The Stab – …Non Verremo Spazzati Via!

I The Stab sono una vecchia conoscenza della scena punk italiana, attivi negli anni 90 poi sciolti e rinati nel nuovo millennio, oggi ancora in attività. …Non Verremo Spazzati Via! non è solo la conferma che la band non si è stancata per nulla ma anche la testimonianza che il quartetto usa (sempre) la musica per divulgare le proprie idee e i propri valori, proprio come il punk del 77. Il brano No Tav è molto chiaro in questo, non solo nel suo titolo che non lascia spazio a fraintendimenti, ma anche nello spirito e nei testi che collocano la band nel pieno della scena combat rock. Un’altra traccia che abbraccia molto lo spirito punk pur senza toccare temi “spinosi” è Per Te: tradizione, onestà e coerenza sono alcuni dei pilastri che muovono la scrittura di questo brano e possiamo immaginare il desiderio della band di proporlo in sede live. Dicevamo del loro impegno su svariati fronti come nella battaglia contro (l’abuso de) il progresso e la tecnologia (in L’uomo Uccide sono emblematiche le parole “ci fidiamo più dei computer che dei nostri antichi valori…dobbiamo riprenderci le strade“), a favore dell’animo anarchico (in Rabbia, con messaggi chiari fin dalla durata del brano) e del cammino che ciascuno deve compiere con le proprie forze (Terra E Fango). Da citare l’inno sulla storia dei The Stab che prende l’autoesplicativo titolo di Ancora Qui e lo spirito un po’ irish della conclusiva Questa Sera Piove.

L’ombra dei The Clash aleggia nella mente dei The Stab, non tanto dal punto di vista musicale, che cita maggiormente il nostro combat e il punk più radicato, ma per quello lirico e delle idee portate avanti dalla band. Probabilmente con un altro vocalist i The Stab potrebbero cambiare forma e magari attirare maggiormente l’attenzione di chi non è radicato nella scena musicale di riferimento della band (senza però ammorbidire la proposta, che non avrebbe senso), ma va riconosciuto che …Non Verremo Spazzati Via! è un album interessante, sicuramente di spessore per chi consuma abitualmente queste sonorità.

Mitici Gorgi – Chiamerò Un Taxi

La sperimentazione in campo musicale ha di certo i suoi lati positivi: ben vengano nuove realtà che propongono sonorità nuove e che cercano di crearsi una precisa identità. Talvolta però tutto ciò può costituire un’arma a doppio taglio. Vedremo il perché. Oggi parliamo dei Mitici Gorgi, band originaria di Siena nata circa una decina d’anni fa. Nel 2014, tramite Millesei Dischi, il gruppo pubblicò In The Gorgi Show. Li ritroviamo due anni dopo alle prese con un nuovo album, un EP intitolato Chiamerò Un Taxi, edito dalle stessa etichetta del suo predecessore. L’EP porta con sé sei brani (più una breve bonus-track) e catalogare i Mitici Gorgi in un semplice ed unico genere è impresa assai ardua: l’elettronica si dimostra colonna portante del loro sound, grazie all’intenso uso dei synth, dell’ableton e del mpc. Tutto ciò va a creare un sound che richiama in maniera evidente le sonorità electro punk degli anni 80. L’aggiunta di chitarre, risaltanti in maniera più evidente in Relation e nella successiva La Mamma Di Maiale, ci accompagnano verso lidi più ammiccanti al post-punk. Chiamerò Un Taxi è un concept album dove i Mitici Gorgi raccontano la storia della diciannovenne Gertrude, che attraversa una sorta di sogno, sogno che termina appunto con Il Risveglio, dove il dark-humor, l’horror, il sarcasmo, l’ironia a tratti tagliente dei testi vanno a costituire gli ingredienti principali di questo prodotto artistico.

Chiamerò Un Taxi non è assolutamente un disco di facile digestione. E’ un album non per tutti, di non semplice comprensibilità; pur mostrandoci una creatività, una tecnica a tratti sopraffina ed una fantasia sicuramente di forte interesse, il disco fatica ad arrivare del tutto a causa di alcuni passaggi che appaiono sconclusionati, al limite del disordinato. Da rivedere, o meglio, da risentire con un prossimo EP, o meglio ancora con un full-lenght.

