Velvetfish – Cocotropus Roseus

Arriva dalla Svizzera questo giovane quintetto che dà alla luce un EP intenso, fatto di sonorità settantiane ma che restano legate ad una matrice blues e quasi psichedelica. L’opener infatti mette in scena ritmi lenti che fanno immaginare tanto fumo sul palco e luci basse nel pub, mentre già dalla successiva Impossible la carica rock aumenta, non tanto in termini di ritmica ma di pathos, inoltre c’è un ottimo lavoro sulle linee vocali, sia la lead singer che con la sua timbrica “esce fuori” molto bene sia per la seconda voce (maschile) che accompagna egregiamente nel chorus; nell’intermezzo la singer Krystal sembra vestire altri panni, quasi soul, davvero attraenti. Ottimi gli assoli, non ci si stanca mai di sentirli e sono collocati al momento giusto, come una band di una certa maturità è in grado di fare. Bellissime le chitarre di Dark Motions che creano livelli su livelli, un brano che sembra eseguito da tanti musicisti e nel quale forse avremo preferito solo un basso più presente (a livello sonoro più che compositivo) ma in cui tutto gira a dovere.

Cocotropus Roseus è davvero un EP profondo ed affascinante, sembra di ascoltare un album finito e davvero molto curato, invece i ragazzi ci propongono un assaggio della loro musica, 18 minuti di rock d’autore, elegante e sapiente, uno stile quello dei Velvetfish che si fa ascoltare con molto disimpegno pur non risultando pop ma che allo stesso tempo cela ingredienti tutt’altro che banali. Bravissimi, è proprio su queste sfumature che i ragazzi possono migliorare ancora di più e regalarci, in futuro, qualcosa di unico. Per il momento assolutamente promossi.

Autore: Velvetfish	Titolo Album: Cocotropus Roseus
Anno: 2019	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Rock Blues, Rock	Voto: s.v.
Tipo: EP	Sito web: https://www.facebook.com/velvetfishmusic/
Membri band: Krystal – voce Dude – chitarra Nick – chitarra Simon – basso, voce Gab – batteria	Tracklist: 1. Help 2. Impossible 3. Dark Motions 4. Uncatchable

Rainbow Bridge – Lama

I Rainbow Bridge nascono nel 2006, una band che vede nell’esperienza del percorso creativo e musicale di Jimi Hendrix l’unica via in cui poter fondare la propria avventura. Il trio è composto da, Giuseppe JimiRay Pazzolla chitarra e voce, Fabio Chiarazzo chitarra e basso, Paolo Ormas batteria. Conseguenza?! Esprimono questa poderosa energia nei live, dove oltre a riprodurre il repertorio “hendrixiano“ rivedono anche pezzi dei personaggi basilari vicini alla scena musicale anni 60/70. Partecipano a numerosi festival tra cui il micidiale Jimi Hendrix Festival di Bologna. La mia curiosità è assetata e la scaravento nella loro nuova ed ultima produzione Lama. Uscito nel settembre 2018, offre una opportunità diversa di ascolto ed i sei brani che ne danno vita, sono creazioni e composizioni proprie. Un’ottima occasione per conoscere il frutto di queste esperienze passate ed in un certo senso, guardare negli occhi più profondi la vera “anima” dei Rainbow Bridge.

Con il tono del primo suono grezzo ed elettrico della chitarra, JimyRay mi permette di aprire quella porta all’interno della mia mente, in un viaggio che sicuramente mi risveglierà in dimensioni dove riattiveranno sensazioni remote o sperdute. Il timbro crudo, acido, ma corposo della chitarra, mi permette di mettere a fuoco alcune immagini ed ambienti a dir poco familiari. Mi ritrovo in un vecchio scantinato di un edificio popolare, in un’area urbana proletaria ed operaia. Ciò che più mi colpisce è il quotidiano ed attraverso una finestra stretta osservo con stupore il viavai di persone dall’abbigliamento ormai passato. Il passaggio di alcune automobili ed in particolare una vecchia filovia a conduzione elettrica, dalle sue antenne ben pronunciate, che scivolano nelle due corsie di grandi cavi elettrici, scorrendo in un preciso itinerario o guida, come in un inverosimile tracciato di un vecchio gioco di modellismo. Non so come, ma la potenza della musica può rendere concreto tutto e la conferma arriva dalle note di JimiRay. Un rock blues tirato, denso dal suono inconfondibile degli anni 70 e già mi guardo attorno ed osservo la stanza o meglio lo scantinato. Le pareti sono foderate di ritagli di riviste, poster e manifesti, che esprimo ogni verità ed in particolare confermano che questo viaggio non è un sogno. L’idolo che più risalta è un mito del rock, Jimi Hendrix ogni sua posa ogni avvenimento è immortalato in ogni singolo spazio che la parete vecchia e trascurata offre. Non è comunque un unico tema ed emergono altri miti del rock’n’roll, riconosco i Cream, Rolling Stones, Who, Dylan ed i Beatles.

