The Midnight Kings – Band Of The Thousand Dances

The Midnight Kings sono un gruppo originario di Verbania, una piccola cittadina italiana sparsa sulla sponda occidentale del Lago Maggiore, in Piemonte e capoluogo della provincia del Verbano-Cusio-Ossola. La band nata nel 2011 annovera tra i componenti ex-membri di note gang garage punk come Thee S.T.P., The Preachers e Thee Stolen Cars, un manipolo di aristocratici birbanti il cui unico scopo è quello di fare ballare il pubblico fino allo sfinimento. Dopo un singolo su vinile distribuito in tutta Europa ed ormai sold out nel 2013 intitolato Do The Monkey e con due tracce, Baby What’s Wrong e The Monkey edito dalla Sailors Overdrive Records, (stampato in 300 copie) eccoli arrivare tre anni dopo, nel 2016 ad un disco completo. Non a caso, il loro nuovo album parafrasando il brano del 1966 di Chris Kenner portato al successo da Wilson Pickett Land Of Thousand Dances è intitolato Band Of The Thousand Dances…la band dei mille balli! Un disco esaltante, frizzante, dal boom sonico, sano rock’n’roll venato di soul e il suono twang quasi rockabilly e surf. Negli Stati Uniti lo chiamano “frat rock” ossia lo stile delle formazioni collegiali americane degli anni ’60, il rock da ballo, per le feste private dei teenager con i genitori in vacanza.

La musica dei Midnight Kings è indubbiamente folle, tutta devota al ritmo e che viene celebrata da questo gruppo ed ensemble guidato da quella vecchia volpe di Metius King, voce degli storici STP, assieme ad amici del giro del rock’n’roll italico. Pura energia e divertimento con classici su classici per ballare sfrenati senza nessun genitore che vi gridi di abbassare il volume e sperando senza alcun raid della polizia! Indubbiamente una formazione assai valida alle prese con il rock’n’roll, lo stompin’ rhythm’n’blues e lo stile Memphis, Tennessee. Un disco che si compone di quattordici brani, con due cover Baby Don’t You Weep, scritta da Fred Bridges e Harrison Smith ed incisa dallo stesso Fred Bridges per la prima volta come singolo nel 1962 (etichetta Versatile) e poi ripresa da diversi artisti tra cui Wilson Pickett nel 1968, Edward Hamilton & The Arabians (genere Northern soul) nel 1980 ed in epoca più recente da Luther Ingram nonché I Idolize You di Ike & Tina Turner (scritta da Ike Turner e pubblicata come singolo nel 1961) in stile soul /rhythm and blues più dodici originali composti dal sestetto dei Midnight Kings.

Pezzi come l’iniziale Millo’s In Love, Another Kiss, Hey! Mathilda e She’s The Boss scimmiottano sicuramente i canoni classici del rhythm and blues e rock’n’roll degli anni ’50 e primi ’60 con il classico canto da rocker, il coro botta e risposta, la batteria in evidenza, il suono twang della chitarra ed il sax sempre prorompente. Ascoltando ad esempio I’m Taking Off con uno splendido assolo di chitarra il cantante ricorda il miglior David Johansen aka Buster Poindexter. The Caveman è suonata magnificamente con il sax in evidenza a creare una grande atmosfera e le percussioni a sostegno di un sound maledettamente attuale. Mish Mash Mary invece è un piccolo plagio a Summertime Blues, un rockabilly scritto da Eddie Cochran e dal suo manager Jerry Capehart, un singolo portato al successo nel 1958 e pubblicato dalla Liberty Records. Di questo disco dei The Midnight Kings esiste anche la versione in vinile pubblicata dalla Wild Honey Records che contiene due canzoni differenti. Al posto di What’s Behind The Door e You Mesmerize Me contenute nel CD della Ammonia Records, nel vinile sono editi i brani Dance With The Midnight Kings e Twist It Up. L’edizione della Wild Honey Records esiste anche in edizione limitata in vinile verde.

La copertina del CD è disegnata da Dario Dr. Pepper Maggiore e risulta accattivante e vincente. Dal vivo invece questa formazione piemontese è certamente assai divertente nel ricordare e rivitalizzare i bei tempi del rock’n’roll e di un’epoca irripetibile. Da ascoltare tutto di un fiato!

