Spookyman – Spookyman

Il blues delle origini, quello nato sul Delta del Mississipi, con il suo carico di malinconia e forza di reazione è un’attrazione verso cui tutti i musicisti finiscono col gravitare. Del resto tutto nasce dal blues. E Giulio Allegretti, in arte Spookyman, deve saperlo bene. Giovane, classe 1986, romano, e proveniente da esperienze musicali variegate (garage, country, rockabilly), ad un certo punto viene risucchiato nel vortice del blues. E si reinventa one man band, suonando di tutto e di più (voce, chitarra, armonica, kazoo, stomp-box, valigia, cembalo) scrivendo pezzi malinconici ed autobiografici, eseguendoli con il piglio deciso ed altamente emozionale dei grandi che di sicuro lo hanno ispirato. Robert Johnson, Skip James, Bukka White, R. L. Burneside, John Lee Hooker solo per citarne alcuni. Tutta la grande tradizione del Delta Blues rivive in un album, il suo omonimo debut album, che suona attuale come solo la madre di tutti i generi può essere. 12 tracce intense, pulite e d’impatto. Anche nella performance live, cui ho avuto la fortuna di assistere, la sua capacità di comunicare la sua musica rimane fresca, diretta. Salvo poi “sporcarsi” di emozioni degne dell’esecuzione di un autentico bluesman.

Spookyman racconta storie, le sue storie, che poi sono quelle di ognuno. C’è una donna, che fa capolino in diversi brani (Friendly Woman, Maryann) oggetto prediletto della narrazione blues. Se il Blues è pervaso di malinconia, sarà di sicuro l’amore a causare questo struggimento. E poi c’è il richiamo a condizioni antiche di sfruttamento e sofferenza (Cotton Fields), la dignitosa incessante lotta per la loro liberazione portata avanti dai neri d’America. Tematica che poi può diventare paradigmatica di ogni condizione umana di sopruso. Non è difficile sentire propri questi pezzi, e intravedere in essi il mondo. Il pathos dei pezzi più “sofferti” viene smorzato in altri brani che sembrano più leggeri e spensierati pur mantenendo quella malinconia di fondo come un marchio di fabbrica (Distress, Remember Rain). Una menzione a parte voglio farla per Keep Movin’. Subito rapita, trasportata in scenari lontani. C’ho visto e sentito Howlin’ Wolf. Quella ritmica incalzante, che scandisce così bene suono e parole. Quell’energia propositiva alla Smokestack Lightnin’ ce l’ho sentita dentro. Non serve aggiungere altro. Ogni amante del genere capirà. Un blues classico, un vero “bluesettone”, è Bad Things. Molto roots, bella ritmica, molto convincente.

Proseguendo nell’ascolto del disco troviamo anche un pezzo decisamente blues rock, Help Me. Qui l’energia di un Rory Gallagher, di un John Fogerty. Ma anche, perché no, dei primi Black Sabbath quando Ozzy and Co. facevano generose concessioni al blues. Un brano quindi che a tratti sconfina nell’hard rock. Bella questa varietà stilistica all’interno dell’album. Un fortissimo filo conduttore fatto di Mississipi sound che ogni tanto cede ad altre suggestioni. Ci sono anche ballad folk in questo disco, come Breakfast By The Window e October Song. Quest’ultima in particolare presenta anche un richiamo alla tradizione degli stornelli romani, un’abile contaminazione che rende l’album ancora più godibile. Poi c’è un pezzo dal sound delicato, leggero ed estivo, In Dreamin’. Un brano con suggestioni soul molto fresco che mi fa pensare ad un artista recente, ma comunque inscrivibile nella scuola dei grandi interpreti blues, come Jack Johnson. Il pezzo di chiusura è una sognante ballad, dai ritmi molto rilassati e soft. In The Rain evoca una pioggia estiva, rigenerante, il miglior modo di chiudere il disco. Riprendiamo fiato, metabolizziamo e facciamo tesoro di tutto il blues che, in diverse varianti, Spookyman ci ha egregiamente elargito.

