The Defiance – Rise

I The Defiance nascono nel 2012 a Oristano e dopo un primo album autoprodotto, From The Ink Of Our Skin, firmano con l’etichetta Seahorse Records per il loro secondo lavoro: Rise. Si tratta di un album di 11 tracce caratterizzato da un sound di base alternative ma che tocca spesso e volentieri ora note punk ora note stoner. Il disco si apre con I Am The Ocean, unico brano in cui si alterna il cantato in inglese e quello in italiano, con riff potenti ed un ritornello molto orecchiabile. Forse il miglior brano dell’album. Anche in I Hate To Speak i riff di chitarra la fanno da padrona anche se l’intro di basso ricorda forse un po’ troppo Hysteria dei Muse. Sin City è un brano tipicamente punk rock dove le influenze si sentono tutte: nonostante il pezzo sia assolutamente piacevole, la somiglianza con Collapse dei Rise Against è molto forte, anche in questo caso nell’intro. Hold On! tocca note tipicamente pop rock, brano da radio che scorre piacevolmente. Ben riuscita è The Radio Will Sing For The Loner dove vengono sottolineate le doti vocali del cantante, pecca forse in lunghezza ma tutto sommato è un buon brano. Il pezzo che trasmette più enfasi è proprio quello che dà il nome all’album, Rise, un brano caratterizzato da vari alti e bassi che si susseguono rendendolo particolare.

I The Defiance sono una giovane band, piena di grinta e passione, che ha però bisogno di fare ancora tanta strada, anche se i mezzi ci sono tutti. L’album è caratterizzato da alcuni brani interessanti e qualche buon episodio ma, a lungo andare stanca, complice forse la durata eccessiva di alcuni pezzi che cozzano con un genere così d’impatto e dalla durata, delle tracce, tipicamente breve. Questo esperimento è riuscito forse solo nel primo brano, anche se è da apprezzare la volontà di sperimentare. Le influenze sono troppo marcate ma la qualità dei ragazzi si sente tutta e quindi non ci resta che aspettare un nuovo album di questa band, raggiungendo forse una maggior consapevolezza dei propri mezzi.

Nypra – Senso Di Colpa

Questo trio di Feltre di recente costituzione ci presenta questo primo lavoro dal titolo Colpo Di Coda uscito a giugno del 2017. Dalla stampa in CD-R professionale e dal packaging in busta chiusa cartonata, sembra più una demo che un vero e proprio album, ed è interamente autoprodoto dalla band al Groove Studio di Tommaso Mantelli (Il Teatro degli Orrori). Nypra è un termine russo che sta ad indicare quelle tempeste di vento freddo che sollevando la neve dal suolo rendono impossibile la permanenza all’esterno ed una visibilità pari a zero. Sebbene il nome provenga dal russo ed il titolo sia in italiano, il 90% delle composizioni ivi registrate sono cantate in inglese. Il loro sound è un ottimo miscuglio di crust core e sludge condito da qualche riff metalloso quasi thrash; i pezzi sono diretti, potenti e senza troppi fronzoli, con una durata media intorno ai 2 minuti per una durata totale di 20 minuti scarsi

Un ottima prima prova per un gruppo giovane ma con elementi maturati con precedenti esperienze alla spalle in band quali Storm(o), Slowdown, Bleeding Eyes, ed altre ancora. Peccato che la registrazione e la produzione non riescano a conferire quella compattezza e durezza di suoni che avrebbe fatto di questo bel disco un disco davvero “cazzuto”.

Stiff Little Fingers – No Going Back (2017 Reissue)

Direttamente da Belfast e non certamente di primo pelo arrivano gli Stiff Little Fingers, band storica del punk della prima ora di fine anni settanta, che, all’ombra dell’Union Jack, spazzò via i virtuosismi della decade precedente di Black Sabbath, Zeppelin, Deep Purple & Co. Tanta, tanta, tanta storia quella che in quasi quarant’anni di attività si porta dietro il buon Jake Burns che, con i suoi, ha rivoluzionato, scritto, ispirato e portato avanti un movimento anarchico ed esplosivo, a fianco degli altri colleghi britannici Clash, Exploited, Sham 69 e Damned. Ovviamente la rabbia contro il sistema, l’energia e la rivoluzione prettamente punk sono rimaste negli album delle origini (come nel caso di tutti i gruppi che hanno fatto nascere il punk e possono ancora raccontarlo non essendo stati uccisi dalle droghe, dal disagio o dal loro stesso successo). Ascoltarsi in sequenza questa rimasterizzazione di No Going Back e poi il loro esordio del 1979 Inflammable Material è come guardare in simultanea su due schermi affiancati Jar Jar Binks che giura eterna fedeltà a Qui-Gon Jinn e Obi-Wan Kenobi ne La Minaccia Fantasma e la sequenza finale de L’Impero Colpisce Ancora (con il rischio di spoilerare Star Wars a chi avesse vissuto l’ultimo mezzo secolo in un freezer o in universi diversi dal nostro, intendo ovviamente la scena “Io Sono Tuo Padre” e non Luke e Leila che guardano lo spazio dalla nave medica dell’Alleanza prima dei titoli di coda).

