Misfatto – L’uomo Dalle 12 Dita

Per farvi intuire l’intensità di questo album potremo raccontarvi la storia dei Misfatto, lunga almeno tre decadi, o dirvi che queste dodici tracce sono state composte negli ultimi dodici anni, ma probabilmente non renderemo bene il concetto. Chi non conosce la band immaginerebbe riff polverosi e uno stile indietro nel tempo, tutt’altro: L’uomo Dalle 12 Dita è un album che suona assolutamente moderno, anzi sbalordisce in quanto a produzione e suoni; non esageriamo nel dire che ad ascoltare questi brani tra 5 o anche 10 anni risulterebbero ancora attuali. Cura, attenzione, in una forma canzone che varia ma che non fa perdere mai la bussola. Uno stile che offre tanto ma che non intende sperimentare, soluzioni a prova di chiunque, una medicina che ha un sapore dolce e che come tale entra dentro il nostro organismo con una semplicità incredibile; pochi sono gli ascolti necessari per fare proprio questo lavoro, appunto intenso.

Spettacolare l’uso dell’elettronica: a parte qualche momento in cui la band intende disintegrare le frontiere dei generi e quindi vi ricorre a mani basse, l’elettronica non intende invadere i brani ma resta sempre al servizio di una digeribilità sonora (potremo dire melodica) che rende ancora più familiari le tracce. In quanto a commistione di generi non è un caso che la strofa di Apapaia sembra cedere alle malizie del pop (come in realtà poi avviene in Le 10 Lune), ma in realtà non fa altro che fungere da apertura per un ritornello fortemente elettrico, un brano deciso che piazza una zampata nel rock contemporaneo. Fantastico il doppio senso di 51 States Of America e “stati uniti”, nel senso di essere stati una coppia, un brano in cui gli arrangiamenti risultano davvero oro colato in un duetto vocale che solo poche band possono permettersi con questo spessore. A dover scegliere, segnaliamo Oltre Il Mare, un pezzo dalle tinte hard rock che indurisce il sound e ci conquista; degna di nota anche la titletrack dalle tinte prog in cui ci avremo visto bene una tastiera in evidenza, giusto per confermare le riminiscenze purpliane, ma i suoi 4 minuti dicono già tanto così.

Torna il tema del tempo e del viaggio, citati in vari momenti, segno questo a parer nostro che L’uomo Dalle 12 Dita non può essere letto in maniera statica, piuttosto una intima e profonda apertura verso un modo di scrittura trasversale ma essenziale. Risultato: capolavoro.

Safari – La Gente Non Sta Bene

Arrivano i Safari, band che in sede live ha avuto già diverse occasioni di farsi conoscere. Ora si presentano con un EP, quattro tracce e una manciata di minuti a suon di rock. Il titolo è tutto spiegato nell’opener, una pop rock song con dei suoni maggiormente distorti rispetto a quanto si possa immaginare e dei testi affilati che più che il classico sfottò lasciano spunti su cui ragionare. Ma lo spirito dei Safari è più punk che rock, musicalmente invece puntano sempre su ritmiche sostanzialmente caute: un esempio è Niente Di Speciale che se fosse accelerata a dovere sarebbe una punk rock song perfetta, in questa veste resta comunque interessante ma perde un po’ della sua carica emotiva, pur sfiorando parti interessanti dal sapore Voina. Non è detto che non sia questa comunque la veste più adatta da presentare al pubblico, infatti la successiva traccia ci arriva con intensità, una sorta di ballad ma che non disconosce il graffio della chitarra elettrica, a tratti una b-side del periodo grunge degli anni 90 con delle liriche facili anche per il “pubblico generalista”. Solo con l’ultima Tu si arriva al cuore del rock, con riff sporchi e stoppati e liriche incastrate in una ricetta appunto rock al 100%; qui i Safari spingono e forse anticipano un sound più robusto verso il quale si stanno evolvendo.