Mitch And The Djed – Spanish Blues

Il viaggio può stimolare la creatività forgiando propensioni artistiche, in questo caso musicali. E’ quanto è accaduto al chitarrista bresciano Massimiliano Maffeis detto “Mitch”. I suoi frequenti viaggi in Spagna, alla volta di un amore tormentato, hanno ispirato Spanish Blues, album d’esordio della sua band Mitch And The Djed. 10 tracce, più una cover strumentale e due bonus track, maturate nel corso di 10 anni, dal 2005 fino alla registrazione dell’album nel 2015 e alla sua pubblicazione e messa in rotazione dalle radio nel 2016. Un percorso lungo una decade che ha saputo trasformare ogni singola emozione emersa durante i viaggi spagnoli in una canzone che va a comporre quella moderna serenata che è il disco. Percorso che ha visto qualche cambiamento nella line up originaria con il subentrare nell’estate del 2016 di Federico Maffi e Alessio Mineni rispettivamente alla chitarra elettrica e al basso. Le radici sono molto southern rock, molto blues, country e psychedelic. I generi ideali per narrare il tema del viaggio, della ricerca e del tormento che cela, in musica. Il sapore è retrò ma non troppo. Pur attingendo a un bacino di significati e sonorità ben note, e anche un po’ abusate, è un disco che non risulta mai anacronistico e stucchevole. Anzi, intravediamo una freschezza che è tipica di chi ha saputo fare lezione del passato per piegarlo a necessità espressive contingenti, personali, presenti.

La scelta delle 2 bonus track in lingua spagnola è un bel tocco di vivacità e varietà in un disco in lingua inglese, ne stempera “l’americanità” potente e prevalente. Sono tanti gli echi che vi abbiamo intravisto. Da Neil Young a Bob Dylan, da Mark Knopfler a Bruce Springsteen. Un po’ tutti i cantautori della tradizione americana rock e country rock scalpitano in questi brani. Com’è normale e giusto che sia, avendo essi tracciato la strada per chi voglia narrare le proprie storie avvalendosi del sostrato emozionale e semantico del nuovo mondo. In alcuni brani sento prepotentemente i Dire Straits, con il loro sound originato dal west coast rock e poi emancipatosi fino a diventare unico e originale. Le ballads, dolci, delicate e malinconiche, ebbene sì c’abbiamo intravisto anche il grandissimo Townes Van Zandt, si alternano a pezzi più rock, quasi hard rock. Si crea così una buona varietà stilistica all’interno dell’album, testimonianza dei diversi momenti e umori suscitati da questo viaggio d’amore e per amore.

Lodevole la capacità di Mitch di sapersi raccontare così con l’ausilio di quella musica che lo ha forgiato come artista. Il mio augurio è che la band riesca ad emanciparsi dai propri modelli, pur restando inevitabilmente e giustamente nel loro alveo, dando vita ad opere sempre più godibili e caratterizzanti il proprio sound.

The Midnight Kings – Band Of The Thousand Dances

The Midnight Kings sono un gruppo originario di Verbania, una piccola cittadina italiana sparsa sulla sponda occidentale del Lago Maggiore, in Piemonte e capoluogo della provincia del Verbano-Cusio-Ossola. La band nata nel 2011 annovera tra i componenti ex-membri di note gang garage punk come Thee S.T.P., The Preachers e Thee Stolen Cars, un manipolo di aristocratici birbanti il cui unico scopo è quello di fare ballare il pubblico fino allo sfinimento. Dopo un singolo su vinile distribuito in tutta Europa ed ormai sold out nel 2013 intitolato Do The Monkey e con due tracce, Baby What’s Wrong e The Monkey edito dalla Sailors Overdrive Records, (stampato in 300 copie) eccoli arrivare tre anni dopo, nel 2016 ad un disco completo. Non a caso, il loro nuovo album parafrasando il brano del 1966 di Chris Kenner portato al successo da Wilson Pickett Land Of Thousand Dances è intitolato Band Of The Thousand Dances…la band dei mille balli! Un disco esaltante, frizzante, dal boom sonico, sano rock’n’roll venato di soul e il suono twang quasi rockabilly e surf. Negli Stati Uniti lo chiamano “frat rock” ossia lo stile delle formazioni collegiali americane degli anni ’60, il rock da ballo, per le feste private dei teenager con i genitori in vacanza.

