Vitanova – Controluce

Nuovo EP per i Vitanova, veloce, fresco, orecchiabile, simpatico. Quattro caratteristiche, oltre che elettrico, perché il rock del terzetto è davvero rock nel suo senso più vivo ma osserva non proprio da lontano un certo modo di scrivere brani per puntare al tasto “repeat” dei lettori (per quelli che ce l’hanno ancora). 20 minuti scarsi ma brani che si lasciano ascoltare molto volentieri, accordi semplici, giri di quelli che restano in testa, frutto di una certa sapienza in fatto di scrittura, non di band di primo pelo con tutti gli spigoli da arrotondare del caso. Bella Elsa con un basso in evidenza e chorus da ripetere già dopo il primo ascolto, forse il finale un po’ troppo già sentito; indie rock con tanta energia ma zero superficialità Bel Giro, buoni stacchi e tanto respiro alla traccia, altro momento interessante. Vi è anche qualche momento in cui l’orecchiabilità prendere il sopravvento sia sulla ritmica che su soluzioni più interessanti, questo è Fiume, ma una traccia un po’ fuori dal coro è assolutamente accettabile, soprattutto se consideriamo lo spessore artistico dell’EP che fa davvero pensare ad un futuro prospero ma in primis se analizziamo il livello qualitativo veramente interessante. Noi lo auguriamo ai Vitanova perché i presupposti sono davvero superlativi.

Royal Thunder – Wick

Incredibile come una rock band abbia aperto a concerti di così tante metal band e abbia presenziato a festival di caratura internazionale. Un segno forte che spesso non esiste un confine chiaro tra rock e metal, che non è una questione di decibel o di strumenti, ma di visioni. I Royal Thunder hanno una visione tutt’altro che semplice e intuitiva: anche con questo Wick continuano nel solco di un rock influenzato sì dalla scena settantiana ma che possiede un animo spirituale, alternativo quasi mistico, occulto. C’è melodia, non si possono ignorare infatti le parti vocali di Mlny Parsonz che vivono di personalità nera, ma c’è un alone di misticismo nella loro musica che rende davvero affascinante il battesimo di fuoco di questo loro ennesimo album. L’attitudine più classica emerge da momenti più trasversali in termini di ascolti, come We Slipped classica rock song che potrebbe simpatizzare anche con le radio, ma il loro punto forte è in altri passaggi: pattern inviluppati (anche se mai concettuali) ritmi lisergici e ondate di fumo che travolgono i nostri occhi lasciandoci un panorama musicale poco chiaro ma molto affascinante. Così le prime tracce

E se proprio il sapore più cupo dei Royal Thunder non vi piace vi suggeriamo di non scartarli perché in questo album c’è anche dell’altro. Un esempio è The Sinking Chair, una traccia rock diretta come sarebbe piaciuta sul finire degli anni 90 ma con una produzione di livello anche per gli ascolti attuali; in generale nella parte centrale di Wick compare questo mood un po’ più leggero, non superficiale ma sicuramente meno ricercato, atteggiamento che svanisce con la titletrack ma che ricompare poi con The Well che richiama in parte una matrice alternative ma digeribilissima. Ecco, una doppia spiritualità che apre senza spaccare il pubblico dei Royal Thunder e li predispone ad un futuro difficile da inquadrare ma un presente con un buono spessore artistico.

Wendy?! – Idols & Gods

Con i Wendy?! e in particolare con l’ultimo Idols & Gods ne approfittiamo per aprire il tema “produzione”. Ci sono band “laccatissime”, che godono di produzioni costose e dai nomi internazionali, e poi c’è la vecchia scuola DIY, anzi per chiarire cosa intendiamo potremo dire che all’altro estremo c’è la scena lo-fi. All’intero di questo range vi sono tantissime sfumature e quello che ci dimostra Idols & Gods è che non serve un album con suoni perfetti, anzi a volte quell’alone di polvere, quello strato di condensa che si (lascia) forma(re di proposito) è uno dei punti di forza della proposta in generale. Il rock dei Wendy?! è interessante anche se non stravolge (né vuole farlo) i canoni del rock così come lo conosciamo, ma ascoltare un loro album ad occhi chiusi ci immerge direttamente in un loro live, con la musica così come potremo percepirla dagli ampli rivolti verso di noi. Bella e cattiva la titletrack che dal riff iniziale (e dal suo suono, appunto) sembra richiamare i Black Sabbath dei primi album, anche se l’attitudine che si respira è decisamente più rock. Un rock che si sente in diversi momenti anche se i ragazzi sanno scrivere anche passaggi intensi come Hate For Free: sarebbe scontato piazzare una ballad e loro lo sanno, per questo l’atmosfera e le melodie sono inserite non a caso.

