Atom Made Earth – Border Of Human Sunset

Gli album e le band sono come delle scene del crimine. In molti casi analizzandole, osservando i loro lavori, la grafica scelta, i titoli dei brani o tutti quegli indizi che si studiano frutto della curiosità, si riesce ad intuire tanto già prima di premere il tasto play. La durata dei brani sicuramente rilevante (6 tracce per 44 minuti di ascolto totale) e il moniker della band, Atom Made Earth, rendono più semplice il nostro lavoro di investigazione e ci conducono presto all’identificazione del movente: la psichedelia. Lo scenario è proprio quello che ci riporta ai Pink Floyd, contaminato però dai gusti stoner che la band ha manifestato fin dai suoi inizi e ha dichiarato anche senza tanti giri di parole. In questo connubio compare quindi un’importante ricerca di composizioni strumentali che in alcuni passaggi lasciano lo spazio a strumenti a corde pesanti come macigni, a tratti citando alcuni scenari doom. Tendenzialmente comunque l’essenza del sound che emerge da Border Of Human Sunset è l’ambient e questo è secondo noi un punto di forza per il quartetto, in quanto si tratta di una personalità un po’ abbandonata da giovani formazioni, ma anche un profilo debole. Infatti il sound, seppur comunque già approfondito nei decenni passati da vari mostri sacri, risulta un po’ troppo debole: al fianco di parti lente e fangose si sarebbe potuto sperimentare molto di più con gli effetti, a nostro parere, inserire elementi che avrebbero dato più verve e “tiro” alla proposta, rendendola anche molto più godibile in sede live.

Il risultato può piacere ad alcuni appassionati dell’oscuro (Augusta) finendo per toccare addirittura lidi funerei (in Oceanic Side Pt. 2 si sentono echi dei My Dying Bride). I ragazzi nonostante tutto ci danno dentro e a nostro parere, con una più calorica interpretazione strumentale avrebbero potuto differenziarsi per originalità conquistando di più il pubblico rock. Le basi ci sono quindi non ci sentiamo in assoluto di bocciare il lavoro ma qualcosa va rivisto nell’ottica di rendere più accattivante il sound.

Birth Of Joy – Prisoner

I Birth Of Joy sono uno di quei gruppi difficili da racchiudere dentro confini musicali netti e definiti. Si tratta di un power trio con una dinamica insolita per i giorni nostri (organo/chitarra/batteria). Sono ovviamente in debito con la scena rock blues di fine anni ’60 primi anni ’70, ma non sono semplicemente una band retrò, perché il trio olandese è capace di esprimersi con suoni acidi e potenti seguendo percorsi melodici insoliti oltrepassando gli schemi del passato. La band ci introduce al loro nuovo album, Prisoner, con il suono delle tastiere (che pagano più di un tributo a Jon Lord) in primo piano ed assolute protagoniste, mentre la chitarra distorta del cantante Kevin Stunnenberg pare quasi uno strumento di supporto, aggiungendo tessuto sonoro. Il martellante groove alle pelli di Bob Hogeneist fa da guida a How It Goes. Alcune improvvisazioni alla tastiera in puro stile Pink Floyd inaugurano il fulcro dell’album, Three Day Road. La sua costruzione è basata su power chords capaci di creare un angoscioso flusso e riflusso sonoro. Con Holding On i Birth Of Joy gettano completamente la maschera lasciando trasparire in pieno i segni che i Doors hanno lasciato sui membri della band, anche se i loro testi appaiono decisamente più gioiosi e meno profondamente cupi.

Prisoner non è un viaggio tutto retrò. Certo la band indossa con orgoglio le proprie influenze, ma questi ragazzi suonano duro e veloce, senza perdersi in protagonismi tecnici. Se da un lato si possono sentire riecheggiare i Doors, Pink Floyd e Deep Purple dall’altro si sovrappongono sonorità più tipiche dei Muse o degli Strokes. Da questo strano frullatore emerge tutta la passione e la voglia di affermarsi di questo trio che dal vivo saprà incendiare le folle. Una band ed un album che ha centrato l’obiettivo di non passare inosservati, un’affermazione decisa e prepotente.

