Rough Max And The Steamrollers – Roots In The Blues, Crown In My Pocket

Rough Max, nome noto nella scena blues, torna insieme ai Steamrollers per un nuovo caldo album nel segno del blues. La matrice è innegabilissima, pentatonica come se non ci fosse un domani, armonica e scale blues già note, ma c’è una potenza rock nella loro proposta. Sarà per la voce effettata che rende più rivudo e vintage il tutto, sarà per la chitarra che si sbizzarrisce in più di un momento (come gli effetti wah wah in Quite Man), sarà per gli stacchi (Betrayal) eppure Roots In The Blues, Crown In My Pocket non è solo un album per bluesman incalliti. Nel loro campionato la band ha sicuramente molte carte vincenti e gioca con consapevolezza delle proprie risorse, le tastiere hanno la meglio come in ogni album che si rispetti, ma ci sono momenti carichi di corde e di emozioni già fin dall’opener Candy Ass Blues. I Am To Loose (I Want To Stand) e The Second Bite in termini di songwriting peccano un po’ troppo di ripetitività, mentre decisamente più convincenti sono Hey Big Wonder che sfiora l’hard blues, Little Stone In My Pocket che batte i tempi in maniera più decisa e le prime due tracce dell’album che trasmettono tutto il sapore rock blues della band.

Guilty merita una parentesi ad hoc, ha un fascino particolare, ci riporta agli anni 50 con un pianoforte irresistibile, il suo basso dai piedi scalzi e il crescendo di emozioni che produce; per noi il momento più alto, seppur non propriamente blues, di questo lavoro che è consigliatissimo agli amanti del genere.

Amanda E La Banda – Grand Hotel

Partiamo da un presupposto assai doveroso ed imperante. Per raccontare un simile disco ci vuole una competenza che io non ho. Posso fregiarmi di mille ascolti e di qualche produzione in tal senso, ma niente che possa qualificarmi come un conoscitore della materia. Certo a scartabellare i tanti dischi che ho di Aretha Franklin, Billy Holiday, Odetta, Mahalia Jackson, Nina Simone e compagnia cantando qualche idea me la sono fatta. Ma un conto sono le idee e un conto è vivere da dentro quel modus vivendi che stava alla base di ogni santa sfumatura di suono. Perché il soul nero d’America, in tutte le sue derivazioni, è prima di tutto un modo di stare al mondo, è prima di tutto la vita che si conduce e poi l’arte che si fa canzone. Dunque, chiarito questo andiamo avanti. Sapete che c’è? Che quando ascolto un disco che segue fedelmente linee che più della storia si portano dietro il tempo che vivevano, resto perplesso e scettico per la riuscita. Poi succede sempre che qualcosa somiglia di brutto a quell’altra certa cosa famosa e vecchia di mille anni fa, tanto è inevitabile, basta suonare in un certo modo, usare determinati strumenti e il gioco è fatto… direte voi… e lo dico anche io per il 90% dei dischi che al passato attingono con le mani e con i piedi. Ma raramente accade invece che si va tanto oltre grazie al sapore di tantissimi dettagli che mi fanno rivivere e mi fanno risalire in gola emozioni altrimenti inarrivabili.

Beh insomma, ho messo su Grand Hotel e ho seriamente pensato di star fermo ad ascoltare professionisti del tempo ma che per loro sfortuna vivono in un presente che non gli compete. Amanda (Tosoni) e la Banda forse dovevano nascere 50 anni fa e di sicuro non in Italia. Eppure eccoli qui con questo disco di inediti che ovviamente non cerca la rivoluzione e l’originalità ma che invece rispetta, celebra e restituisce voce ad un grande passato e lo fa con mestiere, tanto mestiere e lo fa con il gusto, tantissimo gusto. E sulle prime sarei tentato dal pretendere suoni malconci figli di quella tecnica lì, quindi avrei voluto sentire un piano più vecchio e rovinato di quello che hanno usato su Insomnia o un drumming meno “pop” di quello che c’è su I Do My Best e ancora un mood davvero più consumato di quello che si sente nel bellissimo noir di ghetti razzisti Newton’s Laws. Però è vero anche che siamo nel 2018, che sarebbe stato un controsenso e forse anche una mancanza di rispetto. Forse, e qui torno a citare la bellissima chiusa con Insomnia, unica traccia che Amanda lascia cantare ad un uomo, il vero blues del cotone, la sofferenza e la schiavitù in qualche forma: l’aria c’è tutta, il mood è preciso, il pianoforte è di quelli vecchi da parete coperti di polvere…non siamo però in quel dopo guerra, non siamo però sul Mississippi e non saremo mai dei neri sotto schiavitù. E questo si sente.

