Holebones – Loud

Parte la musica e parte la storia, un percorso nel tempo alla riscoperta di grandi classici del blues, quei pezzi insomma che hanno dato l’anima alla musica, anche questa in gran parte nera, ma della quale poi se ne sono appropriati gran parte di bianchi. Nati da un’idea di Heggy Vezzano, già in forze a Francesco Renga, Nilla Pizzi e Andy J Forest ed altri, e di Andrea Caggiari (Amanda e la Banda, Daniele Tenca, Amanda Tosoni & Andrea Caggiari Duet), gli Holebones si formano con la precisa volontà (per ora) di reinterpretare i classici del blues, poi l’ingresso in band di Leif Searcy alla batteria, musicista che ha già in curriculum lavori con la Consoli e Malika Ayane, porta la band ad un consolidamento tale da farli giungere direttamente sui palchi. E così, dopo aver deciso di esordire con una serie di cover di brani classici del blues, arriva Loud, disco prodotto per Bagana Records che crede fortemente nel progetto Holebones. Ed in questo progetto d’esordio si aggiunge anche la collaborazione di Andy J. Forest alle armoniche (registrate a New Orleans), artista che detiene una vasta serie di collaborazioni sia in Italia che all’estero.

Si parte con quello che è un grande pezzo blues, Mojo Hand, brano che dà il titolo ad un album di Lightnin’ Hopkins pubblicato nel ‘62 e che ha dato grande impulso alle sonorità blues di altri grandi che son venuti dopo. Si prosegue con la bella interpretazione di un pezzo di Samuel L. Jackson, Just Like A Bird Without A Feather, che nella loro reinterpretazione assume una connotazione chiaramente più aperta ed ariosa rendendo la canzone ancora più piacevole e, comunque, senza travisarne troppo l’originalità. Si prosegue con un brano di Muddy Waters che sostanzialmente non si discosta dalla versione originale ma che assume nella versione degli Holebones un andamento molto più votato al funky ed è esplosione di suoni tutta da ascoltare, un pezzo che ci è piaciuto davvero in questo nuovo riariaggiamento. Il blues ormai sembra quasi si sia impadronito di noi, quasi un richiamo alla grande madre delle origini ma che ci ha condotto poi sulla via della perdizione: quella del rock. Ancora un grande salto nel passato grazie a Hard Time Killin’ Floor Blues di Skip James che qui viene reinterpretata in versione elettrificata ma che a differenza di quella appena vista e riascoltata nella versione originale, mantiene la sua forma anche se a livello dei tempi moderni che viviamo. In fondo il blues resta sempre quello, magari cambiano gli strumenti e gli arrangiamenti ma l’anima è sempre quella. Questo disco comincia davvero ad appassionare e non c’è niente di meglio che in questo inizio estate, peraltro già bollente, ci si possa bagnare nel blues.

Quando giungiamo ad uno dei canti delle Pantere Nere, vale a dire Ain’t Gonna Let Nobdy Turn Me Around, la musica ci riporta ad una stupenda versione del brano di Sweet Honey In The Rock cantata da una Joan Baez in versione acustica accompagnata solo dal battito delle dita e nulla più, una versione così splendida che ancora adesso continuo a sentire mia come quella Blowin’ In The Wind del suo amico/amante Bob Dylan. Torniamo al disco però, questo disco che oltre a farci ricredere su tante cose che abbiamo ascoltato negli ultimi tempi, ci sta regalando bei momenti di musica. Poi l’arrivo di una ulteriore cover, ma stavolta di Steve Wonder e Gary Byrd che è poi l’unica traccia non proveniente dalla tradizione del blues, sembra darci l’impressione che il disco stia prendendo un’altra strada, ed invece Black Man si presenta con una veste più vicina alle ballate di rock, con sfumature “rhythm” che non dispiacciono ance se, qui, quello che non ci piace è il voler quasi imitare, con il secondo canto, la voce del grande Wonder. Peccato sarebbe forse riuscita meglio. Insomma non si può pretendere tutto poi da un esordio di cover poi, l’arrivo di una delle canzoni più significative del delta blues, Death Have Mercy, brano cantato da Vera W. Hall, grande interprete blues e gospel, con quella apertura di chitarra acustica rende davvero quanto questa band sia fantastica nelle reinterpretazioni di grandi classici del blues e, come potrebbero essere bravi se pensassero magari ad una produzione tutta loro di blues. Certo è che se gli Holebones hanno scelto questi grandi brani quali messaggi musicali da far giungere alla gente, beh allora dobbiamo dire che ce l’hanno fatta.

