Miguel Y La Muerte – Blaxploitation

Miguel Y La Muerte si presentano con questo Blaxploitation, album composto da rock blues sfaccettato e multiforme. Certo, il biglietto da visita non è confortante visto che di duo project che puntano su queste sonorità ce ne sono diversi e che il moniker non è altro che la fusione dei nomi dei due membri, ma noi non badiamo alla facciata bensì alla sostanza. Non conosciamo le ambizioni della band, noi non potremo parlare di “stravolgere il rock”, sarebbe inopportuno visto che ha dato origine ad una moltitudine di sottogeneri e band che sarebbe lungo perfino scriverli; in Blaxploitation non vi sono derive innovative né si sentono ambizioni nel voler scrivere pagine storiche di musica, vi sono però sicuramente costruzioni ben fatte, assoli molto ben eseguiti all’interno di cornici blues ormai stranote. Ecco questa è l’essenza del duo, partire da un costrutto ritmico o da accordi relativamente conosciuti o riconoscibili (She’s Got The Trunk sembra uscito da un album degli ZZTop) e aggiungere il proprio marchio, qualcosa che spinga l’ascoltatore ad ascoltarli. A volte sono dei cori ben fatti, altre volte delle chitarre a tratti acustiche a tratti elettriche che offrono un sapore intenso o ancora citazioni colte (Torpedo Fish, PT. I e II), ma in generale, dal nostro punto di vista, manca qualcosa. Secondo noi manca quel groove che ti afferra e ti rapisce, quell’intensità che se stai ascoltando distratto all’interno di un locale ti blocca i pensieri e ti porta a guardare fisso il palco.

L’esempio lampante è STO – CAR un brano che non definiremo mai brutto: i riff ci sono, le variazioni pure e c’è una buona amalgama dei suoni…ma il brano non decolla mai, sembra sempre un passo dietro alla vera esplosione. Nervous ci piace con quel suo sapore hard e l’intenso assolo, Nuclear Flower passa al bluegrass ma quante formazioni già ci sono che propongono queste sonorità?! Infine Experience è un buon pezzo, quasi una ballad ma con diversi ingredienti, non il classico pezzo lento strappalacrime e che si evolve in qualcosa di elettrico. Sicuramente quindi ci sono dei buoni presupposti ma a nostro parere serve più carica e più groove per conquistare gli ascoltatori, un po’ ciò che sembra promesso dalla splendida copertina di questo lavoro. O almeno per noi è stato così.

Autore: Miguel Y La Muerte	Titolo Album: Blaxploitation
Anno: 2020	Casa Discografica: Mr. Blue Records
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/MiguelYLaMuerteArexicanAcousticBand/
Membri band: Miguel Sanchez – chitarra, voce, armonica a bocca, basso, bass drum Pedro Lamuerte – chitarra, voce, armonica a bocca, basso, batteria	Tracklist: 1. Pendular Blues 2. Nervous 3. She’s Got The Trunk 4. Nuclear Flower 5. Torpedo Fish, Pt. I E Ii 6. STO – CAR 7. Foocheck – Yo’s Black 8. Experience 9. Crognolo Man

ZZ Top – La Futura

Chiiiiii? Gli ZiZi Tooooop?! Sì, gli ZZ Top, strano come li si consideri sempre un gruppo “minore”, se ci fate caso non si parla mai di loro in termini di “grande gruppo rock”, quasi snobbati dalla critica che conta e dai cosiddetti espertoni. Sarà per il loro stile così “zztopiano” sempre e comunque ostinatamente fedele a se stesso, sarà per il loro essere fieramente sudisti-texani (esteticamente e musicalmente) o forse per la loro ironia un po’ campagnola e “macho” condita dai soliti luoghi comuni (ragazze prosperose e motori), eppure stiamo parlando di una band che nel 2004 è stata inserita nel Rock And Roll Hall Of Fame (per quel che può valere, ma non certo per caso). Il loro “capolavoro” risale addirittura al 1973 con l’album Tres Hombres poi a seguire una serie di album minori; negli anni 80 conobbero la notorietà mondiale da alta classifica grazie ad una serie di singoli di successo (che strizzavano però l’occhio a sonorità proprie di quel tempo), di nuovo la mediocrità fra alti e bassi, attenzione però, parliamo di mediocrità ma bisogna considerare che la loro formula comunque “chiusa e ripetitiva” non lascia molto spazio a variazioni o tematiche diverse, tutto si sviluppa all’interno della classica forma-canzone, quindi, o si indovina il pezzone da classifica o si resta in un limbo fatto di brani buoni ed altri meno.