Buzzy Lao – Hula

Dove un forte amore e propensione per il blues si contamina con il cantautorato italiano e con suggestioni decisamente black (roots reggae e tribali) troviamo Buzzy Lao. Interessante, giovane, cantautore/bluesman torinese che frulla insieme le sue preferenze e background musicale con una lunga esperienza nel Regno Unito. E così ti sforna Hula, un debut album di 13 tracce che pescano da generi diversi tenuti insieme dal filo rosso del blues. Dal folk al soul di ultima generazione al rock. Un melting pot di sonorità maturate in un arco di tempo relativamente breve (rilascia il primo singolo Lacrime D’Amore nel gennaio del 2015, l’album è uscito lo scorso 21 ottobre) e che esplodono fino a concretizzarsi in un lavoro che ha tanto il sapore della gavetta, dell’impegno alacre fatti anche dal tour in tutta Italia e dalla campagna di crowdfunding promossa per produrre e finanziare l’album. Una storia di passione quella che caratterizza il percorso professionale di questo giovane artista. La stessa passione che ritroviamo nei suoi testi che parlano della sua vita interiore (amori, amicizie, dolori) ma anche della vita esteriore (tematiche di impegno e di denuncia delle ingiustizie sociali, razziali e culturali). E che ritroviamo anche nel suo modo di suonare, in quell’uso eclettico e sincero della chitarra Weissenborn molto usata nella scena alternative blues (Ben Harper e John Butler).

Man mano che si procede nell’ascolto di questi 13 brani, tutti così diversi tutti così unitari nello stile e nell’anima, si delinea chiaramente lo scenario neo-blues dove si colloca Buzzy Lao. Deve essere stata una gran bella soddisfazione per l’artista tornare in patria dopo un’esperienza fuori e aver potuto rielaborare sensibilità e stimoli provenienti da contesti diversi per realizzare canzoni in lingua italiana ma suonate in maniera così “internazionale”. E’ un disco che cattura, che ti prende per mano, track by track, e ti guida lungo il percorso artistico-personale-umano dell’autore e ti fa vedere con i suoi occhi il mondo. Un percorso il cui punto d’arrivo è da considerarsi l’album nella sua totalità, come strumento di riflessione e anche di superamento e guarigione. Raccontando e raccontandosi tramite la musica si può metabolizzare ogni dolore e ogni sconfitta e trarne stimolo per nuovi obiettivi, per una rinnovata propositività e positività. E si può anche spronare un cambiamento non solo individuale ma anche sociale. La funzione catartica dell’arte nella variante intimistica ed impegnata del cantautorato.

Passando dai brani più cantautorali come Ora Che, Le Luci Della Mia Ombra, Qualcosa C’è, a quelli più reggae e roots come Stella Magica, Hanno Ucciso L’Amore, fino a quelli più genuinamente blues come Credi Di Amare, Guerra Da Nascondere, Chiedi Chiedi, la tensione che si avverte fra racconto di sé e racconto del mondo è molto bella, a tratti commovente. Perché rivela la capacità dell’artista di mettersi a nudo e regolare i conti con se stesso senza mai trascurare l’attenzione per la società, per i suoi mali, per il suo necessario cambiamento. E la commistione dei generi, sempre sotto l’egida del “dio blues”, è a mio parere perfettamente funzionale a questo approccio.