In loro abbiamo riscontrato la grande capacità di reinterpretazione di grandi classici del blues, ma ci sarebbe piaciuto capire anche come riescono a muoversi nell’interpretazione di propri pezzi, avremmo avuto di sicuro un disco di maggiore effetto ed impatto. Non che Loud non sia stato gradito, e non dobbiamo certamente essere noi a dirlo perché c’è il pubblico, ma una band come gliHolebones hanno nelle mani “il sound”, e per far ancor più breccia dovrebbero produrre qualcosa di proprio. Siamo sicuri che le idee non manchino, li aspettiamo ed in attesa ci ascoltiamo questo, comunque bell’esordio con cover.

Autore: Holebones	Titolo Album: Loud
Anno: 2021	Casa Discografica: Bagana Records
Genere musicale: Roch Blues, Funky, Rock	Voto: 6
Tipo: CD	Sito web: https://www.holebones.com/
Membri band: Andrea Caggiari – voce, basso Heggy Vezzano – chitarra Niccoló Polimeno – chitarra Leif Searcy – batteria	Tracklist: 1. Mojo Hand 2. Just Like A Bird Without A Feather 3. Catfish 4. Hard Time Killin’ Floor 5. Ain’t Gonna Let Nobody Turn Me Around 6. Black Man 7. Death Have Mercy 8. Rollin’ And Tumblin’

Leo Boni – The Ring

Chitarrista toscano che giunge con il nuovo The Ring al terzo disco solista della sua carriera, Leo Boni stupisce ed ammutolisce. Blues, swing, jazz e anche dei sorprendenti cambi di tempo che fanno pensare al prog, spiazzano e lasciano a bocca aperta. Se ad esempio si prendono le prime due, Pinocchio Ray Blues e Music, dove i cambi di tempo improvvisi la fanno da padrone, non si può certo ridurre tutto semplicisticamente al blues duro e puro. E ci piace anche pensare che queste caratteristiche siano riconducibili non solamente al mood musicale ma andando oltre, ai titoli: più liberi e senza confini di Pinocchio e della Musica con la M maiuscola cosa può esistere? Certo che poi il filo conduttore della sua musica torna a dominare prepotente sin da Some Eyes anche se poi ci troviamo davanti ad un fil rouge su cui vengono sviluppate ed incastonate trame molto varie e sfumature così corpose da farci affermare che sia il jazz la matrice su cui questo grande chitarrista lavora. Grande chitarrista, poi, sarebbe da scrivere a caratteri cubitali in quanto Leo è un virtuoso della sei corde e non c’è proprio nulla da eccepire a questa affermazione: il disco sta lì a dimostrarlo a tutti. La sua voce profonda e la pronuncia inglese praticamente perfetta vanno solo ad impreziosire le doti poliedriche del musicista.

The Ring sembra davvero uscire dai padri fondatori dal genere, dall’America più profonda e lontana (in toto, in termini sia temporali che di radici), anche se il tono scanzonato e leggero aggiunto da Leo danno quel tocco in più che ci fa capire una conoscenza profonda di quello che si fa. Per un amante del rock non dare un ascolto a questo album è come dire ad un romano di mangiarsi la carbonara con la panna e la pancetta. Non vi è alcun dubbio.

Autore: Leo Boni	Titolo Album: The Ring
Anno: 2020	Casa Discografica: Redcat Music
Genere musicale: Blues Rock	Voto: 7
Tipo: Album	Sito web: https://www.facebook.com/leobonithering
Membri Band: Leo Boni – voce, chitarra, wash tub bass, percussioni Marco Barsanti – batteria Francesca Taranto – basso in Pinocchio Ray Blues, cori Virginia Vannucchi – cori Sabrina De Luca – cori Eric Shenkman – chitarra in Uozzon	Tracklist: 1. Pinocchio Ray Blues 2. Music 3. Some Eyes 4. Uozzon 5. Mr. Yes Man 6. Riley The King 7. Strange Girls 8. Mermaid 9. This Masquerade 10. Hairpin 11. This Town

Malacarna – Malacarna

In un’epoca in cui le band italiane optano per l’inglese per cercare di avere un pubblico potenziale più ampio possibile, risulta davvero originale che alcuni musicisti realizzino un album (seppur questo sia un mini album, pubblicato in digitale e vinile) in dialetto. Se poi si tratta di dialetto lucano capirete da soli la ricercatezza a cui aspira questo lavoro. Ma a dire il vero non sono i testi né il cantato che ci colpiscono, è la perfetta fusione tra le parole e i suoni che ne conferiscono un sapore quasi da “blues primitivo”, una musica quasi tribale che sembra essere doppiamente attaccata alla terra, terra come origini e come suoni; ma c’è anche una forte componente elettrica che in alcuni passaggi (come in Oh Signore, che tra l’altro vede alla voce Raiz, cambiando tipo di dialetto) riporta alla vena rock il combo. Al di là della collocazione geografica a noi hanno ricordato i 24 Grana, anche se i Malacarna sembrano essere meno legati ad una concezione di rock, anzi sembrano essere slegati completamente da una concezione musicale univoca; basta ascoltare Mare Citte per capirlo. Un lavoro quindi ampio, in cui il blues si perde in una combinazione di effetti e situazionismi lisergici per creare qualcosa di inclassificabile. Pregio e difetto allo stesso tempo.