Probabilmente con una seconda chitarra si potrebbe ambire a costruzioni più interessanti ma il sound della band ci piace anche così, nella sua essenzialità.

The Danger – The Danger

Rock duro made in Italy dai The Danger che sono in giro per i palchi da diversi lustri ormai. L’esperienza c’è tutta, come anche la composizione e la struttura dei brani. Purtroppo testi e cantato non sono per nulla eccezionali e trascinano tutto il prodotto in un limbo che è difficile anche da definire. Dopo diversi ascolti, continua a sembrare un album tratto da un musical. Un musical dedicato al rock e al metal. In questi undici brani si parla proprio di tutto ciò che riguarda questo genere; chitarre, bar, ragazze e giacche di pelle. Schitarrate e assoli impeccabili si alternano, con buoni risultati, con sonorità a volte blues, a volte heavy. Fila tutto per il meglio. Ma allora perché sembra tutto così poco reale? So bene di avere nel lettore un CD fatto da chi sa suonare e da molto tempo lo fa ma, ripeto, la sensazione è quella di uno di quegli sketch comici dove vengono scimmiottati i metallari; Metallari che è anche il titolo di una delle canzoni dell’album. Autoironia o convinzione estrema?

La scelta dell’artwork, un “Gesù in croce” in versione femminile, non mi aiuta a comprendere meglio, anzi mi porta ancora di più a pensare al musical, con l’accostamento naturale a Jesus Christ Superstar, che conteneva però delle vere e proprio perle della storia delle soundtrack. Tornando ai nostri rockers romagnoli, il CD è, come detto, un album di 11 pezzi rock tra il serio e il faceto che non prende una direzione precisa e si ritrova lontano dai capostipiti del genere rock comico/demenziale italiano come anche dai grandi nomi del rock made in Italy. Nella confezione anche un secondo CD, con la stessa scaletta eseguita in inglese. Scelta bizzarra, forse con mire di esportazione, che però non cambia il risultato del prodotto. Anche in lingua inglese le sensazioni restano le stesse. La sufficienza è per rispetto alla carriera e per la musica, oggettivamente ben suonata. Se diventasse realmente un musical, forse sarebbe da andare a vedere.

Listener – Being Empty: Being Filled

Parafrasando il titolo del quarto album dei Listener possiamo chiederci: ci sentiamo vuoti o pieni dopo queste dieci tracce? A nostro parere far pesare la parola “empty” su questa risposta denoterebbe un ascolto disattento, perché se l’album viene ascoltato come semplice sottofondo il rischio di far cadere questi ragazzi nel calderone del “già sentito” è altissimo: diversi sono gli stati d’animo, pacati e spigolosi ma mai così pericolosi e dannatamente mortali se non li si guarda in faccia. I riff metal in Little Folded Fingers, le spoken word dell’opener Pent Up Genes, gli effetti fuzz sparsi qua e là, quel sapore di indie (straniero) incastrato in una cornice che è rock puro, tutti fattori che rendono saporito il piatto dei Listener ma le loro idee non partono dal condimento, è l’idea che è alla base che fa l’80% del tutto. In brani come Shock And Value ad esempio si sente tutto il senso di ribellione, di quel disagio che represso per anni ti porta a scrivere musica ed è forse da qui che i Listener hanno iniziato anni fa e sicuramente qui che sono giunti ad oggi.

Ma più di tutti, con tutta franchezza, ci colpisce la perfetta alchimia dei suoni: il basso dalla personalità strozzata, che probabilmente da solo farebbe inorridire qualsiasi amante del quattro corde, ma che qui sposa in un matrimonio d’amore la sei corde la quale a sua volte disegna tracce così diverse ma sempre copiose di espressività; le linee vocali che prediligono il parlato ma anche quando non lo sono irradiano di musicalità. Un rock personale, caratteristico e che va ascoltato varie volte per apprezzarne tutte le diverse sfumature.