Ma se è vero che il blues è da lì che discende è anche vero che il blues è oggi che deve suonare. Ed ecco che parte Fairy Tale con l’impressionante rimando al grandissimo Hank Schizzoe di Serious Shopping (disco del 2001) o la bellezza africana di My Friend” o l’eleganza di Princess che fanno vibrare le corde (permettetemi tutto ve ne prego) di un recente James Taylor. E così via dicendo per nove inediti di grandissima eleganza che spero vivamente suonino anche in vinile. Certamente, torno a ripetere, se di didascalici rimandi si tratta avrei preferito un’immersione maggiore con strumenti di ordinanza e registrazioni meno moderne…è lo stesso pensiero che mi nasce dentro quando suona un vecchio soul anni ’30 cantato oggi da Michael Bublé o quegli standard di eterna vita jazz messi in pasto alle produzioni ultramoderne di Norah Jones e compagnia cantando. Didascalico e opportuno a tal proposito citare Casa Mia di Simona Molinari, tanto per capire di cosa parlo.

Però è così che doveva andare e c’è chi sa come farlo andare più che bene. Su tutte, cara Amanda E La Banda, apprezzo la voce che più di ogni cosa di questo disco esce dritta da quello scenario. Ne apprezzo le chiuse e le code, la produzione che l’ha colorata di un riverbero che non saprei spiegare (forse proprio in Princess ho il picco di massimo godimento in tal senso). E al direttore che mi dice che sono prevenuto per gli italiani che si fingono inglesi rispondo che questa di Amanda Tosoni è una bellissima voce che al bel paese deve solo le tasse e forse qualche bella radice nel cuore. Un buonissimo ascolto che ora andrò a studiare meglio.

Leather Jackets – Leather Jackets

Un trio milanese che prende ispirazione dai bluesmen del Mississippi e dal rock anni ’60 e ’70. Il nome Leather Jackets (giacche di pelle) sicuramente si rifà ad un indumento, icona del rock, uno stile di vita e per loro una sorta di seconda pelle. Innanzitutto nessuna cover, ma 10 canzoni scritte di loro pugno e cantate in inglese. Una formazione che esiste da dieci anni ma che ha subito numerosi cambiamenti nell’organico e che dal 2015 è più semplicemente un trio dedicato al rock blues. L’iniziale Until The Devil Knocked Your Door ha un ritmo deciso, venata di blues con l’armonica di Corrado Serrato e che riporta al blues arcaico e primogenito di Robert Johnson. Olivia Gambarotta è entrata da pochi mesi nei Leather Jackets sostituendo Alice Rastelli ma hanno insistito nell’avere ancora un’altra bassista donna e con ottimi risultati. Rock blues deciso, elaborato, raffinato, senza tanti fronzoli ma con gusto e dedizione. The Chain Song ci ricorda i tempi della schiavitù e dei campi di cotone del Mississippi dove sono nati tutti i più importanti ed influenti bluesmen. Già il cosiddetto Delta Blues nato tra il fine degli anni ’20 e primi anni ’30 del secolo scorso che ha visto e non è proprio un caso, artisti come Robert Johnson, Skip James, Muddy Waters, Charley Patton, Sonny Boy Williamson II, Bukka White, Son House, Arthur Big Boy Crudup, Tommy Johnson, Elmore James, Howlin’ Wolf, Freddie King e John Lee Hooker per citarne soltanto alcuni, tutti nati sotto lo stesso tetto, in un unico stato, il Mississippi.

Un blues rock a volte polveroso, una musica battagliera ma pur sempre con quel tocco ruvido di spiritualità, di positivo, voglia di andare avanti, perché chi molla è perduto. Un sound che trabocca di idee e intuizioni, tonico e grintoso. I Leather Jackets pagano debito nei confronti dell’istintività della musica nera ma ne escono ben motivati e per niente intimoriti. Tre milanesi che propongono del blues paludoso in maniera convincente. Piace Bones che ha un suono solido, compatto, granitico. Le prime cinque canzoni sono decisamente più blues mentre le restanti cinque sono decisamente più rock oriented, degli slow con sonorità più dolci come in Open Water, brani dal giusto groove, mid-tempo, up-tempo ma che suonano davvero bene. Alcuni brani rock blues sono quasi morbidi e si traducono in ballate melodiche e raffinate.

