Arianna Antinori – AriannAntinori

Arianna Antinori da diversi anni si è guadagnata la nomea di Janis Joplin italiana e già questo è un ottimo biglietto da visita. Romana di Roma, vive con il fidanzato a Vicenza. Il CD di cui stiamo parlando è uscito nel 2012 autoprodotto con 10 brani. Il nuovo CD edito dalla Klasse Uno invece è datato 2015, approda finalmente sugli store digitali e nei negozi di dischi, stessa copertina e stessa grafica ma contiene un brano in più, Shut up, qui in due versioni di cui la seconda è Shut Up re-edit. L’altra novità è che questo CD finalmente è disponibile anche in vinile in edizione limitata. Dopo l’esperienza iniziale con la sua band, i Turtle Blues con cui canta ancora oggi, sono partite poi le collaborazioni con molti artisti di fama italiana ed internazionale. La svolta decisiva arriva nel febbraio del 2010 quando vince il contest internazionale indetto dalla famiglia di Janis Joplin (il fratello Michael e la sorella Laura Joplin) in occasione del quarantennale della sua scomparsa: Cheap Thrills:You- inspired by Janis Joplin. La sua versione del brano Mercedes Benz vince il concorso superando centinaia di proposte arrivate da ogni continente. Da lì nasce la collaborazione con i Big Brother And The Holding Company, la storica band di Janis Joplin, che li ha visti esibirsi in Italia con Arianna come special guest. I Big Brother And The Holding Company la vogliono quello stesso anno, nel 2010 come singer per il tour europeo ed in alcune date per tre anni consecutivi: 2010, 2011 e 2012.

Nel frattempo Arianna è vincitrice del concorso L’artista che non c’era al CPM Music Institute di Franco Mussida (ex PFM) di Milano, una scuola di musica fondata nel 1984. Arianna sente comunque l’esigenza di incidere brani propri ed inizia a lavorare con Jean Charles Carbone, già collaboratore di Universal e Sugar e titolare degli studios Abnegat di Vicenza e Marco Fasolo, talentuoso polistrumentista già leader dei Jennifer Gentle e collaboratore dei Verdena, che hanno anche composto quasi tutti i brani del disco, in più ci sono altri strumentisti come Marco Pandolfi all’armonica, Luca Moresco al trombone e tuba, Davide Pezzin al basso in Shup Up oltre al percussionista cubano Ernesttico. Jean Charles Carbone suona il pianoforte, il basso, il sax, l’hammond, le percussioni mentre Marco Fasolo è alla batteria, al basso, alle chitarre, percussioni, hammond, eccetera. Il risultato è questo album (CD e vinile) con 10 splendide gemme, 11 se si considera il re-mix. Il CD autoprodotto pubblicato nel 2012 aveva suscitato parecchia eco e il responso più che positivo degli addetti ai lavori. Il singolo Shut UpI, un blues jazzato dal riff accattivante è stato in vetta alle classifiche nazionali degli artisti emergenti. La musica di Arianna e della sua band potremmo definirla rock blues con un pizzico di psichedelia.

Arianna Antinori canta divinamente e partecipa al testo dei 9 brani I Give, Freedom ,Our Days, For My Friends, You Know, I See You, The River’s End, Shut Up e Gone in cui al testo partecipa anche il padre Walter Antinori. Gone dinamica e grintosa segue una linea melodica solare, mentre Arianna supera se stessa nell’unica cover del disco, Can’t Be The Only One, un brano rimasto inedito, la cui musica è firmata dal batterista dei Big Brother And The Holding Company, David Getz e il testo invece è di Janis Joplin che lo scrisse nel 1968 ma non ebbe mai modo di inciderlo ufficialmente e che solo nel 2010 Dave lo ha riportato alla luce. Nel caso di Can’t Be The Only One, soltanto la compianta e bravissima cantante americana Kathi McDonald, deceduta il 3 ottobre 2012, l’anno precedente nel 2011, l’aveva incisa prima di Arianna Antinori, con la Dave Getz Breakaway nel disco dal titolo omonimo Can’t Be The Only One. Kathi McDonald ed Arianna Antinori, sono le uniche due che hanno avuto l’onore di cantarla ed inciderla ma in due versioni totalmente differenti. Di Can’t Be The Only One, Arianna ci offre una versione drammatica, personale, sofferta accompagnata dal solo pianoforte. Il brano iniziale I Give, con la voce squillante di Arianna ed una batteria ossessiva è un rock decisamente pulsante, inserito di recente anche nella compilation del Pistoia Blues Festival 2015, Pistoia Blues Next Generation. Questa ristampa di fine 2015 coincide con diversi appuntamenti e piacevoli ricorrenze. Il CD infatti edito da Klasse Uno e con distribuzione Self é uscito in concomitanza con il 45° anniversario della scomparsa di Janis Joplin (4 ottobre del 1970) ed in contemporanea all’uscita del film biopic Janis a cui Arianna è stata invitata a partecipare alla proiezione nel Cinema Primavera di Vicenza.