Wedge – Killing Tongue

I tedeschi Wedge arrivano al secondo disco su cui le aspettative, prodotte in quattro anni, erano molto alte. La band non delude, muovendosi sul fronte del rock seventies, fra riff secchi (Lucid) e tastiere fumose (Nuthin’), richiamando Kadavar e Atomic Bitwax ma senza disdegnare (come potrebbe essere altrimenti) il fulgido passato creato da Hendrix e Deep Purple. Non è un mero revival né trito omaggio agli anni settanta, i nostri giocano con vari generi partendo da una solida base rock’n’roll in Tired Eyes, debitrice dei Led Zeppelin di The Song Remains The Same, ma che ricorda nel sound i primi Wolfmother. Non può mancare la ballad classica, si fa per dire, rintracciabile in Quarter To Dawn che attinge dalla prima formazione di Santana, fatta di chitarre acustiche che aprono le danze per l’arrivo delle percussioni con cambi ritmici in crescendo. High Head Woman vola alta su ritornello appiccicoso mentre Killing Tongue sfoggia tastiere scintillanti. I Wedge sparano, in modalità automatica, un susseguirsi di sapori diversi uniti fra loro dal collante dell’hard rock (Alibi). Who Am I è un altro piece rock granitico, veloce, penetrante e corrosivo che scomoda gli imperiali stacchi ritmici di Mr. Tony Iommi.

Un’altra stoccata, figlia di Grand Funk Railroad, arriva con Push Air che negli stacchi ricorda anche il lavoro certosino fatto dai fratelli Young (Ac/Dc) ma che, a metà, si trasforma in una bolgia blackmoriana mentre ci si avvicina alla coda del disco. Il sigillo è affidato a No che, in tutta onestà, nulla toglie o aggiunge al valore del disco, valore che va ben al di là della noiosa ricerca a tutti i costi della novità. Questa è musica ben congeniata, prodotta e suonata da un’ottima band, il resto sono solo inutili chiacchiere, che vi piaccia o no.

Peter Piper – Temporary Surface

Così come John “Hannibal” Smith “andava matto per i piani ben riusciti” a noi di RockGarage e al sottoscritto in particolare piacciono le cose fatte per bene. E non ci riferiamo a investimenti a sei cifre, packaging super lusso, servizio fotografico con Toscani o musica che punti nella direzione più innovativa possibile. A volte non serve così tanto, serve la giusta attenzione, tanto gusto musicale e un pizzico di buon senso: ecco i tre segreti per realizzare un grande album. Nessun tentennamento nel dire che questi giovani Peter Piper hanno tutte e tre le carte vincenti e (cosa non altrettanto scontata) riescono a giocarle alla grande nel loro EP d’esordio, caldo, anzi scottante. Già l’opener ci rispedisce negli anni 90 e ci affascina con quel wah wah che ci accarezza mentre il ritmo incalza dopo il primo ritornello, ma anche il funky stoppato di Glasgow Smile ci piace. Take What You Need è un passo più in là, per una scelta sonora diversa delle due chitarre, un suono più polveroso, più vicino al metal che al rock che viene condito molto bene da una voce più strizzata; sembra di ascoltare un’altra band, una delle tante proveniente da New Orleans. In una situazione di questo tipo una band può solo scivolare sulla buccia di banana dal nome “ballad”: ed invece anche Retrocausality risulta un ottimo brano, provate ad ascoltarlo ad occhi chiusi, vi verranno in mente tante realtà del rock anni 90 ma anche del nu metal alle prese con ballad che poi sono rimaste per mesi nei nostri lettori.

Ottima prova, iniziamo a scaldare le cuffie per il loro full-lenght ma siamo pronti anche a saltare sotto il palco visto che siamo certi che la musica dei Peter Piper possa funzionare davvero molto bene anche in sede live.

