Prins Obi & The Dream Warriors – Prins Obi & The Dream Warriors

Prins Obi & The Dream Warriors è in realtà il debutto del supergruppo greco, per l’esattezza ateniese, dedito all’underground le cui matrici greche si sentono eccome, ma è anche il terzo lavoro solista di Prins Obi che giunge dopo il bel The Age Of Tourlou. Prins Obi, si lascia accompagnare in questo viaggio dai The Dream Warriors, esorcizzando tutta una serie di demoni che sembrano comporre l’ossatura musicale di questa produzione che giunge quasi al termine dello scorso anno. Ed è questo loro esercizio propiziatorio a riportarli su sponde dove glam ed hard rock si incontrano anche su terreni prettamente psichedelici anche se di matrice tipicamente ellenica. La musica proposta da Prins Obi & The Dream Warriors, altro progetto di George Dimakis il frontman dei Bby Guru, sembra muoversi tra il sound psichedelico dei Pink Floyd, qualche passaggio stile T.Rex – che non disdegna mai – e quel suono underground fresco e piacevole che coinvolge anche chi non ne vuole essere implicato. Apparentemente, Prins Obi & The Dream Warriors si presenta come un album tosto e sincero, ma degno di esser menzionato per l’assoluta sincerità che emana, una sincerità musicale che prosegue le linee intraprese in Love Songs For Instant Success del 2013, Notions del 2014 e The Age Of Tourlou del 2017.

Ma entriamo un po’ più a fondo per capire con chi abbiamo a che fare: Prins Obi è il moniker di Georgios Dimakis, musicista e membro dei Bay Guru con cui ha pubblicato quattro album e cinque EP digitali che hanno condotto il nostro a maturare una certa esperienza che trasferisce in questa esperienza con i Dream Warriors. L’apertura di Prins Obi & The Dream Warriors è affidata a Concentration che propone un rock influenzato da quel pop anglosassone che per nostra fortuna apre le porte ad una delle più belle canzoni rock che ci è capitato di ascoltare in questi ultimi tempi, Flower Child, forse perché ha forti richiami a quel rock tutto glaciale della madre terra svedese. Qui, in questo brano, la presenza di una ritmica marcata, integrata da un basso essenziale, trascinano poi in Negative People / Άμοιρε Άνθρωπε che è un pezzo capace di emanare un ipnotismo unico e pregevole. Il successivo passaggio, quello che ci viene proposto con Astral Lady Blues, è un rock blues di buona fattura, energico quanto basta a richiamare vecchie atmosfere dove gli “scarafaggi” erano padroni assoluti. Δίνη è invece il pezzo che ci piace di più forse perché amiamo le contaminazioni ed è qui con la lingua greca che trascina in un bel psychedelic pop e le contaminazioni diventano realtà.

Ma i brani che giungono successivamente, quali Sally Jupinero e Guilty Pleasure Theme sono quelli che hanno un sapore differente rispetto agli altri perché capaci di richiamare certi vecchi moventi musicali tipici dei grandi Doors, senza però disdegnare l’hard rock più tradizionale. Tocca poi ad una breve sezione musicale, che ci viene proposta con For Absent Friends, emulare certo progressive canterburyano che diventa anche incipit di apertura al pezzo conclusivo, Wide Open, bella ballata stile Cohen che non disegna per nulla quale chiusura a questo omonimo Prins Obi & The Dream Warriors. Insomma qui sembra proprio di trovarsi di fronte alla nascita di un soggetto tutto nuovo, del quale ne sentiremo spesso parlare. Tra l’altro Prins Obi & The Dream Warriors sono la conferma di quanto la nuova musica rock, per meglio adattarsi ai nostri tempi, ama sempre più contaminare e contaminarsi di quei linguaggi per i quali, ad esempio, il Salento ne è stato un precursore (tanto per citarne uno quello di Phil Manzanera, ex Roxy Music e grande produttore pinkfloydiano, o Anna Phoebe violinista londinese della Trans Siberian Orchestra).