Un gruppo ben rodato che sa il fatto suo e propone un rock con sonorità vintage. Suoni puliti, avvolgenti per una band che sorprende per aver composto 10 brani di classe, ben congegnati e di particolar gusto.

Pasquale Aprile – Crossing My Mind

Pasquale Aprile è un musicista, sassofonista, cantautore ed interprete, nato a Nola (Na) il 26 Novembre del 1980. Ancora da ragazzo, la sua passione germoglia sui banchi di scuola dove impara presto a suonare il flauto dolce e spinto dagli insegnanti che vedono in lui del talento, continua un percorso musicale iscrivendosi al Conservatorio G. Martucci di Salerno dove consegue con lode nel 2007 la Laurea in Sassofono. Durante gli anni del Conservatorio sperimenta numerose situazioni musicali di vari generi e stili soprattutto rock blues consolidando la sua passione per la black music. Diventa docente di musica e sassofono nel 2009 e intraprende diversi progetti artistici che gli fanno conferire alcuni riconoscimenti ufficiali. Dopo numerose esperienze in Europa (in Spagna a Parigi in Francia, e a Berlino) per Pasquale finalmente nel 2015 è la volta di un viaggio negli Stati Uniti dove si immerge nelle origini della musica che più lo appassiona. Come ospite suona a New Orleans (Louisiana), Memphis (Tennessee), Clarksdale (Mississippi) e Chicago (Illinois). La sua personalità artistica viene quindi racchiusa in questo suo primo album inedito intitolato Crossing My Mind ed interamente da lui composto. Il suo, è un percorso di vita, su e giù per il mondo e dove una eccentrica personalità artistica gli ha permesso di elaborare e mettere a frutto le sue passioni e contaminazioni musicali e culturali.

Pasquale in queste nove tracce autografe suona il sassofono, armonica, chitarra ed è voce solista. Sonorità decisamente rock blues tinte di funk ed un pizzico di jazz. Pasquale Aprile possiede una voce potente e piena, è un ottimo strumentista ed autore di brani di sicuro spessore. Nell’iniziale No Need sono in particolar evidenza una voce graffiante, il sax con sonorità blues, soul e jazz, l’armonica, le tastiere ed una robusta sezione ritmica che diventano il leitmotiv ed il marchio di qualità per tutto il disco. Smell You è tra le più convincenti così come On Your Side è di grande atmosfera con il sax di Pasquale a toccare sonorità davvero elevate e i tocchi magici della slide guitar del napoletano Gennaro Porcelli (da oltre 10 anni chitarrista della band di Edoardo Bennato). Chose Me è l’autentica chicca di Crossing My Mind, dal riff accattivante, una voce profonda e la chitarra solista di Donato Corbo. Un disco dal suono corposo, suonato come si deve, ben strutturato e assai piacevole che si ascolta molto volentieri.

Mora & Bronski – 50/50

Fabio Mora e Fabio Bronski Ferraboschi, in arte Mora & Bronski, sono un duo atipico, molto originale (entrambi per vent’anni nei Rio, una pop band di Reggio Emilia e dintorni). I precedenti lavori sono stati Naif pubblicato nel novembre del 2014 e 2 uscito nel gennaio del 2016. Questo loro terzo disco presenta sonorità roots molto graffianti e decisamente minimali, per la prima volta con l’aggiunta (che io però avrei volentieri evitato!) di inserti elettronici e di programming, a sostegno del tessuto armonico ritmico. Il disco si distingue dai loro precedenti lavori per cui 50/50 resta inequivocabilmente una raccolta di canzoni per metà ripescate dal passato e per l’altra metà di brani originali. Un album dunque, dai sapori squisitamente americani, alla ricerca delle radici del blues e della musica tradizionale, dei traditionals riletti dal duo italiano e emiliano in maniera insolita e stravagante, che mischia il suono del Delta Blues del Mississippi a quello del Cajun della Louisiana del Sud, passando dal country, al rock & roll, alla folk music fino al folklore tutto italiano tradizionale e regionale. Mora & Bronski, sono un power duo musicale in bilico tra folk, blues e cantautorato italiano pieno di idee, intuizioni e omaggi al blues. Assai originale l’iniziale Spaghetti Blues a metà tra la tarantella, le filastrocche della antica tradizione popolare italiana e il blues rurale a stelle e strisce. Convincente Mezzanera, una composizione di Fabio Ferraboschi. The Fat Man è il soprannome del suo autore, Antoine Fats Domino (1928-2017), di New Orleans, 100 chili di piccolo grande artista, pianista e pioniere del R&B e rock’n’roll, dalle influenze creole che ha incarnato lo spirito meticcio e indomabile della città adagiata tra il fiume Mississippi e il lago Pontchartrain che nemmeno l’uragano Katrina ha saputo spazzar via.