Fratelli Tabasco – Docks Dora Session

Trattasi dei Fratelli Tabasco, la band peperonata di Torino. Le Dora Docks Session invece, dal titolo del loro album, si riferiscono al fiume al femminile, la Dora che passa a Torino, città natale dei Fratelli Tabasco. Un album debutto per una band nata nel 2013 dall’incontro di cinque giovincelli accomunati soprattutto da una forte passione per il blues. Il disco viene registrato in presa diretta per cercare di riprodurre le atmosfere dei Juke Joint (chiamati anche Barrelhouse), i locali (soprattutto negli anni ’40) semi clandestini del sud degli Stati Uniti, terra natìa e patria dei più grandi bluesmen prima di diventare una vera leggenda. I Fratelli Tabasco s’ispirano dunque per scrivere le loro canzoni a leggendari bluesmen del passato senza denigrare o tralasciare alcuni artisti contemporanei come Ben Harper, i Black Keys o il grande R.L. Burnside. Dopo numerosi concerti in lungo ed in largo nelle regioni di Piemonte, Liguria ed Emilia Romagna, nel 2015 vincono la 7° edizione del concorso Rock The Docks organizzato dalla Rainbow Music di Torino che permette loro di fare il passo lungo con l’incisione di un album che comunque riflette e risponde alle migliori aspettative. Questi figli artistici dei Docks di Torino celebrano il loro album d’esordio con un blues vivo, piccante come lo è a ragion veduta il loro nome (Tabasco), una salsa piccante ricavata dalla coltivazione di peperoncini della specie Capsicum Frutescens e alla loro macerazione. La salsa è prodotta dall’azienda statunitense McIlhenny Company, con sede ad Avery Island in Louisiana, che ne detiene il brevetto fin dal 1870 ed è proprietaria del marchio Tabasco Sauce mentre il nome deriva dall’omonimo stato del Messico.

Ne deriva un suono cosiddetto vintage che mischia blues, rock, funky e soul e sonorità moderne d’insieme ma che al tempo stesso non si distaccano troppo dagli stilemi tradizionali ed eterni del blues. I Fratelli Tabasco hanno metabolizzato il blues arcaico e lo ripropongono ai giorni nostri, dando forma ad un sound attuale, ipnotico ed ispirato ma al tempo stesso sporco e cattivo. S’incomincia con Radioactive Mama, un blues elettrico con chitarra stile funky, l’hammond sempre in agguato e l’armonica acida al punto giusto. Ask Yourself colpisce per i suoi riff esaltanti dove sono sempre l’hammond di Lorenzo e la chitarra di Joe Tabasco a primeggiare e lasciare il segno. Siamo in piena terra Louisiana, il clima è incandescente, la band è sul palco in presa diretta, dal vivo e le canzoni una dopo l’altra scivolano via tenendo l’ascoltatore attaccato all’orecchio. In Same Damned Shame è la voce solista a martellare sui timpani, l’hammond è in primo piano mentre la sezione ritmica è granitica e picchia da morire. In Up All Night sono ancora le tastiere a mantenere il ritmo e il giusto mood, il bassista si fa particolarmente sentire e l’hammond è sugli scudi mentre Harmonica Drive resta pur sempre accattivante anche se più scontata con Joe Tabasco scatenato alle prese degli assoli di chitarra da musicista navigato.

Tra un brano e l’altro, rigorosamente dal vivo, si sentono gli applausi del pubblico presente e di incitamento alla band. Assai bravo risulta Boris Tabasco come voce solista, prepotente e spietato da collaudato shouter in ogni brano nonché ed esperto e valido all’armonica. Già stiamo parlando di Louisiana e di Mississippi dove i Juke Joint (solitamente gestiti da afro-americani) erano il crocicchio (crossroads) della musica del diavolo, il blues nelle sue molteplici sfumature e dove ci si avventurava in questi loschi locali tra whisky di contrabbando, birre da 4 soldi, balli, puttane, bluesmen e giochi d’azzardo. I Juke Joint (da noi si sarebbero chiamate bettole) negli anni ‘30 e ’40 erano frequentati da mezzadri e lavoratori dei campi, campavano anche vendendo vari generi alimentari, davano occasionalmente da dormire agli avventori e si facevano belli con il loro famoso moonshine, un liquore di poltiglia di mais distillato il più delle volte in modo illegale. Jack Knife, uno slow assai sofferto, ricorda le divinità voodoo di New Orleans e musicisti del calibro di Screamin’ Jay Hawkins (1929-2000), il più eccentrico personaggio che l’R&B e il rock’n’roll abbiano mai dato, famoso soprattutto per la sua potente voce e per le esibizioni live selvaggiamente teatrali, accompagnate da macabri oggetti di scena sul palco (teschi, costumi gotici e simboli voodoo) e soprannominato il primo shock rocker nonché autore della celebre e bellissima canzone I Put A Spell On You.