Il documentario su Janis, della regista californiana Amy J. Berg ed uscito in Italia in prima mondiale l’8 ottobre 2015 è stato presentato alla 72° Mostra Internazionale del Cinema di Venezia e al Toronto International Film Fest 2015. Al Cinema Primavera di Vicenza è stato proiettato sabato 10 ottobre 2015 e presentato da Arianna Antinori e dal critico cinematografico Enzo Pancera e subito dopo la proiezione Arianna, ha proposto proprio il pezzo di Janis Joplin Can’t Be The Only One, inserito nel suo ultimo disco, accompagnata dall’eccellente organista hammond padovano Pietro Taucher per l’occasione al pianoforte. Ritornando al CD, piacciono molto Freedom dalle elucubrazioni blues e psichedeliche con una Arianna scatenata e dalla grinta irresistibile, For My Friend, una ballata slow pianistica dolce e delicata e di grande atmosfera, I See You intrigante e sinuosa al punto giusto e con le chitarre pungenti ed acute, You Know decisamente rock blues mentre Our Days è puro blues, lento e sofferto ed una delle più belle canzoni ed interpretazioni di Arianna in assoluto nonché tra le migliori canzoni nel panorama blues italiano. La veste grafica e la copertina ad opera del cantautore vicentino Manuele De Pretto sono ricche di riferimenti ai mitici e gloriosi anni ’60 così come lo è in parte anche la musica. La blueswoman romana per chi non l’avesse mai ascoltata o sentita dal vivo, sul palco e su disco dimostra grande passionalità e riesce ad essere davvero convincente e coinvolgente. Arianna canta in maniera sublime grazie alla sua forza interpretativa ed al suo carisma, facendo ricordare la texana Janis Joplin che se non lo sapete ancora è la più grande voce blues della storia del rock. Ciò nonostante ascoltare Arianna non significa ascoltare un clone o una tribute band di Janis. Questo CD è la conferma di una raggiunta maturità e di una propria personalità artistica.

Anche dall’estero si sono scomodati per elogiare Arianna e come dice in un’intervista di Diamond Myra, Baron Wolman, celebre e storico fotografo (soprattutto dal 1967 al 1970) della rivista americana Rolling Stone: “Arianna has the passion of Janis, Arianna has the soul of Janis, Arianna has the spirit of Janis, Arianna has the talent of Janis, Arianna is the reincarnation of Janis Joplin, Arianna is an Italian treasure“. La voce di Arianna è una voce abrasiva, graffiante e spesso le sue canzoni sono degli acid blues degni della cantante dei Big Brother And The Holding Company. Le dieci canzoni del CD ci regalano momenti deliziosi, sofferti, l’anima del blues, nel riuscito tentativo di proporre qualcosa di nuovo, di originale, di suo. I risultati sono davvero confortanti, eccellenti, efficaci e superlativi.

I Cospiratori – Scarecrows

Scarecrows è il secondo disco della produzione 2015 dei Cospiratori. Come illustrato nella recensione di Fulmicotone (disponibile a questo link), la definizione di doppio album sarebbe troppo riduttiva per la mole di materiale e per la diversità di espressione. Per questo il power duo torinese ha deciso di far uscire assieme due lavori separati, paralleli. Scarecrows è una sorta di raccolta di brani di punta dei Cospiratori, riarrangiati in chiave acustica e tradotti in inglese. Particolare e di rilievo è Hills Of Colorado, con musica tratta da La Befana (vecchio brano dei Cospiratori), e testo di una canzone tradizionale irlandese (Hills Of Connemara) riadattata però al nuovo continente. Assieme a questi brani ci sono alcuni pezzi classici americani, quelli aderenti alla cultura rurale del sud degli USA, con le sue storie e le sue credenze. Un blues old time, a tinte chiaro-scure raffigurato alla perfezione da corvi e spaventapasseri (“Scarecrows” per l’appunto). In questo disco il batterista Paolo Chiorino sviluppa il suo set percussivo fino a comprendere cucchiai, vecchi bidoni arrugginiti, washboard. Perfetto esempio di tutto questo è la traccia Long John, un canto di prigionieri, accompagnato dal suono di vecchi bidoni, cucchiai e campane.