Ogni brano è un piccolo mondo, relativamente assai distante uno d’altro. In Keep It Yourself di Sonny Boy Williamson dall’andamento reggae e blues, è Fabrizio Poggi ad impreziosire il pezzo con il suo intervento ed assolo d’armonica. Anarcos è l’ennesima loro composizione con Loren Zadro alla chitarra elettrica. La Porte En Arrière (The Back Door) è il brano più famoso di D. L. Menard (1932-2017) di Erath, Louisiana, in piena terra cajun e soprannominato il Cajun Hank Williams che con questo singolo scritto in meno di un’ora mentre lavorava in una stazione di servizio (fu un grande successo) nel 1962 vendette oltre 500.000 copie. See My Jumper Hangin’ Out On The Line è un brano del 1978 di R.L. Burnside (1926-2015), blues singer e chitarrista del Mississippi. Jolie Louise cantata metà in francese e metà in inglese è invece tratta dall’album d’esordio Acadie del 1989 di Daniel Lanois, songwriter ma soprattutto uno dei più importanti produttori americani.

Mora & Bronski convincono sia nei pezzi decisamente americani che quelli prettamente nostrani. Forse la pronuncia inglese di Fabio Mora andrebbe certamente migliorata per essere un autentico bluesman, per il resto il disco brilla di luce propria. Originali, persuasive, coinvolgenti e valide sia Più Giù (“ancora più giù sotto un cumulo di terra dove mi hai messo tu ed è la volta buona per liberarti di me…“), la versione di This Train Is Bound For Glory di Woody Guthrie con Deborah Kooperman voce e chitarra acustica e Vudumanti (Veglia Danzante) in chiusura in cui sono ospiti provenienti dal Veneto, i Bayou Moonshiners con Stephanie Océan Ghizzoni (cantante e pittrice di origini bresciane, una sorta di ammaliante Marie Laveau, sposata con il sound di New Orleans) alla voce e coro e Max Lazzarin alle tastiere Rhodes.

The Big Blue House – Binne My

The Big Blue House nascono nel 2014 a Torrita di Siena e sono una giovane e promettente blues band che dopo aver visto inserito un loro brano in una compilation Pistoia Blues Next Generation Vol. 2 quali vincitori del contest Obiettivo BluesIn e suonato sul palco del Pistoia Blues Festival del 2016, ora pubblicano un secondo CD con 8 brani originali cantati in inglese e composti da Danilo Staglianò e Luca Bernetti. In precedenza nel febbraio del 2016 avevano dato alle stampe, sempre con 8 pezzi l’album Do It. Nel 2017 hanno pubblicato il singolo e video Blue Sky e nell’estate del 2017 si sono nuovamente esibiti al prestigioso Festival di Pistoia. I riferimenti musicali del gruppo sono il Texas blues con capofila T- Bone Walker e Freddie King e l’electric blues classico passando da Buddy Guy a Gary Moore, Matt Schofield, Joe Bonamassa senza ma dimenticare Steve Ray Vaughan. Blues classico ma al tempo stesso anche moderno integrato per l’appunto con un sound vintage nostalgico ma riadattato e plasmato ai nostri giorni. Un blues ben suonato e piacevole all’ascolto per una formazione in cui Danilo Staglianò si fa sentire alla chitarra, il basso è assai presente a tenere alta la sezione ritmica con una base assai solida ed una batteria elegante. Una formazione a quartetto con ritmo e melodie assai bene amalgamate. Bravissimo Sandro Scarselli al piano e all’organo Hammond.