La musica dei Midnight Kings è indubbiamente folle, tutta devota al ritmo e che viene celebrata da questo gruppo ed ensemble guidato da quella vecchia volpe di Metius King, voce degli storici STP, assieme ad amici del giro del rock’n’roll italico. Pura energia e divertimento con classici su classici per ballare sfrenati senza nessun genitore che vi gridi di abbassare il volume e sperando senza alcun raid della polizia! Indubbiamente una formazione assai valida alle prese con il rock’n’roll, lo stompin’ rhythm’n’blues e lo stile Memphis, Tennessee. Un disco che si compone di quattordici brani, con due cover Baby Don’t You Weep, scritta da Fred Bridges e Harrison Smith ed incisa dallo stesso Fred Bridges per la prima volta come singolo nel 1962 (etichetta Versatile) e poi ripresa da diversi artisti tra cui Wilson Pickett nel 1968, Edward Hamilton & The Arabians (genere Northern soul) nel 1980 ed in epoca più recente da Luther Ingram nonché I Idolize You di Ike & Tina Turner (scritta da Ike Turner e pubblicata come singolo nel 1961) in stile soul /rhythm and blues più dodici originali composti dal sestetto dei Midnight Kings.

Pezzi come l’iniziale Millo’s In Love, Another Kiss, Hey! Mathilda e She’s The Boss scimmiottano sicuramente i canoni classici del rhythm and blues e rock’n’roll degli anni ’50 e primi ’60 con il classico canto da rocker, il coro botta e risposta, la batteria in evidenza, il suono twang della chitarra ed il sax sempre prorompente. Ascoltando ad esempio I’m Taking Off con uno splendido assolo di chitarra il cantante ricorda il miglior David Johansen aka Buster Poindexter. The Caveman è suonata magnificamente con il sax in evidenza a creare una grande atmosfera e le percussioni a sostegno di un sound maledettamente attuale. Mish Mash Mary invece è un piccolo plagio a Summertime Blues, un rockabilly scritto da Eddie Cochran e dal suo manager Jerry Capehart, un singolo portato al successo nel 1958 e pubblicato dalla Liberty Records. Di questo disco dei The Midnight Kings esiste anche la versione in vinile pubblicata dalla Wild Honey Records che contiene due canzoni differenti. Al posto di What’s Behind The Door e You Mesmerize Me contenute nel CD della Ammonia Records, nel vinile sono editi i brani Dance With The Midnight Kings e Twist It Up. L’edizione della Wild Honey Records esiste anche in edizione limitata in vinile verde.

La copertina del CD è disegnata da Dario Dr. Pepper Maggiore e risulta accattivante e vincente. Dal vivo invece questa formazione piemontese è certamente assai divertente nel ricordare e rivitalizzare i bei tempi del rock’n’roll e di un’epoca irripetibile. Da ascoltare tutto di un fiato!

Buzzy Lao – Hula

Dove un forte amore e propensione per il blues si contamina con il cantautorato italiano e con suggestioni decisamente black (roots reggae e tribali) troviamo Buzzy Lao. Interessante, giovane, cantautore/bluesman torinese che frulla insieme le sue preferenze e background musicale con una lunga esperienza nel Regno Unito. E così ti sforna Hula, un debut album di 13 tracce che pescano da generi diversi tenuti insieme dal filo rosso del blues. Dal folk al soul di ultima generazione al rock. Un melting pot di sonorità maturate in un arco di tempo relativamente breve (rilascia il primo singolo Lacrime D’Amore nel gennaio del 2015, l’album è uscito lo scorso 21 ottobre) e che esplodono fino a concretizzarsi in un lavoro che ha tanto il sapore della gavetta, dell’impegno alacre fatti anche dal tour in tutta Italia e dalla campagna di crowdfunding promossa per produrre e finanziare l’album. Una storia di passione quella che caratterizza il percorso professionale di questo giovane artista. La stessa passione che ritroviamo nei suoi testi che parlano della sua vita interiore (amori, amicizie, dolori) ma anche della vita esteriore (tematiche di impegno e di denuncia delle ingiustizie sociali, razziali e culturali). E che ritroviamo anche nel suo modo di suonare, in quell’uso eclettico e sincero della chitarra Weissenborn molto usata nella scena alternative blues (Ben Harper e John Butler).