Satanic Surfers – 666 Motor Inn

Passò solo un anno dalla pubblicazione di Hero Of Our Time, disco che i Satanic Surfers diedero alla luce nel 1996. Di quell’album non abbiamo potuto che elogiarne tutti gli aspetti e sostenere il fatto che, a quel punto, stava alla band svedese seguirne la scia confermando quanto di positivo è stato raccontato. E così fu. Nel 1997 arrivò un nuovo disco, 666 Motor Inn, che realizzò pienamente le speranze di chi apprezzò il lavoro precedente. Pubblicato tramite Burning Heart Records, 666 Motor Inn seguì perfettamente le orme del suo predecessore e diede una indelebile conferma sulle qualità di Rodrigo e soci (teniamo a precisare che la line-up della band rimase invariata rispetto al disco precedente, cosa abbastanza insolita per i Satanic Surfers). Le linee melodiche fungevano definitivamente da cornice su quel sound, incentrato sull’hardcore melodico, che ormai aveva pienamente raggiunto una precisa identità, dando piena certezza che, con tutto il rispetto e la devozione per le band proveniente dal Nuovo Continente, anche in Europa si poteva proporre con successo questo genere.

I tredici brani che vanno a comporre questo disco sono come legati da un unico filo conduttore, rendendo l’album un prodotto che non accetta pausa di alcun tipo. Ed anche per questo ci viene difficile trovare quali siano i brani che più si elevano rispetto agli altri, noi ci proviamo citando Start Over e Don’t Fade Away, pezzi che forse meglio di altri rappresentano ed incarnano l’identità dei Satanic Surfers. Ovviamente l’eco dei loro brani arrivò anche negli U.S.A., suscitando l’inevitabile interesse della sempre vigile Epitaph Records. Con la conseguenza che la storica etichetta a stelle e strisce collaborò per il nuovo disco del combo scandinavo, che vide la luce nel 1999. E sarà di Going Nowhere Fast che parleremo prossimamente.

Marrano – Marrano

Dai meandri dell’underground (è proprio il caso per loro di rispolverare questo termine obsoleto) arrivano i Marrano, un power trio che puzza di grunge, attitudine punk e alcol. Arriva in corsa, dopo una creazione davvero recente e un EP composto da 4 tracce e 12 minuti di ascolto. Non ci stanno tanto a rifletter su insomma, e quindi perché non registrare una manciata di riff grezzi con un cantato che resta volutamente in seconda linea e un basso che ti entra fin nei polmoni e detta i tempi di respirazione? La proposta dei Marrano non è però la classica uscita lo-fi di band simili e con poco passato alle spalle: il sound ci ricorda certo alternative rock anni 90 in cui le distorsioni erano accentuate, i testi avevano un significato tutto loro e il “rumore” veniva a galla come elemento valorizzante per la proposta e non sacrificando la musicalità. Tra coretti punk e riff a metà tra Smashing Pumpkins e Placebo, le 4 tracce scorrono molto veloci, le battute non sono velocissime ma il ritmo incalza e i Marrano ci restano attaccati.

Un buon assaggio sperando che presto arrivi un album completo ma che più di tutti venga presentato tramite numerose date live in quanto a nostro parere il sound di questa band arriva prima on stage che in cuffia.

Ermes – Ermes

Nel giro di pochi mesi (attenzione signori, pochi mesi e non anni) gli Ermes si formano, concepiscono 6 tracce, le registrano e le confezionano in un EP da dare in pasto a chiunque si trovi dinanzi al loro cammino. Il 2015 deve essere stato un anno importante per questa formazione, probabilmente un primo importante vagito per un progetto che speriamo sia lungo. Certo, è difficile farsi conoscere ma il quartetto ce la mette tutta anche grazie ad una proposta che non vuole cedere a compromessi. Il loro è un punk sporco e ruvido, non a causa di una produzione scarna (seppur essenziale) bensì per delle sonorità volutamente grezze, stradaiole. Eppure più ascoltiamo questo EP e più ci immaginiamo grandi appigli metal nelle radici di questi musicisti, dagli schiaffoni math (Mons Venus) alle linee vocali che sono tra l’hardcore e il metal (fin dall’opener Stevie Ray). 6 tracce per 13 minuti di ascolto chiariscono qualsiasi intenzione del combo, intenzione di distruzione e di rivoluzione confermato da momenti decisi e pieni di carica distruttiva, come Everything’s Dead che arriva senza anticipazioni.