The Vickers – Ghosts

Negli antici giochi calodoscopici e lisergici degli anni 60 ma soprattutto degli anni 70 ci accolgono i The Vickers, band tutta italiana ma che dalla nostra terra affera ben poco (manco a dirlo i testi sono in inglese). Un quartetto che si aggrappa ad un sound che fu ma che, come le stagioni, torna in maniera delicata ma profondamente rivoluzionaria. I fiorentini infatti ci rimandano ai tempi dei Grateful Dead, di quando i ragazzi per pochi spiccioli si sottoponevano ad esperimenti con sostanze stupefacenti e, per alcuni, il risultato era tanta creatività, nemmeno troppo clandestina, che andava incanalata verso una forma d’arte, la musica. Il basso ma soprattutto i vari effetti usati dalle due sei corde rappresentano delle sfumature sonore che potrebbero essere riconosciute tra milioni: al diavolo i riff, qui si parla di composizioni che tirano la giacca ai sensi e cercano di portarli ad una dimensione superiore nella quale ciascuno è dipendente dall’altro ed è inutile parlare solo di udito. Compare anche qualche momento molto morbido come Senseless Life che piazza una chitarra acustica e delle linee vocali orecchiabili, preferendo il facile ascolto alla sezione ritmica, almeno nella prima parte. Showgaze?! Non manca, anche se l’attitudine del combo è troppo legata al passato per dirsi influenzata da questo genere.

Si continua nell’ascolto e come un sogno che diviene sempre più vago e trasparente, si perde il contatto con la componente musicale; le costruzioni sembrano un pò troppo ridondanti anche se va riconosciuta una certa variabilità di impostazione tra le singole tracce. Altro vantaggio è la durata dei brani: non vi aspettate psicolabili sfoghi sperimentali da dieci minuti perché l’intenzione di tediare l’ascoltatore (o accomagnarlo in uno stadio di irriconoscibilità dell’ “io”) non è nelle corde della band. All I Need sfiora certo indie ben trattato mentre in Inside A Dream compare un accenno più caparbio di chitarra: in questi due elementi si celano percorsi che potrebbero essere maggiormente approfonditi dai The Vickers per dare maggiore solidità al sound e definizione, senza però uscire dagli ambienti fumosi e dagli effetti stonanti del proprio trademark. Altrimenti si rischia di restare fermi allo stadio di ricerca sonora costante senza però dar vita a qualcosa che possa essere ingerita concretamente. Delle idee di buona forma e sostanza ma che vanno a nostro parere incastrate con una personalità più forte per avere una resa migliore.

Movie Star Junkies – Still Singles

I Movie Star Junkies con Still Singles ci offrono una bella dose di LSD che ci lancia verso una discesa virtuale tra rocce acuminate, cespugli irti di spine, muschi urticanti e fenicotteri rosa. Allucinazioni e confusione sembrano la chiave di volta di tutto l’album: un ripetersi di urla e scalpiti tamburellanti, di chitarre suonate a mo’ di mantra e lamiere esplosive. In tutto questo mix però si può trovare una via d’uscita nell’ordine in cui sono state disordinate le idee. Un pattern ripetuto all’infinito seguito da tom e rullanti claudicanti. Rock’n’roll, blues e punk si mischiano in questo vortice infernale: in pratica è come se stessimo ascoltando della musica con in testa un secchio di alluminio e, lo stesso, fosse colpito con forza da bottiglie di vetro. Il tutto con un sottofondo di motoseghe imbizzarrite intente a scarnificare la carcassa arrugginita di una vecchia Cadillac dispersa in pieno deserto. Zabriskie point. Originali, seppur ripetitivi. Psichedelici, frenetici e tachicardici in tutto e per tutto. Gli anni ’70 si sentono: l’organetto e il rock blues da Route 66 in pieno stile Born To Be Wild danno molto nell’occhio. Scorrendo l’album però l’effetto dell’LSD inizia sempre più a svanire: da una fase confusa inizia una fase di stanchezza in cui ogni movimento sembra portato avanti per inerzia. Una sorta di torpore capace di smuovere i muscoli grazie alla poca forza rimasta dentro. Il risultato sembra quasi migliorare, i suoni diventano paradossalmente sempre meno sfocati e le voci sembrano tornare in sé.