Autore: Malacarna	Titolo Album: Malacarna
Anno: 2021	Casa Discografica: Stridulation Records
Genere musicale: Blues Rock, Avantgarde	Voto: s.v.
Tipo: EP Digitale	Sito web: https://www.facebook.com/MalacarnaMusic/
Membri band: Tony Farina – voce Vince Pastano – chitarra, basso, synth, piano, voce in Resta cu mmi Donald Renda – batteria Fabrizio Luca – percussioni	Tracklist: 1. Nunn’è Rrelore 2. Maria Lou 3. Oh Signore (feat. Raiz) 4. ‘U Mile Granate 5. Mare Citte 6. Resta Cu Mmi

Van Kery – New Life

Un famoso brano di Neil Young diceva “rock’n’roll can never die”, beh aveva proprio ragione, a sentire poi questa band siciliana che spreme il rock blues come fossero le arance dell’isolana terra, c’è solo da aggiungere “rock’n’roll is here to stay”. Stamane mi sono svegliato con questa musica in testa, ma appena ho messo su l’ascolto di New Life mi son detto “sogno o son desto, questa musica mi riporta un po’ indietro ma ha comunque tanto carisma dentro che questi Van Kery sembrano essere usciti da qualche elezione per suonare di spalla ai grandi del rock blues” e non facciamo nomi perché potrebbero suonare con tutti. Ed in principio era Runaway che esplodeva da quel PC proponendo un rock tasso cento, si perché è così lucido da entrarti subito dentro con quei giri di basso e chitarra, dove la batteria si appoggia e nulla più ma guida l’intera band in un rock d’altri tempi. Mi verrebbe da fare un’imprecazione ma per questioni censorie non posso farla…ma voi per un secondo pensate che l’abbia detta perché questo rock proposto dai Van Kery, quelle imprecazioni te le richiamano subito. Potrei proseguire ad imprecare anche con la successiva One Thing I Learned, ma anche se il ritmo è leggermente più contenuto quello strano suono rock c’è sempre anche con la voce distorta che dà più feeling al brano fino al sopraggiungere di uno strisciante pezzo solista di chitarra che nel complesso poi è quasi come ascoltare uno dei tanti solchi da studio di Alice Cooper.

E l’imprecazione continua a perseguitarmi anche quando arriva Perfect Love, splendido blues da atmosfere da sedili abbassati come si faceva una volta, un pezzo da mille e una notte dove il sound è tutto perfezione, a partire dalla splendida voce di Gianluca Vancheri, calda, blues, cruda proprio le voci di una volta, capace di superare anche il mantra della chitarra che non lascia spazio alle emozioni fino ad entrarti dentro con quella svisatina blues che ti chiedi chi stia suonando ma che alla fine non ti importa tanto è perfetta. La chitarra continua a cucire il rock che vorresti a questo punto del disco e ce l’hai con Not My Time che su un semplice giro della sei corde si trascina tutto il resto della band in una sfida a colpi di svisate, di battute, di arresti e riprese di tempo, insomma una cascata di suoni che il rock te lo fanno entrare senza accorgertene e senza dolore per di più. È con New Life poi che il grande salto è davvero assicurato, si perché è giusto che con New Life si dia il titolo all’album perché, come si presenta il pezzo non poteva essere diversamente: un blues da capogiro, uno sfavillante lento blues dove la chitarra è lo strumento che la fa da padrone rendendo davvero l’idea di una nuova vita.

Ed è così che tra rock, blues e R’n’B ci si avvia alla conclusione di un disco che ha ancora colpi da esplodere prima con il blues di Everything I Do Is Wrong che ricorda tanto il buon vecchio elettro blues quasi boogie alla T. Rex, poi con il quasi beatlesiano Pick Your Poison finalmente si può definire l’anima di questa band che merita assolutamente il voto che le abbiamo assegnato. Già perché i Van Kery hanno un’anima che è rock e dove c’è il rock c’è il R’n’B, c’è il blues ma, soprattutto c’è la grande creatività di una band che, sinceramente, noi ci auguriamo che faccia tanta strada. Forse è la prima volta che personalmente assegno un voto così alto ad una produzione, ma ne vale talmente tanto perché questo New Life ha l’anima di quelle grandi band che vanno dagli Humple Pie ai Led Zeppelin e ad altre grandi band di quel periodo, ma che per fortuna si chiamano Van Kery!