Non vi è dubbio che tutta questa enorme esposizione di energia, ha come linguaggio comune, la realtà del genio Jimi. Osservo con attenzione la strumentazione che interrompe da questo viaggio di immagini, due vecchi amplificatori ed una batteria inconfondibile da una grancassa in madreperla unica, che solo negli anni 70 potevano realizzare da cui spicca dalla pelle centrale il logo psichedelico: Rainbow Bridge. Non sono solo oltre al trio, vi sono altri personaggi o amici della band, che seduti o stravaccati su grandi tappeti orientaleggianti e naturalmente fumo e sigarette a volontà, birra ed alcol, completano a pieno la situazione di questa giornata di prove. Lama, irrompe il suo timbro è un rock blues arcigno, uno strumentale che presenta a pieno i Rainbow. Gli assoli di chitarra improvvisati e lunghi, calcano a pieno la voglia di viaggiare. The Storm Is Over, conferma le intenzioni della band e l’energia del primo brano ha una sua efficacia, accompagnata dalla voce di JimiRay, che esprime una tonalità molto limpida vicina allo stile british, tipico ed inconfondibile. Day After Day è una ballata rock dalle atmosfere semplici ed aeree, la voce è ben inserita in questo contesto, ma viene arricchita dalle inconfondibili note della chitarra che ne richiamano il mito. Works risalta il timbro legnoso della batteria. Qui l’energia apre ad un passaggio di un classico rock blues al primo hard. Tutto è grezzo e semplice, la voce ne rimane imprigionata e la chitarra è arricchita dai tipici effetti ricamati ed unici per quel tempo. La conferma della forza arriva con Spit Jam. Uno strumentale massiccio dai tipici standard 70, implacabili ma in un certo senso fedeli al tempo. No More I’ll Be Back, per me il brano più interessante. Lo slide e la voce che sussurra in una tipica atmosfera blues rock dal sapore southern ti scaraventa in tipici ambienti aridi ed assolati che distinguono le immense pianure desertiche del West America, ma nello stesso tempo ti riporta alla radice del Mississippi Blues. Una contaminazione che comunque ti accompagna in salendo ad una composizione dalle atmosfere acide ed elettriche ed il rock prevale e si insedia. Gli assoli sono ben marcati ed interminabili, giocano con i ritmi legnosi e compatti della batteria e del basso che entrambi rimangono fedeli ed un certo modo servili alla predominanza della chitarra.

Un ipnotico viaggio sonoro terminato velocemente con lo spegnimento degli amplificatori, un lieve smarrimento ed osservo dalla finestra il paesaggio urbano e tutto è cambiato, le abitazioni, lo scantinato e la mobilità quotidiana mi rappresenta ora il presente. Tra le mani ho la copertina del CD dei Rainbow Bridge, tuttavia ho un lieve torcicollo forse questa condizione visionaria nel passato, mi ha lasciato questo lieve dolore. Un album piacevole per chi ama le sonorità anni 70, forse ricordare quegli anni riportando anche le timbriche e gli stili, hanno certamente una sua funzionalità, ma ritengo che in quei periodi le motivazioni per creare musica erano certamente diversi rispetto ad ora. La struttura sociale era completamente opposta all’attuale e di conseguenza anche gli obiettivi del rock avevano un suo perché. Credo che le attuali generazioni debbano piuttosto scontrarsi con il proprio presente, prendendo ciò che di buono è stato tramandato come mezzo di crescita per affrontare nuovi ed ulteriori obiettivi e traguardi. Pertanto, il mio parere ascoltando Lama, possa invece diventare il primo tassello che permetta ai Rainbow Bridge di liberarsi da ogni vincolo per poi sperimentare orizzonti meravigliosi che la musica ti può offrire, quello che coraggiosamente il genio di Jimi ha affrontato ed affronterebbe oggi.

Un doveroso appunto all’aspetto grafico. L’illustrazione presenta due condizioni visionarie opposte tra loro. Il logo dei Rainbow Bridge (Lord Pezza), è stato creato nello stile psichedelico, richiamando appunto gli anni fine 60/70. Nello stesso momento lo sfondo panoramico riprende invece, un paesaggio digitalizzato. Credo che queste due diverse condizioni spaziali, rispecchiano fedelmente il percorso musicale che i R.B. vogliono esprimere e quindi anche la condizione estetica raggiunge il suo effettivo scopo.

