The Shiver – Adeline

Tornano gli italiani The Shiver dopo tre anni dal loro secondo album The Darkest Hour recensito da noi a questa pagina. Il tempo passa ma, nonostante i numerosi tentativi che ammettiamo aver fatto, non riescono a convincerci del tutto. Eppure confermiamo che i The Shiver hanno un potenziale immenso: dalla loro hanno una produzione molto curata, dei suoni compatti e davvero piacevoli, un sound il loro che con orgoglio e soddisfazione collochiamo nel genere rock, per una volta lontano da prefissi o settorializzazioni del caso. Ma, ed ecco il ma, non troviamo delle venature originali, delle caratteristiche che meritano di far emergere il nome The Shiver tra i nuovi portavoce del rock. Sia chiaro, non siamo dinanzi ad una band emergente nel senso stretto del termine. La band diretta da Federica Sciamanna e Francesco Russo (2/4 della band sono cambiati rispetto alla precedente uscita) possiede un sound e un appiglio molto mainstream, un brano ad esempio come Rejected, con il suo pathos nella strofa e l’esplosione nel ritornello, troverebbe terreno fertile nelle radio se opportunamente spinto; ancora High, che ruggisce di più, propone un carattere più forte legato anche alla più intensa interpretazione di Federica alla voce; infine Miron-Aku è un pezzo dall’ottimo tiro con un rifferama che coinvolge, bellissime aperture e un pizzico di growl che inserisce qualcosa di diverso nella big picture. Buono anche l’esperimento strumentale Electronoose che prende le sonorità dal suo titolo

Probabilmente per chi mastica solo del buon rock i The Shiver possono essere una nuova riproposizione del rock anni 90 per molti dimenticato, ma per chi invece ascolta tantissima musica nuova i ragazzi sono un po’ un cioccolatino dalla forma accattivante e dal cioccolato finissimo ma con dentro un biglietto dalla frase banale: all’inizio lo assaggi e trovi il tuo appagamento ma poi resti amareggiato. Brani come How Deep Is Your Heart How Dirt Is Your Soul o Awaiting non rappresentano niente di nuovo in chi ascolta rock da decenni ed è davvero un peccato che una realtà come loro non sfoggi qualcosa di più personale. Noi li continueremo a seguire, non perdiamo le speranze.

White Mosquito – Superego

Con quella che è la loro terza fatica in studio quest’anno tornano in scena i White Mosquito. La compagine genovese questa volta si cimenta addirittura in un concept sulle sfaccettature dell’ego, un progetto ambizioso che i Nostri si dimostrano ampiamente in grado di affrontare a testa alta. Anche Led Zeppelin, Ac/Dc e Afterhours vengono citati dalla cartella stampa tra le maggiori influenze e fonti di ispirazione, ma su tutte l’impronta che si sente maggiormente è quella dei Litfiba e, aggiungo, dei Negramaro. Non che Supergo manchi di carattere, piuttosto questo ogni tanto viene annacquato eccessivamente e i richiami a quanto già detto da altri diventano un po’ troppo insistenti. Niente di fastidioso comunque, soprattutto per chi ami la band di Pelù. Non mancano poi episodi più intimisti in cui la personalità della band si esprime più liberamente e, dando sfogo alla propria creatività, mostra tutto il proprio valore. La produzione rende giustizia a tutto questo e pur mettendo talvolta molto (anche troppo) in evidenza la voce, come è tipico di tante proposte nostrane, si può considerare come un valore aggiunto di questo disco soprattutto per aver saputo rendere al meglio il sound graffiante del gruppo. Più che soddisfacente anche la tecnica esibita dai genovesi, non solo attraverso gli eleganti assoli ma anche con soluzioni ritmiche e melodiche non banali. Anche dietro il microfono si sfoggia una certa maestria per lo più espressa da un’ottima versatilità e da tanta intensità.