Autore: Van Kery	Titolo Album: New Life
Anno: 2021	Casa Discografica: Vrec
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 9
Tipo: CD	Sito web:  www.vrec.it
Membri band: Gianluca Vancheri – voce, chitarra Giuseppe Di Mauro – basso Antonio Quinci – batteria	Tracklist: 1. Runaway 2. One Thing I Learned 3. Perfect Love 3. Not My Time 4. Chasing Me 5. New Life 6. Everything I Do Is Wrong 7. Pick Your Poison 8. Let Me Sleep

AA.VV. – DELTA Promotion #1

Come nei cari, vecchi, tanto a torto vituperati ma rimpianti da molti, anni 80, le compilation musicali stanno tornando abbastanza prepotenti. Un modo di affrontare il mercato in maniera costruttiva ed intelligente. I motivi sono vari e validi. In primis, ci sono qualificati addetti ai lavori che, alla sorgente, selezionano e scremano, aiutando così di non poco l’ascoltatore che può, attraverso una soluzione unica, districarsi e scoprire varie band in una soluzione unica, per poi andare ad approfondire le singole band se interessato o titillato nei suoi gusti personali. Segue poi il fatto che chi partecipa a queste iniziative discografiche trova uno spazio, vero condiviso, ma pur sempre “altro” rispetto ad una sua produzione singola. La Delta Promotion decide di premiare quei prodotti che sono meritevoli di attenzione con questa iniziativa che ha un fil rouge di genere chiaro e preciso: il blues ed il  rock blues in tutte le sue forme e derivazioni. Se si escludono i due pezzi dei Nastyville, che sono palesemente glam, tutte le altre formazioni presenti in DELTA Promotion #1 propongono il blues e tutte le sue derivazioni più o meno spinte. Da chi è più strettamente legato al genere in maniera viscerale (Mountain’s Foot, Matt Cadillac & The Shoots) a chi parte da lì per arrivare ad un mix con un punk energico (Los Fuocos) ce n’è per tutti i gusti degli estimatori di questa corrente, a cui ci rivolgiamo in maniera particolare per la fruizione e l’ascolto di questa compilation. Che, ricordiamo e sottolineiamo, è tutta italiana. Non siamo portatori di un patriottismo musicale tout court, ma ci fa piacere vedere e constatare che anche da noi ci sono musicisti scalpitanti e validi pronti a riempire quei vuoti lasciati, per ora, dalla dimensione live azzerata dal Covid 19.

Chiudiamo con le parole dirette del fondatore di DELTA Promotion, che spiegano bene i concetti sopra espressi: “A poco più di un anno dalla nascita dell’etichetta, di musica ne ho ascoltata parecchia insieme ai miei collaboratori e ho voluto racchiudere in questa playlist le migliori band “Rock’n’Roll” indipendenti italiane secondo il nostro giudizio, conosciute in questo anno di lavoro, dove con alcune è poi iniziata una collaborazione, altre invece inserite perché molto interessanti e perché sempre secondo noi meritano l’ascolto e l’attenzione”. Che altro aggiungere se non: buon ascolto!

Autore: AA.VV.	Titolo Album: DELTA Promotion #1
Anno: 2020	Casa Discografica: DELTA Promotion
Genere musicale: Rock Blues, Hard Blues, Glam	Voto: 6,5
Tipo: Compilation	Sito web: www.deltapromotion.org
Band: Wildking Mountain’s Foot Matt Cadillac & The Shoots Ruben Minuto Los Fuocos Bluestouch Nastyville Bonny Jack Micky Guns	Tracklist: 1. Long Way Back To Home (Wildking) 2. Into My Soul (Wildking) 3. Always Sick And Tired (Mountain’s Foot) 4. Rock And Roll Dose (Mountain’s Foot) 5. My Love (Matt Cadillac And The Shoots) 6. Around On The Street (Matt Cadillac And The Shoots) 7. You’re The One That I Want (Ruben Minuto, Jen Jeresa) 8. In The Hands Of Time (Ruben Minuto, Lucia Lombardo) 9. Funky Jungle (Bluestouch) 10. Down On The Farm (Bluestouch) 11. My Lord (Los Fuocos) 12. Modern Man Ballad (Los Fuocos) 13. Something’s Goin’ Wrong (Anthony Basso) 14. Lay My Body Down (Anthony Basso) 15. Tha King (Nastyville) 16. Macho Girl (Nastyville) 17. Marv & Goldie (Bonny Jack) 18. Dead Man’s Chest (Bonny Jack) 19. Higher Self Blues (Micky Guns)