C’è tutto, ci sono i Rolling Stones, c’è David Bowie, ci sono i riff stoppati che fanno seguire il tempo con la testa, c’è lo spirito punk, c’è Bob Dylan, ci sono i Velvet Underground, c’è Joe Strummer. C’è persino una cover degli Ultravox, coraggiosa, cruda, punk. Affascinanti anche gli assoli, molto sentiti, mai inseriti per caso e studiati per amalgamarsi con il resto della traccia. Insomma un buon lavoro di rock attuale con un’orecchio al passato, sudato e ben confezionato.

Captain Mantell – Dirty White King

Molti gruppi vengono spesso additati, giudicati e giustiziati per la pochezza delle loro idee. Con il duplice significato qualitativo e quantitativo che questa accusa possa fondarsi sulla scarsità dei contenuti espressi in un album o, parimenti, sul troppo esiguo spessore mostrato dalle tematiche proposte. Bene, i Captain Mantell, per non correre pericoli, rischiano addirittura di strafare in senso opposto e con questo sesto disco raggiungono una densità concettuale inedita nel loro pur esteso repertorio. Un segno inequivocabile insomma di una grande ispirazione che invece di inaridirsi con il tempo riesce a trovare, a più di dieci anni dal debutto, ancora nuova linfa e persino una certa freschezza. Questo Dirty White King è infatti quasi un concept che racconta la storia di un regicidio e delle conseguenze di questo gesto disperato attraverso oltre tre quarti d’ora di rock sperimentale e dodici tracce di cui una prende a prestito un testo nientemeno che di Edgar Allan Poe. Questo dia la misura di quanto spazi l’estro artistico dei Nostri che anche musicalmente trovano infine in questa nuova avventura la loro dimensione ideale e con essa la formula dell’eterna giovinezza colmando anche quelle che in passato erano sembrate le loro lacune più evidenti. Tra atmosfere sospese, interludi sognanti e dilatati e arrangiamenti quasi teatrali il gruppo ci accompagna in un viaggio senza tempo in cui, come spesso accade, quello che conta davvero è il percorso e non la meta.

Non mancano episodi di un certo tiro a sottolineare una vasta gamma di strumenti espressivi che, uno per l’altro, la band mostra di saper padroneggiare con disinvoltura. Lo dimostrano anche le durate dei brani che vanno dai due minuti e mezzo agli oltre sei mettendo in campo uno sforzo compositivo davvero mirabile e risultati di conseguenza piuttosto originali. Prevedibilmente tutto questo va un po’ a discapito della fruibilità del disco che per essere compreso e apprezzato come merita necessita di ben più di qualche ascolto. Poco male, la noia è tenuta ben lontana dalla già citata varietà e dalla lunghezza non eccessiva del CD con il risultato che all’ascoltatore rimane solo il piacere di gustare le mille sfumature che si apprezzano in questo platter un approfondimento dietro l’altro. Non proprio all’altezza di tanti sforzi in sala di registrazione è la produzione che in parte a suoni assolutamente azzeccati ne accosta altri dalla pasta un po’ povera e talvolta eccessivamente sintetica. Un peccato che si può perdonare soprattutto a fronte di un impegno tecnico che spesso colma qualsiasi insoddisfazione possa maturare nell’ascoltatore. Le lunghe scorribande strumentali sono infatti ben orchestrate e mai banali o fini a se stesse.

Insomma questo Dirty White King è un prodotto davvero ottimo che potrete amare o odiare ma che certo non merita di passare inosservato o… inascoltato.

Lambstone – Hunters & Queens

Il nuovo (e primo) album dei Lambstone non nasconde la propria natura: il titolo Hunters & Queens viene dichiarato come la rappresentazione dei due approcci musicali della band, uno più “cattivo” e l’altro più ispirato a sentimenti ed emozioni delicati. Anche a noi, ascoltandolo con orecchio critico, ci vengono in mente due visioni diverse che i ragazzi hanno seguito: la prima è il grunge che è evidente nelle scelte della produzione, molti brani infatti rimandano al quel rock anni 90, oltre che le linee vocali molto debitrici a Eddie Vedder; l’altra è evidente nelle strutture delle tracce, molto molto semplificate, che in alcuni frangenti (vedi ad esempio Queen) avvicinano lo stile compositivo a colleghi di pop rock di livello internazionale. Questi due profili si fondono e mentre ci sentiamo di premiare il primo che effettivamente (anche grazie al lavoro di Pietro Foresti) è molto curato, suggeriremo di rivedere il secondo visto che le idee della band vengono fuori in trame così rotondeggianti e radiofoniche che sembrano uguali ai tanti colleghi alla ricerca di successo oltre le Alpi. Per essere del tutto sinceri crediamo che molti momenti (come Kingdom o Stronger) possano entrare nelle playlist di molti giovani ascoltatori e magari trovare anche un bel po’ di passaggi su frequenze FM, ma siamo altrettanto sinceri nel condividere il nostro scetticismo riguardante la longevità di questi brani, che saranno così largamente ascoltabili quanto facilmente dimenticati tra qualche anno.