Questo preambolo per arrivare all’oggi, cioè al 2012, anno di pubblicazione del loro, finora, ultimo album dal titolo La Futura: la solita zuppa quindi?! Sì, ma una zuppa di quelle di una volta, come sapevano fare le nostre nonne: povera, pochi ingredienti ma sostanziosa, nutriente, naturale e soprattutto fatta con amore e passione. Dimenticatevi gli zupponi infarciti di ingredienti (effetti) speciali, solo ed unicamente la ricetta classica, un po’ di vecchio buon blues del Texas su tessiture più rock, tanto basta e avanza per riempirsi il palato e la pancia. Si parte con il mid-tempo di I Gotsta Get Paid, basso pesante, riffone sostenuto, buon solo di chitarra e la calda e rassicurante voce di Gibbons che sa di deserto e buon whisky; Chartreuse ha lo sferragliare di un treno in corsa, si tira dritto, nessuna sosta, buon refrain e via; Consumption rallenta ma sostanzialmente riprendendo la struttura della precedente con variazioni nel più profondo blues texano, arriva Over You, ed ecco un pezzo da novanta, cioè, uno non se lo aspetterebbe e invece eccolo qui, e va detto, è perfetto, introdotto da pochi arpeggi di chitarra, una voce che più roca non si può, un pezzo scarno e povero ma che si apre in un refrain senza tempo ed un solo di chitarra senza inutili fronzoli che colpisce al cuore. Heartache In Blue è orecchiabile e leggera arricchita dall’armonica di Harman, un onesto e semplice blues dalle tinte rock; si torna a spingere con I Don’t Wanna Lose, Lose, You altra cavalcata blues rock con un genuino chorus che resta impresso. Flyin’High è più ottantiana con un ritornello (non banale) che sarà perfetto per la vostra autoradio; It’s Too Easy Manana altro gran pezzo “old style”, una ballata rocciosa e crepuscolare dai sapori settantiani, Big Shiny Nine è un polveroso e alcolico rock’n’roll blues texano senza fissa dimora; si chiude con Have A Little Mercy, se vi aspettate una qualche apertura o variazione cromatica sbagliate, niente di tutto ciò, si procede a testa bassa con un blues sporco e polveroso da Route 66.

È arrivato il momento di concludere e di tornare alla zuppa, un profumo così riconoscibile ed intenso da sembrare quasi di essere lì mentre vostra nonna ve la sta preparando (registrazione in presa diretta) compresi tutti i rumori classici di una cucina dove si cucina per davvero (noterete che molti dei brani terminano quasi di netto e bruscamente, ma non è un errore o un difetto), il profumo è quello di ingredienti veri, oggi quasi spariti (un blues senza mediazioni), vi assicuriamo (ma lo saprete già) che quando la zuppa è fatta da chi la sa fare si ritorna sempre perché è onesta e maledettamente vera, proprio come questo La Futura.

Autore: ZZ Top	Titolo Album: La Futura
Anno: 2012	Casa Discografica: American Recordings
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.zztop.com
Membri band: Billy Gibbons – voce, chitarra, piano Dusty Hill – basso, cori Frank Beard – batteria James Harman – armonica Dave Sardy Joe Hardy – piano, organo	Tracklist: 1. I Gotsta Get Paid 2. Chartreuse 3. Consumption 4. Over You 5. Heartache In Blue 6. I Don’t Wanna Lose, Lose, You 7. Flyin’High 8. It’s Too Easy Manana 9. Big Shiny Nine 10. Have A Little Mercy

Farty Wayne – The Walking Wayne

La band piemontese Farty Wayne, con il suo secondo lavoro The Walking Wayne, è riuscita a tirare fuori dal cilindro un album decisamente granitico e concreto, caratterizzato da un dirty blues decisamente selvaggio e sostanzioso, di quelli che ti tiene incollato dalla prima all’ultima traccia. Oltre alla componente blues interpretata nella sua accezione più dirty, ne emerge anche un’altra fortemente influenzata dal garage, genere con cui il blues è andato spesso a braccetto, molte volte con ottimi risultati. E questo è decisamente uno di quei casi; la dimensione più chiassosa e grezza del garage dona al blues dei Farty Wayne quell tocco dirty, aggressivo al punto giusto e quella consistenza densa e grassa che ci piace molto; rendendolo estremamente schietto e sincero, come un buon bicchiere di Jack Daniel’s o di scotch. Emergono anche delle influenze country e roots che contribuiscono a dare all’album un’atmosfera quasi bucolica, quasi fossimo in qualche ranch del Tennessee o del Texas, magari in compagnia di qualche redneck.