Nel complesso le 20 tracce del nuovo album Still Singles sono divertenti e casiniste. Durante l’ascolto cresce sempre più la curiosità di assistere ad un loro concerto live, anche perchè lo stile dei Movie Star Junkies sembra perfetto per creare dei concerti con i controfiocchi (per non dire altro): una scarica d’adrenalina zoppicante e confusa da sparare sul pubblico, magari in scantinati di mattoncini rossi da far sudare e tremare.

Black Rainbows – Holy Moon

Un EP di 38 minuti? È possibile quando la porta dell’hard psych si apre dinanzi a noi. Figlio unigenito del doom a cui tanto hanno dato Black Sabbath e altre formazioni degli anni ’70, queste sonorità oscure tornano di moda (se di moda si può parlare in questo scenario), un pò per le varie sperimentazioni sul tema, un pò per quel sapore di alternativo che in fondo portano con sé. Molto è concentrato sul riff e molto sui tempi cadenzati, in questo gli italianissimi Black Rainbows hanno tutte le carte in regola, ma ciò che più stupisce è il numero di formazioni attuali dedite a questo genere in un’epoca in cui invece si punta tutto sulla velocità e sul bello/brutto dopo pochi secondi di ascolto. Ecco, se sposate questo approccio lasciate stare il genere o, meglio ancora, ascoltate il brano Monster Of The Highway incluso in questo EP e capirete che anche queste sonorità pesanti e psichedeliche hanno un’anima oltre che un’ottima collocazione nello scenario heavy metal. Tra l’altro il trio è abbastanza conosciuto avendo girato vari Paesi e suonato in vari luoghi; il tutto si percepisce in quanto il sound, diverso seppur non veramente innovativo (ma questa è una peculiarità del genere), risulta molto compatto e con delle ottime espressioni da parte degli artisti. Un’interpretazione personale di un genere conosciuto.

Bella Chakra Temple che innegia armonie orientali fin dal suo titolo e per un attimo ci trasporta in un’altra dimensione (e non in un’altra era), addirittura lasciando che le sei corde assumano le sembianze di motori targati post-grunge dal carattere più forte e in un crescendo estasiante che giunge ad una scarica di proiettili per poi acquietarsi sul finale. Ancora superiore The Hunter che, nella sua rumorosità voluta, piazza dei riffoni hard rock che sarebbero piaciuti a gente come Wolfmother o anche ai più ricercati Motorpsycho; il cantato qui (che di solito in brani di pari genere non compare quasi mai) rende il brano più digeribile ma non meno cattivo. E dopo la parentesi pseudo blues di If I Was A Bird giunge la conslusiva Black To Comm che innietta una dose di rock’n’roll ad un hard rock di per sé lacerante; bello l’assolo (lunghissimo) e l’incedere bellico, elementi che potrebbero piacere senza dubbio a qualsiasi rockettaro che si rispetti e che rendono l’intera traccia (di 12 minuti!) piena di spunti e di maestria. Un album, mini o completo che sia, diverso e che si fa apprezzare per la sua diversità. Da ascoltare con attenzione e con calma.

Vibravoid – Delirio Dei Sensi

Una bella sorpresa, questa propostaci dalla band di Dusseldorf, ormai attiva da qualche anno nel panorama internazionale. Registrato in soli due giorni tramite la nostrana Go Down Records, l’album è un piacevole tuffo nel passato psichedelico tanto in voga negli anni ‘60, attraverso la sperimentazione di sonorità pienamente aggiornate ai giorni nostri. Capitanati da Christian Koch nella duplice veste di cantante e chitarrista, i nostri eroi riescono nell’impresa di offrire un sound apparentemente datato, ma al tempo stesso molto coinvolgente, grazie al sapiente lavoro di rimodulazione delle suddette sonorità con le tematiche dei brani. L’apertura di Poupeè De Cire, leggendario brano di Serge Gainsbourg portato al successo da France Gall nei tardi anni ‘60, è davvero notevole, con l’organo malinconico a trasportarci nei gloriosi anni, con la protesta giovanile esplicitata anche attraverso suoni e testi di ribellione. Egualmente incisiva Listen, Can’t You Hear, dove le armonie si mettono al servizio del brano, molto arpeggiato nella prestazione vocale, che drammatizza il giusto i testi. Aggressiva come non ci si aspetta, la canzone risulta molto coinvolgente e quasi “freak” nei cori, in simbiosi con il gioco organistico di metà brano, molto etereo. Mentre Colour Your Mind è una bella cover degli australiani Tyrnaround, dove il singer resta saggiamente posizionato idealmente sotto la linea del microfono, giungendo così la sua voce molto ovattata ed in secondo piano rispetto alla sezione ritmica, rendendo il brano tra i migliori dell’album anche grazie all’improvviso solo chitarristico, molto in tema.