E allora speriamo che questo progetto veda un futuro lungo e fruttuoso perché se è vero che questi ragazzi sono riusciti a realizzare dei pezzi così diretti e intransigenti in così poco tempo, allora non possono che regalarci grandi soddisfazioni in futuro.

Il Proposito – Kamikaze

Power punk in dieci tracce. Rieccoci nella metà degli anni ’90, quando l’etichetta Epitaph la faceva da padrone e band come Green Day, Offspring e Rancid dettavano legge ammiccando furiosamente da Mtv. Il ritorno del punk sembrava davvero cosa fattibile ed anche i Sex Pistols ebbero l’idea di riunirsi, anche se poi, come al solito, era tutto il classico fuoco di paglia e Amen Gesù. Il Proposito tira fuori dieci nuove tracce tra quel furore novantiano e un post-punk ascoltabile e carino, come il singolo Mio Fratello che sembra uscita diretta diretta dall’estate 1998. I dieci brani proposti sono tutti di ottima fattura, ma qui e lì si sentono delle incertezze e delle ripetizioni che fanno girare a vuoto il CD. Insomma, stanca presto. Tre accordi tre stancavano già per i Ramones nei ’70, figuriamoci nel 2015. Anche Questioni Radiofoniche, acustica al punto giusto, non brilla particolarmente anche se sicuramente ha il suo perché. Niente di nuovo all’orizzonte, ma questo è il punk quindi prendere o lasciare.

Lo consigliamo? Sì e no, se volete ascoltare un disco di post-punk italiano sicuramente, se volete ascoltare un futuro classico assolutamente no, in quanto si perde nel mare magnum dell’italico punk.

Kitchen Implosion – Pretty Work Brave Boys!

I Kitchen Implosion possono essere considerati tra i pionieri della scena folk-punk in Italia. Nati nei primi anni ’90 quasi per gioco, si sono mossi per anni e anni nel sottobosco musicale del nord Italia, subendo anche qualche cambio di line up. Negli ultimi anni la formazione originale si è riunita con nuovo entusiasmo dando regolarità ai loro live. La loro idea musicale nasce da una combo tra musica celtica irlandese con la vecchia scuola punk dei The Ramones o dei The Clash. Solo che i testi sono in dialetto piemontese, possiamo parlare quindi di “italian celtic punk”. L’opener dell’album è una delle più popolari ballate irlandesi, Danny Boy. All’inizio la traccia riecheggia delle note dei Ramones, ma ben presto si trasforma in una ballata punk rock. Barbagal invece è una cover di una canzone popolare piemontese che la band ha reinterpretato in chiave folk punk con chitarra e fisarmonica, donandogli un taglio decisamente catchy. I Kitchen Implosion attingono ancora a piene mani dalla musica tradizionale piemontese con Mag, traccia che parla appunto del mese di maggio, e La Bergera.

Il dualismo folk piemontese-celtico pervade tutto l’album, infatti se da un lato ci sono tracce ispirate alla tradizione italiana come visto, dall’altra ci sono tracce come Four Green Fields, le quattro province irlandesi Munster, Connacht, Ulster e Leinster ancora sotto il controllo della Gran Bretagna e The Merry Ploughboy, popolare canzone di indipendenza irlandese. A quest’ultima traccia si può accostare Valsesia, inno partigiano. L’album si conclude con Larmor Beach, che inizia con un intro di chitarra punk rock per virare poi in new wave e ska, senza però allontanarsi dal celtic punk. Questa è l’unica traccia originale del disco e vista la qualità incrementa la voglia di ascoltare un prossimo album di originali della band piemontese.

Questo album riesce a dare nuova vita a canzoni della nostra penisola e soprattutto a valorizzare una tradizione che è affascinante e coinvolgente come quella irlandese. Il messaggio potrebbe anche essere che la musica unisce i popoli e le tradizioni. A prescindere da tutto comunque stiamo parlando di un ottimo album e di buona musica. Non possiamo che aspettare a questo punto il prossimo album dei Kitchen Implosion.