Blues On! ha ritmi funky e l’hammond la fa da padrone, D.Q.T.H.L. è elettrizzante al punto giusto anche se non innovativa ma con il solito giro di blues cadenzato mentre Boris’ Boogie in chiusura è un esaltante jump blues agli albori del rock’n’roll (fine anni ’30) in stile Big Joe Turner (1911-1985) per intenderci. I Fratelli Tabasco abbracciano il blues del sud ma a volte in diversi brani riprendono il classico blues di Chicago che inizialmente traeva fondamento nel Delta blues e che alla fine degli anni ’40 ed inizio ’50 ha creato un vero e proprio stile (Muddy Waters, Willie Dixon, Otis Rush, Howlin’ Wolf, Slim Harpo, Little Walter, J.B. Lenoir, Sonny Boy Williamson II alias Rice Miller, eccetera). I Fratelli Tabasco all’album d’esordio, risultano davvero già ben navigati e rodati, superano brillantemente la prova e se la loro missione è il blues, possiamo azzardare che sono sulla strada giusta.

Mr Furto & Lady Paccottilla – Hotel Harvest

Ascoltando Hotel Harvest (eliminando i primi due brani che, per stile e sonorità un po’ clashettose – Bank Robbery – e un po’ rocckettine sbarazzine – Easy Love – sembrano appartenere ad un altro gruppo) due cose mi hanno squarciato la testa tipo fulmine di Pegasus: la sigla di Rawhide nella versione Blues Brothers e la mattanza di Hateful Eight. Hotel Harvest è quel blues contemporaneo molto west, il west di Clint Eastwood mentre porta la sua mandria dal Texas al Missouri e il west di Samuel L. Jackson che ammazza a raffica. Infatti i vocals e backing vocals a tratti baritoni e le atmosfere cupe e dure sia nei testi che nelle sonorità delle ultime quattro track e di Faith In Hell trasportano in una desolata prateria padana (il Mr e la Lady sono dei dintorni di Cremona), dove ti aspetti che tra un pezzo e l’altro salti fuori dalla confezione del CD un serpente a sonagli o un cobra del deserto del texas. A questo si aggiunga il packaging del CD (molto viniloso perché CD e libretto si estraggono come nei vinili) la cui grafica è essa stessa “westernamente” inquietante. Inquietante nel bianco e nero delle sue foto di lande abbandonate e desolate, via di mezzo tra far east padano e ghost town contemporanea. La sensazione è un po’ come se aveste in mano una copertina di Physical Graffiti degli Zeppelin spostata in una ghost town ed “ecomostrizzata”. Forse non sapremo mai se questo era negli intenti di Mr Furto & Lady Paccottilla, tuttavia lo strano effetto è che l’artwork si dissocia da qualsiasi manierismo sebbene sia esso stesso rigenerazione di un richiamo colto che però diventa qualcosa che segna un’evoluzione in chiave anni duemila di un concept blues raffinato e di impatto (per dirne una nell’album abbiamo una foto di un classicone iconografico dell’antologia blues più pura: la ferrovia – palesemente trasandata alla maniera italiota). In una riga: cazzarola la confezione di Hotel Harvest è veramente figa!

Facendo un giro di lazo indietro torniamo sulla musica, nel punto in cui il Po si tuffa nel Mississipi c’è l’hotel del raccolto dove in ogni stanza c’è l’eco selvaggio e incalzante dello slide stile Deltahead di Ciki Cicki o i testi brevi ma intensi e diretti come un proiettile di I Love Your Mum. La voce è baritonale e introspettiva alla Johnny Cash, ma il sound è un mesh up ben riuscito di sonorità tex mex in salsa parmareggio. In Hotel Harvest si ha la visione di un crescendo di tempeste sabbiose di chitarrosità un po’ stoner (Ballad Of A Lonely Man), un po’ psichedeliche (Ellie West) ma soprattutto c’è tanto tanto spirito guida di blues sperimentale, che esce fuori imperioso negli otto minuti pesantemente e aggressivamente strumentali della closing track Fading Light. Il pezzo è da gustare per la sua completezza che, ai già begli assoli di chitarra e al gran lavoro di piatti, aggiunge una lunga e potente parte strumentale di basso. Fading Light chiude bene un album molto particolare e fa pensare che molto probabilmente il Mr e la Lady dal vivo sono generosi nel concedere virtuosismi e indagini strumentali. E sospettarlo ci piace assai.