Immaginatevi quindi nel sud degli USA, di notte, luna piena sopra uno sterminato campo all’ombra di uno spaventapasseri, riscaldati dal fuoco di un falò e dalla musica dei Cospiratori. Scarecrows è tutto questo.

Starlight Searchers – Don’t Bring The Kids

From Lettonia. Mr. Louie Fontaine e i suoi Starlight Searchers danno alla luce qualcosa che non riesco a smettere di far girare nello stereo di casa. Si intitola Don’t Bring The Kids. E non c’è altro da dire se non l’invito solenne ad ascoltarlo. Sono ben 21 tracce (inedite ergo…e spero di non scrivere stupidaggini e di mancare qualche credito per qualcuno). Un raccoglitore di blues sporco di ruggine e ingolfato fino al collo, brillo e non ubriaco di whisky in lattine e America del Sud rigorosamente d’estate, afosa direi io! Sombreri e fiati d’origine controllata come pretende lo scenario e l’accademia del genere, ma anche doveroso rock narcotizzante e funamboliche visioni di deserti e cittadine quasi disabitate, rumorosità distorte che riportano vive le fattezze di casa e dei suoni firmati Tom Waits e questo senza mancare di rispetto a nessuno…perché Louie Fontaine non è da meno e regge a pieno ogni confronto lungo tutto l’ascolto di questo nuovo disco. Si basti sbirciare i video girati in Venezuela per capirne la pasta (anche se a dire il vero si tradiscono particolari che avrei curato molto meglio…), piccole pellicole cinematografiche che attingono a piene mani da qualcosa che ormai avevamo perduto nel tempo e nei ricordi…e mi riferisco soprattutto alle nuove generazioni tormentate e/o drogate di talentuosi burattini della tv che in tutto questo (forse forse) sanno solo come scimmiottare con abiti devoti alla moda del momento.

Un cofanetto di preziose testimonianze, ballate che spolverano traditional della scena folk che dagli anni ’60 arriva fino ad oggi con più o meno contaminazioni digitali. E qui di computer e di puzza di nylon neanche l’ombra. Li attendiamo in Italia questi maestri della ruggine d’autore e lenti dondolii melodici ricchi di grazia e spazi aperti, li attendiamo imbevuti di whisky e room invecchiato come si deve, li immagino arrivare con una Dodge Coronets del ’65, vestiti con pochi stracci rattoppati per l’occasione e, immancabili, ornamenti alle collane e stivali in cuoio originale e lavorato a mano. E poi ci vedo anche la pelle di un serpente a sonagli sul cruscotto e una bottiglia che rotola sul tappetino. Immagini e sensazioni che lego a questo disco perchè l’ascolto di questo Don’t Bring The Kids è un assoluto film che si dipana traccia dopo traccia, suono dopo suono, in una miscela assolutamente affascinante di qualcosa che non ha alcuna intenzione di farsi contaminare dal resto del mondo conosciuto. Conservatori e anarchici trasgressori delle mode del momento. In viaggio gente. Si ritorna al passato.