Autore: Prins Obi & The Dream Warriors	Titolo Album: Prins Obi & The Dream Warriors
Anno: 2018	Casa Discografica: Inner Ear Records
Genere musicale: Psichedelia, Glam	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/prinsobiproject
Membri band: Georgios Dimakis – voce, piano, synth Pantelis Karasevdas – batteria, percussioni Sergios Voudris – basso, chitarra Kwstas Red Hood – percussioni Chris Bekiris – chitarra	Tracklist: 1. Concentration 2. Flower Child (Reprise) 3. Negative People / Άμοιρε Άνθρωπε 4. Astral Lady Blues 5. Fingers 6. Δίνη 7. Αδαμάντινα Φτερά 8. Sally Jupinero 9. Guilty Pleasure Theme 10. For Absent Friends 11. Wide Open

Ground Control – Untied

Due anni fa nascevano i Ground Control, un progetto rock che ha optato per un nome molto comune sia nella scena musicale che fuori da essa. A scanso di equivoci specifichiamo subito che non si tratta dei Ground Control che anni fa proponevano thrash metal e di cui avevamo parlato a questa pagina. Si tratta di una formazione nuova di zecca che è uscita da pochissimo con il debut album Untied. Il loro è uno rock che combatte un’eterna lotta, da una parte con la ritmica che cerca di accelerare e di puntare ad una costruzione veloce, dall’altra con le influenze psichedeliche che diluiscono i tempi e puntano ad un’idea di musica più intima. Domani È Un Posto Freddo è l’esempio dell’animo più psichedelico della formazione, lo stesso profilo musicale che li ha legati a David Bowie e che li ha spinti a coverizzare Absolute Beginners, ovviamente non arrivando all’impatto emotivo con la versione originale. A noi piace Untied The Horses: è qui che le due anime prima descritte dalla band raggiungono l’apice. La sezione ritmica crea la cornice solida e prestigiosa in cui testi in italiano ed in inglese nonché la chitarra (complici anche effetti azzeccati) si muovono con destrezza creando un momento degno di nota. Poi arriva il rock blues che prende il nome di First Fire e ci coinvolge dal piede che si muove a tempo alla nuca che non sembra volersi fermare.

Altro brano che ha mordente e che lascia segni al proprio passaggio è Utube Killed The Video Star: a parte essere un’affascinante (mezza) citazione che conquista fin dal titolo, possiede delle strofe ben costruite e un messaggio di critica che si lascia apprezzare. Untied è un album non privo di pecche, la produzione andrebbe sicuramente migliorata e oltre ai suoni dimostra in diversi punti di essere comunque un debut album, ma il percorso imboccato dalla band a parer nostro è quello giusto. Le tracce hanno un grosso potenziale in sede live e la band ha qualcosa da dire, ottimi presupposti per sfondare.

Autore: Ground Control	Titolo Album: Untied
Anno: 2018	Casa Discografica: CameHouse RC
Genere musicale: Rock Psichedelico	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: http://www.groundcontrolstoner.it
Membri band: Marco Ravasini – voce Pietro Albera – batteria Marco Camorani – chitarra Jambo Iori – basso	Tracklist: 1. Kaputt Mundi 2. Major 3. Utube Killed The Video Star 4. Domani È Un Posto Freddo 5. Untied The Horses 6. First Fire 7. Italiani Brava Gente 8. Absolute Beginners 9. Il Giorno Mi Consuma

Palmer Generator – Natura

Non è trascorso molto tempo da Discipline (di cui avevamo parlato a questa pagina) e la famiglia Palmieri è pronta a pubblicare il nuovo album dal titolo Natura. L’approccio che viene seguito in questo nuovo lavoro è quello della sperimentazione: lo dimostra ad esempio la lunga parte centrale dell’opener che si poggia su un arpeggio di chitarra e su effetti che si accavallano ma che restano ai margini della composizione e che non aggiungono molto, spessore che arriva solo con i controtempi successivi della batteria. Stesso discorso per Natura 2, oltre 7 minuti di musica che si muovono sulle medesime coordinate dove sfumature ed effetti caratterizzano i singoli passaggi su una matrice standard per l’intero brano (fatto salvo l’ultimo minuto e mezzo). Corposità zero piuttosto evanescenze, pattern pochissimi piuttosto suoni. Certo, non ci sono linee vocali come non ci sono mai state nella musica dei Palmer Generator, ma si segue (anche in questo album) un approccio figlio del post-metal e post-rock, reso più particolare da un forte alone di psichedelia, che talvolta finisce per rendere i brani davvero troppo lunghi (Natura è composto da 4 brani per una durata totale di 38 minuti).