Un sound che poco concede ai fronzoli, ai virtuosismi, ai tecnicismi e al superfluo e che invece punta all’essenziale e va dritto al punto. L’album ci è piaciuto molto, specialmente per la sua spontaneità e la sua carica grezza e vitale; la registrazione e il mixaggio lasciano intuire la volontà da parte della band di conservare una dimensione quasi casereccia, da scantinato. E devo dire che, ci piace così.

Autore: Farty Wayne	Titolo Album: The Walking Wayne
Anno: 2019	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/fartywayne
Membri band: Alx Bonny – voce, chitarra Tanaka – basso Bramba – batteria	Tracklist: 1. Disco Trash 2. Mucho Brutal 3. Ivrea 4. Lost Lullaby 5. The Neighbor Grass 6. The Fat Of My Friend 7. Electric Tomino 8. Uncle Beta 9. Serious Lake

TSbluesone – ‘Na Spiranza

“Non è per niente strano che il blues attecchisca così spesso e così tanto nel sud del mondo. Prende forme diverse in periodi e luoghi diversi ma la sua presenza si manifesta sempre.” Così recita la cartella stampa di presentazione del lavoro di TSbluesone (AKA Antonio Spina) e onestamente non saprei trovare parole migliori per descrivere la capacità del blues di diventare la voce degli ultimi, degli emarginati, di rappresentare in tutte le sue sfumature e sfaccettature, la vita di provincia e in generale, delle zone più povere e bistrattate del mondo. Che si tratti dei sobborghi di New Orleans, Chicago, Los Angeles, Nashville, St. Loius (luoghi di elezione e nascita del blues) o del più sparuto e sperduto paesino della provincia catanese (luogo di provenienza di Antonio Spina), rimane inalterata e immutata la sua fortissima carica rappresentativa ed evocativa, anche fondendosi e mischiandosi nella maggior parte dei casi con i costumi e le usanze dei luoghi di adozione, creando così suggestive e particolari creature e forme espressive; come nel caso di questo lavoro, ‘Na Spiranza, diviso fra l’uso del dialetto catanese e dell’italiano per quanto riguarda la parte vocale e testuale.

Attualizzando e rielaborando in maniera coraggiosa e dinamica alcuni dei temi più canonici del blues, quali la sofferenza d’amore, la delusione per una vita al di sotto delle proprie aspettative, le difficoltà della vita quotidiana, Antonio ci prende per mano, e, assieme al suo fidato dobro e alla sua voce calda e densa, ci porta alla scoperta della sua Sicilia e della sua Catania. Ci racconta, con tono schietto e sincero, le difficoltà e le problematiche quotidiane della sua città e della sua gente, affrontate sempre con realismo, ma anche con il sorriso e con la speranza di un avvenire più sereno e felice, di trovare sempre una soluzione ai problemi e una possibilità di riscatto, anche nelle situazioni più disagiate e difficili. Una Catania dipinta con le tinte calde del blues, che si apre anche all’influsso di altre suggestioni musicali, come l’elettronica, il folk, il cantautorato più classico della tradizione italiana e del blues rock anni 60/70. Un blues errante e vagabondo, sempre pronto a far fagotto e a ripartire per chissà quale altra destinazione in ogni momento, un’anima inquieta, che necessità di grandi spazi, di libertà, e che non può essere rinchiusa dentro quattro mura.

Questa è la sensazione più spiccata che si ha ascoltando questo disco, di sentirsi costantemente in movimento, mai fermi nello stesso luogo e con una forte esigenza di libertà. Un buon esempio di roots rock e di blues nostrano, a dimostrazione di quanto detto all’inizio, cioè della grande capacità del blues di attecchire nei luoghi più disparati e di scaldare il cuore di chi lo ascolta e di chi lo fa, parlando quel linguaggio universale in grado di abbattere le barriere, i confini e di farsi voce degli ultimi e degli emarginati. Intrigante e interessante la scelta da parte di Antonio di utilizzare il dialetto catanese per i testi, comunicando così un forte senso di appartenenza e di amore per la sua Sicilia e la sua Catania.