Man mano che si procede nell’ascolto di questi 13 brani, tutti così diversi tutti così unitari nello stile e nell’anima, si delinea chiaramente lo scenario neo-blues dove si colloca Buzzy Lao. Deve essere stata una gran bella soddisfazione per l’artista tornare in patria dopo un’esperienza fuori e aver potuto rielaborare sensibilità e stimoli provenienti da contesti diversi per realizzare canzoni in lingua italiana ma suonate in maniera così “internazionale”. E’ un disco che cattura, che ti prende per mano, track by track, e ti guida lungo il percorso artistico-personale-umano dell’autore e ti fa vedere con i suoi occhi il mondo. Un percorso il cui punto d’arrivo è da considerarsi l’album nella sua totalità, come strumento di riflessione e anche di superamento e guarigione. Raccontando e raccontandosi tramite la musica si può metabolizzare ogni dolore e ogni sconfitta e trarne stimolo per nuovi obiettivi, per una rinnovata propositività e positività. E si può anche spronare un cambiamento non solo individuale ma anche sociale. La funzione catartica dell’arte nella variante intimistica ed impegnata del cantautorato.

Passando dai brani più cantautorali come Ora Che, Le Luci Della Mia Ombra, Qualcosa C’è, a quelli più reggae e roots come Stella Magica, Hanno Ucciso L’Amore, fino a quelli più genuinamente blues come Credi Di Amare, Guerra Da Nascondere, Chiedi Chiedi, la tensione che si avverte fra racconto di sé e racconto del mondo è molto bella, a tratti commovente. Perché rivela la capacità dell’artista di mettersi a nudo e regolare i conti con se stesso senza mai trascurare l’attenzione per la società, per i suoi mali, per il suo necessario cambiamento. E la commistione dei generi, sempre sotto l’egida del “dio blues”, è a mio parere perfettamente funzionale a questo approccio.

Fratelli Tabasco – Docks Dora Session

Trattasi dei Fratelli Tabasco, la band peperonata di Torino. Le Dora Docks Session invece, dal titolo del loro album, si riferiscono al fiume al femminile, la Dora che passa a Torino, città natale dei Fratelli Tabasco. Un album debutto per una band nata nel 2013 dall’incontro di cinque giovincelli accomunati soprattutto da una forte passione per il blues. Il disco viene registrato in presa diretta per cercare di riprodurre le atmosfere dei Juke Joint (chiamati anche Barrelhouse), i locali (soprattutto negli anni ’40) semi clandestini del sud degli Stati Uniti, terra natìa e patria dei più grandi bluesmen prima di diventare una vera leggenda. I Fratelli Tabasco s’ispirano dunque per scrivere le loro canzoni a leggendari bluesmen del passato senza denigrare o tralasciare alcuni artisti contemporanei come Ben Harper, i Black Keys o il grande R.L. Burnside. Dopo numerosi concerti in lungo ed in largo nelle regioni di Piemonte, Liguria ed Emilia Romagna, nel 2015 vincono la 7° edizione del concorso Rock The Docks organizzato dalla Rainbow Music di Torino che permette loro di fare il passo lungo con l’incisione di un album che comunque riflette e risponde alle migliori aspettative. Questi figli artistici dei Docks di Torino celebrano il loro album d’esordio con un blues vivo, piccante come lo è a ragion veduta il loro nome (Tabasco), una salsa piccante ricavata dalla coltivazione di peperoncini della specie Capsicum Frutescens e alla loro macerazione. La salsa è prodotta dall’azienda statunitense McIlhenny Company, con sede ad Avery Island in Louisiana, che ne detiene il brevetto fin dal 1870 ed è proprietaria del marchio Tabasco Sauce mentre il nome deriva dall’omonimo stato del Messico.