Blue Shoe Strings – For A Bottle Of Coke

I Blue Shoe Strings sono un quartetto di Padova nato nel 2012 e questo loro primo lavoro discografico autoprodotto, è uscito originariamente nel giugno del 2013 ma grazie a Dischi Sottorranei prende nuova vita in una edizione limitata nel 2014. Il nome del gruppo padovano è un’autentica citazione a Son House e si rifà all’aneddoto del noto bluesmen originario del Mississippi (1902-1988) che in cambio di alcuni suoi pezzi ricevette in compenso soltanto una bottiglia di Coca Cola (leggendarie sono le sue registrazioni anni ’20 e anni ’30 a 78 giri per la Paramount che però in quegli anni versava in cattive condizioni e per Alan Lomax e la Library Of Congress). Il gruppo ha intrapreso un’intensa attività live che li ha portati a suonare nel dicembre del 2013 in Inghilterra ed in diversi locali londinesi. Fin dalle prime note dell’introduzione e di Get Lost scopriamo una band aggressiva e dai riff accattivanti. In Get Lost il sound della chitarra è lancinante ed il cantante Epa s’esprime in maniera estrema. Me O’ My, Me O’ Blues (il titolo originario era M. & O’ Blues e fu inciso da Willie Brown nel 1930 per la Library of Congress) si contraddistingue per le sonorità ed i suoi effetti feedback. Il combo padovano rilegge questi classici di blues arcaico degli anni ’20 e ’30 in chiave violenta per un garage blues ed un rock blues dal suono ipnotico come in It Ain’t.

The Knife è un funky rock ossessivo in cui Epa canta in maniera dissacrante con la sezione ritmica a colpire con il giusto groove. Fa eccezione Dead Love’s Tree, una ballata romantica, poi si ritorna a ritmi incalzanti e taglienti. Kimberley Road Blues è un poderoso esempio di psichedelic rock blues dal suono corrosivo e con la chitarra slide acida di Giovanni Fabris a ricordare il miglior Steve Wynn, i Dream Syndacate ed il loro Paisley Underground. John The Revelator, originariamente un traditional di matrice religiosa (un gospel blues in cui si evoca l’Apostolo John talvolta chiamato The Beloved o The Revelator e che fu interpretata nel 1930 da Blind Willie Johnson e in seguito più volte da Son House nel 1965 in versione a cappella), è qui invece riarrangiata e profondamente trasformata in una dissacrante versione rock grunge. In chiusura The Strings Go in cui le ruvide trame chitarristiche confermano un sound viscerale e decisamente heavy garage a ricordare gruppi come i Bud Spencer Blues Explosion ossia una band di alternative rock/punk blues.

Notizie recenti danno i Blue Shoe Strings assai attivi e a quintetto con Epa voce solista, Johnny alla chitarra, Gio alla batteria, Bejor al basso e Bonny al synth. For A Bottle Of Coke è un album maturo e prorompente (di solo 38 minuti) che fa ben sperare per il futuro della band che aspettiamo però alla prossima incisione e alla riconferma delle loro velleità artistiche.

Ulisse Schiavo – Viscera

Voce e chitarra ma qualcosa di più di un semplice cantautore. Di solito giri di Do o riff che ti restano in mente per giorni si regalano per il solo scopo di fare breccia nei cuori degli ascoltatori (medi) di musica italiana. Ulisse Schiavo invece punta a liriche in inglese, ad un impatto fortemente emotivo, ad una buona dose di arrangiamenti che non stravolgono la sua essenza folk ma danno quel sale in più alla proposta di un musicista che può essere riconosciuto a prima occhiata come un cantautore. In più secchiate di blues arricchiscono (o meglio scoloriscono, dato il retrogusto vintage) la musica di Ulisse Schiavo che in alcuni momenti dà la possibilità anche alla sei corde elettrica di sfogarsi, abbandonando quel sapore esclusivamente acustico e usando la chitarra come doppio strumento, assoli e arrangiamenti che si danno il cambio vicendevolmente. E allora niente nenie e roba del genere: Distand Blues dice molto già dal titolo, ritmo catchy e un piede che non riesce a fermarsi, buone parti vocali con testi semplici (forse un po’ troppo). Strano (o particolare, scegliete voi) l’accento di Ulisse che sa di Jamaica e di slang americano, probabilmente una scelta stilistica che suona diversa rispetto a chi vuole mettere al centro la propria voce e per farlo deve essere sicuro di una fonetica impeccabile.

Il crescendo di Freedom con la sua orgia di strumenti acustici è un momento emozionante dell’EP e nella quasi strumentale Wasted il sapore americano della chitarra viene a galla e ci conquista. E con un moniker così, Ulisse Schiavo non poteva scegliere copertina più azzeccata: Ulisse, legato, che si dimena mentre resiste al richiamo delle sirene. Sarà così ammaliante la musica di Ulisse Schiavo dal vivo?