A distanza di trentacinque anni dal primo disco la voce di Jake Burns ha un po’ persa la cazzimma e la verve delle origini, mentre chitarre, basso e batterie sono diventate più rockabilly e poppeggianti. Se fossi un purista del genere e della band avrei abbassato “la cler” all’attacco di Liar’s Club e bruciato il doppio CD per la svolta pop rock, assolutamente da evitare per il punk più duro e puro. Molto spesso però l’etichetta che la storia assegna ad un artista ci fa dimenticare che l’evoluzione è parte stessa della musica e che rimanere fossilizzati ad un genere e ad uno stile circoscritto lo svuota di senso. Giusto per fare nomi a caso sempre della galassia punk Clash, Ramones e Green Day si sono continuamente reinventati, surfando tra l’evoluzione del genere e hanno sempre centrato. Anche gli Stiff Little Fingers in questo caso hanno provato a dare una rinfrescata alle loro sei corde in chiave rock 2000; rinfrescata che è riuscita a nostro avviso in pezzi come I Just Care About Me (pezzo migliore dell’album) e Don’t Mind Me. Per non farsi mancare nulla c’è anche la ballatona supergustosa Guilty As Sin (Irish folk e forse un po’ Oi nella sua versione normale, più rock nella versione demo).

Insomma, come La Minaccia Fantasma aveva poca trama ma effetti speciali a napster e Darth Maul e con le sue arti marziali spettacolari che ci hanno stemperato la vocina fastidiosa e querula di Jar Jar Binks, così No Going Back va preso: non ci sarà la possenza narrativa di Inflammable Material e Nobody’s Heroes (gli album più incisivi della band e più genuinamente punk) però ci sono tanti effetti speciali.

Senzabenza – Pop From Hell

Dopo ben 14 anni dal loro ultimo disco, esce il nuovo Senzabenza dal titolo Pop From Hell per la milanese Rocketman Records che lo produce nella doppia versione LP e CD con una bonus track. Ridotti a trio dopo la dipartita dell’ultimo bassista Eliano Zomparelli, invece di un sostituto ne hanno portati ben 16 reclutando un bassista diverso per ciascuna traccia da registrare, totale 16 bassisti per 16 pezzi. La vecchia guardia del punk rock nazionale è ben rappresentata da Mass dei Manges, Paletta dei Punkreas, Mendez dei Derozer, Olly degli Shandon, Steve dei Rappresaglia ai quali si affiancano le nuove generazioni con i bassisti di Volkov, Sensibles, Water Tower, Ratbones ed altri. Il loro flower punk rock sembra lo stesso degli esordi con tanta melodia e cori armonizzati a la Beach Boys, eccezione fatta per un paio di brani che richiamano invece al garage punk con l’ausilio della tastiera di Daniele Nonne. La produzione è eccellente e tutta la prima parte della scaletta (praticamente quasi tutto il lato A nella versione su vinile) ha un buon tiro: London Town, A Streetcar Named Desire, Do You Wanna Bring Me Down?, Someone, Chinese Takaway e Pop From Hell una dietro l’altra scorrono via alla grande con grinta ed energia.

La seconda parte invece, ha diversi cali di tensione e pezzi non proprio riusciti soprattutto nella ballata Solitary Man (che chiude il primo lato del vinile) e nella “sperimentazione” di I Only Need You On Saturdays. Quasi tutti gli altri restanti pezzi sono un po‘ sotto tono, solo Father Jack riesce a rialzare il tiro. Un disco sufficientemente buono per una qualsiasi punk rock band agli esordi ma dai Senzabenza ci si aspetta sicuramente di più.

Endrigo – Ossa Rotte, Occhi Rossi

Non si tratta di una recensione del grande cantautore italiano Sergio Endrigo. Non abbiamo avuto un cambio di tematiche o nuove scelte della redazione. Endrigo è il monicker di una band bresciana che giunge al suo debutto con questo full length intitolato Ossa Rotte, Occhi Rossi, che segue due EP pubblicati in precedenza, Spara del 2013 e Buona Tempesta del 2015. Ci troviamo davanti ad un lavoro diretto, aggressivo, che sprizza sudore in tutti i minuti che lo compongono. E questa definizione, che usiamo per la musica degli Endrigo, calza a pennello e ve ne renderete conto se ascolterete questo disco. E’ punk, e per chi scrive il punk deve proprio suscitare queste sensazioni. Non c’è però nulla di grezzo in quello che la band propone. Nonostante l’alto impatto delle canzoni, tutto è curato come si deve e nei minimi dettagli. Inoltre il cantato in molti frangenti sfiora l’hardcore e si avvicina molto a questa corrente musicale.