Il vero fiore all’occhiello di questo CD sta però nella composizione dei brani che, uno per l’altro, sono tutti articolati e movimentati da soluzioni inusuali e ben congegnate. E’ soprattutto questo a tenere lontana la noia e ad accattivare l’ascoltatore che così può concentrare la propria attenzione sui testi, che offrono spesso spunti interessanti, e sul riffing che roccioso e variopinto non risulta mai monotono. La confezione di questo Supergo si può definire minimale ma se si considera che l’album è frutto di una campagna di crowdfunding non sarebbe stato giusto chiedere di più. I White Mosquito sono quindi in tutto e per tutto degni figli dei nostri tempi e ancora una volta dimostrano di sapersi muovere sbagliando poco o nulla e mettendo anche in campo una crescita e una maturazione che potrebbero portarli molto in alto. Per il prossimo capitolo bisognerà, come è normale che sia, solo smussare alcuni spigoli e levigare alcune imperfezioni cercando magari con più insistenza quell’originalità e quel marchio personale che, con questi livelli di impegno e ispirazione, potrebbe davvero fare la differenza nella scena musicale nostrana.

Le capacità, e a questo punto anche l’esperienza, ci sono tutte quindi non farlo sarebbe davvero un delitto. Personalmente penso che parteciperò alla campagna per finanziare il prossimo album.

Inarmonics – A Thing Of Beauty

Per una volta vi diamo un suggerimento in contraddizione con il nostro ruolo: cliccate su quella X in alto a destra del vostro monitor e lasciate andare la musica. Sì perché le note, e ancora di più l’intensità della musica degli Inarmonics, si lasciano descrivere da sole e meglio di qualsiasi parola o aggettivo che possiamo usare. Musica elegante quella del quartetto tutto italiano, rock sopraffine che si fa spazio tra Sting e Skunk Anansie (al nostro orecchio) ma che crea proprio musica prima che pattern. Molto sentite le influenze black, soprattutto per il contributo di Gianluca Gabrielli alla voce (splendido in Gone Too Fast), anche se troviamo lo stile complessivo degli Inarmonics molto personale. Ciò nonostante la nostra insistenza musicale non ci permette di ignorare alcuni sapori alla Jeff Buckley (In The Park) così come un certo rock raffinato alla Deep Purple. Ogni strumento ha il suo spazio e dice la sua in uno scenario pieno di colori nel quale affiorano le diversità pur se pensate e realizzate all’unisono; ogni brano trova la sua forma e la sua identità, in un contesto comunque coerente con un certo modo di intendere l’espressione musicale.

Un plauso va però a Funkarabian Scat, una strumentale quasi funky, molto intensa che si diverte sul finale a lasciar spazio al prog di Manuel Prota in un turbinio di emozioni che avrebbe potuto durare anche il doppio (e speriamo che in sede live sia così). Un progetto davvero pregevole che ci sentiamo di consigliare a chi ama prima di tutto la musica.

Mojis – Migrations

“Please only listen to this music at very high volumes“. Questa la scritta che capeggia nel lato interno di spalle al CD, una volta tolto per poterlo ascoltare. Ammettiamo che dato questo alert collocato in maniera strategica ci saremo attesi una partenza con il botto e invece l’opener dei Mojis, (attenzione: il brano con cui la band decide di presentarsi al mondo), è una ballad pop (ricordate Hedonism degli Skunk Anansie?!). Punto in meno ma non ci sconfortiamo e decidiamo di non farci condizionare più di tanto. Il rock infatti arriva, un rock molto indie, sicuramente dal sapore britannico come il quartetto ammette dichiaratamente, con chitarre pulite e molto affilate ma anche buoni arrangiamenti (si ascolti ad esempio New Found Land). Eppure gli stili sono tanti. Le tracce rock ci sembrano comunque scritte e realizzate molto con la testa, un songwriting un po’ troppo quadrato, che non esce dai confini, che non rischia, che cerca di regalare watt ma che in fondo manca di robustezza. In Lady Death ad esempio ci colpisce quel timido assolo nel bridge prima di aprire al ritornello, sicuramente il momento più “coraggioso” del brano. Eppure non possiamo dire che le canzoni siano brutte perché in generale restano in piedi e comunicano anche se non stupiscono (ascoltare Small Is Beautiful per credere). I Mojis ci ricordano quel disegni pieni di tratteggi neri che vanno colorati al loro interno: si possono colorare in maniera perfetta, collocare ogni singola tinta nella maniera giusta e abbinarla a quella vicina…ma vuoi mettere uno di questi disegni colorato da un bambino con le imprecisioni a sottolineargli la personalità?