Autore: Rainbow Bridge	Titolo Album: Lama
Anno: 2018	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Rock Blues	Voto: s.v.
Tipo: EP	Sito web: https://www.facebook.com/rainbowbridgemusic
Membri band: Giuseppe JimiRay Piazzolla – chitarra, voce Fabio Chiarazzo – chitarra, basso Paolo Ormas – batteria	Tracklist: 1. Lama 2. The Storm Is Over 3. Day After Day 4. Words 5. Spit Jam 6. No More I’ll Be Back

Elli De Mon – Songs Of Mercy And Desire

Elli De Mon, di Vicenza, è stata definita “one woman band” oppure la “garage blues one girl band”. Agli esordi come chitarrista debutta nel garage blues degli Almandino Quite Deluxe poi vira verso il pop con i LE-LI (con almeno tre album del 2008, 2010 e 2011 rispettivamente) ed infine una nuova carriera da solista. Insomma colei che fa quasi tutto da sola: compositrice, cantante e polistrumentista di particolare rilievo. Il suo nome d’arte è una storpiatura del suo reale, Elisa De Munari. Ci ha voluto giocare sopra riallacciandosi all’immaginario del blues, da sempre legato al diavolo e ironicamente anche a quello dei cartoni animati: la temibile Crudelia De Mon! giusto per sdrammatizzare un po’. Ancora ragazzina, facendo sacrifici compra una Fender bianca per imitare il suo idolo di allora, Jimi Hendrix. Cercando di tornare alle sue origini, si trova a fare tutto da sola, alla Fred Mc Dowell. Un altro dei suoi altri miti sono la Jon Spencer Blues Explosion di cui ha avuto l’onore di aprire alcuni concerti nel loro ultimo tour italiano.

Con il blues di Elli De Mon si viaggia verso la riscoperta di se stessi in un vero cammino interiore. Al suo attivo ricordiamo un CD dal titolo Corpoc del 2014 in cui la cantante vicentina esplorava a modo suo rock’n’roll, blues e garage mentre nel 2017 Blues Tapes: The Indian Sessions ci riconduceva ad un percorso musicale differente e decisamente più psichedelico, blues ed etnico. Songs Of Mercy And Desire invece, è una prova discografica più matura, di materia pregiata, ricca di spunti complessi e sperimentali. 11 brani di cui una sola cover, Grinnin’ Your Face in cui Elli ha stravolto un pezzo di Son House che è sempre stato la sua influenza principale ed un personaggio e bluesman per cui lei ha sempre nutrito una forte ammirazione. Un terzo disco autobiografico con un blues decisamente rimodernato con l’iniziale Louise con tanto di lapsteel guitar e la successiva Let Them Out in cui esce tutta la sua grinta. Riverside invece, è una semplice ballata di ampio respiro con una voce vellutata.

Un’artista che accinge a due mani dal blues del Delta del Mississippi e ne restituisce una versione attualissima, forse anche influenzata dalle origini pasubiane vicino alle montagne dove vive nelle valli del Pasubio. Un disco variegato che sorprende per l’uso del sitar che riporta verso suoni e ritmi indiani come in Chambal River, un fiume tributario del Yamura River lungo 960 chilometri e nella parte nord e centrale dell’India oppure Storm dal sapore decisamente country. Chiude la riflessiva Tony in cui si narra “è arrivato il diavolo ed ha la tua faccia e ha il tuo nome”.

Autore: Elli De Mon	Titolo Album: Songs Of Mercy And Desire
Anno: 2019	Casa Discografica: Otis Recordings, Pitshark Records, Ammonia Records
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/ellidemon.onegirlband/
Membri band: Elli De Mon – voce, chitarra, lapsteel guitar, organo, batteria Special guest: Phill Reynolds – voce nel brano Tony Matt Bordin – sax in Tony e Wade The Water, flauto in Wade The Water, armonica in Grinnin’ In Your Face e lapsteel guitar in Riverside	Tracklist: 1. Louise 2. Let Them Out 3. Riverside 4. Elegy 5. Chambal River 6. Wade The Water (traditional) 7. Grinnin’ In Your Face (Son House) 8. Storm 9. Granpa 10. Flow 11. Tony

Bonifacio Madeyes – Zero Over Zero

Zero Over Zero, un concetto matematico che include in sé molte considerazioni, ma nello stesso momento indica qualche cosa che porta ad una condizione infinita come al suo opposto, quindi anche ad una nozione indefinita. Non ho certo sbattuto la testa da qualche parte e sicuramente non sono appena stato dimesso da una degenza in ambito psichiatrico, ma per ciò che riguarda il terreno musicale questo quesito matematico è l’essenza dell’ultimo album di Bonifacio Madeyes (Paolo Bonifacio). Ligure, insegna fisica e matematica presso l’American School di Milano. Non vi è dubbio che questa grande passione per la discipline scientifiche influiscano attraverso il suo percorso musicale affiancandole e creando di conseguenza un vero percorso di esperienza o vissuto. I viaggi sono comunque stati i leganti che gli hanno permesso di realizzare questa sua esperienza “scientifica-sonora”: Canada, Brasile, Francia, Scozia, Inghilterra. Le radici stilistiche assimilate provengono dalla psichedelia al blues ed al prog rock, ed in quest’album si sentono. Naturalmente, Bonifacio non è da solo con le sue chitarre e voce, ma con lui completano questo interessante album, Marco Giannetti al flauto traverso, Timo Orlandi al basso, Stefano Bertolotti alla batteria e percussioni, più numerose collaborazioni che ne influiscono strumentalmente la riuscita di quest’ottimo album.