Hapnea – Hangover & Love

Nato come un progetto alternative rock, gli Hapnea si sono presto evoluti verso sonorità rock blues e l’eleganza chitarristica che predilige la filosofia delle “poche note” alla distorsione presente nel loro EP d’esordio lo conferma a gran voce. Hangover & Love infatti è sicuramente un EP rock: la titletrack è uno dei momenti che, soprattutto nella seconda parte, scalda i motori; Ultraviolenza Baby ha dei testi punk ma anche una sei corde fuzz che diventa ancora più potente in Whiskey Sour. Un rock blues in continuo conflitto con se stesso: infatti a nostro parere non si può parlare di blues nell’ “accezione pentatonica” del genere, piuttosto come filosofia compositiva che poggia su battute quasi mai veloci, sei corde spesso clean che intesse costrutti pacatamente, senza la fretta che solitamente il rock inietta (solo Moonlight Bar ha un refrain di chiaro stampo blues). A fianco di un rock comunque spesso evidente compaiono anche passaggi più pacati come Panama e (appunto) Moonlight Bar, due tracce che poggiamo su ritmi lenti e costruzioni relativamente melodiche, pur lasciando un certo spazio alla chitarra elettrica (qui molto meno distorta) e anche ad accordi inaspettati.

Ci piace lo stile degli Hapnea che fonde il gusto con una certa maturità musicale, difficile entrare bene nella loro filosofia di musica con un EP così breve ma 20 minuti bastano per comprendere che il percorso è tracciato e se continueranno così faranno grandi cose.

Autore: Hapnea	Titolo Album: Hangover & Love
Anno: 2021	Casa Discografica: Homeless Records
Genere musicale: Rock Blues	Voto: s.v.
Tipo: EP Digitale	Sito web: www.facebook.com/hapnea.official
Membri band: Paolo Tasso – batteria, percussioni, synth Lorenzo Cespi – basso Gabriel Medina – voce, chitarra Danilo Cosci – tastiera, chitarra	Tracklist: 1. Oh Marcelle 2. Ultraviolenza Baby 3. Panama 4. Moonlight Bar 5. Whiskey Sour 6. Hangover & Love

Black Banjo – Out Of The Skies

I Black Banjo sono composti da quattro musicisti di grande esperienza. F. Caporaletti e A. Macrillò hanno suonato in Europa e Stati Uniti con artisti internazionali, come Ian Paice e Don Airey (Deep Purple), David Grissom (chitarrista della Joe Ely Band), Uli Jon Roth (Scorpions) e italiani come Andrea Braido (chitarrista di Vasco Rossi) e molti altri. A. Alessandrini, già co-fondatore degli E.Z. Riders, con i quali ha scritto e pubblicato 4 album, ha suonato oltre che in Italia, anche negli U.S.A. e UK, ha aperto i concerti di Deep Purple e Slash. Un power rrio iniziale poi diventato quartetto di stampo blues rock, che presenta brani originali e alcune “perle” di questo genere. Registrato nello studio Potemkin di Macerata, il nuovo album dei Black Banjo è nato durante il lockdown.  Un disco con l’inaspettata e straordinaria partecipazione del sassofonista dei mitici Blues Brothers, Lou Marini, personaggio illustre che abbiamo ammirato nella indimenticabile scena del film Blues Brothers in cui salta il balcone del ristorante e suona il sax in Think accanto alla regina del soul Aretha Franklin. Lou “Lou Blue” Marini (1945) di origini italiane, il nonno emigrò negli Stati Uniti nel 1940 da Darzo (Trento) ha fatto parte dei Blood Sweat & Tears (1972-1974) e dei Blues Brothers dal 1988. Contattato a distanza ha accettato di buon grado di partecipare al loro disco ed oltre ad aver registrato le parti da solista, ha anche scritto e suonato gli arrangiamenti di accompagnamento di tre brani: The Contest, If It Wasn’t For The Music e Miss Daisy.