Eppure, nonostante tutta questa energia sparata in faccia all’ascoltatore, c’è anche una morbidezza di fondo che si percepisce in alcuni pezzi e tutto trova il giusto equilibrio facendo scaturire diverse sensazioni. Anche nei pezzi che si discostano dall’atmosfera generale dell’album, la band svela una grande capacità di costruire cose diverse e molto buone: Sobrio, nonostante il tema per niente leggero delle liriche, potrebbe essere tranquillamente un singolo di grande successo. Frankenstein mostra invece cosa sono in grado di fare gli Endrigo in fase di composizione “altra” rispetto al mood generale di Ossa Rotte, Occhi Rossi, svelando una capacità compositiva e di arrangiamento molto matura e per nulla da sottovalutare.

Obbligatorio per tutti gli amanti del punk, consigliato a tutti gli amanti del rock. Ottimo lavoro per questi ragazzi, a cui vanno i nostri complimenti.

The Buskers – Tronco

Tronco ci proietta dal 2017 al 1997 e tre/quattro anni seguenti che hanno visto da un lato il mainstream punk californiano dei Green Day, Offspring, Bad Religion, Lagwagon, da un altro quello un po’ meno mainstream dei Good Riddance, Pennywise e di Fat Mike e dei suoi NoFX e da un altro ancora quello nostrano dei mainstream di Prozac+ e del sottobosco indie punk di Atarassia, Punkreras e Pornoriviste. Sentire lo stesso sound trito e ritrito a distanza di quasi due decadi, seppure pregevolmente incazzato e hardcore (e anche ska alla Shandon in Coriandoli e un po’ anche in La Ballata Di Ieri) ha un sapore pesantemente stantio, soprattutto se, come con i Meganoidi qualche lustro fa, anche qui ci troviamo di fronte a dei supereroi che però in questo caso non ci “salvano dalla municipale”. I temi sono quelli del punk all’italiana: la ribellione e la critica alla middle class, ad esempio ascoltando Coriandoli verrebbe anche da chiedere ai Buskers che cantano della schiavitù al sistema (“quello che conta è il tuo posto in banca”) se nel mondo a oltre 20 anni di distanza da Punk Drublic la middle class e il posto in banca esistano ancora o se il sistema da criticare forse potrebbe essere un altro.

Tronco è un album che lascia un effetto strano e ambivalente: è suonato decisamente bene e rispetta i canoni stilistici del punk vero e sincero veloce e cazzuto, ma i testi le fanno a tratti cadere (esclusa Pirata D’Amore, dove c’è uno dei rari tocchi di vero e grande stile dell’album – un occhio di vetro che mangia il prosciutto – tanta roba). In dieci tracce e una ghost track sembra di essere nel mezzo di un’occupazione studentesca di un liceo emiliano di fine anni novanta mentre Alex insegue la gonnella di Adelaide (ndr da Jack Frusciante è Uscito Dal Gruppo per i nati dopo il 1990) il tutto mentre, sempre nel cortile di detto liceo le Pornoriviste improvvisano un “Noi Facciamo Quel Cazzo Che Vogliamo” e i Derozer offrono Brancamenta al bar della scuola (soprattutto nel “woooooooo o oo ooooo ooooo” di Pirata D’Amore).

Tirando le fila: un ottimo esercizio di stile, grezzo al punto giusto con una rispettabile rabbia ma il tutto sa un po’ di vecchio e già sentito tanto tempo fa, in una galassia non poi così tanto lontana. Mi dispiace ammetterlo, soprattutto quando l’energia del disco ci potrebbe essere, ma il detto Punk’s Not Dead valeva quando lo cantavano gli Exploited trent’anni fa.

Sloks – Sloks

E’ sempre un piacere ricevere in redazione un vinile. Soprattutto per chi, anni addietro, veniva sbeffeggiato, mentre faceva ottimi affari nei vari mercatini, da chi dava per morto il mitico supporto a favore del suo fratello minore, il CD. La storia ci narra che lo scorso anno proprio i dischi hanno superato, per quantità di stampa, i compact disc. Gli Sloks sono una band di Torino che rilascia questo lavoro a 33 giri da cui erompe una violenza sonora da lasciare basiti. La musica proposta è un punk che sembra riassumere tutto ciò che, in quel genere, è stato prodotto a New York negli anni ’70. E andando anche oltre, perché troviamo anche forti spunti no wave. Scopiazzature? Lo neghiamo nella maniera più assoluta. Un mélange ed una rilettura di tutto ciò che questa musica ha dato al mondo, a livello sonoro, in quegli anni mitici partendo dalla Grande Mela. Inoltre, Ivy Claudy usa la voce in maniera incredibile e, in più di un frangente, nelle sue urla disarticolate e piene di rabbia, sembra un Alan Vega in versione femminile.

Questo terzetto è davvero particolare ed è consigliato a tutti gli amanti del punk, in primis, e poi a chi ama sonorità graffianti e sperimentali o cerca un prodotto fuori dalle righe. Complimenti a questi ragazzi che riescono a mostrare in maniera egregia le loro armi, la loro musica ed i loro muscoli. Il tutto, rigorosamente lo-fi.