Foxboro Hot Tubs – Stop Drop And Roll!!!

Dopo la pubblicazione di American Idiot, avvenuta nel 2004, i Green Day, dopo un lungo tour mondiale e collaborazioni a scopi benefici con gli U2, si lanciarono “in incognito” in un progetto alternativo chiamato Foxboro Hot Tubs. In incognito perché tali Foxboro Hot Tubs non sono nientemeno che il terzetto di Berkeley, facilmente però riconoscibile soprattutto la voce di Billy Joe Armstrong che, tramite un apposito sito web, consente al pubblico di scaricare gratuitamente un disco intitolato Stop Drop And Roll!!! composto da dodici brani. Lo scopritore di questo progetto secondario dei Green Day è un deejay americano chiamato D.J. Rosstar, famoso al pubblico d’oltreoceano per svariate trasmissioni radiofoniche, e, a dire il vero, non è la prima volta che i Green Day si lanciano in questo genere di uscite; infatti nel 2003 sotto il nome di Network pubblicarono un disco tramite l’Adeline Records intitolato Money Monet 2020. Stop Drop And Roll!!! propone dunque i Green Day sotto un’altra veste, anche musicalmente parlando, perché nel complesso i tre californiani riescono nei dodici pezzi a creare una buona miscela di punk e rock’n’roll anni 60, stile che al primo ascolto potrebbe ricordare quello dei The Hives, soprattutto nel pezzo che apre l’album omonimo al disco. Segue Mother Mary dalle sonorità sempre abbastanza lineari con quelle del brano precedente ma con una spensieratezza che rende il pezzo più orecchiabile. Lo stesso discorso sull’orecchiabilità lo si può riproporre per quanto riguarda Highway 1 il sound si avvicina un po’ al garage.

Il brano che più si avvicina alle sonorità che siamo abituati ad ascoltare dai dischi dei Green Day è indubbiamente She’s A Saint, Not A Celebrity dove, anche in questo caso, non mancano chiari riferimenti al rock‘n’roll anni 60. Questo è un lavoro di notevole fattura, oltre ad essere  un’altra chiara dimostrazione del percorso di maturità intrapreso dai Green Day con American Idiot, affrontando con coraggio e spesso con successo, la voglia di sperimentare e di esplorare nuove sonorità, cosa che dieci o più anni fa nessuno avrebbe mai immaginato. Essendo un buon lavoro di certo meritava molta più pubblicità e non si capisce il bisogno di apparire sotto altro nome.

Shandon – Sixtynine

Quinto lavoro discografico per gli Shandon, band dell’hinterland milanese oramai conosciuta non solo in Italia ma anche in molte parti d’Europa. Ascoltando i precedenti dischi si può dire che questa band ha proposto nell’arco della loro carriera musicale principalmente un genere che si può identificare nello ska-core, che quindi nella loro base musicale si sia data molta importanza a riff graffianti contornati da fiati. Con Sixtynine sembrano voler sperimentare nuovi suoni, l’icona di ska-core band rimane ma con sfondi che vanno dal dark sfociando anche in un ottimo hardcore melodico e questo è un chiaro segno di maturità del gruppo, disposto ad arrivare a nuovi orizzonti senza tradire le caratteristiche che accompagnano la band sin dagli esordi. Anche i testi delle canzoni sembrano più ricercati e impegnati rispetto al passato. Questo album, prodotto da Ammonia Records e distribuito dalla Sony, è composto da 13 tracce (nel CD in uscita nella versione standard), mentre nella versione digipack sono in più presenti 4 bonus track e 2 tracce CD-rom; si apre con F.D.P.: un intro di chitarra con tanto di presentazione per poi trasformarsi in un pezzo in puro hardcore melodico che è Wrong Way. Segue It Was A Promise, anche qua l’intro è curioso, violini per poi partire con i fiati e una batteria veloce sempre però con molta melodia. La quarta traccia è la hit-single Viola, ska-core molto orecchiabile cantato in italiano. Con la ballabile Like A Want si torna allo ska.