Probabilmente evitare le prime due tracce, che sembrano un po’ distanti dal blues contemporaneo predicato da Mr & Lady negli altri nove brani, e una pronuncia meno “Inglisc” avrebbero reso l’Hotel Harvest un Crowne Plaza con piscina e SPA sospese nel vuoto al centesimo piano di torri di cristallo nel pieno centro dell’Upper East Side; a onor del vero però anche l’attuale quattro stelle a Chelsea è una soluzione di livello.

Acid Brew – Acid Brew

Gli Acid Brew nascono a dire il vero come Sham Rock nell’ottobre del 2010 a San Giovanni Bianco, comune con meno di 5.000 abitanti situato in Val Brembana, circa 30 chilometri a nord dal capoluogo orobico, Bergamo. Nel 2012 cambiano nome e diventano The Shams. A fine del 2014 dopo più di due anni passati freneticamente nell’attività concertistica, il gruppo si ferma per concentrarsi nella realizzazione di un proprio album, rigorosamente in lingua inglese, niente cover ma brani scritti in perfetta armonia dalla band stessa che all’uscita del disco si ribattezza nuovamente e definitivamente in Acid Brew. E’ dunque questo il primo album omonimo, d’esordio e di inediti per la band bergamasca Acid Brew, quintetto di blues rock e funk music che ha scritto, arrangiato, prodotto e pubblicato questo primo e genuino sforzo discografico sicuramente da elogiare in quanto del tutto autoprodotto, ben pensato e felicemente elaborato. Il sound risulta volutamente un po’ retrò proprio per esaltare i suoni tanto cari di certo soul e rhythm and blues anni ’60 e ’70. La chitarra di Stefano Carminati ed i suoi riff si distinguono e spiccano in ogni brano ma è la robusta sezione ritmica con basso e batteria a tenere il tempo anche se con arrangiamenti più moderni che strizzano l’occhio a certo funk mentre invece le tastiere di Davide Gamba arricchiscono l’ensemble grazie all’uso prevalentemente dell’organo hammond.

Nove tracce in inglese dove al fianco di certe tematiche care al blues e al rock’n’roll emerge un funk e R&B aggiornato ai nostri giorni. Gli Acid Brew (letteralmente significa “birra acida”) convincono decisamente per la bontà dei loro ritmi e dei loro suoni ma anche i testi risultano convincenti con la tendenza ad affrontare tematiche sociali come la guerra e la violenza trattati in Hard Times. In Sexual Desire e Will You Marry me si passa dal sesso all’amore mentre in Bigger Than Me gli Acid Brew affrontano il delicato concetto soprannaturale di credo e di fede. Sinful Souls (“anime peccaminose”) si parla della tendenza assai frequente di giudicare con leggerezza e superficialità il nostro prossimo. In aggiunta la band, ma solo ed esclusivamente per le registrazioni in studio del disco, ha usato una sezione fiati con Joe La Viola al sax in Bigger Than Me e Sinful Souls, Francesco Panico alla tromba in due canzoni, Dario Baldacchini al sax in due pezzi, Riccardo Gervasoni al trombone in Along The Riverside e Together e ai cori Laura Danelli, Sarah Nava, Mara Gavazzi, Davide Fidanza e Paolo Filippi.

Arrembi (R&B) ed un suono ruffiano che ricorda le Pietre Rotolanti (The Rolling Stones) e certo rock inglese ma per fortuna senza tanti fronzoli. La voce del cantante è da ragazzino ma è a suo agio con l’inglese anche se non di lingua madre. I cori sono forse un po’ troppo semplicistici e cantilenanti ma il suono della chitarra è estremamente pulito così come piace l’uso non ossessivo ma basilare delle tastiere ossia organo, pianola, hammond. Spiccano e piacciono particolarmente Will You Marry me dal ritmo coinvolgente, la semi-acustica Yellow Noon che ricorda i migliori Kinks degli anni ’60 e la sorniona Bigger Than Me con un sax e la pianola in evidenza. Il disco indubbiamente viene promosso ma mi permetto di auspicare nel futuro degli Acid Brew una maggiore padronanza, più cattiveria e più incisività così da raggiungere il top.