La parola viaggio e gli stili musicali che dalla biografia emergono, mi permettono di interpretare la recensione analogamente in un atteggiamento decisamente visionario. Ragweed Dog, L’inizio strumentale è aereo psichedelico ma pian piano il ritmo si fonde con un rock deciso e ben marcato. L’ambrosia è il cibo degli Dei e l’immortalità è la sua conseguenza, un ottimo indizio che la band ci offre è Has Anyone Seen My Baby , raccoglie in sé tutto un percorso stilistico incredibile. Il viaggio psichedelico dove il flauto emerge creando sonorità di altri tempi si fonde con la chitarra dal suono limpido e pulito. La voce di Bonifacio tende ad una tono più rock blues sempre in crescendo per arrivare poi in un finale quasi hard rock. In Black Blood la mente viaggia e mi trovo subito in territori tipicamente americani, il blues ed il rock sono l’ossatura di questo brano. L’armonica di Marco Pandolfi si innesta egregiamente con il flauto di Marco Giannetti. Hold Back – OQZ, la maestria e la magia dell’esecuzione strumentale ha la sua massima efficacia, con un percorso dalle sonorità e stili difformi. L’aria strumentale prog ti trascina e ti accompagna in un interessantissimo innesto al blues rock, l’armonica di Riccardo Grosso e la sua tonalità diventa prodigiosa ed il flauto apre ad altre dimensioni.

Another Life è per me il brano di punta dell’album. L’impronta iniziale è R&B, il ritmo è più coinvolgente e la batteria di Marco Giannetti introduce ad un viaggio stilistico che tecnicamente assume una tendenza psichedelica, l’eco è più marcato ed il blues finalizzato dall’armonica di Riccardo Grosso crea di fatto un interessante innesto musicale pregiato. Very Natural e Don’t Give Up On Me confermano la natura del rock blues che riesce ad amalgamarsi in ulteriori percorsi stilistici, per poi introdurti in Fell On The Ground – Love Depression. In questo brano la tromba di Timo Orlandi completa l’opera viaggiante trascinandoti in sprazzi di assolo jazz molto interessanti. Water, stranamente il titolo indica probabilmente l’elemento primario della vita, ma le sonorità sono molto aere e progressive, facendo emergere la radice “floydiana”. Un rifacimento dedicato a Bob Dylan o a Hendrix, All Along The Watchtower, dove l’ossatura rock blues è progressiva e le parti strumentali sono perfette. Salvation, si radica in un intreccio tra il post-rock ed il prog ed infine gli ultimi due brani Night Song e Zero Over Zero, hanno la caratteristica di una costruzione comune che sottolinea l’atmosfera semi-acustica dove appunto la voce di Madeyes ne risalta le sue doti maggiori.

Questo ottimo album ha in sé una grande forza ed energia, che Bonifacio Madeyes ha magistralmente voluto esprimere attraverso il “Viaggio Stilistico”. Questa difficile formula, riesce a mettere in sintonia le differenti tendenze, evitando così d’incappare in un classico calderone di generi, mirati solamente ad innalzare l’individualità. Una particolare attenzione anche alla grafica dell’album. Serena Viola presenta l’insieme cromatico attraverso il gioco e la potenzialità del grigio in due semplici tonalità, creando di fatto il fondo per far emergere l’attenzione sugli elementi base del bianco e del nero. La geometria ed in particolare modo il “cerchio” è l’elemento che simmetricamente costruisce l’illustrazione, “cerchio” che concettualmente può convertirsi anche in uno zero.

Autore: Bonifacio Madeyes	Titolo Album: Zero Over Zero
Anno: 2019	Casa Discografica: UltraSoundRecords
Genere musicale: Progressive Rock, Rock Blues	Voto: 8
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/bonifaciomadeyes/
Membri band: Bonifacio Madeyes – voce, chitarra, programming Marco Giannetti – flauto traverso Timo Orlandi – basso Stefano Bertolotti – batteria, percussioni Special guest: Andrea Paganetto – tromba Marco Pandolfi – armonica Riccardo Grosso – armonica Anna Bazueva – voce, flauti addizionali Alberto Manuzzi – hammond Margaux Bricler – voce	Tracklist: 1. Ragweed Dog 2. Has Anyone Seen My Bay 3. Black Blood 4. Hold Back – OQZ 5. Another Lie 6. Very Natural 6/ Don’t Give Up On Me 7. Fell On The Ground – Love Depression 8. Water 9. All Along The Watchtower 10. Salvation II 11. Night Song 12. Zero Over Zero

Madison Spencer – Magma

I Madison Spencer tornano, dopo il debut album Zirconia di cui avevamo parlato a questa pagina. Tornano con un EP breve ma non sintetico, conciso ma non veloce. Il loro stile è indubbiamente molto orientato ai suoni e alle composizioni americane, il loro rock è da camera: anche in questo Magma è ben presente un animo elettrico ma la ritmica e l’andamento complessivo delle tracce è pacato, da ascolto in cuffia. Buoni i suoni, i brani si lasciano cantare e trovano posto facilmente nelle playlist di rock melodico (soprattutto per chi ama il rock degli anni 90, un po’ grunge e un po’ alternative). Da segnalare Burning World che ricorda i vecchi Foo Fighters, nei passaggi meno irruenti, ma anche Transparent, un brano che sfiora l’electro rock e che dà energia a questo EP. Se amate i suoni più irruenti partite da questa traccia. Il blues e quel rock polveroso che avevamo trovato in Zirconia affiorano in Lost, ultimo brano acustico di questa uscita che vi consigliamo di ascoltare a casa, sognando di cavalcare un bicilindrico lungo la Route 66.