Autore: TSbluesone	Titolo Album: ‘Na Spiranza
Anno: 2020	Casa Discografica: Dcave Records
Genere musicale: Blues Rock, Folk, Cantautorale	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/TSBluesone/
Membri band: Antonio Spina – voce, chitarra, dobro Daniele Grasso – chitarra, basso, elettronica Peppe Scalia – batteria, percussioni in Sempri No	Tracklist: 1. Sempri No 2. C’Ama Fari 3. Solite Ragioni 4. Canta Ca Passa 5. Segno 6. Uno Come Me 7. Non Ni Vogghiu 8. ‘Na Spiranza

Ramrod – Jet Black

L’hard blues non muore mai, possono trascorrere degli interi lustri o anche più senza ricevere nuovi impulsi discografici da questo fantastico genere musicale, ma poi c’è quella novità, quella formazione che è capace di ricordare a tutti l’impatto emotivo e le intense pulsazioni che l’hard blues è in grado di regalare (chi di voi ha pensato ai Rival Sons?!). Rinasce come la fenice, un po’ come i Deep Purple che sembravano finiti e poi ci hanno regalato quel bellissimo Infinite, e tutt’oggi si rimangiano la parola “addio” per risorgere ancora. E il riferimento ai Deep Purple non è fuori luogo visto che in diversi momenti i Ramrod ci ricordano la storica formazione (seppur nei tanti mark), basti ascoltare Ares Call del nuovo album Jet Black per capire la vicinanza con quei suoni. Ma la loro incredibile capacità sta nell’incantare sia su brani più soffusi, come l’incantevole Bluesy Soul o l’intensa Sorrow, sia in momenti più carichi come Lion Queen che sembra una lunga jam session in cui i singoli strumenti si prendono i loro spazi o come l’opener anc’essa molto Deep Purple; non ci sentiamo di escludere l’ultima traccia con le sue influenze medio orientali e il flauto che trabocca, un lungo viaggio onirico che si conclude anch’essa con una forma di jam.

Eccezionale la voce di Martina Picaro, non solo per tonalità e timbrica (già assolutamente invidiabili) ma per un’interpretazione vocale che fa il pari come per natura al genere di riferimento ed esalta ogni singola nota. Eppure gli altri musicisti non sono assolutamente secondi al grande impatto di Martina, riescono ad entrare nel cuore del blues e far esplodere l’animo rock, emergendo anche strumentalmente (l’intermezzo strumentale di Glass Of Wine è solo un esempio, se pur emblematico) e creando un connubio assolutamente mortale. Jet Black è un album intriso di emozioni e sfumature, hard blues con classe ed eleganza. Un album che passerà la prova del tempo.

Autore: Ramrod	Titolo Album: Jet Black
Anno: 2019	Casa Discografica: Black Widow Records
Genere musicale: Hard Blues	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/ramrodband/
Membri band: Martina Picaro – voce Marco Picaro – chitarra, flauto Emanuele Elia – basso Adriano Roll Nolli – tastiere Daniel Sapone – batteria	Tracklist: 1. Don’t Call Me Sunshine 2. Ares Call 3. Sorrow 4. Lion Queen 5. Glass Of Wine 6. Turning Bad 7. Bluesy Soul 8. Sweet Mel 9. Leda

Max Zanotti – A Un Passo

Ho sempre odiato la sabbia del mare, quel certo modo che ha di farsi ritrovare ovunque. Ho sempre odiato quella ruggine che crea negli interstizi delle cose. Ho sempre detestato quel bisogno inenarrabile di acqua per lavarla via come si deve, e di sete anche, ma non sono mai stato in un deserto che immagino sempre come negli scenari un po’ gitani e un po’ da nativi americani. Chissà se la sabbia nel deserto è meno stronza di quella che c’è ai bordi del mare. E chissà anche che effetto fa pensare alla vita con qualche buon distillato nelle vene. Chissà che effetto fa sentirsi addosso i cori angelici pensando che forse la salvezza non è qualcosa che scende dal cielo ma arriva da sotto la pelle che abbiamo. Eppure io non ci sono mai stato in un deserto come si deve per quanto il deserto arriva dentro ogni volta che penso ai miei fallimenti.

E mescolando tutto questo e tanto altro ancora, mantecando il tutto con una buona dose di quello scenario da Dodge del ’69 ai bordi di una periferia americana, consumata di notte ovviamente, a portata di alcool e tra disadattati sociali (ma senza esagerare sia chiaro), cercando anche di figurarsi da una parte le ferrosità scure di Mark Lenagan e dall’altra qualche buon proposito roots di Ane Brun, allora capiremo anche dove trovarci una volta messo su questo bel vinile di Max Zanotti. Il suo secondo lavoro personale dal titolo A Un Passo che davvero puoi rischiare d’averne dipendenza, viste le bellissime tinte in pieno stile acustico come la titletrack che chiude l’ascolto o quella perla di grazia che è On The Other Side dove troviamo la voce di Kayla Parr come protagonista indiscussa per tutto il brano. E poi c’è aria di preghiera, c’è l’aspetto corale a guisa di gospel che richiama istanti tribali, spiritualità noir e tanto altro ancora…e se gli incisi di Love Me Blind mi elevano lo spirito pur restando incollati a trame industriali (rimando immediato alla Los Angeles metropolitana di Harley Davidson & Marlboro Man) allora è anche vero che i riverberi di Blinking Frames e di Devil In My Veins sono inequivocabilmente figli di un deserto, tra sacrifici di danze e rituali indiani.