Qualcosa si percepisce in Jesus, un brano che sembra prendere a prestito alcune trame post-metal, e che svetta rispetto al livello dell’album. Questo ma anche altro ci dimostra che i Lambstone non sono per nulla una band “banale”, o meglio sentiamo che dietro la loro scrittura e le loro esecuzioni può trovare spazio qualcosa di molto più originale e caratterizzante. Allora perché non stupire tutti con qualcosa di più pungete?

Sea – The Grip Of Time

Quando uscì l’omonimo lavoro dei Sea (recensito da noi a questa pagina) noi restammo letteralmente a bocca aperta. Il loro stile è un vero e proprio frullato di altri elementi che richiamano la scena classic rock e classic heavy metal, ma nel loro melting pot risultano davvero unici. Un vero e proprio esercizio sulla sottilissima corda che separa rock e metal ma con uno stile e una ritmica che ti afferrano al primo ascolto: tre anni fa avevamo scomodato nomi come Metallica, Wolfmother e Rival Sons. Oggi i ragazzi si presentano con The Grip Of Time, maturati, affezionati alle loro radici. E ci lasciano un’altra volta senza fiato. I richiami ci sono ancora, nessuno si aspetterebbe mai da questo quartetto una rivoluzione sperimentale: l’opener richiama le terzette tanto care ai fan degli Iron Maiden, l’intermezzo di Once We Were Dead scomoda i Black Sabbath degli anni ormai andati ma anche tanto di già conosciuto si percepisce nei loro riff. Ma se volessimo (e lo vogliamo) abbandonare una valutazione chirurgica di questa uscita e abbracciare un approccio più emotivo allora dovremo semplicemente dirvi di correre a fare vostro questo album. Rock deciso ma confezionato in strutture compositive per nulla banali: intermezzi, altalene tra parti veloci e momenti di più ampio respiro, code, stacchi rendono l’idea musicale dei Sea ancora più affascinante e fanno sì che il loro gusto possa essere decisamente riconosciuto ed apprezzato. Un esempio è No Dawn un brano lungo in parte ballad, in parte rock energico, in parte rock psichedelico e tanto altro ma di sicuro di non facile gestazione.

Ma i riff ci sono, eccome! Il fatto che alla produzione ci sia Jacob Winther (già noto per lavori con Justin Hawkins dei The Darknes) fa intuire il “grip” che lasciano i nostri sulla pelle. Il pathos di brani come Time Will Let You Know, che richiama le atmosfere hard rock anni 80, la miccia che esplode in pezzi come Shout o la potenza e il groove di Dust Will Fall sono tutti momenti decisamente convincenti che confermano il grande ritorno del rock (quello vero) dell’ultimo decennio creando godimento per chi ama questo genere (quello vero) ed è alla scoperta di nuovi interpreti di questa “way of life”. I Sea possono decisamente essere uno dei nuovi portabandiera del rock internazionale.

Roommates – Fake

I Roommates sono una band con due caratteristiche inconfutabili che permettono di riconoscere facilmente la fetta di ascoltatori a cui è diretta la loro musica. La prima è la natura del loro sound: la band infatti nasce come una formazione acustica e questa essenza è molto evidente nell’album in questione dal titolo Fake. La chitarra gioca in prima linea e ci riporta a suoni d’oltreoceano, dove deserto, country e strade infinite la fanno da padrone; anche se non manca l’elemento elettrico nelle tracce di Fake, tanto da sconfinare nel metal (o heavy rock), la struttura dei brani è molto legata ad un pensiero acustico-melodico su cui poi è costruito il tutto. Questo ci risulta chiaro in brani che nascono e restano acustici (Light, Fakin’ Good Manners) così come in pezzi più energici ma che celano comunque questa caratteristica di composizione (Blow Away): gli arpeggi e le basi di sei corde parlano chiaro, il rock da club intimo si prefigge di costruire una certa intimità con l’ascoltatore, non vi fate trarre in inganno dalla copertina (riferendoci alle ragazze in Harley) che suggerirebbe lande ben più irriverenti. Eleganza e stile sono gli elementi a cui la band punta con la propria visione musicale.