The Empty Sky ha un suo incedere molto tranquillo e cosmico nei suoi passaggi, dove l’organo presentissimo fa sentire il suo lavoro pulito che mette in risalto il notevole giro di basso. Ancora una buona cover, con Magic Mirror degli Aphrodite’s Child, che riesce ad unire bene le sonorità progressive della fase strumentale con l’humus molto folleggiante dell’interpretazione vocale, tanto da non stonare in qualche composizione “medievale” dell’epoca. Con The Golden Escalator la band raggiunge il “top del trip”: il gioco di parole è opportuno per descrivere quello che nei quasi 13 minuti del brano il gruppo intende offrire; un ideale viaggio catartico verso la purificazione dello spirito, attraverso l’organo misticheggiante che più non si può e che gradualmente porta alla cognizione del proprio IO, quasi a rappresentarci (ci si perdoni l’empio paragone) il misticismo cosmico dell’immortale Re Lucertola durante i live acts dei Doors. Indubbiamente il miglior brano dell’album, al termine del cui ascolto ci si sente come trasportati in una dimensione surreale, con i rantoli finali del singer pronti ad annunciarci l’imminente Nirvana.

Tutto intriso di pulsioni cosmiche All Stars Have Gone To Sleep, dove la band si impegna a donarci il meglio della sua ispirazione, grazie al cantato molto “delirante” ed al drumming stavolta molto intenso. Le sonorità divengono quasi spiritate e gli strumenti raggiungono la loro dimensione naturale, stante il contesto lungimirante del testo ormai in preda al vero e proprio delirio dei sensi, qui finalmente raggiunto e declamatoci sin dal titolo dell’album. La psichedelia dei californiani The Human Expression viene qui degnamente rappresentata dalla cover di Optical Sounds che la band di Dusseldorf offre. Un caleidoscopio di sonorità molto trip nei passaggi, dove l’acidità delle composizioni viene messa al servizio della voce molto eterea e quasi “efebica” del singer. Grazie alla buona sezione ritmica, il brano diviene subito una ideale hit da ballare in opportuni ambienti molto soffusi. Nearby Shiras risente delle atmosfere molto orientali che la band intende dare al brano: il singer in questo frangente si adopera per poter offrire una prestazione molto “rarefatta” anche nella timbrica, dove le strofe vengono trattenute sino all’ultimo e l’atmosfera che si respira diviene via via più opprimente per l’organo molto incombente, da ideale colonna sonora di una film di Antonioni. Altro brano degni di menzione, nonché anch’esso cover: per la precisione dei Kalacakra. L’allegria non può abbandonarci, specie con il brano conclusivo: sotto con l’ennesima trasposizione di un altro brano famoso dei 60’s, precisamente La Poupeè Qui Fait Non. Il brano di Michel Polnareff diviene in questa sede altra occasione di momento pop, dai cori molto semplici ed accattivanti, che avrebbero fatto le fortune di chiunque avesse ripreso un brano del genere, molto beat su di una base molto psichedelica, senza pretese ma coinvolgente.

Il brano finale, Black And White, è una traccia live registrata durante una delle numerose calate della band sul nostro suolo ed anche in questo frangente, il terzetto non ha difficoltà a rilasciare una buona dose di energia vitale e sound spaziale abbinato alla psichedelica pura. In un contesto finale di valore assoluto e che resta impresso come marchio di fabbrica.