Addirittura in Natura 3 si arriva alla musica ambient, l’approccio heavy psych perde il suo aspetto a vantaggio dell’avantgarde musicale. Il trio per certi versi restringe la propria “nicchia di mercato”, per cultori di questi suoni, ricercatori sonori, per chi mastica la psichedelia settantiana in una veste moderna in cui non c’è rock o metal che tenga ma solo sinuose danze che vagano nello spazio.

Autore: Palmer Generator	Titolo Album: Natura
Anno: 2018	Casa Discografica: Bloodysound Fucktory, Brigadisco Records
Genere musicale: Psichedelia, Post-Rock, Heavy Psych	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: http://palmergenerator.blogspot.it
Membri band: Tommaso Palmieri – chitarra Michele Palmieri – basso Mattia Palmieri – batteria	Tracklist: Natura 1 Natura 2 Natura 3 Natura 4

Ropsten – Eerie

Ci si chiede spesso quale possa essere il suono del rock del futuro. E’ una domanda che ci poniamo ogni volta che ascoltiamo un album che pesca dal passato, perché non è detto che proprio da lì non vengano pescate alcune soluzioni e riproposte in maniera diversa. Non è un caso che effetti, riff, soluzioni in fase di produzione siano ripescati e riutilizzati a iosa non solo dal mondo emergente ma anche da quello mainstream, in tutti i generi musicali. Eernie, il primo vero full-lenght dei Ropsen dopo due EP, può essere considerato un album del futuro. Il sapore psichedelico e la forte cornice space rock in cui è stato costruito l’album si combaciano alla perfezione con una ritmica incessante e una quadratura del cerchio fortemente rock; il resto lo fanno gli arrangiamenti e gli effetti alla sei corde che spesso diluiscono i suoni e rendono più fascinosa la proposta avvicinandola, in alcuni tratti, a soluzioni post-rock. Ci piacciono i pattern stoppati in Grandma’s Computer Games, un brano che tra l’altro mette in scena un crescendo elettrico-elettronico ad alto quantitativo di ottani, dal retrogusto psycho western ma che sicuramente riscalda gli animi se provato in sede live; Kraut Parade è un pezzo imprescindibilmente rock, incalzante e che con la sua velocità avvicinerà chi è in cerca di accelerazioni e riff, anche se a noi affascina maggiormente Brain Milkshake con un basso e chitarra che fanno da contrasto per poi ricontrarsi nel (simil) ritornello e far lievitare le palpitazioni.

D’altro canto però il costrutto esclusivamente strumentale spesso appesantisce i brani, i sei minuti di Globophobia ad esempio sembrano molti di più, anche perché si poggiano su una sezione ritmica portante che varia poco, lasciando il resto agli strumenti, per così dire, melodici. Coraggiosa la proposta, apprezziamo che non si cade in una sperimentazione inconcludente ma probabilmente è necessario mettere più carne sul fuoco e offrire quella consistenza ai brani per evitare di farli sembrare annacquati ed estremamente lunghi.

Autore: Ropsten	Titolo Album: Eerie
Anno: 2018	Casa Discografica: Seahorse Recordings
Genere musicale: Space Rock, Post-Rock, Psichedelia	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: https://soundcloud.com/ropsten-1/
Membri band: Simone Puppato – chitarra, tastiere Claudio Torresan – chitarra, effetti, tastiere Leonardo Facchin – basso, tastiere Enrico Basso – batteria	Tracklist: Y. L. L. A. Grandma’s Computer Games Globophobia Batesville Kraut Parade Brain Milkshake 180 MmHg