Liar in apertura, è un pezzo assai convincente e pubblicato anche come singolo in anteprima precedendo l’uscita dell’album Binne My che se non erro in africano significa “dentro di me”, a significare per loro un viaggio interiore per riscoprire cosa significhi, essere un uomo prima ancora di un musicista al giorno d’oggi, affrontando difficoltà e sconfitte ma resistendo in onore e grazie alla musica blues. The Big Blue House compongono, suonano e ci presentano registrati presso il B- Side Recording di Chianciano Terme (SI) otto splendidi brani in piena regola di Texas blues, shuffle, Chicago blues, electric blues, blues canonico dall’impeto sanguigno e dal giusto groove. In Moments Of Rain spicca il contrappunto tra chitarra, basso, batteria e Hammond mentre di particolar rilievo è anche Black Eyes. The Middle Passage è uno shuffle in piena regola con un assolo di Hammond davvero essenziale e ben riuscito. Binnie May è più intimista, semi acustica con Maurizio Pugno special guest alla chitarra ritmica e solista. In I’m Not On Sale dal titolo eloquente (“non sono in vendita”) è Danilo Staglianò alla chitarra solista ad esibirsi in un assolo e si conclude con To Leave The World con ai cimbali e percussioni Gianluca Meconcelli a dare un tocco di cupa atmosfera e la chitarra elettrica sempre in primo piano.

Blues tirato, compatto, piacevole, senza particolari fronzoli ed in definitiva un disco che si fa ascoltare con piacere.

Apaches – Apaches

Tutti gli appassionati di rock psichedelico non potranno che fremere guardando l’artwork di Apaches, album della rock band sarda dall’animo vintage. L’occhio che troneggia al centro della copertina (davvero pregevole) e le fasi lunari “dipinte” sul retro caricheranno l’ascoltatore di aspettative, indirizzandolo verso il troppo spesso dimenticato genere che ha reso grande la musica italiana qualche decennio fa. In realtà con queste premesse l’apertura del disco spiazza parecchio, rivelando una band a due facce. I primi due brani sono un misto di rock e blues di chiaro stampo statunitense, anche se cantati in italiano. Ci si sente immersi in un sound molto vintage e viene voglia di appoggiarsi ad un bancone polveroso e godersi una birra fresca ascoltando Schiavo Pensiero e Vecchia Signora. A questo proposito è da apprezzare la scelta stilistica della band (dichiarata nel libretto interno) di registrare in presa diretta per conservare quel suono e quell’atmosfera, che a volte rischiano di perdersi in produzioni troppo pulite. Seguono questa sonorità anche Bordello e Stalloni Man, con chiari richiami agli ZZTop. Fino qui nulla di particolarmente originale, anche se sicuramente ben suonato e corredato da un ottimo sound. I brani danno l’impressione di essere il punto di forza magari in chiave live, dove queste sonorità possono essere apprezzate anche dai meno avvezzi al genere. La voce risulta chiara e pulita, e si esalta con ritornelli orecchiabili, forse mancando un poco di quel sapore di whiskey e polvere che richiederebbe il genere.

E poi si svolta. Entra in scena finalmente la personalità di questa band. Ne sono esempio Degenerazioni, dal sound più arrombante e psichedelico, e soprattutto gli ultimi due brani, che alzano notevolmente il livello compositivo del lavoro complessivo. Qui si sente la sperimentazione, finalmente la band osa, abbandonando la “confort zone” del rock blues. Esci Dagli Schemi contiene un ottimo intermezzo sperimentale, quasi arabeggiante, forse il punto più interessante dell’intero disco. Il pezzo più riuscito di questa vena psichedelica risulta essere Carovana Magica, dove sembra davvero rivivere il rock anni ’70 di stampo italiano. Riusciti in pieno nell’intento di sembrare usciti da un’altra epoca, gli Apache sfornano un buon disco dal punto di vista della qualità e delle intenzioni, con il solo neo di sembrare a tratti un lavoro un po’ scollato, fatto appunto di due facce della stessa band. Rimane un po’ il rimpianto di non aver approfondito di più la vena psichedelica di stampo italiano, di cui i musicisti dimostrano di essere ottimi e originali interpreti.