Una quarantena forzata quella del quartetto maceratese che suonando e recuperando per l’occasione l’essenza del blues non vogliono certo paragonarsi con la loro esperienza in lockdown alla situazione degli schiavi. Ciò nonostante Alessandro Alessandrini, leader, cantante, compositore e chitarrista del gruppo in questo stop obbligato ne ha approfittato per riprendere in mano alcuni brani che aveva scritto precedentemente lavorandoci dalla mattina alla sera per poterli rivisitare e migliorare. In seguito il gruppo durante l’estate li ha incisi e mixati. Il titolo dell’album Out Of The Skies (fuori dai cieli, fuori dal nulla) è un richiamo biblico e contiene undici tracce, tutte di matrice blues, ma che spaziano tra il classico rock, le ballate ed alcuni ritmi più country. Out Of The Skies, la canzone che dà il titolo al disco, è dedicata alle popolazioni ancora oggi invisibili, quelle che non hanno i diritti e che sono escluse da ogni sistema economico per le quali il blues e la musica in generale può rappresentare una valvola di sfogo e un grido di riscatto. Si parla quindi dei nativi americani che vivono nelle riserve ma è ugualmente fortissima l’analogia con il popolo messicano che tenta di attraversare il confine, il muro verso gli Stati Uniti o con gli africani che hanno tentato la traversata del Mediterraneo per raggiungere l’Europa.

A questo lavoro hanno partecipato anche altri ospiti illustri come Nathaniel Peterson, già cantante solista e bassista dei Savoy Brown nel periodo 1994-1999. Un bassista che ha suonato e collaborato in passato tra gli altri anche con Spencer Davis, Peter Green (Fleetwood Mac), Jeff Porcaro (Toto), Coco Montoya e Kenny Loggins (Loggins & Messina) ed è qui in Alive And Well, Paolo Ercoli al dobro in Alive And Well e in If It Wasn’t For The Music e la cantante marchigiana Jenny Rosini in 4 brani. Alive And Well è pregevole per l’interpretazione di Nathaniel Peterson come voce solista, Last Man Standing è decisamente rock, The Contest un boogie con chitarra slide ed un assolo di sax di Lou Marini. Splendida Bumps Boogie, uno strumentale con l’organo in particolare evidenza, la chitarra di Alessandrini (dotato di una tecnica superlativa alla chitarra in ogni brano) e Nathaniel Peterson all’armonica in un pezzo di oltre 4 minuti. Tainted Love è un rock blues, Youth Of The Nation una ballata con l’organo che dipinge le sonorità e la conclusiva She’s Gone Away di grande atmosfera e dai suoni semi-acustici.

È previsto per il gruppo, covid permettendo, un tour europeo tra giugno e luglio con oltre una decina di concerti che li vedrà condividere il palco con la leggendaria formazione inglese The Animals ed alcune date in Italia, Belgio, Germania e Spagna. Il sogno poi resta (magari a settembre) di andare negli Stati Uniti, nella costa Est per suonare con lo stesso Lou Marini restituendo il favore.

Autore: Black Banjo	Titolo Album: Out Of The Skies
Anno: 2021	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: http://www.blackbanjo.eu/
Membri band: Alessandro Alessandrini – cantante, chitarra Francesco Caporaletti – basso, voce Massimo Saccutelli – organo, piano Archelao Macrillò – batteria	Tracklist: 1. Alive And Well 2. Stone Cold Killer 3. The Contest 4. Out Of The Skies 5. If It Wasn’t For The Music 6. Last Man Standing 7. Youth Of The Nation 8. Miss Daisy 9. Bumps Boogie 10. Tainted Love 11. Sue’s Gone Away

Honshu Wolves – Cosmic Creature Capture

Dai vicoli di Berna, dal parcheggio del loro trailer parcheggiato nella zona assai nota del movimento giovanile autonomista chiamato Zaffaraya nel bel mezzo della capitale svizzera e marcato dalle nebbiose e fredde montagne elvetiche, Maryanne Shewolf ed il suo magnifico trio ci propongono e ci deliziano con il loro originale genere che si potrebbe definire un “acido psichedelico e desertico delta space blues”. Marianne diventata madre in giovane età, non aveva certo tempo per immergersi o perdersi via con scappatelle con la droga, dedicandosi invece a comporre musica ispirata da alcuni concerti da lei visti e vissuti degli Spiritualized, Make Up, Alan Vega, The Cure, Radiohead e i Royal Trux o dedicandosi e partecipando alla band dei suoi partner per lungo tempo, Roy & the Devil’s Motorcycle. Maryanne è influenzata anche da altri artisti come P.J. Harvey, The Staple Singers, Solki, Nina Simone, Jessie Mae Hemphill, Shilpa Ray, T- Model Ford, Spaceman 3. Gli Honshu Wolves realizzano il loro primo disco a 10 pollici Shine On Menel 2010 per l’etichetta di Mama Rosin, Moi J’Connais Records, un secondo singolo split edito nel 2011 con sulla facciata A Mama Roisin in Back A La Maison e sul retro gli Honshu Wolves con Homegoing. In seguito pubblicano un LP Silver Ashes Line The Lane dato alle stampe dalla Sacred Hood Records nell’ottobre del 2014 (entrambe etichette svizzere).