Kevin Ayes – Joy Of A Toy

Joy Of A Toy, album di Kevin Ayers del 1969, è un disco piacevole, oseremmo dire quasi pigro. E non c’è male per l’esordio solista di una delle menti più raffinate del psychedelic rock considerati anche i nomi dei musicisti di cui si circonda per realizzarlo. Primo album da solista dopo la fuoriuscita dai Soft Machine, Ayers concretizza un lavoro dove la creatività esplode in tutta la sua consistenza riuscendo, tra l’altro, ad ottenerne un controllo inusuale su tutto il percorso che porterà a realizzare Joy Of A Toy. Certo a ciò ha contributo anche la presenza di David Bedford nelle vesti di arrangiatore, così come di Paul Buckmaster conosciuto dai più per aver arrangiato molti brani di artisti famosi tra i quali si ricorda, in particolare, Space Oddity di David Bowie; insomma una molteplicità di artisti che hanno contributo a sviluppare l’idea iniziale che Kevin Ayers aveva di questo suo primo lavoro da solista che è diventato una vera e propria pietra miliare della scena di Canterbury. Joy Of A Toy sembra essere una macchina capace di viaggiare nel tempo, la musica che si fonde in un unicum con le parole ed anticipa i tempi che verranno. Sin dalla copertina Joy Of A Toy lascia intravedere quanto è predestinato ad accadere nei solchi: la psichedelia si fa arte e l’arte si fa realtà già dal primo pezzo, quel Joy Of A Toy Continued che sembra essere l’unione tra il passato e il presente di Ayers, una specie di marcia senza nessuna pretesa tranne quella di trovarsi nel bel mezzo di un gioco. Il violoncello poi presente in molte partiture, fa pensare ad una sorta di unione con quel classicismo cui sono legati alcuni degli ospiti del disco i quali danno il proprio contributo nell’allestire un lavoro capace di rendere la scena di Canterbury oltre che divertente anche entusiasmante.

D’altronde il talento qui non si discute, e non solo quello di Ayers; ma se riflettiamo attentamente capiamo subito quanto Joy Of A Toy sia quell’album che è una logica prosecuzione dei capolavori dei primi Soft Machine anhe se, qui, Ayers mostra appieno come la sua creatività non abbia limiti, capace com’è di spaziare anche oltre la propria appartenenza alla soffice macchina. Infatti in Joy Of A Toy le influenze allegre e scanzonate di Sgt. Peppers ad esempio non mancano, così come non mancano in The Clarietta Rag altro pezzo di influenza beatlesiana, ma così come accade anche con l’ultimo pezzo che chiude il primo lavoro solista di Ayers, Oleh Oleh Bandu Bandong. Probabilmente nelle intenzioni di Ayers, Joy Of A Toy doveva essere solo una piacevole collezione di brani, nessun legame con le suite progressive dovevano essere di ispirazione, e se queste sono state le sue idee va detto che Ayers è riuscito nell’intento perché, al di là di piccolissimi passaggi, tutto il lavoro è sublime e come dicevamo all’inizio piacevole all’ascolto. I nostalgici, probabilmente, avranno da ridire sull’abbandono di Ayers dai Soft Machine, ma è comunque lampante che il suo lavoro da solista possedeva concezioni ben diverse da come il pubblico era abituato a vederlo con i Soft. E poi, i Soft andavano ormai verso una concezione musicale che li avrebbe avvicinati di più al jazz mentre la sensibilità di Ayers qui cambia profondamente, l’approccio è molto più vicino alla vita in generale ed alle composizioni personali e lo confermeranno i successivi album. Joy Of A Toy è davvero l’album di Kevin Ayers e lo confermano pezzi come la grandiosa Lady Rachel, la stessa Clarietta Rag, la bella e sognante Girl On A Swing, la malinconica Song For Insane Times e la rievocativa All This Crazy Gift.

Chi ha spesso letto le mie recensioni sa bene quanto amore nutra nei confronti di un artista che, tra alti e bassi nella carriera, ha segnato la storia del rock e, probabilmente non sarà ciò a limitarmi nelle considerazioni, ma Kevin Ayers potremmo paragonarlo a Lou Reed anche se qui a farla da padrone assoluto è quel psychedelic rock ben lontano dalle acide composizioni dei Velvet Underground che, guarda caso, sono state per lo più fatte proprio da Lou Reed. Joy Of A Toy è un disco dove gli stili variano da brano a brano navigando dal progressive tipico di Canterbury alla psichedelia con pennellate di un certo rock barocco che può e non può piacere, insomma un disco raffinato anche se con qualche sbavatura. Con questo disco e con i lavori che verranno, Kevin Ayers diventa un punto di riferimento fondamentale nel mondo del pop sperimentale e lo sarà fino alla sua morte avvenuta il 18 febbraio 2013. Ayers è ancora oggi l’artista che suscita stupore in chi lo ascolta ma è anche l’uomo carismatico che, con la sua innata semplicità, ha contributo a creare quella leggenda che va sotto il nome di “Canterbury Scene” e di tutta la musica che verrà dopo. Joy Of A Toy resterà sempre il miglior lavoro di Ayers, un disco che ostenta umiltà ed ingenuità, un disco che è anche una lezione per chi compone musica, e già, perché la musica è piacevole quando non è artefatta ma semplice, lineare, quando viene dal di dentro e non quando è arricchita di tutti quei campionamenti e sovraincisioni da mille e una notte.