Startin’ Line, che si avvale della collaborazione di Andrè dei Madbones è un pezzo molto cattivo e coinvolgente, in vero sitle punk hardcore, la seguente Drunk può ricordare i primi Shandon, da segnalare anche  in questa canzone una collaborazione nelle voci effettuata da Marco dei De Hejderoosjes. Un ultima collaborazione gli Shandon l’hanno ottenuta da Ana degli Analena per l’esecuzione dei brani Time e Heaven In Hell. Anche in questo album la band lombarda esegue una cover: questa volta, dopo avere riadattato a modo loro Seek And Destroy dei Metallica in Fetish, si cimentano con From Out Of Nowhere dei Faith No More, rieseguita in stile hardcore melodico tra l’altro molto ben riuscito. Se dobbiamo scegliere il pezzo migliore di questo disco potremo dire, oltre a Time, Hunter traccia numero 11, ska-core travolgente, chitarre pesanti e fiato come contorno. Chiude il disco la ballad The Choice. Molto curiosa anche la copertina del CD dove abbiamo il primo piano di un clown. Nella quattro bonus track il pezzo migliore è The Scene, travolgente, melodica e allo stesso tempo graffiante, l’ultima canzone è la versione al pianoforte di Revenge dove Olly si cimenta al pianoforte, creando una ballad molto bella, ascoltabile e anche inaspettata. Nel disco sono presente, come detto prima, anche 2 tracce per CD-rom, le versioni video di Washin’ Machine tratta da Not So Happy To Be Sad e Liquidate All My Strenght.

Questo lavoro degli Shandon è un buono disco; riescono al tempo stesso a proporre nuovi suoni, nuovi generi per loro, ma mantenendo il loro DNA principale di ska-core band, una vera e propria (e pur riuscita) prova di maturità per Olly e soci.

De Heideroojes – Chapter Eight, The Golden State

Tra i capostipiti della scena punk europea è impossibile non menzionare gli Heideroosjes, band olandese di indiscutibile fama e capacità, attiva da quasi vent’anni e con alle spalle sette dischi da studio, più altre varie uscite tra raccolte e DVD. Siamo nel 2007 e riecco il quartetto di Horst tornare in scena con un nuovo parto musicale, intitolato Chapter Eight, The Golden State ottavo disco da studio (proprio come si può intuire dal titolo), composto da quindici brani tra i quali sono presenti quattro pezzi cantati nella loro lingua madre, ovvero l’olandese; ciò a significare, come già comunque avvenuto in passato, quanto loro siano legati al loro Paese d’origine. Il disco è stato registrato in California e prodotto da Cameron Webb già in passato alle prese con gruppi più noti ed anche di diverso genere come i Motörhead e gli Zebrahead, ed a proposito di Motörhead, va segnalata la partecipazione alle registrazioni di questo disco del leader della speed-metal band inglese Lemmy, ma anche di Zoli Teglas degli Ignite. Il disco presenta dei punti alti ma anche dei punti mediocri, si va dagli apprezzabili momenti di hardcore melodico come nel primo brano What If, ma anche in Primeur! Terreur!, in All Your Goverment Does dal testo fortemente politicizzato, e nella traccia che funge da chiusura del disco Shout Out For Freedom, e si passa per episodi molto più orecchiabili tendenti al pop punk come nella scanzonata My Funeral che può benissimo ricordare un qualsiasi brano dei Green Day; persino il cantante Marco Roelofs sembra si diverti a scimmiottare Billy Joe Armstrong, stesso identico concetto lo si può riproporre per quanto riguarda un altro brano ovvero Lekker Belangrijk.

Nei dischi che si potrebbero catalogare nell’hardcore melodico, nella maggior parte dei casi sembra che, per quanto riguarda gli ultimi anni, debba per forza di cose presenziare una rock ballad, ed infatti anche gli Heideroosjes non vogliono mancare a questa nuova “usanza” proponendo la lenta e melodica Ik Ben Niet Bang, brano dalle tinte struggenti e malinconiche al limite del patetico. In qualsiasi gruppo di qualsiasi genere, dopo molti anni di attività, può tranquillamente capitare che le idee comincino a scarseggiare e gli stimoli a mancare e, ascoltando questo nuovo disco, sembra che il combo olandese sia all’inizio di una parabola discendente; come già detto prima, non si tratta di un disco completamente da buttar via, sia chiaro, i punti forti e di apprezzabile fattura non possono mancare trattandosi di un gruppo con un invidiabile esperienza, sia da studio che live, però sta di fatto che il disco in certi casi appare privo di mordente e carente di idee, ad esempio ascoltare l’inizio di Forgotten Continent praticamente identico all’intro di chitarra di Penguins & Polarbears dei Millencolin.