Nel 2021 eccoli di nuovo in pista con il nuovo album Cosmic Creature Capture inciso nel 2019 a Torino nello studio Nomad con Massimiliano “Mano” Moccia al mixer (già collaboratore di Movie Star Junkies, Wow, Love Trap, Lame). Tutti i 9 brani sono composti da Maryanne Shewolf e dagli stessi Honshu Wolves. Per Maryanne Shewolf, il partner e padre dei suoi figli è Christian Stahli, membro fondatore della band Roy And The Devil’s Motorcycle, formazione a cui lei è particolarmente legata fin dai suoi esordi. Maryanne, cantante, chitarrista e compositrice è un personaggio davvero incredibile che richiama sicuramente la britannica PJ Harvey (indie rock) guru di un’intera generazione femminile e certi fraseggi di Jeffrey Lee Pierce (lunatico leader californiano dei Gun Club che passa alla storia per l’avvincente ed innovativa sintesi di irruenza punk e riscoperta della tradizione blues). Ma la prima e primaria ispirazione degli Honshu Wolves è sicuramente The Reverend Beat-Man alias Beat Zeller (non a caso artista svizzero e proprietario della Voodoo Rhythm Records). Un trio che ricorda le atmosfere blues care a The Gun Club o alla parte più oscura dei Creedence Clearwater Revival. Una sorta di swamp rock in stile garage.

L’iniziale Something’s In The Air è pervasa di atmosfere alla Blasters con un pizzico dark. Won’t Let Fear It dai riff di chitarra ossessivi e compulsivi rispecchia i suoni del Delta con il fascino arcano e morboso del voodoo. Tell Me è puro blues punk, una love song (edita anche come singolo) che fa venire alla mente Chris Isaak e James Calvin Wilsey (chitarrista della band di Chris Isaak) che la avrebbe suonata proprio così. In White Dress si respira un clima motoristico. Bellissima Goddess con atmosfere cosmiche, chitarre twang, percussioni martellanti e la voce di Maryanne in grande spolvero che canta in un inglese graffiante. La conclusiva Come Closer in stile PJ Harvey è un forte richiamo a liriche particolarmente ambigue, sussurri e grida a carattere sessuale ma un brano decisamente seducente. Questo è il rock’n’roll contemporaneo dei nostri giorni. Un album del trio svizzero di psichedelia, blues e rock’n’roll malinconico particolarmente riuscito. Un gruppo che naviga tra rock psichedelico, space rock, folk elettrico, punk, psychobilly, rock’n’roll e il blues vecchia maniera. 9 brani davvero notevoli, affascinanti, accattivanti, suonati divinamente e di grande atmosfera.

Autore: Honshu Wolves	Titolo Album: Cosmic Creature Capture
Anno: 2021	Casa Discografica: Voodoo Rhythm Records
Genere musicale: Rock Blues, Psychedelic Blues	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/honshuwolves/
Membri band: Maryanne Shewolf – voce, chitarra, percussioni, piano Fabu (Fabian) – chitarra, basso, organo, cori Mige – batteria, percussioni	Tracklist: 1. Something’s In The Air 2. Won’t Let Fear In 3. Last Night 4. Marina 5. Goddess 6. White Dress 7. Tell Me 8. AHA 9. Come Closer

Ruben Minuto – The Larsen’s Sessions / Live In Studio

Uscito a gennaio su tutte le piattaforme digitali tramite Delta Promotion, è The Larsen’s Sessions-Live In Studio, tredicesimo album del musicista Ruben Minuto. Fin da subito si possono apprezzare le fortissime influenze country e blues di Ruben, che lo hanno portato nel corso della sua carriera non solo a partecipare all’Owensboro Bluegrass Ibma Festival, ma anche ad essere eletto Artist Of The Week dal Chicago Blues Magazine grazie alla sua partecipazione al Festival Blues di Chicago. L’album interamente registrato dal vivo senza l’uso di sovraincisioni, si compone di dieci tracce divise in sette riarrangiamenti di brani tratti dai precedenti album del musicista, più tre cover rivisitate delle canzoni Molly & Tenbrooks, You’re The One That I Want direttamente dal film Grease, e Why Should I Be So Lonely di Jimmie Rodgers. Apprezzatissime sono Jimmy Two Steps, dal sound grintoso tipico di un blues movimentato, e High Heel Shoes dalle influenze più rock, le quali spingono l’ascoltatore ad immaginarsi nel bel mezzo di un concerto.