Hung Over – Hung Over

Gli Hung Over decidono di uscire allo scoperto e dopo anni di tentativi, cambi di line-up e incazzature contro il mondo, ce la fanno a dare alla luce il loro primo full-lenght omonimo. Rock, decisamente rock, i ragazzi hanno vissuto profondamente gli anni 90 e ascoltato tantissimo quella musica lì tanto che alcuni riff ci ricordano proprio la scena grunge (Dun Loaghaire) ma, per fortuna, non si fermano a quegli schemi che ormai tante formazioni emergenti propongono ancora oggi. Spuntano fuori linee di basso in prima linea su tutto (Friday The 13th), piazzano un pianoforte (The Gift), un pizzico di rock’n’roll (Ancient Love) e un approccio quasi teatrale alla costruzione dei pezzi. Belle le influenze inglesi in Wrong Choice, un pezzo british non solo nel suo incedere ritmato ma anche nello stile vocale, radici che in altri pezzi non sono così evidenti. Un album decisamente variegato, con tante idee, mescolate bene e con una produzione davvero all’altezza. In alcuni frangenti ci sembra di ascoltare delle composizioni quasi da colonna sonora, dove non vi è un riff centrale ma uno spirito di songwriting da band affermata, alla ricerca di trame più che di pattern; in qualche momento non convince appieno, come in Goodbye My Darling, ma si può perdonare qualche momento più acerbo e, anche se curato, meno finalizzato al risultato finale.

Probabilmente quello che manca è qualche brano cattivo che resti impresso e che faccia divenire infuocato il tasto repeat, un po’ come accade in Ancient Love ma con una marcia in più a livello ritmico; ci riescono con Dun Loaghaire, un pezzo che ci piace, ma che è sempre molto legato allo spirito di Seattle e poco alla personalità della band che è sicuramente in costruzione. Infine carino l’artwork ispirato ai personaggi della lego, un booklet interno più ricco, magari con i testi, avrebbe reso il prodotto ancora più appetibile. Una bella prova, assolutamente da ascoltare.

Audyaroad – What Is The Price?

Fa sorridere pensare che musicisti geograficamente distanti e quindi con esperienze e influenze differenti si ritrovino a suonare lo stesso genere in tutto il mondo; prendete gli Audyaroad ad esempio, loro si trovano in Lombardia eppure suonano del rock americano più autentico del chewing gum! Dalle mie parti (provincia di Nuoro) si usa un detto poco elegante ma che rende l’idea: “Itte gherese impare a babbu a coddare?” utilizzato per sottolineare che non puoi insegnare qualcosa che altri conoscono da prima di te, ma nel caso dei Audyaroad possiamo dire tranquillamente che possono insegnare come si fa rock anche a quelli che pensano di conoscerlo. What Is The Price? è un ottimo album rock di quelli che scalerebbero le classifiche se sopra ci fosse scritto Red Hot Chili Peppers o altri nomi altisonanti, il CD cresce ad ogni ascolto e convince dalla prima all’ultima nota scivolando via durante l ‘ascolto senza mai annoiare. MR. Dynamite apre l’album nel migliore dei modi con un riff duro e un ritornello accattivante, ottima la prova vocale di Marco J. Ferrara che trascina tutta la band grazie a un tono caldo e versatile del quale fa sfoggio anche nella successiva Flavour Of A Dream, altro ottimo brano rock.

Great Blue Wave viaggi su registri più soft e non sfigurerebbe in qualsiasi album dei Foo Fighters, mentre Thinking Back ci riporta su registri più duri ma sempre accessibili e radiofonici con un’ottima prova strumentale di tutta la band, affiatatissima specie nei brani Just a Number e What Is The Price caratterizzati da buone soluzioni chitarristiche. Hey Man è un’ altra perla posta in chiusura per sigillare un ottimo album rock che sicuramente può essere collocato al di sopra della media delle uscite discografiche estere dello stesso genere, geograficamente e culturalmente (dal punto di vista musicale) più avvantaggiate.