Porta il fuoco questo disco, lo porta con sé ed è un 33 giri di grande spiritualità che forse, lo dico ancora e ancora ogni volta che ho davanti alle orecchie dischi come questo, vorrei sentire più americano di quel che mi arriva…sarà che pecco di presunzione o di rigidità intellettiva data da banalissimi pregiudizi, ma questo suono è sì sporco ma troppo fermo, antico sì ma fin troppo deciso e sicuro per essere un coccio vecchio o un pezzo di ferro del rigattiere che sta ai bordi della periferia. Per quanto la odio, vorrei sentirla per davvero quella sabbia stronza che ti si ficca dentro le scarpe o stride di ruggine dentro le articolazioni di una cerniera. Vorrei sentirla quella sabbia stronza e invece questo disco, come spesso mi capita nei dischi “desertici”, sembra fin troppo pulito, pronto per l’uso insomma. E forse sono solo mie paranoie, forse questo gusto tutto mio è qualcosa che a Max Zanotti non interessa affatto e non solo ci sta tutto ma anche un sonoro “sticazzi” non farebbe una lira di danno.

Lontano anni luce dai Casablanca che hanno la rabbia dentro il loro rock italiano. Lontano anni luce dalle smielate ricerche folk dei soliti “italiani finto americani” e altrettanto lontano dalle mai riuscite ricerche di quel blues d’epoca che alla fine, gira che lo rigiri, sempre al pop torna. A Un Passo è lavoro di grande spiritualità, tanto per dirlo ancora, e lo dimostra anche la forma canzone, semplice e lineare, mai scontata ma neanche per niente predicibile a priori. A un passo dal nostro naso c’è Sanremo. E finché avremo questa piaga sociale non capiremo mai qual sia lo spazio della bella musica italiana.

Autore: Max Zanotti	Titolo Album: A Un Passo
Anno: 2020	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Blues, Rock Acustico	Voto: 7,5
Tipo: LP	Sito web: www.maxzanotti.com
Membri band: Max Zanotti	Tracklist: 1. In Una Goccia Di Veleno 2. La Mia Sporca Abitudine 3. Love Me Blind 4. On The Other Side 5. Non Ho Visto Niente 6. Qualcuno Qui Si Ferirà 7. Blinking Frames 8. Ti Salvo L’anima 9. Devil In My Veins 10. A Un Passo

Francesco Piu – Crossing

Visto di recente dal vivo in trio con il nipote Mario Più al basso al Teatro Duse di Besozzo (Va) sabato 30 Novembre 2019, Francesco Piu si conferma uno degli artisti più eclettici, importanti e di spicco dell’intera galassia italiana con una performance in cui esce tutta la sua tecnica e bravura chitarristica accostabile forse soltanto allo stile Allman Brothers Band dei chitarristi Duane Allman, Richard Betts, Derek Trucks, Warren Haynes. Ebbene Francesco Piu in ogni disco spiazza critici ed ascoltatori perché nessun album è uguale all’altro, anzi, in ogni progetto il nostro songwriter, chitarrista, pluristrumentista e cantante sorprende per inventiva, innovazione, tecnica e gusto musicale. Negli altri dischi si era abituati a sentire suoni più spumeggianti, esuberanti e frizzanti, talvolta fragorosi dove trasparivano ritmi soul, funk, blues e rhythm and blues mentre in Crossing si cambia registro e più semplicemente si va alle radici della musica e alle fondamenta del blues, da cui nasce tutto. Nei suoi precedenti dischi Maa-Moo Tones del 2012 e The Cann O’ Now Sessions (registrato in un vigneto nei pressi di Santa Maria La Palma, Alghero) del 2018 il bluesman di Osilo in provincia di Sassari aveva già seminato e rispolverato i suoni della sua terra mentre Peace & Groove del 2016 è una sorta di blues croccante, come Francesco Piu ama definire i propri live act, fra i più infuocati e divertenti in circolazione.