Autore: Madison Spencer	Titolo Album: Magma
Anno: 2018	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Rock, Grunge, Rock Blues	Voto: s.v.
Tipo: EP	Sito web: https://www.facebook.com/MadisonSpencerband/
Membri band: Marco Fersini – voce, chitarra Filippo Longo – batteria Mauro Varratta – chitarra Carlo Cazzato – basso	Tracklist: 1. Magma 2. Safe And Sound 3. Burning World 4. Transparent 5. Lost (unplugged)

PR Newman – Turn Out

Un po’ le loro origini (la band proviene dal Texas), un po’ la copertina del loro album ci avevano suggerito il sound che avremo trovato all’interno di queste undici tracce, un sound tipicamente a stelle e strisce, figlio legittimo del rock blues ma reso più moderno da partiture che aderiscono bene alle playlist odierne…nulla però che rincorra le classifiche anzi i brani, pur risultando orecchiabili, sono perfetti per un club con tutte le particolarità del caso e noi siamo certi che dal vivo queste tracce acquisiscano tutto un altro sapore. Addirittura appaiono anche momenti in cui la band punta a palchi di un certo spessore e dal gusto musicale raffinato, come suggeriscono i fiati di Here Come The Rangers o anche le voci (principale e seconde voci) di Let’s Go Meet In A Small Town, uno stile personale seppur in parte lontano dai tipici ascolti tricolore.

Il progetto viene presentato all’insegna del rock’n’roll e del punk rock, noi i PR Newman preferiamo vederli sotto un’altra luce: è come se il sapore folk dilaniano incontri il blues elettrico alla Bruce Springsteen, mettendo però da parte il suo rock blues che arriva dritto in pieno volto bensì prediligendo una classe, un’eleganza che un Sig. Kravitz qualunque apprezzerebbe davvero molto. La parte folk è sicuramente viva in Whatever Happened, con tutti gli strumenti tipici del genere al seguito e quell’animo polveroso che solo negli States è possibile respirare, o anche in Damn, I Miss That Guy, ma c’è anche del rock in questo lavoro. On top alla scaletta compaiono momenti rari, più vivi ed intensi di rock come But, No che sembrano quasi uscire da un’altra band, adrenalinica e carica di watt (e di effetti), pronti per far esplodere la folla sotto il palco.

Turn Out è un album di vita vissuta che va assaporato dal vivo, seduti ad un tavolo di legno rovinato con dinanzi a sé un sano whiskey invecchiato a dovere.

Autore: PR Newman	Titolo Album: Turn Out
Anno: 2018	Casa Discografica: DevilDuck Records
Genere musicale: Rock Blues, Folk	Voto: 6,5
Tipo: CD	Sito web: http://prnewman.com
Membri band: Spencer Garland – voce, chitarra, armonica	Tracklist: 1. Go To Hell 2. Here Come The Rangers 3. The Way (In Me) 4. Whatever Happened 5. Let’s Go Meet In A Small Town 6. But, No 7. Damn, I Miss That Guy 8. Room 3h 9. Everything 1 10. Rigth Here, Yeah, Ya 11. Keep On, Hard Days

The Black Keys – Thickfreakness

Nel nostro percorso di recensioni in ambito stilistico non può certo mancare il magnifico duo di Akron (Ohio): i The Black Keys. Dan Auerbach e Patrick Carney sono i componenti della band, voce e chitarra Dan e batteria Patrick. Nel 2001 esce il loro primo album di debutto, The Big Come Up. Il successo di critica ha subito attirato l’attenzione per i Keys ed appunto la curiosità di una conferma arriva con il loro secondo album, Thickfreakness. Pubblicato nel 2003 dalla Fat Possum Records, registrato nel seminterrato di Patrick Carney, ha la caratteristica di aver utilizzato un registratore ad otto tracce della Tascam. Un sistema puramente analogico, in voga negli anni 80, ma che permette al duo di mantenere più reali e naturali i suoni creati e nello stesso momento seguire la linea di pensiero che in un certo modo compone appunto il punk blues ed in particolare le sue origini. Quest’album rispetto al precedente, ha una precisa caratteristica. Infatti è un album che subisce influenze più dal rock blues, tutto ciò ha permesso di confermare la matrice originaria del blues, ma ha voluto nello stesso momento avvicinarsi ad un pubblico più vasto. Il successo, non si è fatto aspettare al punto che alcuni singoli verranno utilizzati come colonne sonore di alcuni film dell’epoca.