The Trick – The Trick

The Trick è l’omonimo EP di esordio di una band molto interessante. Varia al suo interno per la provenienza nazionale dei componenti (Francia – Lussemburgo – Portogallo) e per i generi musicali di riferimento. 6 tracce piene di groove che fondono in maniera caleidoscopica blues, soul, rock, pop e ce li restituiscono in una veste molto accattivante. Sinceramente noi addetti ai lavori restiamo spiazzati ad un primo ascolto, tanta è la roba che c’è dentro. Immaginiamo questo disco come un prisma dalle molteplici e sfuggenti sfaccettature o, meglio, come un caleidoscopio che crea un gioco di riflessi, luci e colori in continuo movimento e per questo mai uguali e definibili chiaramente. E’ una metafora che dovrebbe rendere bene l’idea di questo melting pot di nazionalità, influenze musicali e stili che si riversano nei brani. Il periodo storico-musicale da cui sono partiti è certamente quello dei gloriosi ’70s, inesauribile fonte di ispirazione per tutte le band che vogliano muoversi nell’ambito dell’hard rock. Si nota che la band ha fatto proprie le lezioni di leggende del passato, come i ZZ Top ad esempio. Anche se, come detto prima, ricondurre l’album ad un genere specifico è impossibile.

Il cantato è energico e al contempo soul, una voce con un range molto ampio che si presta bene alla “schizofrenia” stilistica dell’album. Le ritmiche sono potenti, i riff pesanti, il groove è fisico quasi. Credo che una loro performance dal vivo sia davvero trascinante, se già in studio suonano così “live”. L’impressione all’ascolto è proprio quella che si ha assistendo ad un concerto. Ogni brano poi è variegato al suo interno, contenendo un mix di generi e influenze che di volta in volta predominano o rimangono più in sordina. C’è anche spazio per momenti di maggiore calma e riflessione in alcuni pezzi, toccando un ambito melodico quasi da ballad, ma senza mai perdere il groove. Quello mai. Mi piace moltissimo l’uso dell’organo Hammond, così genuino, così ’70s. I suoni vintage con una rinnovata energia rock e una voce soul rendono questo primo lavoro di The Trick assolutamente irresistibile. A mio parere, e come si dice in gergo, una bomba.

Shawn James – On The Shoulders Of Giants

Il bluesman Shawn James ha un’anima da lupo solitario, ha sempre continuato a percorrere due strade, una con la sua band The Shapeshifters, e l’altra da solista che l’ha portato anche a raggiungere una certa fama grazie alla colonna sonora della serie-documentario The Youkon Men prodotta da Discovery Channel. On The Shoulders Of Giants è stato pubblicato nel 2016 ed è stato ripubblicato nel 2017 con un packaging completamente rivisitato. Per le registrazioni, Shawn si è recato nei famosi Sun Studios di Memphis, per assorbire l’energia delle stanze in cui molti artisti immortali hanno emanato le loro vibrazioni. Chi ama il blues dall’aspetto ruvido con chitarra slide dovrebbe essere ben servito da questo disco. Complessivamente, le nove composizioni originali possono essere considerate una specie di sermone musicale celebrato all’aria aperta su un campo di cotone. Logicamente, il musicista non è riuscito a gestire tutti gli strumenti in egual misura, e sulla bilancia prevale la sei corde ed il Bottleneck, perché la guida è sicuramente il suono slide. Così l’atmosfera del disco è ipnotica, la musica ci conduce con animo oscuro in luoghi psichedelici. Probabilmente il vero strumento di Shawn James è la sua voce, il singer canta in modo rugoso ed intenso, proprio come un predicatore che vuole intensificare il suo messaggio con vigore. Spesso infatti si accompagna ritmicamente solo con le mani. Possiamo assaporare momenti di gospel blues intenso, non adulterato, le radici del passato di Shawn che continuano a veicolare la sua linfa musicale.

Tra i brani spicca Capitan Stormalong, perché mantenendo inalterata la qualità musicale si esprime con uno stato d’animo decisamente felice dando l’impressione che le nuvole scure abbiano fatto spazio al sole. L’unica pecca del disco è probabilmente la durata ridotta, poco più di trentadue minuti e inoltre per essere apprezzato appieno necessita del libretto dei testi per comprendere non solo il sentimento blues ma anche il significato della predica musicale di Shawn. Gli amanti del genere non devono esitare nel far proprio questo disco, ma la buona musica comunque non dovrebbe essere ignorata, a prescindere dai gusti di genere.