Il viaggio di Francesco nel mondo blues è iniziato nel 2007 con Blues Journey ed ora a distanza di 12 anni ecco il suo incontro con il vero padre e pioniere del blues, Robert Johnson (1921-1938) di cui si dice esistano soltanto 29 brani, le basi del blues stesso. Francesco Piu però non si limita a rileggere il repertorio del noto bluesmen bensì ci trasporta idealmente nel mediterraneo facendo incontrare le radici del blues del Mississippi con le sonorità della sua Sardegna e spingendosi sino ai suoni e agli echi che ci giungono dall’Africa. In Crossing, in cui appare evidente il suo illuminante lavoro di ricerca e azzeccate commistioni, egli utilizza oltre alla chitarra elettrica i tipici strumenti a corda di origine mediterranea, percussioni africane e orientali, strumenti inusuali ma efficaci come l’oud, la kora (suonata da Jally Tamba), il tenore bassu (suonato da Gavino Murgia), il djembè, la darbuka araba e lo yambù (suonati da Paolo Succu), le launeddas sarde (con Alessandro Quartu) e il calebasse (strumento a scuotimento ed una sorta di sonaglio di zucche essicate e svuotate) di Bruno Piccinnu. Il disco è impreziosito da alcuni ospiti: Antonello Salis (accordion e whistle) e Lino Muoio al mandolino in They’re Red Hot, Gino Marielli dei Tazenda (Hand drum), Bruno Piccinnu e Franziscu Pilu (pipiolu) dei Cordas Et Cannas. Francesco Piu è alla ricerca di suoni variopinti e peculiari, dove l’obiettivo è di integrare la strumentazione popolare in un linguaggio universale e dove la musica blues traghetta le profonde radici e tradizioni musicali sino ai nostri giorni.

Dicevamo un album Crossing in cui Francesco presenta 10 brani di Robert Johnson con una sua personale chiave di lettura. Il Delta Blues del Mississippi sbarca in Sardegna e già nell’iniziale Come On In My Kitchen s’incrociano folk, blues, musica etnica ed africana. Nel classico Me And The Devil appare la batteria elettronica e vari campionamenti così come in Hellbound On My Trail ci sono synth bass, shakers, campionamenti vari del dj Cris e la batteria elettronica di Francesco Ogana mentre Francesco Piu oltre a cantare nel brano (rigorosamente in inglese), suona il bouzouki, la chitarra elettrica e scandisce il tempo con le percussioni del tumbarinu de Gavoi (un paesino incantato della Barbagia di Ollolai nel centro della Sardegna ed in provincia di Nuoro). Bellissima la ballata From Four ‘Til Late dai suoni pallidi ed eterei con gli shakers e la batteria di Silvio Centamore con Francesco Piu al dobro e Jally Jamba alla kora. Stop Breaking Down per i rockettari più accaniti la ricordiamo nel doppio LP dei Rolling Stones Exile On Main Street del 1972 ma qui in una versione totalmente differente e più abrasiva. Crossroad Blues qui forse con echi chitarristici dell’extraterrestre Jimi Hendrix e per buona pace di Eric Clapton, rappresenta il famoso incrocio, dopo Robert Johnson vendette l’anima al diavolo, ma è l’incrocio di culture e tradizioni con un Francesco Piu indemoniato con tanto di feedback elettronico, oud e lap steel guitar.

In Crossing la contaminazione è evidente, palese ed il risultato è sorprendente per un artista pieno di fantasia ed inventiva e dove Francesco riesce a mediare ed amalgamare il rispetto per le tradizioni ed una audacia innovativa e moderna al passo con i tempi. La Love In Vain di Robert Johnson di cui si sono appropriati i Rolling Stones qui viene addolcita dalla fisarmonica e dai flauti di Antonello Salis (classe 1950), fisarmonicista e pianista di fama internazionale già con Los Sardos, i Nati Stanchi, Barritas, Salis’n Salis, i Cadmo, i P.A.F. con Paolo Fresu e nel gruppo Giornale Di Bordo con Gavino Murgia nonché collaboratore dal vivo e nei dischi con i più prestigiosi artisti di tutto il mondo. Un disco coraggioso ed innovativo al tempo stesso che può realizzare soltanto chi ha una perfetta dimestichezza, padronanza e conoscenza del blues e della musica tutta tonda.

Autore: Francesco Piu	Titolo Album: Crossing
Anno: 2019	Casa Discografica: Appaloosa Records
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 9
Tipo: CD	Sito web: www.francescopiu.com
Membri band: Francesco Più – voce, chitarra, oud, calebasse, bouzouki, dobro, tumbarinu, lap steel guitar Bruno Piccinnu – calebasse, djembè, daf, shakers, tar Lino Muoio – mandolino Antonello Salis – fisarmonica, whistle Gavino Riva – basso, cori Jally Tamba – kora Giuseppe Loriga – batteria Gavino Murgia – tenore bassu Francesco Ogana – batteria, synth Silvio Centamore – shakers, batteria Alessandro Quartu – pipiolu, launeddas Fabrizio Leoni – basso, contrabbasso Dj Cris – scratches, samples Stefano Romano – launeddas Paolo Succu – tumbarinu de Gavoi Denise Gueye – cori Rita Casiddu – cori Elisa Carta – cori Franziscu Pilu – pipiolu Gianfranco Marongiu – djembè	Tracklist: 1. Come On In My Kitchen 2. Me And The Devil 3. Stop Breaking Down 4. From Four ‘Til late 5. Stones In My Passway 6. They’re Red Hot 7. Crossroad Blues 8. Hellhound On My Trail 9. If I Had A Possession Over Judgement Day 10. Love In Vain