Fried Okra Band – Back Into The River

Iniziamo a liberare gli scheletri nell’armadio dei Fried Okra Band, band danese che al decimo anno di attività pubblica l’album Back Into The River. Innanzitutto non si tratta di un progetto solista, Fried Okra non è il nome di uno dei suoi componenti; inoltre va detto che si tratta di un trio davvero particolare, privo di basso, in cui le sonorità si collocano su un secondo piano rispetto alle ambientazioni e alle sfumature. Il titolo dell’album suggerisce input precisi che riscontriamo poi nella loro musica: infatti il “river” citato fa riferimento, più o meno esplicito, alla scena blues del Mississippi e qui di blues ce n’è tanto, anche se è privo del tipico groove a cui siamo abituati. I ritmi si fanno assuefatti, in moviola, e talvolta le chitarre “giocano sporco” per cercare di riempire il suono, per cercare il rock. Così i rimandi, citati nella loro biografia, a Jack White e The Black Keys sono correttissimi e fanno intuire le opzioni datate di cui i Fried Okra Band fanno incetta; nei momenti più agitati, come Don’t Go North o What’s Wrong, possiamo accostarli ai nostrani The Cyborgs anche se Back Into The River è all’asciutto di boogie.

I Never Felt Lost è una ninna nanna lisergica che sembra uscita dalla mente di Nick Cave, mentre in Who Is It For entrano dei richiami alla psichedelia pinkfloidiana, momenti questi particolari per un album che procede grosso modo sul blues rallentato e per certi versi angosciante. Pochi infatti sono i passaggi che inseguono trame allegre, come My Kind Of Woman: il trio tenta di aprirsi a composizioni lente e in parte emotive con talvolta una batteria presente ma che viene trascinata dalle chitarre, e non viceversa.

Un buon lavoro che richiama il passato, il polveroso e straziante blues, di quello fangoso e cadenzato. Da ascoltare in campagna o in qualunque altro posto in cui le lancette dell’orologio non hanno fretta di correre.

The Cyborgs – Extreme Boogie

All’interno del fenomeno dei duo project, a cui noi dedichiamo ampio spazio tramite la nostra RockGarage Radio, la formazione più misteriosa, più stravagante riguardo al genere proposto ma al tempo stesso più realista per i temi trattati sono i The Cyborgs. Un duo mascherato ma che non c’entra nulla con il metal, una realtà che ha le idee chiare, che parla di “fine del mondo” ma che poi preferisce il codice binario per esprimersi, un combo che ha un animo rock ma che si cela dietro il motto “se non balli non c’è futuro…“. Contraddizioni (piacevoli) a parte, i The Cyborgs sono tornati, già forti delle tantissime date dal vivo realizzate con la loro precedente uscita; ma cosa si aspetterebbe l’incauto ascoltatore che vede per la prima volta questa formazione? Modernità (in parte c’è) e forse rock duro o metal! Sbagliato perché Zero e Uno (questi i nomi “in codice” dei due artisti) si muovono all’interno della scena blues e lo fanno spolverando tutte le vecchie regole del genere, pentatoniche comprese. Rock? A rigor di logica, grazie alla loro carica esplosiva, ci sarebbe anche quello ma è il blues (e il boogie come suggerisce il titolo del nuovo album) che fa da protagonista.

Extreme Boogie è un album concepito da un duo ma che all’ascolto sembra realizzato da una band al completo (sarà forse il risultato dei molteplici arti rappresentati nell’artwork?), tredici tracce di musica trascinante, con una voce lastricata di effetti che offre un contrasto emozionante rispetto alla classicità del blues proposto. Restare immobili sotto Cadillac (un titolo azzeccatissimo per ciò che trasmette il brano) o sotto Spanish Is Sexy (che ricorda alla grande gli ZZ Top più in forma che mai, insieme anche alla ruvida Up Down Left Right) è praticamente impossibile anche se a noi piace segnalare SOS per i suoi cambi di tempo. Sarebbe un peccato non citare anche Cyborg Boy che rallenta i ritmi e ringrazia Lou Reed per quanto ci ha regalato nel passato (remoto) e infine Zero Blues che abbraccia il blues più classico con delle linee vocali che citano la strafottenza di Mick Jagger.

Un album da bere tutto di un sorso, senza starci troppo a pensare e ballare perché questa musica fa muovere i fondo schiena e, diciamolo, è fatta principalmente per un ambito live. Ma niente paura, se siete fortunati troverete i The Cyborgs nei dintorni della vostra città, dentro magari un UFO o con una saldatrice in mano. Quello è il momento di seguirli e ascoltare la loro musica.