Il consiglio che possiamo darvi dopo che avrete letto questa recensione? Prendete Joy Of A Toy, mettetelo sul piatto, ascoltatelo ed attendete che la poesia si impadronisca di voi. E non pensate a chi in quel momento vi sta chiamando, lasciate che vi chiami.

Autore: Kevin Ayes	Titolo Album: Joy Of A Toy
Anno: 1969	Casa Discografica: Harvest Records
Genere musicale: Rock, Psichedelia	Voto: 9
Tipo: CD	Sito web: http://www.kevin-ayers.com
Membri band: Kevin Ayers – chitarra, basso, canto Robert Wyatt – batteria David Bedford – pianoforte, mellotron, arrangiamenti Mike Ratledge – organo Hugh Hopper – basso in Joy Of A Toy Continued e Song For Insane Times Paul Buckmaster – violoncello Rob Tait – batteria in Stop This Train (Again Doing It) e Oleh Oleh Bandu Bandong Paul Minns – oboe	Tracklist: Joy Of A Toy Continued Town Feeling The Clarietta Rag Girl On A Swing Song For Insane Times Stop This Train (Again Doing It) Eleanor’s Cake (Which Ate Her) The Lady Rachel Oleh Oleh Bandu Bandong All This Crazy Gift Of Time

The Noise Figures – Telepath

Li avevamo conosciuti con Aphelion di cui avevamo parlato a questa pagina, ma sono tornati con un nuovo album: i The Noise Figures presentano al mondo del rock Telepath. Rock, perché è di questo che si tratta, il duo innanzitutto punta al rock e gli inserti psichedelici qui si fanno ancora più marginali. Ritmica e riff prendono il sopravvento e a scapocciare ci vuole un attimo: strutture semplici dei brani, pezzi che spesso entrano in mente al primo ascolto ma che presentano anche delle buone attenzioni rivolte ad arrangiamenti ed effetti (come in Stay Forever Child). Per impostazione e suoni troviamo delle similitudini con i Black Keys come nella ritmata e radiofonica Strange Mediumd Child, una canzone in cui la ripetizione forse è portata un po’ ai limiti del sostenibile però il ritmo coinvolgente appiana tutti i mali. Ascoltare la personalità del suono della chitarra ci fa veramente tornare agli anni 70 come se nel mezzo non ci sia stato nulla: la genuinità dei riff di Out Of Touch sono “la testa” mentre il rock’n’roll di momenti come Healing Light sono “la croce” di una moneta, quella dei The Noise Figures, che non ha prezzo, non ha valuta e non ha tempo. Nelle tracce finali il ritmo viene messo un po’ da parte e l’animo psichedelico del duo torna a galla, anche questo è un profilo di spessore per lo stile della band.

Veloci?! Non eccessivamente, ma il giusto. Rock, decisamente. Metal, per nulla. Una ricetta musicale che va avanti come un treno e che nella loro mente (e nella nostra) è tanto semplice quanto intensa. Le linee vocali sembrano strizzare l’occhio ad un certo brit rock d’oltre Manica ma è qualcosa che non distoglie dall’animo rock del duo, un progetto che se fosse italiano avrebbe un seguito importante e diverse etichette indipendenti a far loro il filo.

Autore: The Noise Figures	Titolo Album: Telepath
Anno: 2018	Casa Discografica: Inner Ear Records
Genere musicale: Rock, Psichedelia	Voto: 7,25
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/thenoisefigures
Membri band: George Nikas – voce, batteria, percussioni Stamos Bamparis – chitarra, voce	Tracklist: Taste Like Time Strange Medium Child Stay Forever Young Out Of Touch Healing Light Telepath Hypnotized Lethargy Never Sleep Glow Electric