Vincenzo Grieco – Misleading Lights Of Town

Per chi si troverà per la prima volta tra le mani questo album il pensiero di trovarsi dinanzi all’ennesimo guitar hero di turno sarà sicuramente una tentazione evidente. Vincenzo Grieco è sicuramente un’ascia di tutto rispetto e le sue esibizioni alla sei corde sono note soprattutto per chi bazzica la scena romana, ma questo suo primo album solista è tutt’altro che un album per chitarristi, basta dire che compaiono sei cantanti diversi. L’opener accende subito la miccia affondando le mani nell’hard’n’heavy di scuola Whitesnake/Dio con un pezzo al fulmicotone, ma il metal non è il fulcro di questo album. Se avete apprezzato questo pezzo vi consigliamo l’esercizio della titletrack, più tendente all’AOR, ma con la stessa magia dei brani di quell’epoca. Fascinoso lo stile, pulitissima e azzeccata la produzione: Misleading Lights Of Town è un album che pulsa energia decenni addietro ma che si vanta di suoni e scelte che si fanno strada anche ai giorni nostri.

Le radici di Grieco sono evidenti: Dizzy Heights omaggia Jimi Hendrix (artista che Vincenzo omaggia con una tribute band), That Brand New Perfect Tune è un’esaltazione del rock blues con tanto di fiati al seguito che impreziosiscono il pezzo. Ma il range musicale è ancora più ampio, con la strumentale An American In Rome (On For Brent), un esercizio di country’n’roll tecnico e veloce che potrà essere fonte di studio per chitarristi alle prese con la pratica e gli esercizi per le dita, o ancora la ballad 1995, molto ispirata ai pezzi lenti ottantiani ma senza finire per imitarne troppo la resa finale.

Vincenzo Grieco, contornato da ottimi musicisti, dà alla luce un album davvero interessante, che spazia tra generi musicali differenti. Una musica stilosa a cui si potrebbe muovere solo una critica: il chitarrista avrebbe tutti gli strumenti per poter aggiungere del suo e rendere il songwriting più originale e personale, se infatti questo album è anche un omaggio ai generi che furono dal prossimo possiamo attenderci qualcosa che possa incuriosire anche gli ascoltatori più giovani.

Autore: Vincenzo Grieco	Titolo Album: Misleading Lights Of Town
Anno: 2019	Casa Discografica: Red Cat Inst Fringe
Genere musicale: Rock Blues, Hard’N’Heavy	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: http://www.vincenzogrieco.it
Membri band: Vincenzo Grieco – chitarra, voce in Crazy Funny Lovely Whiskey Nights Marco Polizzi – basso Piero Pierantossi – batteria Emanuele Casali – piano, tastiere Special guest: Giulio Giancristofaro – basso, voce in traccia 3 Alessandro Accarsi – batteria in traccia 3 Andrea De Luca – voce in traccia 5, 10 e cori in traccia 8 Giorgio Lorito – voce in traccia 1 e 7 Sara Facciolo – voce in traccia 2, 8, cori in traccia 5 Claudio Maffei – voce in traccia 4 Damiano Borgi – voce in traccia 9 Elena Maritano – cori in traccia 5	Tracklist: 1. Crashing Waves 2. Don’t Lay Your Love To Waste 3. Dizzy Heights 4. 1995 5. That Brand New Perfect Tune 6. An American In Rome (On For Brent) 7. Misleading Lights Of Town 8. Crazy Funny Lovely Whiskey Nights 9. Lord Of The World 10. The Bear, The Smart One, The Dandy And The Rockstar

Mr. Deadly One BAD Man – Breakdown

Definire un vero e proprio album l’esordio di Daniele in arte Mr. Deadly One BAD Man, sarebbe un po’ eccessivo, non intendiamo dargli una connotazione dispregiativa ma è una costatazione quasi oggettiva. Con la sua durata (25 minuti) e la sua produzione molto lo-fi e l’esecuzione in presa diretta (scelte crediamo volute) Breakdown si avvicina più ad una demo utile per presentare questo nuovo progetto che non come un full-lenght vero e proprio. Ma Daniele non è un musicista alle prime armi, nonostante si sia fatto conoscere come batterista dei Gentlemens mentre qui si cimenta come musicista a tutto tondo e cantante, e probabilmente la sua intenzione è proprio quella di rendere questo Breakdown sporco, ruvido, dannatamente blues. E questo lo fa, ci mancherebbe: ciò che arriva in pieno volto, oltre la chitarra e la grancassa, è una ventata di polvere che ci fa strizzare gli occhi e ci ostacola la vista, così da immaginarci il contesto in cui queste tracce sono nate. Per il resto il blues è il buon vecchio blues che ascoltiamo da tanti decenni, solo che qui a inventarlo e suonarlo è solo un musicista (anche questa non una grande novità).