Papaslide – Deepest Pain

Il cielo è blues sopra la Norvegia. Di nuovo, perché Rune Nordvik è tornato con Deepest Pain, il successore di What Are We Living For?, uscito nel 2011. Tra le 12 tracce dell’album, cinque sono cover, tributo ad Albert Collins (Give Me My Blues), Mark Knopfler (Six Lama) ed al maestro idolo di una vita, Johnny Winter (Master Mechanic, If You Got A Good Woman, Serious As A Heart Attack). Ci troviamo di fronte quindi al solito buon vecchio blues. Un motore affidabile come pochi che Nordvik ha tentato di manipolare inserendo elementi più rock. La voce cartavetrata del singer rende convincente ogni traccia, anche se a volte non riesce a regalare quel pathos degno del genere blues. Alla chitarra il tributo di una vita a Johnny Winter appare chiaro, che ascoltandolo strizzerebbe l’occhio in segno di approvazione. Bjarte Aasmul dal canto suo pennella gli assoli con grande cura senza creare trame estasianti, ma procedendo lungo la strada sicura dei vecchi maestri. La sezione ritmica procede in modo sapiente per tutto l’album sapendosi mantenere nella giusta posizione senza strafare.

E’ sempre piacevole notare come ormai i confini della geografia musicale non esistano più, e scoprire per esempio che il buon blues risieda anche in Scandinavia. Deepest Pain rappresenta un buon mix di elementi di canzoni blues, rock e folk che a tutti gli appassionati del genere lascerà più di un sorriso sulla faccia.

Diablues And Fàntas – When The Harmonica Add Cracks

Tra le colline di due stati, un gruppo di quattro, otto, dodici uomini suona il blues per le loro famiglie ed i loro amici. Girano le enoteche, i pub, cercano di far vivere il blues attorno a loro, anche passandoselo di padre in figlio, riascoltano vecchi nastri e soprattutto ne incidono di nuovi. Dove c’è fermento nascono le nuove band ed i Diablues And Fàntas hanno portato il blues che risuonava tra i colli orientali friulani ad un incrocio con un suono molto più rock’n’roll, psichedelico ed elaborato. Il cuore della band è un power trio, Baron Carlettosef, Mattro Manùt ed il Dottor Manuzzo ma è proprio quest’ultimo che ha fondato la band assieme all’armonicista Piccovùk (il misterioso assente, di cui parleremo poi…). Nati come duo di street buskers, chitarra ed armonica, dedicati alla reinterpretazione dei classici del blues, si fanno prendere la mano dalla scena di amici ed intenditori che si stringe attorno a loro, arrivando addirittura ad arruolare musicisti durante una prima serie di concerti a metà fra il cabaret ed il rito satanico; così entrano a far parte del gruppo il bassista ed il batterista: i Fantàs.

9 mesi di gestazione, da fine 2013 a luglio 2014, danno vita a When The Harmonica Add Cracks, sette tracce inedite inspirate dalle loro live session di grandi classici e da una sfilza di prove al 2+2 Recording Studio di Enrico Perusin. Super Mixer analogico, pulizia ed il minimo di attrezzatura per ottenerla. La band dichiara che non è servito spiegare nulla ad Enrico, era abile, interessato al progetto ed ha sostenuto in prima persona tutti i costi di realizzazione. When The Harmonica Add Cracks è stato registrato registrato in presa diretta, con il minimo di sovraincisioni, una batteria jazz fatta bene, qualche piccolo segreto chitarristico ed un suono particolare. Tutte cose che possiamo apprezzare nella prima traccia: Majestic Queen, solido ed elegante blues ibridato con chitarre hendrixiane, un convenevole, prima di scendere in profondità. Dalla seconda traccia in poi le ritmiche si fanno più sghembe, gli swing sono malati, irregolari, la chitarra si colora e anima diverse melodie, vibranti, strane.e soprattutto entra la voce molto rock’n’roll del Dottor Manuzzo. Where The Yellow Coins Are Buried, Sciarfless Leader, Half Man Half Son’g sono armate di voce roca, chitarre e bassi caldi e distorti, ti avvolgono in un sogno pesante ed impossibile. Testi psichedelici e tematiche surreali non mancano, Half Man Half Son’g è un trip degno di uno sceneggiato sci-fi mentre Pink Devils e Wild Pleasures sono canzoni gemelle, un lungo discorso su paranoie e piaceri accompagnate da una pacca sonora costante, la cavalcata senza fine, che contraddistingue il buon rock’n’roll. Ritmo, pochi effetti, una batteria con un vero charleston degli anni ’30, un’impronta costante data dai classici amplificatori Orange ed alcuni strumenti di liuteria, sono il loro punti di riferimento (cit. la “Frankenstein” del Dottor Manuzzo – pickup potenziati, circuito hackerato, ronza assicurata.).