In Thickfreakness il suono è ruvido e corposo della chitarra di Dan, un blues rock che impone subito l’impronta dell’album. La voce ben strutturata si mantiene legata al riff del pezzo, nello stesso tempo ti accompagna in una condizione di asprezza, mantenendo sempre la propria modernità. Non vi è dubbio che la loro scelta tecnica di usare elementi di registrazione più elementari, porta il suo frutto. Importante e decisiva la scelta di sfruttare l’ambientazione più aperta e probabilmente più rifrangente in ambito fonico. Suono ambientale che condiziona anche il nostro ascolto, immaginando di trovarmi in questo spazio molto povero ed essenziale, dove appunto il riverbero diventa primario e naturale. Hard Row, anche qui un rock blues dalla tendenza anni 70. La voce di Dan è vellutata ed arriva appunto nel ricordare alcune tonalità alla Paul Rodger. Set You Free, prende corpo un pezzo di successo che appunto lo ritroviamo nel mitico film School Of Rock ed in I Love You Man. Midnight In Her Eyes ci riporta ad alcune sonorità che il grande Mike Patto ci offriva con suoi Patto. Il mio viaggio continua nel seminterrato, l’aria si surriscalda e le condizioni creative del duo si alimentano nel primo brano reinterpretato: Have Love We Travel di Richard Berry, un grande del R&B. Il pezzo appunto mantiene la sonorità grezza e ruvida subendo però, una tendenza più rockeggiante.

Hurt Like Mine un ottimo blues sempre ragionato e dalla vena corposa. Everywhere I Go, secondo brano rivisitato, è un pezzo traditional di Junior Kimbrough. Qui finalmente sentiamo il vero spirito del punk blues, dove appunto, il blues e la tradizione si incontrano con l’energia tonale di una mentalità anticonformista. In questo contesto la mia mente viaggia e mi trasporta in zone completamente solitarie e primitive estraniandomi dal seminterrato. No Trust ed If You See Me riportano e spengono questa mia visione. Una mescolanza di rock e R&B, dove appunto le note giocano in questo intreccio sincopato. Hold Me In Your Arm, sonorità dall’ossatura Chicago blues, il suono corposo della chitarra di Dan si differenza dalle timbriche che il grande Muddy Water ci ha lasciato. I Cry Alone chiude l’album in maniera possiamo dire “minimale”, dove il ritmo soul e blues si riassumono in ticchettii. Nello stesso momento anche la mia immaginazione rimbalza e piano piano si spegne, per poi lasciarmi praticamente indifferente al percorso fatto.

Al tempo Thickfreackness ha rafforzato il duo in ambito di successo, che senz’altro merita, ma dal punto di vista musicale ritengo che quest’opera possa essere interpretata come una necessità di allargarsi ad un pubblico più vasto e quindi affermare The Black Keys, come succederà, nelle orme dei mitici White Stripes. Una attenta osservazione all’aspetto grafico e quindi alla cover. Michael Carney ha voluto illustrare un prodotto di consumo in un momento dell’uso. Nome band e titolo, completano l’etichetta del prodotto, ma non specificano appunto il contenuto. Lo sfondo è completamente bianco, come il retro dell’album e tutti questi indizi ci portano inevitabilmente ad uno stile molto caro agli statunitensi, la Pop Art. Il messaggio visivo di quest’opera, mi conferma ancora di più l’intento della band di arrivare ad un pubblico più “commerciale” e di consumo.

Autore: The Black Keys	Titolo Album: Thickfreakness
Anno: 2003	Casa Discografica: Fat Possum
Genere musicale: Rock Blues, Punk Blues	Voto: 7
Tipo: CD	Sito web: https://www.theblackkeys.com
Membri band: Dan Auerbach – voce, chitarra, basso Patrick Carney – batteria, percussioni	Tracklist: 1. Thickfreakness 2. Hard Row 3. See You Free 4. Midnight In Her Eyes 5. Have Love Will Travel 6. Hurt Like Mine 7. Everywhere I Go 8. No Trust 9. If You See Me 10. Hold Me In Your Arms 11. I Cry Alone

Rough Max And The Steamrollers – Roots In The Blues, Crown In My Pocket

Rough Max, nome noto nella scena blues, torna insieme ai Steamrollers per un nuovo caldo album nel segno del blues. La matrice è innegabilissima, pentatonica come se non ci fosse un domani, armonica e scale blues già note, ma c’è una potenza rock nella loro proposta. Sarà per la voce effettata che rende più rivudo e vintage il tutto, sarà per la chitarra che si sbizzarrisce in più di un momento (come gli effetti wah wah in Quite Man), sarà per gli stacchi (Betrayal) eppure Roots In The Blues, Crown In My Pocket non è solo un album per bluesman incalliti. Nel loro campionato la band ha sicuramente molte carte vincenti e gioca con consapevolezza delle proprie risorse, le tastiere hanno la meglio come in ogni album che si rispetti, ma ci sono momenti carichi di corde e di emozioni già fin dall’opener Candy Ass Blues. I Am To Loose (I Want To Stand) e The Second Bite in termini di songwriting peccano un po’ troppo di ripetitività, mentre decisamente più convincenti sono Hey Big Wonder che sfiora l’hard blues, Little Stone In My Pocket che batte i tempi in maniera più decisa e le prime due tracce dell’album che trasmettono tutto il sapore rock blues della band.