La seconda caratteristica della band è riferita alla loro ragione di vita: i Roommates sono principalmente una live band. Anche se i brani in cuffia vengono apprezzati, risultando tra l’altro ben arrangiati (si ascolti ad esempio Fakin’ Good Manners), è chiaro che l’ambiente live (meglio se in pub non enormi) è il contesto dove il loro stile frutta al meglio. Un po’ di graffi arrivano con Black Man Guardian, a metà corsa tra Van Halen e Mötley Crüe, ma anche qui non ci si tira indietro ad un intermezzo semi-acustico, giusto per non spiazzare l’ascoltatore. Una buona prova per chi ama un rock più pacato: sicuramente dopo un ascolto di Fake si vorrà provarli dal vivo.

Roxas – Nonostante Tutto

Arrivano da Milano e si presentano con un EP di quattro tracce, le prime quattro tracce della loro discografia. I Roxas confezionano questo prodottino di rock italiano che strizza l’occhio all’indie, con testi in italiano e che trattano (guarda caso) dei vari problemi e sentimenti che la gioventù affronta. Ok, tutto secondo copione?! Quasi, perché i Roxas hanno dalla loro una spinta maggiore sulla natura elettrica abbracciando di più una filosofia rock, a discapito delle linee vocali che invece ammorbidiscono il tiro verso un indie-pop-rock; d’altro canto però portano con sé un forte handicap che riguarda il sound. La chitarra, nelle parti distorte, è troppo “aperta” e una scelta più pulita o “composta” sarebbe stata apprezzata senza far perdere mordente alla natura rock; è evidente principalmente nelle prime due tracce, non si tratta di produzione a parer nostro ma proprio di scelta di sound. Un aspetto delicato questo e sicuramente molto personale, lo riconosciamo, infatti il nostro resta un punto di vista che, appunto, avrebbe preferito una sei corde più misurata che copriva meno gli altri strumenti finendo per appannarli.

Sicuramente Tempesta Gelida ha maggiori frecce al suo arco, un brano maggiormente calibrato da cui si può partire per scrivere un nuovo percorso che da un lato abbia sempre la grinta rock propria del terzetto ma che canalizzi l’energia della band verso una direzione più efficace.

Litfiba – Guerra

Avete bisogno di una piccola pausa dal tempo storico in cui vivete? Allora accendete lo stereo, mettete il primo lavoro autoprodotto dei Litfiba e pigiate play! L’EP si apre con Guerra, in una versione ben diversa da quella che conosciamo diventata poi famosa in Desaparecido. Gli arpeggi ostinati del basso creano un gioco di botta e risposta con le note della chitarra elettrica. Questa sorta di binario porta dritti alla ripetizione ipnotica di “uomini neri” cantata da un giovane Piero Pelù già perfettamente a fuoco nella sua dimensione vocale. La seconda traccia è intitolata Luna: le sonorità sono più chiare e sostenute dalle poche note in ripetizione di una debole tastiera in netto contrasto con le parti cantate e urlate da Piero. Il suono è sgranato, consunto, sembra uscito di cantina per sbaglio! Anche il lato B si apre con sonorità molto oscure con il brano cantato in inglese intitolato Under The Moon. Non colpisce per la struttura né per la melodia, ma ai nostalgici come me fa lo stesso un grande effetto. Ben diverso è il discorso di Men In Suicide. Basso e batteria lottano tra loro mentre Pelù canta versi pregni di angoscia è come se i muri di una stanza s’avvicinassero progressivamente tra loro. Nel ritornello, invece, c’è una bella apertura strumentale ma dura poco, è un ritornello strozzato che ricade subito nel buio della strofa.

Erano gli anni della new wave e questo si sente prepotentemente nel mixaggio complessivo e nella struttura dei brani: la ripetitività delle parole, il suono metallico, il rullante con effetto eco fanno cadere chi l’ascolta in un viaggio nel tempo che termina nel maggio del 1981 a Firenze nello studio Larione 10. E’ qui che la formazione Pelù, Aiazzi, Renzulli, Maroccolo Calamai incise il primo di tanti dischi. Questo EP, chiamato anche Guerra, uscì originariamente in versione EP 12̎̎̈̎̎̎̎. A chiudere questo primo lavoro c’è E.F.S.44: indubbiamente la traccia più liquida delle cinque ascoltate. Non ha parole, né strutture ritmiche definite. E’ sotterranea, è una perdita di contattato con la realtà. Forse è la nostra macchina del tempo che si rifiuta di tornare al 2017.