The Blue Poets – The Blue Poets

Quando il delta dell’Elba diventa il delta del Mississipi: in una frase questo è The Blue Poets. Marcus Deml, chitarrista con un pedegree pazzesco (studente e docente del Musician Institute di L.A. – tanto per intenderci scuola Paul Gilbert – nominato nel 2005 Guitar Hero dal fanzine chitarroso a stelle e striscie Guitar Player) fonda una nuova band che il cui album d’esordio è un devastante allagamento texano di blues elettrico sullo stesso stile di The Ballad Of John Henry di Joe Bonamassa. 11 tracce di puro elettroshock fenderiano di una classe e pulizia nell’esecuzione estreme. Alla matrice – che al quinto ascolto – è definitivamente un mix tra Stevie Ray e Gary Moore, si aggiunge un piccolo tocco fusion alla Steve Vai/Scott Henderson, il che non è una sorpresa (cercate il video della performance del 2005 di Marcus su GuitarPlayer.com e capirete perché) e si sente in molti assoli e non solo nella chitarra, ma anche nel basso di Markus Setzer che esce meraviglioso, un po’ funky un po’ rock, un po’ fusion in Shallow Words e Won’t You Suffer. Dal video del 2005 Marcus non ha solo sostituito la coppola un po’ fusion con il cappello traveller da vero bluesman. Ha sperimentato con i The Blue Poets un nuovo genere e più che sperimentazione qui stiamo ascoltando il vero e proprio risultato di un patto con il diavolo fatto in un incrocio dell’Alabama. La risata un po’ cupa e un po’ blue in Goodbye vuole forse ricordarci il ghigno di Lucifero che dona il blues come nelle leggende di Robert Johnson tramandate da padre in figlio tra Louisiana e Mississippi?

Il tocco blues non è solo nell’accarezzata delle 6 corde della Stratocaster bruciata, il blues e la sofferenza del blues sta nella bella voce di Gordon Gray, pulitissima negli stop and go, carica di sofferenza e intensità nella ballatona With Your Eyes e piena di energia in pezzi decisamente rock come Too High. Belzeblues a parte, non è però una mera rivisitazione di Stevie Ray in chiave 2000, in tutte le tracce c’è un tocco fusion e a tratti un po’ funky del basso di Markus Setzer e la potenza animalesca rock della batteria di Felix Dehml. La ritmica segue eccelsamente e non è adombrata dall’estasi chitarristica, anzi ne è esaltata e la prova diabolica in chiave di blues sta nella track centrale, rivisitazione ben riuscita del superclassico di Mr Slowhand e dei Cream. La Sunshine Of Your Love dei Poeti è essa stessa rivestita di nuova poetica, dove tutti gli strumenti (voce compresa) hanno il loro spazio e si equilibrano in un’estasi medianica che rompe il muro del suono. The Blue Poets non sono solo dei tecniconi (non c’è trucco e non c’è inganno: album registrato completamente in analogico), sono dei menestrelli erranti che risalgono il delta dell’Elba con in spalla la propria chitarra e le loro storie di amori tristi e infranti (Goodbye, Sad, Sad, Sad) e vite sofferte nel blues (It’s About Time) esattamente come un tempo John Lee e Robert Johnson risalivano il Mississippi raccontando le loro storie.

Siamo di fronte a una lega anseatica del blues? Speriamo di sì, e speriamo che la lega estenda il suo dominio live al di fuori delle terre teutoniche anche perché The Blue Poets è senza ombra di dubbio uno tsunami blues che vale la pena ascoltare.