Un esempio opposto è dato da Find The People che con la sua chitarra ai confini con il funky esce fuori e ci immagina immersi in un loro live con un’atmosfera calda e coinvolgente. Momenti pacati tornano anche con Different Shoes e I’m With You, brani che a dir il vero spiazzano un po’ l’ascoltatore perché non si tratta di semplici ballad inserite in una tracklist rock bensì di un profilo espressivo molto diverso rispetto alla vena elettrica delle altre tracce. Ricerca di brani dal grande ascolto o semplice ispirazione più intima? Questo non ci è dato saperlo ma avremo preferito un debut più chiaro sulla linea stilistica della band e magari con qualche spigolo in più.

Vitanova – Controluce

Nuovo EP per i Vitanova, veloce, fresco, orecchiabile, simpatico. Quattro caratteristiche, oltre che elettrico, perché il rock del terzetto è davvero rock nel suo senso più vivo ma osserva non proprio da lontano un certo modo di scrivere brani per puntare al tasto “repeat” dei lettori (per quelli che ce l’hanno ancora). 20 minuti scarsi ma brani che si lasciano ascoltare molto volentieri, accordi semplici, giri di quelli che restano in testa, frutto di una certa sapienza in fatto di scrittura, non di band di primo pelo con tutti gli spigoli da arrotondare del caso. Bella Elsa con un basso in evidenza e chorus da ripetere già dopo il primo ascolto, forse il finale un po’ troppo già sentito; indie rock con tanta energia ma zero superficialità Bel Giro, buoni stacchi e tanto respiro alla traccia, altro momento interessante. Vi è anche qualche momento in cui l’orecchiabilità prendere il sopravvento sia sulla ritmica che su soluzioni più interessanti, questo è Fiume, ma una traccia un po’ fuori dal coro è assolutamente accettabile, soprattutto se consideriamo lo spessore artistico dell’EP che fa davvero pensare ad un futuro prospero ma in primis se analizziamo il livello qualitativo veramente interessante. Noi lo auguriamo ai Vitanova perché i presupposti sono davvero superlativi.

Royal Thunder – Wick

Incredibile come una rock band abbia aperto a concerti di così tante metal band e abbia presenziato a festival di caratura internazionale. Un segno forte che spesso non esiste un confine chiaro tra rock e metal, che non è una questione di decibel o di strumenti, ma di visioni. I Royal Thunder hanno una visione tutt’altro che semplice e intuitiva: anche con questo Wick continuano nel solco di un rock influenzato sì dalla scena settantiana ma che possiede un animo spirituale, alternativo quasi mistico, occulto. C’è melodia, non si possono ignorare infatti le parti vocali di Mlny Parsonz che vivono di personalità nera, ma c’è un alone di misticismo nella loro musica che rende davvero affascinante il battesimo di fuoco di questo loro ennesimo album. L’attitudine più classica emerge da momenti più trasversali in termini di ascolti, come We Slipped classica rock song che potrebbe simpatizzare anche con le radio, ma il loro punto forte è in altri passaggi: pattern inviluppati (anche se mai concettuali) ritmi lisergici e ondate di fumo che travolgono i nostri occhi lasciandoci un panorama musicale poco chiaro ma molto affascinante. Così le prime tracce