Dagli Heideroosjes è lecito aspettarsi molto di più, anche se il loro meglio l’hanno dato negli anni passati, tant’è che la loro onorabilissima carriera si è poi conclusa nel 2011.

The Queers – Munki Brain

Siamo nel 2007, sono passati esattamente cinque anni dal loro ultimo disco contenente brani originali; quel disco si intitolava Pleasant Scream, ovviamente la band in questione è quella dei The Queers, combo originario del New Hampshire capeggiato da Joe Queer e formatosi nell’ormai lontano 1982. Naturalmente i The Queers, in questi cinque anni che separano l’ultimo disco dal nuovo non sono stati con le mani in mano, vi sono state alcune loro uscite, tra le più importanti è lecito menzionare lo split con gli spezzini The Manges intitolato Acid Beaters uscito nel 2003 (dal quale viene tratta e riproposta in questo nuovo lavoro Girl About Town, cover di Helen Love) ed una raccolta di vecchi brani intitolata Summer Hits No.1 pubblicata l’anno successivo. Il nuovo parto di Queer e compagnia si intitola Munki Brain, è edito Asian Man Records, prodotto da Mass Giorgini e contiente tredici pezzi per poco più di mezz’ora di musica; da segnalare che per le registrazioni di questo disco hanno collaborato alcuni special guest, tra i quali Ben Weasel che ha la firma nel testo di Tangerine, Blackie (Hard-Ons) che partecipa alla chitarra in Whatever Happened To Philty Phil? e Lisa Marr che presta la sua voce in Brian Wilson, ballad cantata a due naturalmente insieme a Joe Queer, brano che funge anche da chiusura del disco.

Gli ultimi lavori dei The Queers, volendo fare un discorso ampiamente generalizzato, non sono stati molto apprezzati dai loro più fedeli sostenitori, ovviamente neanche questo Munki Brain raggiunge la completezza e l’impatto di Don’t Back Down, ma possiede comunque alcune frecce nel suo arco; abbiamo brani tirati, tendenti al punk rock che ha caratterizzato il loro sound nel passato come Houston We Have A Problem, Monkey In A Suit e le già citate Tangerine e Whatever Happened To Philty Phil?; vi sono alcuni brani che richiamano sonorità devote ai Beach Boys come la open-track Overdue, Duke Kahanamoku, I Can’t Stay Mad At You e I’m A Fool il cui intro può far saltare alla mente Grease, ed il pezzo in toto è fortemente influenzato dal sound che contraddistingueva gli anni 60 negli U.S.A.. Non mancano episodi molto più melodici come I Think She’s Starting To Like Me dove c’è un notevole uso delle tastiere da parte di Mickey Last e la già menzionata Brian Wilson.

Nonostante i The Queers abbiano perso già da qualche anno quella vena punk rock che li caratterizzava nello scorso decennio, Munki Brain resta comunque un discreto lavoro, curato in maniera ineccepibile sotto tutti gli aspetti, che però non farà impazzire chi segue il combo di Portsmouth da tempo, per chi volesse avvicinarsi a questa band è consigliato l’ascolto di tutta la discografia sin dagli esordi ai tempi di Lookout!.

Paolino Paperino Band – Porcellum

Dopo aver dato alle (ri)stampe il seminale Pislas, disco fondamentale per la scena punk italiana anni ’80, la P.P. Band torna con un disco inedito. Dopo oltre venti anni di silenzio, grazie alla politica del crownfunding, la band, con solo Yana e Termos della formazione originaria, licenzia undici nuovi brani. Purtroppo il tempo è passato anche per loro e ciò si sente: i nuovi brani non hanno più quella freschezza e irriverenza di venti anni fa. Certo, i testi sono sempre grandi vaffanculo alla società: Giornalista è un bell’attacco ai santoni televisivi, Referendum è la vecchia fetta 2.0. Ciccioli è un tributo alla loro terra, l’Emilia. Il maiale, i compagni, i caduti, la provincia. Sampietrini è introdotta da un bellissimo riff di chitarra (richiama qualcosa anni ’80 ma non riusciamo a ricordare cosa). Insomma, piccole perle, degne della loro storia si mischiano a brani decisamente stanchi (Peones) ma d’altra parte mantenere verve, cazzeggio e rabbia punk è sempre difficile. Per i vecchi fan il disco sarà sicuramente un piacevole ritorno, specie dopo il maxi regalone di Pislas (a questo link è disponibile la nostra recensione).