Samsa Dilemma – Wake Up Gregor!!

Riccardo Pro è un nome noto nella scena indie soprattutto del centro Italia. Noi lo avevamo conosciuto in una delle sue creature, i Pugaciov Sulla Luna di cui avevamo parlato a questa pagina e oggi lo ritroviamo mente di un altro progetto, i Samsa Dilemma. Per fortuna (e non sappiamo se anche per caso) il sound della sua musica non viene stravolto e anche in questo Wake Up Gregor!! ci propone un rock dalle strutture semplici, dagli arrangiamenti spessi e dalle ambientazioni preziose, brani che preferiscono tendenzialmente placare gli animi e puntano a tisane di lunga maturazione. Ancora, per fortuna, lo spirito che aleggia anche su questo album è principalmente elettrico, ma siamo lontani anni luce da watt irrobustiti e calorie, siamo piuttosto in un ambito di “sperimentazione intuitiva”, brani che non restano impressi al primo ascolto ma che non si inviluppano in loro stessi facendo svanire l’appetito. Poetica, linee vocali che riempiono strofe che a loro volta si perdono in una musicalità che non sempre trova la sua concretezza e finiscono per far smarrire anche l’ascoltatore (Close Your Eyes); sapore americano, elettrificazione post-rock, strumenti non canonici, un lavoro che rischia di farvi venire un’idea diversa ad ogni ascolto.

Compaiono diversi musicisti dietro questo album, in primis va citato Daniel Sartori che si mette in gioco con delle linee di chitarra, spesso arpeggi elettrici, che puntano a dare personalità al tutto, mai puntando al riff portante, piuttosto alla tessitura ricercata. Ci sono anche altri momenti che meritano di essere citati: il pianoforte di Symmer’s Play, un brano dalle riminiscenze a tratti (lou)reediane o iProgresso in cui sbucano delle liriche cantate in italiano (forse meno da effetto ma decisamente più spontanee) come la lunga Macerie in cui protesta, rap e jam si sposano in un canto di sfogo differente da qualsiasi altro momento dell’album. Difficile definire cosa è Wake Up Gregor!!. Più facile dire che non è un album per chi cerca hit o brani dal consumo veloce.

I Fiori Di Hiroshima – Horror Reality

Tornano I Fiori Di Hiroshima con il primo full-lenght della loro discografia, figlio di quell’EP dal titolo Nebuk di cui avevamo parlato a questa pagina. Anche qui il loro stile è chiaro, i brani sono compatti e in poco più di mezz’ora riescono a proporre nove tracce di rock essenziale. A ben ascoltare il loro alternative viene direttamente dalle catacombe del grunge, o meglio da quelle chitarre fuzz e da arrangiamenti vintage che, grazie anche ad una composizione semplice, creano uno stile digeribilissimo, distorto ma pacato. Rock, sì certo, ma calibrato in cui l’energia non è erogata dal singolo riff ma dall’incedere dei brani che affonda come un coltello che entra piano nella carne. Eppure i temi trattati dalla band sono tutt’altro che leggeri, nel nostro immaginario li vediamo come capitoli di un ipotetico libro anti-America: Eyephone è una critica verso la digitalizzazione delle nuove generazioni, La Terra Dei Mostri parla di pedofilia, Identità tratta il problema dell’attaccamento ai soldi e ai beni materiali, temi ripresi in Big Mac che parla dell’ingordigia metaforizzando il famoso panino da fast food.

Lo stile della band ci piace in quanto ricercato e se vogliamo dotato di sfumature diverse, attente, in una cornice che può comunque essere apprezzata da chi è abituato ad ascolti diversi, una cornice come dicevamo semplice. I testi sono per lo più ispirati da emozioni negative, mentre un accenno va fatto anche all’artwork dell’album, foto di una classica festa di natale da bambini come ne abbiamo tutti noi nei cassetti, che sprigiona tutta la melanconia intrisa in vari momenti di questo lavoro.