E se proprio il sapore più cupo dei Royal Thunder non vi piace vi suggeriamo di non scartarli perché in questo album c’è anche dell’altro. Un esempio è The Sinking Chair, una traccia rock diretta come sarebbe piaciuta sul finire degli anni 90 ma con una produzione di livello anche per gli ascolti attuali; in generale nella parte centrale di Wick compare questo mood un po’ più leggero, non superficiale ma sicuramente meno ricercato, atteggiamento che svanisce con la titletrack ma che ricompare poi con The Well che richiama in parte una matrice alternative ma digeribilissima. Ecco, una doppia spiritualità che apre senza spaccare il pubblico dei Royal Thunder e li predispone ad un futuro difficile da inquadrare ma un presente con un buono spessore artistico.

Wendy?! – Idols & Gods

Con i Wendy?! e in particolare con l’ultimo Idols & Gods ne approfittiamo per aprire il tema “produzione”. Ci sono band “laccatissime”, che godono di produzioni costose e dai nomi internazionali, e poi c’è la vecchia scuola DIY, anzi per chiarire cosa intendiamo potremo dire che all’altro estremo c’è la scena lo-fi. All’intero di questo range vi sono tantissime sfumature e quello che ci dimostra Idols & Gods è che non serve un album con suoni perfetti, anzi a volte quell’alone di polvere, quello strato di condensa che si (lascia) forma(re di proposito) è uno dei punti di forza della proposta in generale. Il rock dei Wendy?! è interessante anche se non stravolge (né vuole farlo) i canoni del rock così come lo conosciamo, ma ascoltare un loro album ad occhi chiusi ci immerge direttamente in un loro live, con la musica così come potremo percepirla dagli ampli rivolti verso di noi. Bella e cattiva la titletrack che dal riff iniziale (e dal suo suono, appunto) sembra richiamare i Black Sabbath dei primi album, anche se l’attitudine che si respira è decisamente più rock. Un rock che si sente in diversi momenti anche se i ragazzi sanno scrivere anche passaggi intensi come Hate For Free: sarebbe scontato piazzare una ballad e loro lo sanno, per questo l’atmosfera e le melodie sono inserite non a caso.

C’è tutto, ci sono i Rolling Stones, c’è David Bowie, ci sono i riff stoppati che fanno seguire il tempo con la testa, c’è lo spirito punk, c’è Bob Dylan, ci sono i Velvet Underground, c’è Joe Strummer. C’è persino una cover degli Ultravox, coraggiosa, cruda, punk. Affascinanti anche gli assoli, molto sentiti, mai inseriti per caso e studiati per amalgamarsi con il resto della traccia. Insomma un buon lavoro di rock attuale con un’orecchio al passato, sudato e ben confezionato.

Captain Mantell – Dirty White King

Molti gruppi vengono spesso additati, giudicati e giustiziati per la pochezza delle loro idee. Con il duplice significato qualitativo e quantitativo che questa accusa possa fondarsi sulla scarsità dei contenuti espressi in un album o, parimenti, sul troppo esiguo spessore mostrato dalle tematiche proposte. Bene, i Captain Mantell, per non correre pericoli, rischiano addirittura di strafare in senso opposto e con questo sesto disco raggiungono una densità concettuale inedita nel loro pur esteso repertorio. Un segno inequivocabile insomma di una grande ispirazione che invece di inaridirsi con il tempo riesce a trovare, a più di dieci anni dal debutto, ancora nuova linfa e persino una certa freschezza. Questo Dirty White King è infatti quasi un concept che racconta la storia di un regicidio e delle conseguenze di questo gesto disperato attraverso oltre tre quarti d’ora di rock sperimentale e dodici tracce di cui una prende a prestito un testo nientemeno che di Edgar Allan Poe. Questo dia la misura di quanto spazi l’estro artistico dei Nostri che anche musicalmente trovano infine in questa nuova avventura la loro dimensione ideale e con essa la formula dell’eterna giovinezza colmando anche quelle che in passato erano sembrate le loro lacune più evidenti. Tra atmosfere sospese, interludi sognanti e dilatati e arrangiamenti quasi teatrali il gruppo ci accompagna in un viaggio senza tempo in cui, come spesso accade, quello che conta davvero è il percorso e non la meta.