Guilty merita una parentesi ad hoc, ha un fascino particolare, ci riporta agli anni 50 con un pianoforte irresistibile, il suo basso dai piedi scalzi e il crescendo di emozioni che produce; per noi il momento più alto, seppur non propriamente blues, di questo lavoro che è consigliatissimo agli amanti del genere.

Autore: Rough Max And The Steamrollers	Titolo Album: Roots In The Blues, Crown In My Pocket
Anno: 2018	Casa Discografica: Buffalo Bounce
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 7,25
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/ROUGHMAX
Membri band: Rouch Max Pieri – voce, basso Luciano Lucky Pesce – piano, tastiere, voce Corrado D’Amato – batteria, percussioni, voce Martino Palmisano – armonica in Quite Man Sebastiano Lillo – chitarra in Junk	Tracklist: Candy Ass Blues Quite Man I Am To Loose (I Want To Stand) Junk Guilty Hey Big Wonder The Second Bite Betrayal Little Stone In My Pocket

Amanda E La Banda – Grand Hotel

Partiamo da un presupposto assai doveroso ed imperante. Per raccontare un simile disco ci vuole una competenza che io non ho. Posso fregiarmi di mille ascolti e di qualche produzione in tal senso, ma niente che possa qualificarmi come un conoscitore della materia. Certo a scartabellare i tanti dischi che ho di Aretha Franklin, Billy Holiday, Odetta, Mahalia Jackson, Nina Simone e compagnia cantando qualche idea me la sono fatta. Ma un conto sono le idee e un conto è vivere da dentro quel modus vivendi che stava alla base di ogni santa sfumatura di suono. Perché il soul nero d’America, in tutte le sue derivazioni, è prima di tutto un modo di stare al mondo, è prima di tutto la vita che si conduce e poi l’arte che si fa canzone. Dunque, chiarito questo andiamo avanti. Sapete che c’è? Che quando ascolto un disco che segue fedelmente linee che più della storia si portano dietro il tempo che vivevano, resto perplesso e scettico per la riuscita. Poi succede sempre che qualcosa somiglia di brutto a quell’altra certa cosa famosa e vecchia di mille anni fa, tanto è inevitabile, basta suonare in un certo modo, usare determinati strumenti e il gioco è fatto… direte voi… e lo dico anche io per il 90% dei dischi che al passato attingono con le mani e con i piedi. Ma raramente accade invece che si va tanto oltre grazie al sapore di tantissimi dettagli che mi fanno rivivere e mi fanno risalire in gola emozioni altrimenti inarrivabili.

Beh insomma, ho messo su Grand Hotel e ho seriamente pensato di star fermo ad ascoltare professionisti del tempo ma che per loro sfortuna vivono in un presente che non gli compete. Amanda (Tosoni) e la Banda forse dovevano nascere 50 anni fa e di sicuro non in Italia. Eppure eccoli qui con questo disco di inediti che ovviamente non cerca la rivoluzione e l’originalità ma che invece rispetta, celebra e restituisce voce ad un grande passato e lo fa con mestiere, tanto mestiere e lo fa con il gusto, tantissimo gusto. E sulle prime sarei tentato dal pretendere suoni malconci figli di quella tecnica lì, quindi avrei voluto sentire un piano più vecchio e rovinato di quello che hanno usato su Insomnia o un drumming meno “pop” di quello che c’è su I Do My Best e ancora un mood davvero più consumato di quello che si sente nel bellissimo noir di ghetti razzisti Newton’s Laws. Però è vero anche che siamo nel 2018, che sarebbe stato un controsenso e forse anche una mancanza di rispetto. Forse, e qui torno a citare la bellissima chiusa con Insomnia, unica traccia che Amanda lascia cantare ad un uomo, il vero blues del cotone, la sofferenza e la schiavitù in qualche forma: l’aria c’è tutta, il mood è preciso, il pianoforte è di quelli vecchi da parete coperti di polvere…non siamo però in quel dopo guerra, non siamo però sul Mississippi e non saremo mai dei neri sotto schiavitù. E questo si sente.

Ma se è vero che il blues è da lì che discende è anche vero che il blues è oggi che deve suonare. Ed ecco che parte Fairy Tale con l’impressionante rimando al grandissimo Hank Schizzoe di Serious Shopping (disco del 2001) o la bellezza africana di My Friend” o l’eleganza di Princess che fanno vibrare le corde (permettetemi tutto ve ne prego) di un recente James Taylor. E così via dicendo per nove inediti di grandissima eleganza che spero vivamente suonino anche in vinile. Certamente, torno a ripetere, se di didascalici rimandi si tratta avrei preferito un’immersione maggiore con strumenti di ordinanza e registrazioni meno moderne…è lo stesso pensiero che mi nasce dentro quando suona un vecchio soul anni ’30 cantato oggi da Michael Bublé o quegli standard di eterna vita jazz messi in pasto alle produzioni ultramoderne di Norah Jones e compagnia cantando. Didascalico e opportuno a tal proposito citare Casa Mia di Simona Molinari, tanto per capire di cosa parlo.