Ne deriva un suono cosiddetto vintage che mischia blues, rock, funky e soul e sonorità moderne d’insieme ma che al tempo stesso non si distaccano troppo dagli stilemi tradizionali ed eterni del blues. I Fratelli Tabasco hanno metabolizzato il blues arcaico e lo ripropongono ai giorni nostri, dando forma ad un sound attuale, ipnotico ed ispirato ma al tempo stesso sporco e cattivo. S’incomincia con Radioactive Mama, un blues elettrico con chitarra stile funky, l’hammond sempre in agguato e l’armonica acida al punto giusto. Ask Yourself colpisce per i suoi riff esaltanti dove sono sempre l’hammond di Lorenzo e la chitarra di Joe Tabasco a primeggiare e lasciare il segno. Siamo in piena terra Louisiana, il clima è incandescente, la band è sul palco in presa diretta, dal vivo e le canzoni una dopo l’altra scivolano via tenendo l’ascoltatore attaccato all’orecchio. In Same Damned Shame è la voce solista a martellare sui timpani, l’hammond è in primo piano mentre la sezione ritmica è granitica e picchia da morire. In Up All Night sono ancora le tastiere a mantenere il ritmo e il giusto mood, il bassista si fa particolarmente sentire e l’hammond è sugli scudi mentre Harmonica Drive resta pur sempre accattivante anche se più scontata con Joe Tabasco scatenato alle prese degli assoli di chitarra da musicista navigato.

Tra un brano e l’altro, rigorosamente dal vivo, si sentono gli applausi del pubblico presente e di incitamento alla band. Assai bravo risulta Boris Tabasco come voce solista, prepotente e spietato da collaudato shouter in ogni brano nonché ed esperto e valido all’armonica. Già stiamo parlando di Louisiana e di Mississippi dove i Juke Joint (solitamente gestiti da afro-americani) erano il crocicchio (crossroads) della musica del diavolo, il blues nelle sue molteplici sfumature e dove ci si avventurava in questi loschi locali tra whisky di contrabbando, birre da 4 soldi, balli, puttane, bluesmen e giochi d’azzardo. I Juke Joint (da noi si sarebbero chiamate bettole) negli anni ‘30 e ’40 erano frequentati da mezzadri e lavoratori dei campi, campavano anche vendendo vari generi alimentari, davano occasionalmente da dormire agli avventori e si facevano belli con il loro famoso moonshine, un liquore di poltiglia di mais distillato il più delle volte in modo illegale. Jack Knife, uno slow assai sofferto, ricorda le divinità voodoo di New Orleans e musicisti del calibro di Screamin’ Jay Hawkins (1929-2000), il più eccentrico personaggio che l’R&B e il rock’n’roll abbiano mai dato, famoso soprattutto per la sua potente voce e per le esibizioni live selvaggiamente teatrali, accompagnate da macabri oggetti di scena sul palco (teschi, costumi gotici e simboli voodoo) e soprannominato il primo shock rocker nonché autore della celebre e bellissima canzone I Put A Spell On You.

Blues On! ha ritmi funky e l’hammond la fa da padrone, D.Q.T.H.L. è elettrizzante al punto giusto anche se non innovativa ma con il solito giro di blues cadenzato mentre Boris’ Boogie in chiusura è un esaltante jump blues agli albori del rock’n’roll (fine anni ’30) in stile Big Joe Turner (1911-1985) per intenderci. I Fratelli Tabasco abbracciano il blues del sud ma a volte in diversi brani riprendono il classico blues di Chicago che inizialmente traeva fondamento nel Delta blues e che alla fine degli anni ’40 ed inizio ’50 ha creato un vero e proprio stile (Muddy Waters, Willie Dixon, Otis Rush, Howlin’ Wolf, Slim Harpo, Little Walter, J.B. Lenoir, Sonny Boy Williamson II alias Rice Miller, eccetera). I Fratelli Tabasco all’album d’esordio, risultano davvero già ben navigati e rodati, superano brillantemente la prova e se la loro missione è il blues, possiamo azzardare che sono sulla strada giusta.