Però è innegabile che lo spirito compositivo non è più quello di una volta e che Pislas e Porcellum sono distanti anni luce. Lo consigliamo ai veri fan mentre per chi non li conosce suggeriamo Pislas.

Revo Fever – Più Forte

Riceviamo e recensiamo il primo full leght dei Revo Fever, ventenni, giovani, ma già con due EP alle spalle. Ai ragazzi non manca esperienza live, dalle note in nostro possesso sappiamo che il gruppo ha condiviso il palco con nomi altisonanti della scena indie rock quali Ministri, Dente, Tonino Carotone, Il Fieno eccetera, quindi non parliamo di fanciullini di primo pelo. Rispetto ai due precedenti lavori notiamo un ammorbidimento generale del suono: abbandonati gli aggressivi riff degli esordi, il gruppo si circonda di suadenti armonie acustiche (e ovviamente elettriche). Insomma, si ringrazia la loro esperienza busking in giro per le strade di Spagna, Germania, Croazia e Italia se le venature garage rock del primo periodo si sono fuse con una nuova anima acustica. Più Forte nasce dunque così, richiamando lo spirito guida del periodo vissuto e i testi, in rigoroso italiano, raccontano proprio tali esperienze. Nonostante le liriche in italiano i riferimenti (musicali) al nostro Paese finiscono qui. Sicuramente il loro punto di partenza è il vorticoso rock dei Franz Ferdinand o alcune aperture dei Queen Of The Stone Age (Tutti I Santi Giorni), o ai Black Keys e Violent Femmes, fino a giungere ai big Oasis (e dunque a qualcosa del caro, vecchio brit pop).

I brani proposti sono, in verità, alquanto altalenanti: dall’ottima A Occhi Chiusi all’imbarazzante Non Chiedermi Come Sto (luoghi comuni a go-go) fino all’autoironica Ho Finito La Benzina. Assolutamente ok l’attitudine diy della band, che ha scritto, registrato, mixato e masterizzato la musica nonché ideato, stampato, piegato, timbrato e cucito (si, avete capito bene…cucito!) la confezione del cd. Lo promuoviamo con una sufficienza ma siamo certi che al prossimo album i nostri dubbi verranno meno.

Smoke Or Fire – This Sinking Ship

Due anni dopo Above The City, ecco di nuovo gli Smoke Or Fire alle prese con una nuova uscita, intitolata This Sinking Ship, full-lenght che vede la luce, come il precedente, sotto l’etichetta discografica Fat Wreck Records, nota per essere di proprietà di Fat Mike dei Nofx ma soprattutto per avere supportato numerosi artisti e dischi di successo. Per avere compiuto quasi dieci anni di carriera (si sono formati nel 1998) gli Smoke Or Fire non hanno alle spalle numerose uscite discografiche, preferendo legittimamente l’attività live, linfa vitale per questo genere musicale. Prima della realizzazione di questo nuovo album c’è stata una variazione nella line-up della band di Richmond: il batterista Nick Maggiore ha abbandonato il gruppo per motivi familiari sostituito da David Atchison, ex-drummer dei From Ashes Rise. Con Above The City avevamo conosciuto una band alle prese con un discreto connubio punk-hardcore, ma senza quel qualcosa che li facesse risaltare, era sì un album di discreta fattura ma mancava quel salto di qualità che avrebbe permesso alla band di avere una lodevole considerazione. Tale salto di qualità lo si aspettava con il nuovo disco ed al primo ascolto è facilmente udibile un cambiamento di rotta dei quattro verso suoni più melodici e facilmente recepibili, un sound che va quasi perfettamente a passo con i tempi attuali. Il punk che si ascoltava nel disco precedente diventa molto più malinconico e orecchiabile, basti ascoltare brani come What Separates Us All, Melatonin e I’ll Be Gone tanto per citarne alcune, non mancano cenni più accostabili con il power-pop come nella title-track This Sinking Ship ed anche melodie a tinte più rockeggianti come in Shine seppur a brevi periodi e, in maniera molto più frequente le si trovano nel brano che chiude il disco Folding The Pages.