Però è così che doveva andare e c’è chi sa come farlo andare più che bene. Su tutte, cara Amanda E La Banda, apprezzo la voce che più di ogni cosa di questo disco esce dritta da quello scenario. Ne apprezzo le chiuse e le code, la produzione che l’ha colorata di un riverbero che non saprei spiegare (forse proprio in Princess ho il picco di massimo godimento in tal senso). E al direttore che mi dice che sono prevenuto per gli italiani che si fingono inglesi rispondo che questa di Amanda Tosoni è una bellissima voce che al bel paese deve solo le tasse e forse qualche bella radice nel cuore. Un buonissimo ascolto che ora andrò a studiare meglio.

Autore: Amanda E La Banda	Titolo Album: Grand Hotel
Anno: 2018	Casa Discografica: Il Popolo Del Blues
Genere musicale: Blues	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: http://www.amandaelabanda.com/
Membri band: Amanda Tosoni – voce Andrea Caggiari – basso, voce, chitarra Marco Confalonieri – piano, rhodes, wurly, organo, chitarra Alex Canella – batteria	Tracklist: Grand Hotel Sweet Mary Ann My Friend Fairy Tale Newton’s Laws Shovel And Saw Boogie Princess I Do My Best Insomnia

Leather Jackets – Leather Jackets

Un trio milanese che prende ispirazione dai bluesmen del Mississippi e dal rock anni ’60 e ’70. Il nome Leather Jackets (giacche di pelle) sicuramente si rifà ad un indumento, icona del rock, uno stile di vita e per loro una sorta di seconda pelle. Innanzitutto nessuna cover, ma 10 canzoni scritte di loro pugno e cantate in inglese. Una formazione che esiste da dieci anni ma che ha subito numerosi cambiamenti nell’organico e che dal 2015 è più semplicemente un trio dedicato al rock blues. L’iniziale Until The Devil Knocked Your Door ha un ritmo deciso, venata di blues con l’armonica di Corrado Serrato e che riporta al blues arcaico e primogenito di Robert Johnson. Olivia Gambarotta è entrata da pochi mesi nei Leather Jackets sostituendo Alice Rastelli ma hanno insistito nell’avere ancora un’altra bassista donna e con ottimi risultati. Rock blues deciso, elaborato, raffinato, senza tanti fronzoli ma con gusto e dedizione. The Chain Song ci ricorda i tempi della schiavitù e dei campi di cotone del Mississippi dove sono nati tutti i più importanti ed influenti bluesmen. Già il cosiddetto Delta Blues nato tra il fine degli anni ’20 e primi anni ’30 del secolo scorso che ha visto e non è proprio un caso, artisti come Robert Johnson, Skip James, Muddy Waters, Charley Patton, Sonny Boy Williamson II, Bukka White, Son House, Arthur Big Boy Crudup, Tommy Johnson, Elmore James, Howlin’ Wolf, Freddie King e John Lee Hooker per citarne soltanto alcuni, tutti nati sotto lo stesso tetto, in un unico stato, il Mississippi.

Un blues rock a volte polveroso, una musica battagliera ma pur sempre con quel tocco ruvido di spiritualità, di positivo, voglia di andare avanti, perché chi molla è perduto. Un sound che trabocca di idee e intuizioni, tonico e grintoso. I Leather Jackets pagano debito nei confronti dell’istintività della musica nera ma ne escono ben motivati e per niente intimoriti. Tre milanesi che propongono del blues paludoso in maniera convincente. Piace Bones che ha un suono solido, compatto, granitico. Le prime cinque canzoni sono decisamente più blues mentre le restanti cinque sono decisamente più rock oriented, degli slow con sonorità più dolci come in Open Water, brani dal giusto groove, mid-tempo, up-tempo ma che suonano davvero bene. Alcuni brani rock blues sono quasi morbidi e si traducono in ballate melodiche e raffinate.

Un gruppo ben rodato che sa il fatto suo e propone un rock con sonorità vintage. Suoni puliti, avvolgenti per una band che sorprende per aver composto 10 brani di classe, ben congegnati e di particolar gusto.

Autore: Leather Jackets	Titolo Album: Leather Jackets
Anno: 2018	Casa Discografica: Autoproduzione
Genere musicale: Rock Blues	Voto: 7,5
Tipo: CD	Sito web: https://www.facebook.com/leatherjacketsmusic
Membri band: Graziano Alvin Losa – chitarra, voce Olivia Olly Gambarotta – basso e voce Sergio Menegardi – batteria Alice Restelli – basso	Tracklist: Until The Devil Knocked Your Door Help Me Find A Way To Go Bones Move Down Blues The Chain Song Open Water Breath Of Life Moon Warpaint River Song