Joe Bonamassa – So, It’s Like That

Oggi vi parliamo di quello che può essere considerate il vero debut album del fenomenale chitarrista statunitense. Questo album, diversamente dal predecessore, è infatti composto da materiale completamente inedito e scritto da Bonamassa. Non stiamo quindi più ascoltando delle riproposizioni o delle cover ma dei brani nuovi che, spoiler alert, vi lasceranno il sorriso sul viso… quando non sarete impegnati a cantarli! Fatemi spendere due righe per introdurre questo poliedrico artista che ha conquistato una notevole fama come virtuoso delle sei corde ma che ancora non gode della fama che meriterebbe. Per dare delle coordinate a chi ancora non lo conoscesse potremmo paragonarlo all’Eric Clapton degli anni ’70. Non tanto per il genere proposto, che a distanza di oltre 40 anni ovviamente è differente, ma per il livello di innovazione che introduce nel suo genere: rock blues. L’opener del disco è My Mistake brano articolato che strizza l’occhio all’altrnative rock più melodico ma con una classe e un gusto davvero rari. La scena viene presto rubata dalla lodevole intro di Lie #1 altro brano chiaramente rock dove è la melodia trascinante a farla da padrona… e attenzione al solo! A seguire No Slack il primo dei brani più sofferti e cadenzati di questo album. Non è lento comunque, più che altro è ipnotico il suono effettato della chitarra che rimane protagonista anche nella successiva Unbroken caratterizzata da stop & go e da sonorità da applauso. Non a caso ci sono orde di chitarristi indemoniati che cercano di riprodurre il sound di Joe.

Ultimi 30 secondi da cardiopalma prima di So, It’s Like That con cui si torna al blues, e alla grande. Questo è il terreno di caccia preferito di Bonamassa, che infatti non lo ha mai negato e si sente. Semplicemente imperdibile il solo. Resta il rammarico che il brano duri troppo poco. E così siamo arrivati al momento più lento e introspettivo dell’album con Waiting For Me che non rinuncia comunque ad un certo mordente e con Never Say Goodbye che ci delizia con l’alternanza tra parti cadenzate e altre decisamente più vivaci. Mountain Time si distingue soprattutto per il bellissimo attacco della band sopra la chitarra acustica iniziale. Un pezzo veramente riuscito anche se è con i successivi due brani che si tocca il vertice di questo album. Iniziamo con Pain And Sorrow dall’intro fantastico e dal pazzesco riff iniziale. I suoni sono un mix di classico e moderno che piace davvero e la struttura del brano è arzigogolata come i numerosi solo che si susseguono per tutto il pezzo: definirlo sperimentale sarebbe riduttivo. Qui in 10 minuti si spazia tra rock e blues con qualche deviazione nel territorio proprio del jazz. Si torna al rock d’autore con Takin’ The Hit che porta in dote un grande riff, un gran tiro e nuovamente un solo spettacolare in cui la chitarra di Joe sembra davvero cantare.

Non fa calare il ritmo la successiva Under The Radar che picchia forte dalle parti del miglior rock melodico ma, attenzione, senza rinunciare ad un pizzico di cattiveria. Stesso discorso per Sick In Love pregevolissimo pezzo dal groove molto interessante e dal ritmo tormentato. Sempre in evidenza l’ispiratissimo assolo ma più canonica la struttura del brano. Chiude questo brillante album la struggente e di nuovo movimentata The Hard Way che di nuovo fonde momenti da luci soffuse con un riffing graffiante e dei crescendo emozionanti. E quando pensate che il brano sia finito… dopo alcuni secondi di silenzio ecco una specie di bonus track. Cadenzata, mutevole, inaspettata e nuovamente ipnotica ci accompagna alla vera fine del lavoro lasciandoci in bocca il sapore di un suono magico come non ne sentivamo da tempo.

Quello che non finirà mai di stupire di questo artista sono i suoni. Descrivere a parole qualcosa che si può solo ascoltare è sempre difficile ma dovendo fare una proporzione azzardata direi che Bonamassa sta al blues come Satriani sta al metal. Insomma, forte di un tocco pulitissimo Joe Bonamassa ci regala delle sonorità che spaziano dal classico blues all’hard rock ma personalizzate da una liquidità e da una pasta ancora inedite. Grande lavoro insomma e debutto da incorniciare con promozione a pieni voti anche alla voce composizione. Consigliatissimo anzi imperdibile.