Screeching Weasel – Kill The Musicians

Siamo nel 2005 e la rassegna di riedizioni da parte della Asianman Records di alcuni dei dischi dei mitici Screeching Weasel giunge al termine con una raccolta. Forse è il modo più logico per concludere questa iniziativa con un album che include oltre a brani già presenti in precedenti uscite, alcuni inediti e qualche cover. Questo disco vide la luce nel 1995 sotto la Lookout!, etichetta che ha supportato la maggior parte dei dischi della band di Chicago. Quindi questo lavoro diciamo che funge da riassunto dei precedenti dischi, con alcuni dei brani storici di Ben Weasel e soci come Kamala’s Too Nice, ed inediti come Soap Opera. Ottima invece la scelta delle cover: indubbiamente un omaggio alla band che ha influenzato gli Screeching Weasel e non solo con il loro punk rock, stiamo parlando dei Ramones, che vengono omaggiati tramite alcuni brani tra i quali Havana Affair e Judy Is A Punk. Trattandosi di una raccolta contenente ben trentuno canzoni c’è anche spazio per alcuni brani tratti da esibizioni live come Veronica Hates Me oppure con la bellissima Science Of Myth.

Quindi una raccolta che in realtà proprio del tutto non lo è, la Asianman Records conclude questa opera di restyling dei migliori album degli Screeching Weasel in maniera più che degna, un doveroso omaggio ad una band che ha insegnato non solo musicalmente lo stile punk rock con il suo sound, con le idee e tutto ciò che lo contorna.

Medusa – Migliore Attore Non Protagonista

Facciamo un salto fino al 2004 e parliamo di quello che all’epoca era un nuovo lavoro in studio per i Medusa che abbandonano la Extralabels per tornare con l’etichetta indipendente che li aveva “scoperti”, ovvero la Dracma Records: stiamo parlando del disco Migliore Attore Non Protagonista. I Medusa sono quattro torinesi che con il loro sound si sono proposti come una delle band più ammirate nel panorama underground italiano. All’attivo dal 1990, si formano come tutti gruppi grazie soprattutto a molta gavetta tra concorsi e piccole esibizioni nella loro zona. Prima di questo, pubblicarono un disco da studio intitolato Punkmotocross?!?, dove il loro stile si avvicinava molto di più al punk rock, da segnalare anche alcune collaborazioni tra questa band e Caparezza: quest’ultimo partecipa nel pezzo Il Mio Gatto, brano del disco precedente, mentre il vocalist dei Medusa, Diego, collabora e partecipa nel video del rapper pugliese Vengo Dalla Luna. Con quest’ultima uscita hanno voluto un po’ sperimentare; una principale e curiosa caratteristica dei Medusa è il fatto di avere nella line-up ben due bassisti, ciò naturalmente li porta a creare nuove situazione e sperimentare nuovi orizzonti, infatti Migliore Attore Non Protagonista è un insieme di diversi stili: molto meno punk, suoni un po’ più duri, con riff più graffianti e ritmi più incisivi, diciamo che da un lato vogliono avvicinarsi al ciò che è in voga ora musicalmente mentre dall’altro non disdegnano dei suoni un po’ più datati, insomma riescono a realizzare qualcosa di davvero molto interessante e apprezzabile.

Il disco è composto da dodici brani nei quali è davvero difficile scegliere quali sono degni di nota rispetto ad altri, ma voglio provarci lo stesso e allora citiamo Cingomma Alla Menta, pezzo stile ballad molto intensa, al contrario della molto più heavy Torino In Vetrina. Molto intensa la canzone di chiusura del disco Nitro, quasi interamente strumentale, dove appunto si possono percepire le capacità tecniche dei quattro membri della band. Per chi apprezza il genere underground del nostro paese non può farsi sfuggire questo disco, un disco nel quale non ci si annoia ascoltandolo; per chi invece aveva applaudito al precedente album dei torinesi Punkmotocross?!? dovrà rassegnarsi ad ascoltare qualcosa di diverso, di più innovativo che magari non soddisferà le proprie orecchie anche se resta indubbiamente un buon lavoro.