Mr Furto & Lady Paccottilla – Hotel Harvest

Ascoltando Hotel Harvest (eliminando i primi due brani che, per stile e sonorità un po’ clashettose – Bank Robbery – e un po’ rocckettine sbarazzine – Easy Love – sembrano appartenere ad un altro gruppo) due cose mi hanno squarciato la testa tipo fulmine di Pegasus: la sigla di Rawhide nella versione Blues Brothers e la mattanza di Hateful Eight. Hotel Harvest è quel blues contemporaneo molto west, il west di Clint Eastwood mentre porta la sua mandria dal Texas al Missouri e il west di Samuel L. Jackson che ammazza a raffica. Infatti i vocals e backing vocals a tratti baritoni e le atmosfere cupe e dure sia nei testi che nelle sonorità delle ultime quattro track e di Faith In Hell trasportano in una desolata prateria padana (il Mr e la Lady sono dei dintorni di Cremona), dove ti aspetti che tra un pezzo e l’altro salti fuori dalla confezione del CD un serpente a sonagli o un cobra del deserto del texas. A questo si aggiunga il packaging del CD (molto viniloso perché CD e libretto si estraggono come nei vinili) la cui grafica è essa stessa “westernamente” inquietante. Inquietante nel bianco e nero delle sue foto di lande abbandonate e desolate, via di mezzo tra far east padano e ghost town contemporanea. La sensazione è un po’ come se aveste in mano una copertina di Physical Graffiti degli Zeppelin spostata in una ghost town ed “ecomostrizzata”. Forse non sapremo mai se questo era negli intenti di Mr Furto & Lady Paccottilla, tuttavia lo strano effetto è che l’artwork si dissocia da qualsiasi manierismo sebbene sia esso stesso rigenerazione di un richiamo colto che però diventa qualcosa che segna un’evoluzione in chiave anni duemila di un concept blues raffinato e di impatto (per dirne una nell’album abbiamo una foto di un classicone iconografico dell’antologia blues più pura: la ferrovia – palesemente trasandata alla maniera italiota). In una riga: cazzarola la confezione di Hotel Harvest è veramente figa!

Facendo un giro di lazo indietro torniamo sulla musica, nel punto in cui il Po si tuffa nel Mississipi c’è l’hotel del raccolto dove in ogni stanza c’è l’eco selvaggio e incalzante dello slide stile Deltahead di Ciki Cicki o i testi brevi ma intensi e diretti come un proiettile di I Love Your Mum. La voce è baritonale e introspettiva alla Johnny Cash, ma il sound è un mesh up ben riuscito di sonorità tex mex in salsa parmareggio. In Hotel Harvest si ha la visione di un crescendo di tempeste sabbiose di chitarrosità un po’ stoner (Ballad Of A Lonely Man), un po’ psichedeliche (Ellie West) ma soprattutto c’è tanto tanto spirito guida di blues sperimentale, che esce fuori imperioso negli otto minuti pesantemente e aggressivamente strumentali della closing track Fading Light. Il pezzo è da gustare per la sua completezza che, ai già begli assoli di chitarra e al gran lavoro di piatti, aggiunge una lunga e potente parte strumentale di basso. Fading Light chiude bene un album molto particolare e fa pensare che molto probabilmente il Mr e la Lady dal vivo sono generosi nel concedere virtuosismi e indagini strumentali. E sospettarlo ci piace assai.

Probabilmente evitare le prime due tracce, che sembrano un po’ distanti dal blues contemporaneo predicato da Mr & Lady negli altri nove brani, e una pronuncia meno “Inglisc” avrebbero reso l’Hotel Harvest un Crowne Plaza con piscina e SPA sospese nel vuoto al centesimo piano di torri di cristallo nel pieno centro dell’Upper East Side; a onor del vero però anche l’attuale quattro stelle a Chelsea è una soluzione di livello.