Tommy Talamanca – Na Zapad

Parlare di Tommy Talamanca è semplice e difficile allo stesso tempo. Semplice perchè si tratta di un musicista molto noto: portato in auge dai suoi Sadist diretti insieme all’amico Trevor, Tommy nel tempo si è distinto anche per ruoli che andavano oltre la tecnica allo strumento, passando anche alla parte della produzione e collaborando anche con giovani formazioni (come quella dei Morgana da noi recensita a questa pagina). Al tempo stesso però è molto complesso inquadrare il suo operato, stiamo pur sempre parlando di un artista che compone le parti di chitarra e di tastiera e le esegue contemporaneamente durante i brani dei Sadist per poi passare a sviluppare delle proprie idee lontane dal technical death metal della propria band madre. Così avviene per il suo primo lavoro solista, Na Zapad, che spiazza chi lo vorrebbe vedere alle prese con una sei corde robusta e delude chi si aspetta esercizi chitarristici di alta perizia tecnica. Qui il desiderio di lasciarsi andare, di dare libertà di espressione ai propri pensieri (e non limitarli al sound Sadist ormai troppo collaudato) è troppo forte per trovare paragoni. Arevelk Arevmutk già offre un’altra idea dell’arzigogolo di vie che l’artista vuole attraversare, inserendo anche degli effetti metal che nell’opener Vostok non c’erano. Ma al di là delle varie influenze che questo Na Zapad fa emergere, si intuisce la vera passione di Tommy per il progressive e per le sonorità settantiane. Non si tratta però dell’unica matrice di base dell’album: in queste dieci tracce synth, tempi dispari, ambientazioni cupe ma pur sempre artistiche si alternano nella direzione di un’opera di certo complessa e con tante cose da dire (come le parti jazzy in Wala).

Oeste è un buon esercizio chitarristico, senza usare la vena elettrica, mentre Nbb si concentra di più sulla sezione ritmica. Due elementi diversi della stessa medaglia. Completamente strumentale l’album, pur optando su diversi fronti musicali, vive di un certo ancoraggio in quella che è la ricerca di un’ambientazione particolare, di volta in volta diversa da traccia a traccia. Un lavoro di certo certosino sull’aspetto compositivo che riflette di esercizi stilistici ripetuti spesso molte volte, elemento questo molto comune in album in cui è solo un artista a ideare i singoli brani, facendo mancare il contributo del “gruppo” nel suo senso più pieno. I tantissimi effetti, i nomi impronunciabili delle tracce, le percussioni, sono tutti fattori che permettono ai fan di Talamanca di scoprire nuovi mondi e un nuovo modo di interpretare la musica per qualcuno che aveva abituato troppe persone al death metal e basta. Na Zapad risulta il viaggio che non era stato ancora compiuto dal suo artefice, un viaggio che probabilmente era nella sua mente da parecchio e che attendeva il momento giusto per essere vissuto a pieno, altrimenti non avrebbe avuto lo stesso valore.

Hexvessel – Iron Marsh

Gli Hexvessel non sono una band, ma un progetto di vita e una missione per il chitarrista e compositore Kvohst. Questo strambo musicista vissuto in Norvegia e Olanda, trasferitosi a Helsinki (Finlandia) per ritrovare il contatto con madre natura, dà alla luce il secondo lavoro degli Hexvessel intitolato Iron Marsh. L’album esce sempre sotto l’ala protettrice della Svartrecords, l’opener Masks Of The Universe con i suoi tredici minuti di psychedelic doom folk ancestrale raccoglie quanto avevano precedentemente detto per il precedente e ottimo No Holier Temple. La melodia della voce salmodiante, le chitarre acustiche contrapposte all’organo ieratico e i cambi d’atmosfera ricchi di pathos sono una formula magica che risuona affascinante e allo stesso tempo temibile. L’armonia vocale di Superstitious Currents richiama alla mente In The Court Of Crimson King, primo ormai mitico album della premiata ditta Fripp. La presenza di Rosie, impegnata nella cover Woman Of Salem (Yoko Ono Plastic Band), aggiunge un tocco delicato al tutto. L’andamento ritmico uniforme e lento viene trasportato via dal flusso di wah-wah liquido, per la sua musicalità accattivante, che non rispetta melodicamente l’originale ma ne perpetra il messaggio, lo potremmo definire il loro singolo.

L’immaginario evocato, fatto di fitte foreste e vegetazione lussureggiante avvicina l’ascoltatore Madre Natura il cui monito viene espresso attraverso l’uso di fiati, flauto nello specifico, suonati da Alia (Blood Ceremony) in Don’t Break The Curse che sfrutta uno spoken molto simile a Feast Of Friend dell’ultimo Jim Morrison. Chiude Woman Of Salem in versione radio edit. Un nuovo centro per gli Hexvessel.