Come rivela la track finale Simple Things uno dei loro motti è “Enjoy the party instead”, spalleggiati dal Blues Club 356, le osterie della zona e la cricca locale oramai in molti conoscono sia i loro live che il loro suono. Il Blues Club 356 (come la strada provinciale 356), non ha una sede, la sede originale non c’è più, sono i vari personaggi tra musicisti, gente che lo fa come secondo lavoro, o folli appassionati che si stanno aggregando in una scena senza garanzie o obbligo di presenza tra i filari, non i campi di cotone e tra di loro i Diablues. Nella presente edizione dell’album viene soppressa la traccia di armonica, la prossima ne vedrà l’inserimento ed inoltre la partecipazione di molti lodati ospiti selezionati tra i componenti del Blues Club 356.

Infine dopo un anno di lavoro con i Diablues il Dottor Manuzzo dichiara per inciso: (visto che ho avuto la fortuna di poterci parlare di persona…) “si hanno sudato, ma si sono lavati ed hanno cambiato gli abiti appena possibile. Ogni tanto hanno usato anche del profumo per attirare le femmine”.

The Blind Catfish – The King Of The River

Il quintetto che prende il nome di The Blind Catfish ci regala delle grandi emozioni con l’album d’esordio The King Of The River. Sì perché di solito le realtà emergenti che omaggiano la “scena del Mississippi” (di cui abbiamo ampiamente parlato con questo articolo) lo fanno ancorate alle loro radici, come se il blues fosse nato e morto in quegli anni e non avesse diritto ad un futuro. i The Blind Catfish ce lo propongono in chiave rock, quindi commestibile anche per chi si accinge a scoprire nuove band che parlino un linguaggio più giovane. Attenzione però a non fraintenderci: Questa formazione ha talento e sa di certo che non bisogna calpestare il rock blues delle origini e quello più storico: lezioni di The Blues Brothers, Creedence Clearwater Revival, Gary Moore si ritrovano in questo lavoro ed è bello vivere l’elettricità di questi brani, gli assoli in pentatonica che fanno entrare in trance, i watt che aumentano. Nomi storici certo però con una musica riproposta, a nostro parere, in modo che possa piacere a tutti, anche se si sa che il rock blues (suonato bene) potrebbe far muovere chiunque.

Bella la produzione, bello il nome dell’album che richiama la scelta che i ragazzi hanno voluto fare del proprio moniker, belle le influenze quasi hip hop nell’intermezzo di Finding Emily (per chi pensasse che questa band è ferma immobile sul proprio sound), bella anche Belong To You, una ballad particolare che dimostra tutta la saggezza in fase compositiva del combo. Ascoltare brani come Red Pants Panda o Late Night With The Cat ti dà una carica incredibile: indipendentemente da quanto ami il blues, vieni trascinato ed è difficile restare fermi ad ascoltare. Convincente anche la voce di Pietro Pivetti, calda ma per nulla scontata per questo genere, la ciliegina sulla torta per un sound davvero persuasivo.

Ma al di là della loro energia c’è un momento che vale l’acquisto dell’album: la cover di Billie Jean di Michael Jackson, praticamente il brano che ha avuto il successo commerciale maggiore nella sua intera discografica e che ha rappresentato gli anni ottanta nel complesso. Qui viene stravolta e viene eliminato lo spirito ballabile del brano che Jackson aveva fortemente voluto (lavorando per settimane al suo giro di basso e agli arrangiamenti) e sta proprio qui la genialità. Perché si tratta di un brano triste che parla di una storia di una stalker e di uno dei primi numerosi scandali che la famiglia Jackson ha dovuto vivere. I The Blind Catfish la reinterpretano nello stato d’animo giusto, quello che forse provava Michael Jackson quando componeva questo capolavoro. Solo per questo si meritano tutta la nostra stima.