Non mancano episodi di un certo tiro a sottolineare una vasta gamma di strumenti espressivi che, uno per l’altro, la band mostra di saper padroneggiare con disinvoltura. Lo dimostrano anche le durate dei brani che vanno dai due minuti e mezzo agli oltre sei mettendo in campo uno sforzo compositivo davvero mirabile e risultati di conseguenza piuttosto originali. Prevedibilmente tutto questo va un po’ a discapito della fruibilità del disco che per essere compreso e apprezzato come merita necessita di ben più di qualche ascolto. Poco male, la noia è tenuta ben lontana dalla già citata varietà e dalla lunghezza non eccessiva del CD con il risultato che all’ascoltatore rimane solo il piacere di gustare le mille sfumature che si apprezzano in questo platter un approfondimento dietro l’altro. Non proprio all’altezza di tanti sforzi in sala di registrazione è la produzione che in parte a suoni assolutamente azzeccati ne accosta altri dalla pasta un po’ povera e talvolta eccessivamente sintetica. Un peccato che si può perdonare soprattutto a fronte di un impegno tecnico che spesso colma qualsiasi insoddisfazione possa maturare nell’ascoltatore. Le lunghe scorribande strumentali sono infatti ben orchestrate e mai banali o fini a se stesse.

Insomma questo Dirty White King è un prodotto davvero ottimo che potrete amare o odiare ma che certo non merita di passare inosservato o… inascoltato.

Lambstone – Hunters & Queens

Il nuovo (e primo) album dei Lambstone non nasconde la propria natura: il titolo Hunters & Queens viene dichiarato come la rappresentazione dei due approcci musicali della band, uno più “cattivo” e l’altro più ispirato a sentimenti ed emozioni delicati. Anche a noi, ascoltandolo con orecchio critico, ci vengono in mente due visioni diverse che i ragazzi hanno seguito: la prima è il grunge che è evidente nelle scelte della produzione, molti brani infatti rimandano al quel rock anni 90, oltre che le linee vocali molto debitrici a Eddie Vedder; l’altra è evidente nelle strutture delle tracce, molto molto semplificate, che in alcuni frangenti (vedi ad esempio Queen) avvicinano lo stile compositivo a colleghi di pop rock di livello internazionale. Questi due profili si fondono e mentre ci sentiamo di premiare il primo che effettivamente (anche grazie al lavoro di Pietro Foresti) è molto curato, suggeriremo di rivedere il secondo visto che le idee della band vengono fuori in trame così rotondeggianti e radiofoniche che sembrano uguali ai tanti colleghi alla ricerca di successo oltre le Alpi. Per essere del tutto sinceri crediamo che molti momenti (come Kingdom o Stronger) possano entrare nelle playlist di molti giovani ascoltatori e magari trovare anche un bel po’ di passaggi su frequenze FM, ma siamo altrettanto sinceri nel condividere il nostro scetticismo riguardante la longevità di questi brani, che saranno così largamente ascoltabili quanto facilmente dimenticati tra qualche anno.

Qualcosa si percepisce in Jesus, un brano che sembra prendere a prestito alcune trame post-metal, e che svetta rispetto al livello dell’album. Questo ma anche altro ci dimostra che i Lambstone non sono per nulla una band “banale”, o meglio sentiamo che dietro la loro scrittura e le loro esecuzioni può trovare spazio qualcosa di molto più originale e caratterizzante. Allora perché non stupire tutti con qualcosa di più pungete?