Pezzi come Not Good Mate e Out Night sono echi della scena blues storica, poi si acquista un po’ di ritmica e giunge Love Me che ricorda i Rolling Stones, salvo poi con l’ultima accarezzare il folk blues. Ma quanti progetti di rock blues conosciamo in Italia e anche all’estero? Quanta cura dei suoni c’è in produzioni recenti, anche in generi che vestono i panni del vintage (brit rock ad esempio) e anche in formazioni che provengono dal sottobosto emergente? Ecco, e se ciò non bastasse allora ci sono sempre i grandi del passato che, come degli evergreen, stanno bene ovunque, anche perché loro lo inventarono uno stile. Per questo non troviamo tanti motivi per consigliare questo album. Torniamo ad ascoltare i The Cyborgs.

Autore: Mr. Deadly One BAD Man	Titolo Album: Breakdown
Anno: 2	Casa Discografica: Skronk Records, Dead Music Roma
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 4
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/mrdeadlyonebadman
Membri band: Daniele – voce, chitarra	Tracklist: 1. Your Breakfast 2. Dreams 3. Not Good Mate 4. Our Night 5. Go Away 6. Love Me 7. Three Teeth 8. My End

Alice Tambourine Lover – Down Below

Alice Tambourine Lover, un duo project i cui membri calcano da diversi anni la scena rock tricolore. Noi li conoscemmo con questo progetto ai tempi di Star Rovers, di cui avevamo parlato a questa pagina, e oggi ce li troviamo con qualche ruga in più (speriamo di no) ma sotto la medesima etichetta di allora (questo è certo) ad elargire un sound che è tanto immortale nella loro mente quanto nella musica in generale. Parliamo di psych blues, per far capire le due fondamentali radici del progetto, con un abito che sa di folk americano per il quale ai tempi scomodammo Janis Joplin e P.J. Harvey quali influenze principali e va constatato che è ancora così. Il loro segreto sta nell’orgia a tre che sono in grado di creare: quell’invischiamento di corpi che prende forma con l’amalgama di chitarra, tamburo e voce e che non solo crea uno stile particolare ma lo rende riconoscibile ad ogni traccia. Poi ci sono gli effetti che chiaramente in un costrutto così essenziale inspessiscono le idee della band e tramutano uno stile quasi magro in qualcosa pieno di sfumature. Le costruzioni presentano poche variazioni: ogni singola traccia si poggia su un pattern, su un motivo, che non solo è portante ma che si ripete per tutto il suo corso e sul quale il duo cerca di apportare degli inserti e trasportare l’ascoltatore verso una dimensione poco definibile. Questo è il patto che dovete sottoscrivere per entrare nel loro mondo, se siete alla ricerca di sperimentazione e cambi di atmosfere non sarà sufficiente nemmeno tutta la psichedelia di Down Below a farvi piacere la loro musica.

Intensa Follow, un brano che ammalia al primo ascolto mentre Rubber Land è il passaggio più country blues dell’album; il loro stile è per luoghi intimi che rendono perfettamente idea della loro musica rispetto a concerti o palchi giganti. Molto bello l’artwork dell’album, forse a qualcuno suggerirà generi lontani da quelli proposti da questo elegante duo, ma dal punto di vista puramente grafico a noi affascina.

Autore: Alice Tambourine Lover	Titolo Album: Down Below
Anno: 2019	Casa Discografica: Go Down Records
Genere musicale: Rock Blues, Psichedelia, Folk	Voto: 6,5
Tipo: LP	Sito web: https://www.facebook.com/alicetabourinelover
Membri band: Alice Albertazzi – voce, chitarra, cembalo da piede, percussioni Gianfranco Romanelli – dobro, chitarra, armonica Special guest: Dandy Brown – voce in Dance Away Sergio Altamura – chitarra in Train Andrea Albertazzi – armonica in Rubber Land	Tracklist: 1. Down Below 2. Dance Away 3. Blow Away 4. Follow 5. Into The Maze 6. Rubber Land 7. Train 8. Surround You