Killer Boogie – Acid Cream

I Killer Boogie producono una quantità impegnativa di riff anni ’70 usando tonnellate di fuzz, note psichedeliche e dissonanze per una band con i piedi profondamente immersi in quegli anni ma con l’occhio puntato verso il futuro. Gabriele Fiori (chitarre e voce), Luigi Costanzo (batteria) e Nicola Cosentino (basso) sono i fautori di Acid Cream. Dopo il loro debutto intitolato Detroit (2015), e un cambio di formazione, oggi i Killer Boogie immettono sul mercato questo nuovo album, registrato durante l’estate, in uscita in questi giorni sempre per la Heavy Psych Sounds Records. Mischiano Blue Cheer, The Stooges, MC5 e Cactus, ma non disdegnano Deep Purple (Escape From Reality) e una certa melodia studiata per ballate corroboranti come Brother In Time. Undici tracce ispirate alla fulgida decade ‘60/’70, producendo canzoni pesanti ma seducenti nel rifferama e appiccicose nei chorus (Mississippi) ma anche capaci di forme più aggressive come in The Black Widow con cui ritornano alle radici del rock’n’roll in salsa boogie.

L’opener è affidata a Superpusher ’69, mutuata nel riff iniziale da un brano del primo disco dei Blues Pills. Mostrano anche una sorta di propensione, affaristica, quando mirano a ottenere qualcosa di commerciale e vendibile, nulla di strano, che non dispiace affatto. Anzi quando si sporcano le mani con roba appiccicosa, e molto radio friendly, come in The Day Of The Melted Ice Cream hanno tutta la nostra stima. L’artwork è opera dell’artista svedese Robin Gnista. Acid Cream è stato registrato nell’estate del 2017 e missato nell’autunno dello stesso anno e include nuove composizioni che convivono con una manciata brani dapprima suonati solo da vivo, ma mai incisi su nastro prima di ora.

Autore: Killer Boogie	Titolo Album: Acid Cream
Anno: 2018	Casa Discografica: Heavy Psych Sounds Records
Genere musicale: Heavy Psych	Voto: 7,25
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/killerboogie/
Membri band: Luigi Costanzo – batteria Gabriele Fiori – voce, chitarra Nicola Cosentino -basso	Tracklist: Superpusher ’69 Escape From Reality Atomic Race Am I Daemon Let The Birds Fly Dino-Sour Brother In Time Mississippi The Black Widow The Day Of The Melted Ice Cream I Wanna A Woman Like You

We Are The Bears – Tales From The Ocean

Avete presente le desert session di Josh Homme e dei suoi comprimari? Bene, ora anche noi possiamo vantare le nostre desert session, non tanto al Rancho De la Luna ma alle pendici del Vesuvio. Il duo Sorrentino–Garofalo, chitarre e percussioni, licenzia un album di psichedelia e suoni ambient, concepito interamente in studio, con la volontà di sperimentare riff e idee ben precise, pescando a piene mani dagli anni 70 e 80. L’idea è sicuramente buona, complice il brano di apertura Pompei, formato da una unica e sola frase che si ripete cocciutamente. Lights Out è davvero splendida, quasi un dream pop con richiami ’80. Qui è lì spunta forte una sensazione di deja-vù ma ci sta, anche per il richiamo, voluto o meno, a quelle atmosfere vintage così ardentemente cercate. Bellissime la tribale Fly High, registrata di notte, e la enigmatica Flamingo’s Lips. Il duo ha dalla loro parte la versatilità. Nonostante la strumentazione utilizzata sia ridotta praticamente all’osso, essa rappresenta la loro chiave di volta: intrecciare a più riprese melodie e armonie, grazie al sapiente uso dei effetti di delay e di eco, utilizzate come ulteriori strumenti musicali.

Progetto musicale molto interessante, lo diciamo. Il suono è curato e scolpito in ogni passaggio. Da atmosfere soffuse e rarefatte e violente tempeste psichedeliche. Non è il solito lavoro indie, ringraziando qualcuno lì sopra, è un gradino più alto della produzione musicale odierna, e di questo ne siam felici. Speriamo solo che nel prossimo lavoro il duo possa riuscire a risolvere quei piccoli tocchi di “già sentito” ed andare ancora più oltre.

Autore: We Are The Bears	Titolo Album: Tales From The Ocean
Anno: 2017	Casa Discografica: Bulbart
Genere musicale: Psichedelia	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/We-are-The-Bears-1398466080432362/
Membri band: Vincenzo Sorrentino – voce, chitarra Gaetano Garofalo – batteria, percussioni	Tracklist: Pompei Fly High Lights Out Everything Is Loud Shadow Of Your Eyes Tumbao Feeling Blue From Far Away Feel The Voice Flamingo’s Lips