In Along The Way, canzone riflessiva e a tratti malinconica, troviamo nel ritornello interessanti cambi armonici che lo rendono orecchiabile ma per nulla scontato. In Be Alive Ruben ci regala una versione in acustico arricchita dalla presenza dei cori che ben si sposano con l’ambient generale della canzone. Forse il tasto dolente lo si trova nella cover You’re The One That I Want, versione interessante sulla prima parte del brano perché inaspettata, ma che tende a dare la sensazione di non concludersi mai. Who Cares è la ballad, intima e delicata, performata assieme ad una giovanissima voce, quella di Sophie Elle. E non è l’unica a prestare la sua voce per questo disco. Troviamo infatti un feat. con Jane Jeresa nella track di Grease, e la cantautrice Lucia Lombardo nell’emozionante ed intensa In The Hands Of Time. Ottima la scelta di inserire come ultima traccia la cover di Why Should I Be So Lonely, dove Ruben con la sua voce dal timbro caldo e avvolgente, pare quasi volerci cantare una ninna nanna sussurrandoci “per oggi ho finito, ma ci rivedremo presto”.

Il disco nel complesso è coerente con la scelta di tutti i vari arrangiamenti curati dal chitarrista Luca Crippa, che ben si legano fra loro e che attingono ai vari generi musicali riscontrabili nel southern rock americano. The Larsen’s Sessions/ Live In Studio è un album che si potrebbe ascoltare tranquillamente seduti sul proprio divano sorseggiando un bicchiere di vino, oppure facendoci guidare dal suo sound nell’immaginarci seduti su un prato di fronte ad un live show.

Autore: Ruben Minuto	Titolo Album: The Larsen’s Sessions / Live In Studio
Anno: 2021	Casa Discografica: Delta Promotion
Genere musicale: Southern Rock, Rock Blues	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/ruben.minuto/
Membri band: Luca Crippa – chitarra Jane Jeresa – voce Sophie Elle – voce Lucia Lombardo – voce	Tracklist: 1. Molly And Tenbrooks 2. This Hour Of The Day 3. Jimmy Two Steps 4. Along The Way 5. You’re The One That I Want (Feat. Jane Jeresa) 6. High Heel Shoes 7. Be Alive 8. Who Cares (Feat. Sophie Elle) 9. In The Hands Of Time (Feat. Lucia Lombardo) 10. Why Should I Be So Lonesome (lonely)

Colonel V. – The Millenary Preacher

Paul Venturi veste i panni di Colonel V. per dare la giusta forma al suo progetto solista e decide di optare per il formato vinile per il suo nuovo lavoro. Scelta assolutamente approvata a nostro parere per il genere proposto, la resa infatti del blues su giradischi è impagabile anche se il blues di Venturi non è propriamente il canonico blues che tutti conoscono. C’è un grande uso dei cori e un concetto di melodia che sembra a tratti scorporato dalla ritmica, a differenza invece del blues noto ai più nei quali questi due ingredienti sono strettamente legati e dipendenti l’un l’altro. Certo, facile premiare i momenti in cui l’energia sembra uscir fuori dagli amplificatori: I Ain’t Gonna Be Your Dog è l’esempio del brano essenziale quanto ballabile, capace di spingere le pulsazioni ad una crescita costante. In questa direzione va citato l’interessante American Stew che a metà corsa vede inserirsi dei passaggi tra lo sperimentale e lo psichedelico, dimostrazione della visione aperta di blues dell’artista.

Ma The Millenary Preacher è qualcosa di più: Polinice Island è una traccia che va oltre le note e che con la sua slide porta il blues ad un livello crudo, viscerale. La conclusiva Mary è una lunga litania blues che ricorda le radici del genere, in alcuni momenti apparentemente contaminato alla gospel. Nel complesso quello di Paul Venturi è un bel lavoro, ma se proprio si vogliono scardinare i confini del blues si potrebbe osare ancora di più. Go Venturi, go!

Autore: Colonel V.	Titolo Album: The Millenary Preacher
Anno: 2020	Casa Discografica: L’Amor Mio Non Muore Dischi
Genere musicale: Blues Rock	Voto: 6
Tipo: LP	Sito web: https://www.facebook.com/colonelv
Membri band: Paul Venturi – voce, banjo, chitarra Piero Perelli – batteria, percussioni Tiziano Popoli – synth Don Antonio – piano su Rosy e American Stew, chitarra su Kind O’ Livin’ Mary Eloisa Atti – cori Sara Zannoni – cori	Tracklist: 1. Rosy 2. Rock Is The Rock 3. Kind O’ Livin’ 4. American Stew 5. The Millenary Preacher 6. Polinice Island 7. I Ain’t Gonna Be Your Dog 8. Mary