più gioiosi e meno profondamente cupi.

Prisoner non è un viaggio tutto retrò. Certo la band indossa con orgoglio le proprie influenze, ma questi ragazzi suonano duro e veloce, senza perdersi in protagonismi tecnici. Se da un lato si possono sentire riecheggiare i Doors, Pink Floyd e Deep Purple dall’altro si sovrappongono sonorità più tipiche dei Muse o degli Strokes. Da questo strano frullatore emerge tutta la passione e la voglia di affermarsi di questo trio che dal vivo saprà incendiare le folle. Una band ed un album che ha centrato l’obiettivo di non passare inosservati, un’affermazione decisa e prepotente.