L’uscita del nuovo lavoro degli Smoke Or Fire era abbastanza attesa, molta era la curiosità su che strade avessero intrapreso, ma ci si trova, ancora una volta, davanti ad un disco che pienamente non soddisfa; la band, nonostante sia attiva già da qualche annetto, sembra a tratti incompiuta, alla disperata ricerca di quell’identità che ancora non ha pienamente trovato. Il disco in sé non è assolutamente un pessimo lavoro, può benissimo essere gradito a chi apprezza sonorità più “soft”. Non tutte le ciambelle riescono con il buco dice il proverbio: in linea perfettamente con il lavoro della Fat Wreck, che ci ha abituati ad uscite nettamente migliori.

Guacamaya – Come Un Pugno Nello Stomaco

A dieci anni dalla loro nascita, tornano i Guacamaya, autentica realtà del panorama combat-punk. Originari lombardi seguono la scia del rock socialmente impegnato stile Los Fastidios, Malavida o The Gang, ma con note sparate ad alto impatto sonoro, con un punk rock dai testi schietti, ruvidi e diretti. Tramite la Kob Records e la Rusty Knife Records pubblicano Come Un Pugno Nello Stomaco, nuovo album che non è altro che un tributo alla loro carriera, disco nel quale i Guacamaya ripropongono dei loro brani, ma anche cover, pezzi tratti da concerti e altre tracce che indubbiamente suscitano curiosità. L’intro del disco è affidato a Marino Severini, leader dei Gang, storica combat rock band marchigiana, il quale legge uno stralcio tratto da Racconti Per Una Solitudine Insonne del Subcomandante Marcos (leader dell’EZLN, movimento rivoluzionario del Chiapas, zona meridionale del Messico). La musica arriva con Sulla Barricata, brano dalle forti tinte punk rock, proseguendo per un’altra citazione di Marcos, ovvero La Alegra Rebeldia, brano che i Guacamaya traducono e ci costruiscono sopra un più che apprezzabile brano punk rock. Nel disco sono presenti diversi omaggi a personaggi noti per il loro impegno nel campo umanitario, come nel caso di Radio Guerriglia, brano dedicato a Vittorio Arrigoni, ucciso tre anni fa, e noto per il suo forte impegno per i diritti del popolo palestinese, oppure nel caso di Folsom Prison Blues, cover dello storico brano di Johnny Cash, omaggio per il decennale della scomparsa del “man in black”. Un altro omaggio è per Dax (Davide Cesare), frequentatore di un centro sociale milanese, ucciso in un agguato sempre a Milano nel 2003, il quale i Guacamaya gli dedicano Solo Odio (Dax Resiste).

Il disco volge verso la conclusione con Fermiamoli, altra cover, stavolta dei Gang, che indubbiamente sia musicalmente che con il loro impegno e la loro coerenza hanno influito molto sul percorso musicale del combo lombardo. Curioso l’intermezzo Voglio I Miei Scalpi che non è altro che un breve tratto parlato estratto dal monologo di Aldo Raine, interpretato da Brad Pitt nel film Bastardi Senza Gloria di Quentin Tarantino, monologo nel quale il personaggio esorta il suo esercito a vendicarsi e ad uccidere i nazisti. Come Un Pugno Nello Stomaco rispecchia fedelmente il suo titolo; il disco è un vero colpo diretto che, tramite un ottimo punk rock e testi mai banali e semplicemente sputati in maniera schietta, porta rabbia, coraggio e quel pizzico di tristezza per i personaggi citati poc’anzi che, purtroppo, non sono più tra noi.

I Guacamaya sono un’ottima band che meriterebbe molta più visibilità di quanta ne abbiano e sicuramente possono essere apprezzati da chi ama il genere proposto, soprattutto per chi condivide le loro idee e posizioni su diversi argomenti, idee che la band non esita affatto a nascondere.